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瓷画效法陈老莲

瓷画效法陈老莲

老古代瓷器 古代莲瓣花纹瓷器 青花老瓷器鉴别

2020-04-27

老古代瓷器。

笔者有一瓷友收藏了一件康熙时期的青花盘底残片(见图)。其画工严谨细致,青花发色纯正,为典型的“珠明料”。画面中的芭蕉、人物的服饰、丰腴的面容,生动地表现了一个娉婷娴雅、低眉含羞、百般娇娆的怀春少女。青花瓷画的画风明显受到明代画家陈老莲的影响,这幅精美的瓷画简直就是陈老莲版画《西厢》中“窥简”的翻本。

陈老莲是明末清初杰出的画家,工山水、花鸟、书法,尤以人物画成就最高。陈老莲的画影响了明末清初许多画家。

陈老莲的画风异于当时的画风而同于晋唐的画风,平淡疏静而又高古清远。明清画家画仕女大都纤弱苗条,特别是到清代早期更为明显。而陈老莲的画受唐人的影响最大,画中仕女多丰腴肥厚,力追古意,不从俗流。

明清时期是中国木刻版画的鼎盛时期,传世作品中,山水画首推萧云从,人物画当首推陈老莲。陈老莲的主要作品有《九歌图》、《水浒叶子》等。陈老莲作《西厢》插图,共3种,其中几幅尤佳,第一幅是莺莺像,其余是《西厢》中故事情节,依次为“目成”、“解围”、“窥简”、“惊梦”、“报捷”。“窥简”一段尤为精彩:莺莺立在屏风前,偷偷观看张生给她的情书。把她心里乐滋滋的神态,刻画得淋漓尽致。

陈老莲的画不但在国内广为流传,还流传到国外。毛奇龄在《陈老莲别传》中也记到:“朝鲜、日本藏购莲(老莲)画,重其值。”

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南宋 陈居中绘画作品


陈居中,南宋画家。嘉泰年间(1201-1204)画院待诏,生卒年不详。专工人物及马,杂画亦佳。擅画反映贵族游乐、出猎生活和表现少数民族放牧风情等题材,注重写实,观察入微,构图简洁,风格清新,富于生趣。明人题其《八骏图》称“精彩逼真似唐画,系临史道硕、韩幹之辈,为两宋人物第一神品也”(吴其贞《书画记》)。元代夏文彦《图绘宝鉴》谓其“布置着色,可亚黄宗道”。

南宋 陈居中 文姬归汉图

绢本设色,纵147.4厘米,横107.7厘米。台北故宫博物院藏。

此作绘汉末女诗人蔡文姬在战乱时被匈奴人掠走,后为曹操派使节接回的故事。画家描绘了这样一个情节:塞外的土坡沙丘之间,左贤王与蔡文姬端坐于氈毯上,汉使相向而坐,双方的随从侍于周围,车马都已准备完毕,等待踏上返回中原的征程。左贤王在双手托盘送到身体一侧接酒的同时,双眸仍注视着蔡文姬,神态凝重。蔡文姬身后站立着她的两个孩子,年幼的紧紧地抱住母亲。对蔡文姬而言,日夜思念的回归故土竟与亲生骨肉的决别交织在一起。画家成功地、艺术地再现了这一感人的场景。作者于人物的刻画上极见功力,蔡文姬的文雅端丽、左贤王的神凝重、幼子的驚恐、汉使的雍容,都十分个性化。就是双方随从的神态亦不雷同。环境的描写也反映出画家创作的精心和深厚的生活积累,如俯仰蟠曲的枯木枝幹很真实地体现了塞外景物的特征,圈中马匹无论何种角度都描绘得很精神。全图线描细劲流畅,赋色绚丽匀整,风格细腻精致,是传世南宋人物画的佳作。此图无名款,旧题为陈居中所作。图中钤有清内府鉴藏印,《石渠宝笈续编》著录。

南宋 陈居中 四羊图

册页,绢本,淡设色,纵:22.5厘米,横:24厘米。北京故宫博物院藏。

此图绘四只山羊在枯树下打斗、观望的不同动态,形象生动,逗人喜爱。全图用笔简练朴实,色调柔和中又有对比。以大面积淡墨渲染出坡地,将天地区分开来,并很好地衬托了画面的主体。图中景物高低错落,画面富于变化,不愧为陈居中的传世佳作。

