陶艺家瓷砖。
台湾土、生漆味，足以让陶色缤纷夺灿。陈金旺、李仁嵋、徐玟玫三位陶艺家，一位结合漆艺、喜欢用三脚鼎立挑战窑烧难度。
两位致力於柴烧表现，尤其徐玟玫，以女性纤弱特质从事男性惯有孔武有力的柴烧创作，不禁让同道望之兴叹。三个臭陶匠即日起至三月廿六日止，在台中市文化局举办联展，值得爱陶人士细细品味。
任教於侨光技术学院的陈金旺，从陶艺中涉猎手捏、泥条、陶板、泥塑，乃至手挤胚，是一种磨练也是一种自我挑战。作品以系列性作为创作题材，诸如人物篇、神兽篇等等。
尤其最近几年不断地挑战窑烧极限，从国家工艺奖「丰之祭」；全省美展「阶梯饗宴」、「神听」，乃至最近完成的巨型作品「黑色神蹟」，七八十公分高、二三十公斤重的的胚体，藉由三足鼎立来挑战高温窑烧时可能坍塌的风险，成为个人作品「风格」。
除此之外，近来致力於漆器的研究，把传统漆艺的「润」，延伸让表面可以成「镜」，也可以成「雾」；配合手挤胚造型，让传统漆器变得很现代也可以很古色古香。
李仁嵋、徐玟玫是陶艺界的夫妻档。李仁嵋贴切的让陶瓷应用在生活的各个角落，让陶瓷的美不仅能欣赏，更能与生活实用结合。
尤其最近几年，致力於柴烧创作，作品「金银烧」独匠具心，透过土质的不同，以及窑烧火侯的控制，甚至整座柴窑的设计，足以让窑烧后的作品可以掺杂金色、银色金属光般的美，价值不斐。
夫唱妇隨，陪老公走过五、六个年头的徐玟玫，因本身具有室內设计美术底子，所以很快地成了陶艺界的一员，经常与老公二人通力合作，轮流看守窑烧，而柴烧，搬运粗重的木头、丟柴，从不假他人之手，以女性纤细的特质，烧出朴拙雅趣的作品，其中乍看像机车排气管的「深情」就是她的代表作，真的会令人会心一笑。
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台湾陶艺家在北京展示“宝石陶”绝技
融合传统的陶瓷艺术和西方油画的精华，创造出魅力四射的“宝石陶”艺术品。由台湾著名陶艺家刘铭侮创作的六十幅陶画作品，二十七日在北京中国美术馆首次和大陆同胞见面。
陶瓷艺术是中国文化宝库中的瑰宝，经过千百年的发展，已经是中国文化的代名词之一。除了在大陆代代相传外，在台湾陶瓷艺术同样广受关注。生于台湾彰化的刘铭侮便是陶瓷艺术的热衷者。
刘铭侮三岁能画图，五岁捏泥偶，师从台湾一代古典建筑宗师林文贤。四十多年来，刘铭侮在台湾研究、传承交趾陶(起源于清朝，广东交趾人将其传到台湾，被称为交趾陶，后失传)烧制，并在此基础上，创出新型陶瓷——“宝石陶”。
激发刘铭侮研究陶画，源于一个特别的故事。“有一年我应邀到法国巴黎去展览，当地的艺术家跟我讲，全世界最高档的艺术是属于西方的油画，陶瓷艺术美则美矣，但是有工艺的色彩。我听到之后，很不服气。”外国人对陶瓷艺术的微词激发了刘铭侮创作宝石陶的热情，他开始思考把陶瓷和油画结合起来，创作新的艺术形式。
烧制陶画是陶瓷艺术中最上乘的技艺，除了绘画的功底外，掌握烧制技术是最大的困难。中国陶瓷艺术中有釉上彩，还有釉下彩。但陶画是在烧好的陶胚上洒宝石釉，难度非常大。刘铭侮多次失败，又多次重新开始，先后磨练了将近五年。“当我烧制成功时，我看到自己美丽的成果，感觉实在太美妙了”，刘铭侮说。
