艺术瓷砖。
我很早就知道已故陶瓷美术家王云泉的名字，缘由是他的瓷画作品和技艺在陶瓷美术界、收藏界均有较大的影响。不久前，应邀到我市藏瓷家胡志德先生的住处集中见到了王老的一批山水瓷画遗作，百闻不如一见，确实给了我很大的震撼。我很遗憾未与王云泉见过面，但其尽善尽美的多幅山水瓷画作品，展现出来的精细至微的艺术构图、清新淡雅的墨彩和深厚的艺术功夫，给我留下了非常深刻的印象。
王云泉的山水瓷画，有着非常扎实的传统中国山水画底蕴。他在多年研读、临摹历代名画中，以其较高的悟性、敏锐地把握住传统绘画中的精华之所在，其笔墨、设色、经营位置得古人之妙，作品古朴中透着时代气息，气势磅礴中又有一股清润之气，格调高雅、别具情趣。观他的山水瓷画，往往可使人的灵魂在秀美、神奇的意境中得到净化，从而使拘于眼前的“物趣”者，领悟到“逸趣”“大趣”的可贵。
谢赫在《古画品录》中将绘画艺术归纳成六条标准，其中“气韵生动”是六法的核心。我们认为“气韵生动”即为画面的气势和韵味，“气”是画中贯注的一种创作激情，“韵”是体现画面的节奏、旋律等。王云泉的山水瓷画基本上具备这些特征。在画面中，他将传统山水画技法注入现代审美意识，使墨、色、水三者巧妙地有机结合，相互渗透，各不相扰，又各显灵性，形成特殊的韵味和自然天成的艺术效果，从而达到“气韵生动”的境界。
王云泉从艺六十多年，到过很多地方，他遍游庐山、井冈山、黄山、九华山以及浮梁、乐平的山山水水，上云贵，下三峡，沉浸在祖国多娇的山水之中，尽情享受着大自然的恩赐，在雄伟壮丽的山河面前，拜自然为师，热爱它、尊重它、感悟它，从它无穷的、丰饶的源泉里汲取养分，提炼出艺术的精华。看他的山水瓷画作品，总有一股大自然的鲜活气息扑面而来，山川之美与笔墨之美紧紧地融合在一起，自然中真实的山水与瓷画中的山水合二为一所产生的艺术魅力把你吸引进去，跨过王云泉为你架起的桥梁，去感知祖国的大好河山，去品味中国山水瓷画的美妙境界。
王云泉的山水瓷画有情、有理，富有时代感。但他的瓷画又不单单是情理和时代的图解和注释，而是通过笔墨创造艺术形象来感动人的。观他的瓷画是感受他所画的祖国山河景色之美，而这些景色是具体的艺术语言构成的艺术形象、艺术境界、艺术形式美。从而使传统的山水瓷画艺术上升到一个新的高度，进而也使他成为中国当代山水瓷画史上不可多得的大师级人物。
王云泉的山水瓷画虽尺幅不同，境界有大有小，风物有博有约，但给人的总体印象是构图饱满，境界新奇，岗峦错纵雄强，草木丰茂多发，千岩竟秀，万壑争流的奕奕生气。他的画作有不少是重在描绘人物所处的环境位置以及人物的举止。而山溪树石则成了人物的陪衬和背景，山水瓷画的意境是通过点景、人物来凸现的。在王云泉传世的《公园揽胜》《孤山放鹤》《渔樵耕读》《江南春色》《放牛乐》《春景图》等遗作中，我们可知王云泉构图的“犄角”是人物及其居所。他在我所见到的许多山水瓷画构图中，均妥善地安排了人物所在的位置，也就等于安排好了人物。从而使山水瓷画的意境自然浮出水面。这是王云泉山水瓷画艺术构思的突出特点。
《渔樵耕读》是王云泉的一幅有现代生活气息的力作。此作以朗润、细如毫发的笔调营造出一个可游、可居、可观、可赏的艺术境界，从而引发读者极为丰富的审美联想。此图绘江南早春，峻拔秀丽的峰峦下，江畔坡岸已被青绿之色的嫩草覆盖，平静的水面上停靠和游弋着捕鱼的小舟，牧童坐在牛背上悠闲地唱着歌，而江水两岸的楼阁屋舍，则同样被掩映于茂盛树木的新绿之中。画中的山石肌理多用侧峰点厾或点苔的技法，山石突出乍眼，
大小堆积，长短簇拥，其形好似香蕉，其势犹如涌涛，颇具质感和动感。最为令人叹服的是，通幅画作虽多用醇清翠亮而不透明的青绿设色，但却能在敷色时既不掩盖原来的勾擦皴色，又能使瓷画中的山石树木结构清晰，分出阴阳，艳而不俗，故显得既明丽、沉着，又活泼、生动、细腻，显现出笔法讲究、造型精美、用色得当、意境幽秀的审美特征。
王云泉是瓷都景德镇近现代山水瓷画史上一位非常特殊的人物。应该说，他对中国工笔兼写意山水瓷画的贡献非常突出。尽管王云泉的价值直到今天仍没有被真正地全部解读，但他的山水瓷画艺术却越来越得到人们的重视和喜爱。特殊时代的瓷都孕育了王云泉，同时也成就了他的艺术，确立了他在当今中国瓷坛的历史地位。