宋 陈居中《苏李别意图》卷,绢本设色,25.2×121.4公分。台北故宫博物院藏。

苏武出使匈奴被羁,守节不屈,徙北海牧羊十九年;李陵出征匈奴,力竭被执而降,武帝诛其家,遂不得归汉。李陵闻苏武将返,特来相饯,泫然对泣,不胜哀戚。画幅中苏武与李陵握手道别,景物萧瑟与人物愁蹙的表情相呼应。 陈居中,生卒年不详,宁宗嘉泰(西元一二○一至一二○四)年间,任职画院待诏。此幅敷色古澹,从画风看,约是十四世纪中期后人临本。

陈居中《苏李别意图》卷局部

陈居中 (传) 明皇狩猎图 手卷

题识:嘉泰(1201)元年秋仲陈居中写。

钤印:秘府、曹鸣铎字振之、奉裕堂曹氏珍藏、蒲姑、杨泰、敬仲、柯九思印

说明:杨泰、柯九思跋。

陈居中 贵妃簪花图 立轴

陈居中 松泉高士 立轴

陈居中 1201年作 羌胡出猎图

桃源仙居图

尺寸:画心:36×300cm跋文:38.5×31cm

材质:设色绢本手卷

款识:嘉泰二年摹李道昭笔,居中。 钤印:奂阳(朱) 跋文: 大内藏珍爱宋人,每夸眼福到平民。君家自有佳山水,一卷携将不厌贫。僊山楼阁都无恙,世外桃源迹岂多。展卷百回看不厌,袌残猷记共摩桫。仲琴先生得宋陈居中画卷,携之羊城,相示别离。岁余,予在北平两经国庆,覩故宫之书画,忆旧卷而难忘,来书属题,因寄小诗以当怀想。民国二十四年十月十日。容肇祖并记于景山堂。容(朱)肇祖(白) 签条: 宋陈居中画卷。容庚为嵩园题。钤印:容庚之印(朱) 鉴藏印: 宜子孙(白)惟寅秘玩(白)南邨(朱)孝标(朱)西秦张氏家藏之章(朱)霅溪钱舜举画印(白)宇昭孔明(白)蕉林(朱)吴逸士宋子虚(朱) 著录:《岭南学报》第三卷第二期P176—180,《宋陈居中画卷》,黄仲琴着,广州私立岭南大学,1933年。 说明:1.容庚题签条,容肇祖题跋。 2.梁清标、高凤翰、钱本诚、黄仲琴等收藏。

陈居中 (款) 瑶池会 手卷

传世作品有《文姬归汉图》、《胡笳十八拍图》、《绝塞逢春图》、《进马图》等,图录于《故宫名画三百种》;所作《四羊图》册页,绢本,淡设色,纵22.5厘米,横24厘米,笔法简练朴素,用色柔和,对比强烈,无款,左下角钤有“陈居中画”朱文印,现藏故宫博物院。

瓷画掇英


清末民国初期的浅绛彩瓷是文人画家的瓷绘作品。民国年间的景德镇瓷画艺人致力于把纸绢上的中国画移植到瓷器上,因此瓷板画受到了人们的青睐,成为了重要的商品瓷。加之民国时期市场的旺盛需要,促使瓷板画的创作一派繁荣,产生了一批对后世有重要影响的瓷绘艺术家。以王琦为首的“珠山八友”是此间瓷画的杰出代表。除珠山八友外,还有一大批造诣深厚的瓷画艺人,有的水平并不在珠山八友之下。另外瓷板的烧造、颜料的配制、色彩的填绘等,都达到一个新的高峰。

有一幅由民国时期多位名家合作烧造的瓷板画精品,由吴霭生烧造瓷板,汪大沧绘画、余灶昌来填色、汪野亭题跋,珍贵异常。

画面山峦延绵,层层叠叠,树木葱茏,天高云淡。远眺山间江面,水天一色,几叶小舟,漂游其间。近看一座高山耸峙,曲径蟠延,塔立峰顶。山坳屋宇一座,周围桃花盛开,溪水潺潺,小道蜿蜒。小道上两人缓行,前为老翁,手持拄杖,后有书童,携琴而随。整个画面以青绿彩料敷染,勾皴并用,树干淡赭,桃花洋红缀点,一派春光,溢出画面。

左下角,题款“大沧画”。两方印章:汪一粟、大沧。

右上汪野亭题跋:

高山流水天然韵,报得琴来不用弹。

戊辰暮春,灶翁以大沧画索题,嘱曰:此非卖品,是吾一生工作之成绩,留为子孙永远之纪念。美哉!美哉!我以吴霭生胎,汪大沧画,余灶昌色,诚瓷品中三杰也。赞之曰:惟精惟一又如我。灶翁先生之炼性三宝而归一者欤。民国十七年岁次戊辰为灶昌余大朦子奇哂正。

翥山传芳居士野亭汪平书并题。

后有一圆形印章“汪平”,一方形朱文印章“野亭”。

从这幅画的题跋中可以知道,余灶昌是一位在景德镇长期专门从事彩瓷填绘的艺人,1928年暮春之时,精选吴霭生烧制的白釉瓷板,请汪大沧绘画,自己亲自填色,恭请汪野亭题跋,欲将该瓷板画传与子孙作为永久的纪念,非一般的普通商品瓷画。

汪大沧(1901-1953年),号一粟,别号桃园老农,安徽黟县人。毕业于浮梁乙种工业窑业学校,曾经名师潘匋宇指点,又从毕伯涛学习诗词。他成名时间稍晚,虽未列入珠山八友之中,但风格与之相似,绘画技艺不在珠山八友之下。20世纪40年代开始在景德镇享有盛誉,以秃笔画粉彩山水,用笔简练沉着。这幅画描绘精细,体现出汪大沧意境开阔、山水苍茫的风格。

汪野亭(1884-1942年),珠山八友之一,名平,号元鉴,又号传芳居士,江西乐平县人。1906年就读于江西省立窑业学校,先从张晓耕、潘匋宇学绘花鸟,后改山水。他身体力行改革瓷板画的画法,移植国画技法于瓷板画中,还以油彩一改瓷绘山水呆板单调的缺陷,使粉彩山水更具表现力。

吴霭生(1886-1926年),名毓麟,广东南海人。少时经商香港,1909年来景德镇创办合兴瓷庄,曾任1912年成立的瓷业美术研究社社长。在景德镇17年,从事改良制胎色釉的研究工作,创造的新白釉“为古所无,人见之诧异钦羡,公之名洋溢中外矣”。其釉色洁白如玉如丝,被称为“五绫窑”。民国初年的许多瓷画名家专门选用吴霭生的白胎瓷。时至今日,能够肯定为吴霭生的白胎瓷已经很难见到了。这块瓷板平整无瑕,釉质莹润,白色纯正,为吴霭生烧制的正品。

清代官窑的粉彩瓷由朝廷颁发的画样,工匠照描于器物之上,再交由填色工匠填色。瓷板画的工序相类似,瓷绘艺人在瓷上绘出大致图案后,交由填色艺人精细填色。填色技术亦有高下,地位却不同,往往为后人所忽视,瓷板画上一般只有画者留字题名,而填色艺人大都默默无闻,留有填色者姓名的作品几乎没有。

余灶昌,我们知之甚少,只晓其为安徽人,1928年汪野亭称余灶昌为翁,那么余灶昌当生活在清代晚期和民国前期。余灶昌擅长粉彩颜色,填彩用色准确,浓淡适宜,层次丰富,准确描绘了画者所要表达的意境。这幅瓷画彰显了景德镇一代填色名师的风采。

汪野亭在题跋中将吴霭生的白釉瓷板、汪大沧的绘画和余灶昌的填色称为三杰。实际上,由于汪野亭的参与,该瓷板已是瓷中四杰之结晶。汪野亭借古语“惟精惟一”来称赞三位制瓷者,同时也抒发个人对制瓷的态度。

瓷画收藏方兴未艾


瓷板画行情近几年有升温态势。

从“珠山八友”瓷板画的拍卖行情来看,其作品成交额呈逐年攀升趋势。2008年拍卖的王琦粉彩瓷板画《渔翁图》以241.5万元成交;2009年拍卖的王大凡一件《黄山四千仞》瓷板画拍出780万元的高价;在2011年的嘉德春季拍卖会上,王大凡的粉彩瓷板画《禹王治水图》以920万元创个人成交纪录。在数十年的时间里,“珠山八友”瓷板画的成交价格从几万元直线上升到几十万元,甚至成百上千万元。

在业内专家看来,当代瓷画艺术刚刚兴起,尽管在拍卖市场很受欢迎,但还没有引起大规模跟风炒作。

瓷画艺术价值凸显

早在欧洲人掌握瓷器制造技术1000多年前,中国人就已经制作出很精美的陶瓷。“以瓷为纸,将画入瓷”,瓷上绘画是艺术中一个重要的表现形式。

瓷画兴起于清朝中期,至清末民初,景德镇就有一批新安派文人画家“珠山八友”介入画瓷,以画家的主体意识和情感表达,取代理性思维的陶瓷装饰设计,建立了瓷上浅绛彩的陶瓷绘画形式——瓷画。这种以艺术家的主体创造意识为主导的艺术形式,是把器皿和瓷板作为艺术表现的载体,是中国陶瓷艺术的一种新突破。