此间展出的陶画是刘铭侮最新成果，大都是从台湾窑炉中最新出炉的作品，在台湾都没有曝光过，也是第一次在大陆呈现。展出的作品中，既有取材于西藏的陶画《布达拉宫》，也有取材于历史故事的《茂叔观莲》、《曹孟德》，展览同时展出的刘铭侮陶艺，也都取材于中国传统文化故事，诸如《武松打虎》、《嫦娥奔月》，分外吸引大陆的观众。
刘铭侮说，自己的每一件作品都是中国文化的底子。虽然作品吸收了西方的艺术理念，把中国的特色和西方艺术的优点结合，但中国文化是每一件作品不可或缺的特色。
在开幕式的致辞中，刘铭侮言辞恳切地说：“很高兴将宝石陶这种属于我们中国的特殊的艺术，带来和同胞们分享。艺术是美丽的，美术是赏心悦目的，只要我们两岸的艺术家多交流来往，把美的东西互相交流，大家看到的东西都是美的好的，心情都会好很多。”刘铭侮衷心盼望透过这次展览，能够促进海峡两岸的文化交流，能够促进两岸同胞感情更加融洽，相互敬爱，早日达到团圆的目的。
中国年轻陶艺家的“新陶说”
“新陶说”——中国当代年轻陶艺家学术邀请展8月4日—9月25日在广东美术馆7号展厅展出。
此次展览旨在推介新人和发现新的陶艺创作形式。“新”主要体现的是年轻艺术家的思维新角度，作品的新形式，材质、技艺的新语言。“陶说”则强调陶艺材料本身的魅力和“叙述”的深度。
当代艺术思潮正日益广泛而深刻地改变着人们的审美方式。新媒介、新技术力量的运用给艺术的面貌带来了很大的改变。作为一门古老的艺术种类——陶艺，也在这样的艺术情境及作用下不断地发展和丰富自己。
陶艺来自于泥土和温度，这个特性使得所有陶艺作品有了一种对于土和火共同的关联，而土与火从传统的角度说恰恰是生产的古老象征，但又不仅仅是古老的，同时也具有当代的内涵，它与我们现代生活中的许多社会问题相关。可以说陶艺作为一种独特的艺术表现手法，本身就带有现代性，蕴藏着与当下社会互动的优势与可能。
在中国，我们看到了一批一批的陶艺家努力探索着实践着，也有了引人注目的结果。但是，以目前的状况而言，中国当代陶艺的发展仍相对缓慢和滞后，而这种缓慢和滞后可能主要来自于陶艺这门艺术和技术本身所积淀和承载的独特性内涵。
陶艺一开始是作为与日常生活紧密联系的工艺美术品出现的，早在原始社会，就出现了半坡、马家窑这样的辉煌的彩陶文化，直至两汉时期，陶艺发展到一个高峰。但是自从光润精致的瓷器出现之后，陶艺的发展便一直受到压制和忽视，自从唐代之后便趋向停滞。中国历史上有著名的五大名窑，说起中国的陶瓷文化，人们首先想到的总是青花、五彩、斗彩等瓷器制作工艺，而与瓷器本是同根生的陶器就被掩盖住了。当下学院中对于陶艺制作的理念实际上是更多地来自于欧洲和日本、特别是西方现代艺术的影响。
当下，如何去重新发现本国的古老陶艺，如何保持立足本土传统的文化特色，同时又寻求在当下社会文化情境中发展的契机；如何与国际当代艺术形成更有效的对话，并由此探讨持续更新的工艺技术、表现手法的发展，这是中国当代陶艺所面临的一系列问题。
“新陶说”中国当代陶艺展邀请的艺术家大多数来自高校，有较好的艺术素养，他们勇于探求陶艺本体新的“叙述”方式，从“新”的角度入手进行尝试，作品积极溶入了实验的手段和元素，通过符号的挪用、材料的嫁接、图样的拼贴等手法传达出他们的美学取向和文化思考。这群年轻陶艺家对陶艺语言进行了一定程度的拓展，丰富了我们对陶艺的审美与阅读的经验，为中国陶艺的发展提供一个有学术价值的补充。本次展览共展出14位年轻艺术家的100多件作品。
现代柴烧陶艺的特点与创作
柴烧陶艺的特点