艺术欣赏、艺术评论本是见仁见智的事，我哆嗦了这么多，也许谈到了一点东西，也许什么也没谈清楚。门外人谈瓷画，只是一种声音。白居易说过：“感人心者，莫先乎情”，罗丹断言“艺术就是感情”。王云泉先生一生钟情于祖国山水，纵情于陶瓷山水艺术，大自然中留有他的足迹，陶瓷山水作品中凝聚他的灵魂。如今，他虽然作鹤远去了，但品读他的遗作仍不断给这个世界带来感动。苦与乐、顺与逆、悲与喜、简与繁、清贫与富裕、失意与得宠，平生一本心，目光所及都是笔下淡泊的山水风景，笔画所触的一切都是一种顶天立地的豪情。他的艺术生涯和艺术作品，对于我们研究中国现当代陶瓷美术史将有着非常重要的意义。
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文人瓷画的先驱——浅绛彩绘艺术
近年来，在瓷器收藏中，一种浅绛彩瓷正吸引越来越多收藏者的注意，其身价也在不断攀升。特别是在古玩市场上，不时可以看到有人在向摊主问询是否有浅绛彩瓷，同时在国内一些拍卖会上也出现了像程门、王凤池这样有名气的浅绛彩瓷艺人的作品，并且逐步有了固定的购藏群体。
浅绛彩瓷是清末时景德镇具有创新意义的釉上彩新品种。从同治、光绪到民国初约50年之间，融诗、书、画“三绝”于瓷器上表现，使瓷画与传统中国画完美结合，创造出了瓷画的全新面貌。”浅绛“原是借用中国画的概念，指以水墨勾画轮廓并略加皴擦，以淡赭、花青为主渲染而成的山水画，起源于元代。其画家代表人物为黄公望。而浅绛彩瓷中的“浅绛”，则特指晚清至民国初流行的一种浓淡相间的黑色釉上彩料，在瓷胎上绘出花纹，再染以淡赭和水绿、草绿、淡蓝及紫色等，经低温烧成的一种特有的低温彩釉。它的题材除山水外还有人物、花卉等。
同治、光绪两朝是浅绛彩瓷最流行的时候，瓷瓶、瓷板、帽筒、茶壶、花盆等都有制作，在当时风行一时。从事浅绛彩瓷制作的艺人大多有较高的艺术修养，他们通书画，能诗擅文，制作浅绛彩瓷时，从图稿、勾画到渲染都是由一人来完成的，使画面自由洒脱，充满了艺术表现力。这种彩瓷的特点是在上面题上作者名字，或题上诗句，首次将中国画中的诗书画一体的传统表现手法展现在瓷器上，文化气息浓郁。后来，艺人们开始用进口的彩料绘烧瓷器，也就是一种新粉彩，开始成为一种新的流行，并代替了浅绛彩瓷。浅绛彩瓷是清末这段历史上所特有的艺术种类，以其独一无二的特性于中国陶瓷史上倍显珍贵。
所以，近年来浅绛彩瓷的升值空间也在不断拓宽，备受瞩目。那么藏友在收藏瓷器时需要把握哪些注意事项呢？一是要注意画面的完整性。浅绛彩瓷器是低温烧成，受彩料与烧制工艺的限制，彩料与胎釉的结合不够紧密，容易脱落，这在收藏时要引起注意；二是要注意收藏名人作品，浅绛彩瓷在制作中，涌现出了一大批杰出的人才，他们的作品艺术水平高，具有极高的欣赏价值。同时，因为历史条件的限制，保存的相关资料并不是很多，在上个世纪90年代以后，人们才对他们有一定的认同，当时的代表人物有：程门，字松生；金浩，字品卿；王廷佐，字少维；王凤池，字丹臣，其实还有许多未见著录的浅绛瓷高手，只能根据他们的作品来判断了。这就需要收藏者做足功课，才能找到真正的精品。
瓷画漫谈
陶瓷是把玩艺术里最精髓的一种了，它与金银器相比，少了些世俗味，所以把它与天然皎洁的玉相提并论，这样的审美正是符合中国传统思想“自然而然”、“天人合一”的哲学范畴。所以早期的陶瓷很少有画面，是讲究洁白如玉，毫无瑕疵的。比如宋代的青白瓷，温润剔透，天然琢成。至元朝，蒙古人的审美习惯成了主流，他们那些镶嵌雕刻在金银器上的花纹就逐渐附注在陶瓷上了，加之西亚，欧洲的图式也因外销瓷的定制进入到陶瓷的装饰中来。直至清代，景德镇陶瓷到达鼎峰时期，但大都追从繁复、华丽的装饰风格。
宋、明时期，道家学说、程朱理学的推广和盛行，使得陶瓷的装饰也变得疏朗起来。理学认为，太极之理是宇宙的根本和本体，太极本身包含了理与气，理在先，气在后，太极之理是一切理的综合，它至善至美。在这样的思想背景影响下，明代陶瓷装饰不再那么精密，而是疏密有致，阴阳相间。线条在青白的瓷质之间更显得有轻盈文雅之气。近代国难不断，官窑的衰末，精致的装饰不复盛行，简练而清新的中国文人画便随一些文人雅士的演练在陶瓷上展开了。珠山八友前后的陶瓷艺人为此作出开拓性的创新。此风一直延续至今，新人辈出、百花齐放。
但随着近现代多次的文化断裂，传统文人画体系没有真正的侵入到陶瓷绘画中来，从而过多的注重工艺的特性了，对于绘画的深化相对淡漠了些，故而怎样把陶瓷材料的特性运用得当，又符合时代的审美趣味和时代特征，并深化绘画的意境，是我辈身处瓷都的业者该去思考并追求的方向。可喜的是，随着艺术的发展，诸多的本土和外来的艺术家介入到陶瓷领域，使得陶瓷艺术表现有了更多的表现样式和境界。也为我们打开了更为广阔的眼界和思路，为实践创作铺垫了更多的可能性，把工艺性陶瓷推向更纯粹的艺术表达媒介上来。