瓷画发展至今,众多的陶瓷艺术大师与艺术工作者聚集于景德镇,推动其快速而多元化地发展,呈现出百花齐放的景象。在主题上,取材更加多样化,有山水、花鸟、人物等;在表现形式与创作手法上,不仅继承了传统中国画绘画技巧,而且还融入西方绘画的表现形式,将油画、水彩等运用于瓷板画之中,更有大胆创新的艺术风格出现,如具有古风古韵的古彩、粉彩与新彩、古雅彩、珐琅彩、青花分水、半刀泥、高温色釉等将绘画艺术之美和陶瓷工艺之美完美地结合运用,碰撞出更为丰富的作品。

大学副校长宁钢教授介绍,瓷画跟其他画种有相同之处,都是平面艺术,是一种艺术美的表达形式。但是,瓷画又有别于其他画种,就是其具有独特的艺术语言,即陶瓷语言。瓷画不仅能充分展现创作的艺术水平与创作风格,同时因为瓷画的创作难度大,能更完美地体现出绘画技巧与高超的艺术水平和工艺水平。瓷画经得起时间的考验,与纸绢画相比,它的材料物理和化学性能稳定,不怕潮湿,不怕霉变,只要不撞击便不会损坏,像当今世界上许多博物馆保存的中国瓷器就是最好例证。再如,瓷画样式多样,除了常见的长方形、正方形外,还有圆形、椭圆形、扇形、鸡心形、叶形等等,便于家居装饰,既可独立成体挂于客厅、书房,又可当作家具的镶嵌饰物,或制成插屏或围屏等,更符合现代人的审美需求。

画家们在瓷上经过探索,不仅建立了自己丰富的艺术语言系统,而且还有许多特殊的表现方式,是国画、油画无法表达的。可以说,瓷画的综合艺术表现力,已经远远大于其他画种。美国陶艺家温·海格比来到景德镇,看见景德镇蕴藏着如此丰富的陶瓷艺术表现形态,潜藏着如此丰富的艺术表现语言,也为之震惊和兴奋。

现代元素赋予活力

由于瓷画还处于工艺美术的范畴,其发展潜能还不为社会广泛了解,又由于它还处于工艺美术的范畴,所以其发展不尽如人意。

清华大学教授、博士生导师李砚祖认为,时至今日,公众对瓷画的不了解仍是普遍现象,认为瓷画就是工匠的东西,跟纯艺术相去甚远,这其实是一种偏见。瓷画有釉上跟釉下的区别,釉上瓷画有粉彩、古彩、新彩、珐琅彩等,是在成瓷的瓷板上作画;釉下瓷画有青花分水、颜色釉、釉里红、釉下五彩、半刀泥雕刻等工艺,或一次高温烧成,或高温烧成后绘画再用低温烧制,瓷画的每一种工艺都是千变万化的。工艺绘画是一切民间艺术的根源,瓷画艺术是工艺跟绘画结合的纯艺术。

江西省工艺美术大师熊军,大学毕业后来到景德镇从事陶瓷艺术创作。他将高温色釉工艺大胆地运用到瓷画上,形成了自己独特的陶瓷语言,是景德镇新一批“中生代”的代表,这批“中生代”挑起了让陶瓷绘画成为一种独立艺术形式的历史使命。

熊军说,瓷画的艺术表达效果更优于其他门类的画种,瓷画是火、泥、釉跟绘画艺术的结合,是鬼斧神工的艺术,因为很多不可预测性,瓷画也是不可再复制的艺术品。陶瓷绘画所形成的艺术综合表现力,无论是语言形式表现的丰富性、色彩表现的丰富性、各种艺术处理、肌理表现的丰富等等,都是中国陶瓷艺术中最有生命活力的艺术形式。

瓷画收藏日渐升温

尽管瓷画历史并不悠久,但其在海内外的极高声誉地位加之中国画的深厚文化底蕴,使其深受藏家喜爱。近年来,随着人们生活水平的提高,艺术品收藏越来越走入人们的视线,尤其是高端艺术品价格不断攀升,民国时期最负盛名的“珠山八友”瓷板画成了收藏家们竞购的热门藏品,并现身各类拍卖会及展览会。

熊军认为,当代瓷画艺术目前刚兴起,尽管在拍卖市场本来很受欢迎,但还没有引起大规模的跟风炒作。“瓷画本身工艺复杂,艺术水平和成本很高,现在市场价格是被低估的。从材质上看,瓷画有其特有的个性,如果以颜色釉为颜料,在烧制过程中,颜色釉会有变化。因为其创作和复杂的烧制过程中,有许多无法预估的因素,有可能导致失败,也不可能有两幅一样的作品出现。这就形成了独一无二的高艺术价值。”熊军说。

“从收藏的角度来讲,从前作画所用的颜料是矿物质颜料,现在用的是化工颜料,相对颜色浓艳,但浓艳里带一种阴暗的绿灰。在古玩界,对一些古瓷彩釉上以及釉边出现的类似蚌壳内侧的珠光样的光晕,称作“蛤蜊光”。一般30年以上的粉彩都有蛤蜊光,现代工艺也能做出蛤蜊光来,但做的和自然吸收的是不一样的。自然吸收的蛤蜊光,深的就吸收得多一点,浅色的地方就吸收得少一点;但做出来的蛤蜊光都是一个层次。现代的仿品,颜料与白瓷的衔接部分也可以做出蛤蜊光来,但做出来的有一种像过渡色的颜色赭石色,这是高锰酸钾造成的。”大学教授郭文连介绍说,对于当代瓷画艺术市场来说,由于瓷画画家数量稀少,成功作品数量稀缺,瓷画作品艺术价值高,这些共有的特点,推升了瓷画价值,但在投资时需仔细辨别,以免买到赝品。

陈巧生香炉价格


我国的铜炉大部分的用途主要都是用来供奉,是我国古代铜器的独特品种,同时它也具有极其强的欣赏收藏的价值,铜炉有着吉祥的寓意。陈巧生出生于铜炉制作世家,最早从清朝开始就从事这铜炉和铜器的制作,陈巧生号炉香居士,他是家族技艺手法的第三代传人,整个家族在制作铜炉和铜器的地位上都有着极高的声誉名望。从上世纪的七十年代开始,陈巧生就致力于研究明朝时期到民国时期完全失传的宫德炉的制作手法,走遍了全国各地的博物馆,翻阅了大量的古书,经过大量的制作试验,功夫不负有心人终于研制出了明代时期发明的宣德炉的制作方法,从而在铜炉和铜器行业名声大噪,也将铜炉行业开始了飞速发展。陈巧生所研制的铜炉,都是仿制与明清时期,表面上与明清朝制作的并无差异,制作的工艺十分的精湛,色泽温润,造型和明清时期并无大异,所以陈巧生的香炉价格也是不等,上等的价格可以到几十万甚至百万。

陈巧生制作的技艺精湛主要是因为他的制作步骤,在原材料的选择上往往会加入金、银、锡、镁等重金属,加入这些重金属使得香炉的外观更加的细腻,手感非常好仿佛像婴儿的皮肤般丝滑。其次是制作的时候程序比较多,所有用来铜炉的材料都经过了十二项的步骤进行炼制,使得铜炉的材料没有任何一点杂质,光泽度和纯净度上的到了很大的提升,可以说是近乎完美,最后是香炉最后的成色上,从它的原料,到它的器型上都是很完美的。特别是在香炉最后的神态上真的是有一种仙气的感觉,传承了中华民族的优良品德同时将制作的工艺技术也得到了质的飞跃。

离我们最近的2019年1月的英国皇家贵族拍卖有限公司承办的拍卖会山,陈巧生先生的香炉在此拍卖会上拍卖出了一百三十万的价格,这款香炉的造型是典型的我国古代造型高贵典雅的风格,工艺也是十分的精湛,在香炉的润色上也是非常的细心,色泽润和,成色像是我们现今保留下来的古府古檀色一样,虽然颜色略显深沉,但同时也充满的灵气之感,所以总体上看这款香炉也是属于上等的类别。

陈巧生先生在2010年亲自创办了位于江苏苏州的艺术馆,该艺术馆都常展出的都是陈巧生四十多年来的制作的宣德炉、香炉等等铜炉和铜艺作品,有许多的大众都慕名前往。陈巧生先生到目前为止所制作的铜炉款式已超1200种,其中最大量的优质香炉都在全国各地进行展览,越来越多的人都了解到了香炉的制作工艺以及它的前世古今。不得不说的是陈巧生先生的潜心研究才将我国失传已久的明清时期制作铜炉的技艺重新获得新的发展,虽然陈巧生先生香炉的价格较贵但是由于它的技艺以及存世量都不多,所以这个价格也还是可以接受的。

釉上彩山水瓷画与传统山水国瓷画


传统国画山水顾名思义是以自然山川等景观为绘画主题的。山水画历史相较于其它画类来说偏短些,但它同样也在历史的长河中经历了启蒙、发展、成熟和后期等阶段。不同于其它画类,早期魏晋时期文献资料中便有对山水画的记录《论画》一文中“凡画,人最难,次山水。”

由山水画的历史发展轨迹来看,山水与人物是密不可分,有着千丝万缕的紧密联系,是文人的另一种精神寄托。也是国画山水不同于西方风景绘画的一大特质,国画山水更注重于对思想情感的意境表达,而西方风景绘画更注重写实的画面质感。

釉上彩这一陶瓷领域的特殊画种,由早期的宋金红绿彩发展而来,直至清康熙、雍正时期达全盛时期。釉上彩瓷可以是指各类材料在已烧成瓷的坯体上的绘画形式,它可以是白釉瓷、单色釉瓷,亦可以是多色彩瓷,釉上彩瓷往往具有二次烧成的特色,彩料绘制瓷胎上后经二次入窑烧制,温度为600~900℃低温二次烧成。山水可以说是釉上彩瓷装饰中主要的绘画题材,贯穿于釉上彩绘画历史长河中,清代釉上彩山水瓷画达到成熟期。釉上彩山水瓷画的发展始终离不开传统山水绘画,可以说是在其基础上发展而来的一类新型瓷画品类。

传统山水画引入釉上彩山水瓷画后,在丰富了釉上彩陶瓷绘画形式的同时也是对传统艺术文化的另一种传承和转变。在创作材质上国画山水和釉上彩瓷画有着本质的差异。一个是在纸质材质上以国画颜料和水墨表达,另一种是以陶瓷这一特殊材质可平面可立体的多维视觉表达。前者是注重笔与纸之间的碰撞,后者则难度更大,需要艺术创作者在了解各类釉上料性的同时对其烧成后效果有着更为丰富的经验积累。釉上彩山水瓷画无论从空间构图上、艺术风格上、技法运用等多方面形成了陶瓷绘画领域的新的艺术表现形式。从总体来看,传统山水绘画对釉上山水瓷画有着非常深入的影响,这一题材的应用从初始直至后来的发展与传统山水绘画的发展是密不可分的存在,其表现艺术形式和手法也逐渐趋向成熟,已不是简单地照搬传统国画山水那套,而是在继承其传统的艺术表达同时融合陶瓷材料的特质成为更具陶瓷艺术表现形式的新式瓷画品种。

传统山水画以春夏秋冬四景为创作取景,而在釉上彩山水画中这四季变化的取景方式以更为丰富的陶瓷釉上品种来表现,例如雪景的艺术表现在釉上粉彩中玻璃白的运用,将雪景的体积感厚度表达得淋漓尽致。在取景构图上釉上彩山水画同样有着“高远、深远、平远”的“三远法”。作者在描绘远处山峦微微起伏的深远视觉,和由近处山下河流运动至山上松林耸立的高远及由近致远的平远视觉体现出釉上彩山水的视觉丰富变化的运用,结合空白处云彩及河流的空间留白使得画面在视觉丰富多彩的同时,又有对虚实结构把握的艺术运用。这种特殊透视法可以说是一种时空观,讲究以“仰视、俯视、平视”的不同视点来描绘山水景物,打破了一般绘画以一个视点焦点透视观察的局限性。这也是国画山水不同于西方风景绘画的构图透视方法。在釉上彩山水瓷画的创作中,当代创作者应用传统的山水构图“三远法”并受西方绘画的透视构图影响,将其融入其中,对崇山峻岭、万里山河的磅礴气势,树木、竹林、泉水的俊秀雅意等山水风景绘制于不同陶瓷器型之上,形成既有传统国画深远的空间布局又有对近大远小的细节描述构图方式。

山水题材的艺术表现长期深受大众所追崇,釉上彩山水画的问世及发展至今,传统山水国画与当代釉上彩山水瓷画的相结合在传统的山水画上突破了材质的单一性,平面艺术表现转为更加立体的视觉表现。并且在形式、意境、人文表达等各方面都更加地丰富,是当代釉上彩山水瓷画在传统山水画上的材质和内容上的创新,这对于推动和继承传统山水题材艺术有着极其积极的意义。

紫砂七老


1949年新中国建立以后,国家十分重视传统紫砂工艺的恢复、保护和发展,1950年11月成立紫砂产销联营处,1954年在蜀山地段建立紫砂工艺合作社,把仅有的30多名老艺人组织起来。翌年春,宜兴紫砂生产合作社成立。1956年,江苏省人民政府任命任淦庭、裴石民、吴云根、王寅春、朱可心、顾景舟、蒋蓉七位著名紫砂艺人为“技术辅导”,开始了新一代紫砂艺人的培养和手工紫砂陶艺的传承工作。目前,这些老艺人均已作古,不过,他们的优良品格和传世美器至今仍然熠熠生辉。任淦庭、吴云根、斐石民、王寅春、朱可心、顾景舟、蒋蓉并称为紫砂艺界“七大老艺人”,是新中国成立后中国紫砂艺术发展的重要奠基人。

蒋蓉(1919-2008),别号林凤,生于宜兴川埠乡潜洛村紫砂陶艺世家,自幼随父辈研习紫砂,1955年到宜兴紫砂工艺厂,为当代陶都第一位女紫砂工艺大师,被誉为“花货泰斗”。其代表作品《荸荠壶》被英国维多利亚博物馆收藏,《枇杷笔架》被选作北京中南海紫光阁陈设。1993年被授予“中国工艺美术大师”称号;2006年,她被江苏省文化厅指定为非物质文化遗产“紫砂陶技艺”的传承人代表;同年,中国工艺美术协会授予她“中国工艺美术终身成就奖”。

蒋蓉作品:《荸荠壶》

吴云根(1892-1969),出生在一个平民家庭。因家境贫寒,他13岁就在蜀山跟随汪根宝学紫砂壶艺,靠悟性和求知欲,3年学成满师,以又快又好蜚声壶界。作品技艺精湛,构思奇妙,享有出神入化之美誉。他创作的提梁弧菱壶、大型竹提壶、传炉壶、线云壶、合菱壶等,曾多次参加国内外的陶艺大展,声誉远播。现在,吕尧臣、汪寅仙等一批海内外闻名的制壶高手,均出其门下。

吴云根作品:线圆壶

壶身用两泥片合制作成扁球状,口部与半球状盖相切,壶底简洁,为一捺底,桥梁钮与盖浑然一体,整个壶在扁圆中求韵味。流自壶腹胥伸自然,把高挑圆润下留垂耳,与流对应称势。中置一腰带线将全壶提携神韵,腰线带方、角圆,变化中求统一,将制作中的泥痕藏于其中,天衣无缝。

陶瓷人物访谈之陈武平


景德镇陶瓷文化

景德镇陶瓷文化流行语的创始人、景德镇古窑民俗博览区管理处主任陈武平近日接受了记者的采访,主要对弘扬景德镇陶瓷文化这个主题进行系列的讲解,让更多人可以通过访谈,了解到了比较全面复烧历代瓷窑的过程以及对于宏扬景德镇陶瓷文化所起到的重要的作用。

首先说是的一种诉求与愿望,作为景德镇的本地人,有着对于传承景德镇文化的一种先天的历史责任感,和对传统的陶瓷有着深厚的感情,从2008年开始,一直从事传统产业的陈武平接手经营古窑民俗博览区,但是当时的古窑民俗博览区正在面临着令人忧伤的困境。清代的镇窑都已经停烧10余年时间,没有特色自然无法展示传统景德镇文化的魅力。

陈武平下定决心复烧古窑,可是举步维艰,遇到了来自各方的巨大的压力,但是担心煤窑技术后继无人,在一些老艺人还健在的时候,必须尽快恢复镇窑的生产,这样才能达到培养出新人的目标,在这个目标的驱动下,陈武平顶住压力,痛下决心,走上了复烧古窑的举步维艰之路。

历经重重困难,复烧镇窑初战告捷,给陈武平和所有人都带来了更大信心,也创下了吉尼斯纪录。紧接着,陈武平带着自己的团队,沿着窑系发展的足迹,对历代瓷窑进行复烧,明代葫芦窑、元代馒头窑、宋代龙窑等很多都已经成功实现了复烧。

陈武平还有一个更大梦想,把全国各地各个时期的瓷窑都恢复起来,达到全面弘扬中国陶瓷文化的目标。

古瓷器上的莲纹


定窑是宋代五大名窑之一,丰富精美的装饰是它的突出特点。北宋早期,定窑的装饰技法以刻划花为主。1969年定县北宋塔基出土的一百多件定瓷,绝大部分是定窑早期产品。其中高达65.5厘米的龙首净瓶堪称宋代莲纹层次最多、最精美的作品。净瓶从顶到底部装饰着五组连瓣纹,自上而下分别为单层、双层、三层、四层,上三组采用刻划手法,下两组采用浮雕手法,刀法犀利,立体感很强。从宋辽早期墓葬出土的定瓷看,刻划莲瓣纹是这一时期的主要装饰手段。北宋后期定窑刻划花和印花装饰达到成熟地步。“刻花器皿最常见的是莲纹,这种花纹在涧磁村窑址碎片中所占的比重很大”。杭州北大桥宋墓出土的定窑划花盘,盘心装饰简洁的一花一叶,随凤摇曳的荷叶映衬着亭亭玉立的莲花,画面清新典型,刀法潇洒秀丽。这种一张荷叶托起一朵莲花的图案在宋代十分盛行。定窑莲纹千姿百态,布局富于变化。故宫博物院收藏的刻花梅瓶,腹部饰两朵迎风开放的莲花和侧垂的枝叶,上下辅以菊瓣及蕉叶纹,主题鲜明,疏落有致。印花器皿也以花卉图案为多,常见的有牡丹、菊花等。印花在风格上与刻花迥然不同,构图严谨,讲求对称,给人一种富丽堂皇的感觉。盘类的中心常装饰莲花水禽,四周辅以牡丹、莲花、萱草及飞凤等。层次分明,格调和谐统一。

磁州窑是北方民间著名的窑系。产品种类繁多,具有浓郁的乡土气息和民间色彩。在观台镇窑址碎片中,划花的盘碗数量最多。纹饰均在器里,刻划深刻,线条明快流利,纹样的空隙部分多用篦状工具划出细密的线条。题材以花卉为主,尤以荷叶莲花最多。刻划技法熟练,构图随意性很强,莲瓣及荷叶往往自由地越出边框。这种不拘一格的作风,充分体现出北方民窑粗犷豪放的特征。釉下绘划黑花是磁州窑最精致最具代表性的作品。在敷好化妆土的胎体上用黑彩绘出黑花,再用尖状工具划出花蕊及叶筋,剔掉黑彩的部分露出洁白的化妆土,形成强烈的黑白对比。这类作品的主题纹饰大多是缠枝牡丹,莲纹作为辅助纹饰装饰在下部。

耀州窑在北宋初期主要烧制越窑风格的青瓷,盘碗外壁多采用浮雕技法装饰双层莲瓣纹。中期以后刻、印花工艺日趋成熟,有时在一件器物上兼用刻花、划花、印花等几种手法,艺术效果十分完美。刻花青瓷以莲纹最为常见,刀法宽阔有力,线条粗放。印花瓷器除了单纯的莲荷图案外,还有水禽莲荷、婴孩戏莲等。耀州窑的把莲纹最有特色。“印花把莲多出现在小碗的碗里,以海水为地的稍多,主题以莲花、莲实、荷叶或茨菇叶四五枝为一把;印有两把莲纹的,用交错对称布局;印三把莲的,并印有‘三把莲’三个字,使我们由此得知这种纹饰叫‘把莲’,意为一把或一束莲花。”1972年甘肃华池县出土的耀州窑荷叶盖碗是一件器形与纹饰巧妙结合的佳作。盖碗口沿做出六个向下卷曲的缺口,俯视如同荷叶一般。碗盖状如荷叶,边沿有六个向上卷曲的缺口。上下缺口互相吻合,造型精巧,新颖别致。

龙泉青瓷是继浙江的越窑、欧窑之后兴起的青瓷体系。装饰技法以刻划为主。早期产品与欧、越两窑有许多相似之处,尚未形成自己的风格。北宋中期以后,刻划花逐渐由纤细娟秀向繁密发展,器物外壁经常装饰一种带叶脉纹的莲瓣。南宋是龙泉刻花青瓷的全盛时期。此时其它窑系已不甚流行的莲瓣纹在这里仍作为主要纹饰盛行不衰。“外壁单面刻制莲瓣的装饰似乎已成为各类制品的共同花纹,几成一个时期的装饰风格。这种半浮雕式的刻花莲瓣纹,中脊显明而挺拨,瓣面自中脊坡向两侧,大小相间,形成双层仰莲,象一朵盛开着的荷花”。

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