柴窑烧成的陶艺作品与一般的电窑，瓦斯窑最大的差别在于木材燃烧所产生的灰烬和火焰宜接窜入窑内，在坯体上产生自然落灰的现象，经长时间的高温融合成自然的灰釉，其色泽温暖，层次丰富，质地粗犷有力，与一般华丽光亮的釉药不同；不会重复且很难预期它烧窑的成果，若是横焰式窑，则具有方向性。因此烧成的作品有受火面与背火面的阴阳变化与火焰痕迹。它散发一种质朴，浑厚，古拙的美感，正是柴烧陶艺家为它着迷而投入庞大心力去追求的原因所在。
窑的角色
柴窑的架构一般分为四个部分：火膛（firebox燃烧室），窑室（chamber），烟囱（chimne），烟道（flue）。烧窑的原理是：木材于火膛中燃烧，其产生的热度，灰烬，火焰，经过窑室，对摆在其中的陶坯产生作用与效果，再经过白烟排出。因此窑的设计重点必定是：
1．有利于燃烧（包括升温及保温）
2．有利于火与灰（flameandash）在坯体上的火痕
3．火的排出路径（侧焰、倒焰或直焰）
窑的建构不单纯是技术问题，窑的形式更决定了火的路径，也就是决定了落灰，火痕的方向性。更确切的说，窑将确立作者不可变更的窑火风格。不同形式的窑有着不同的特性，甚至于同一形式的窑，有不同窑的个性，我们对一座柴窑窑性的掌握，除了顺应与驾驭外，也包括烧成的效果的掌握。然而所谓烧成的效果其实是随作者的主观因素而有不同的评价，尤其以创作为出发点时，无论如何，一座窑仍要有相当的掌控度和适量的落灰及火痕的效果。如果不求落灰及火痕，就没有必要千辛万苦的去烧柴窑了。不当的窑室设计将导致效果不彰，不易掌控，甚至于温度烧不上去，蓄温不良，灰和火都留不住等等缺憾。
陶艺家周光真的自白
３月，《江苏画刊》发表周光真于１９９８年底写于美国北加州的《玩泥十载》一文。文章说：我相信：一个艺术家应该多才多艺，能够创作多种题材风格的作品；一件美术作品应该具有心理学的深度，幽默感和现实震撼力。
更换题材、风格如同更换外衣
刚到美国时，受到著名雕塑家摩尔的影响，我创作了一些半抽象的人物，题材多为母子、情侣之类所谓永恒主题。不久我就醒悟到摩尔的"现代美术"已经是五六十年前的事了。后来受到美国陶艺家奥梯欧的雕塑与容器相结合的影响，我也曾创作过一些上端开口的人物雕塑。题材也扩展到太极拳手，体育运动员，舞蹈等。接着我发现这些作品很好卖钱，太甜了，就像一些人见人爱的糖果点心，没有多少视觉震撼力。
我是否在逃避现实生活？我想到了成功来自于不断的自我否定。人们在不同的年龄，不同的季节，不同的场合需要不断地更换自己的外衣，为什么艺术家要沉溺于某一题材或风格呢？我们的时代就是一个求变、求新、推崇发明创新的时代。
我的创作探索
１９９５年春季，我开始创作"手和脚"系列。"恐怖艺术"的领袖安纳森是我最崇拜的现代陶艺家之一。我喜欢他那富有机智的构思，以及幽默、荒谬、嘲讽的创作风格，欣赏他那"震撼术"魅力。我创作的"手"系列中，将手指改变成四肢或脑袋。例如交叉着中指和食指原意为"祝您走运"，可是两条高举的小腿和隐隐约约的小脑袋，则隐喻着挫折或挣扎。文人学士往往喜欢用"鸟瞰"来形容居高临下、俯视一切的感觉；而我却常常自贬身价，以"蚁视"的仰视角度来创作人物形象。
借用近大远小的透视关系，我创作了"脚"的系列。在这个系列作品中，落地的那只脚都十分大，越到上部就显得越小，使作品在透视关系以外又产生了一种视觉上的幽默感。
安纳森在美国现代陶艺史上具有国宝级大师的地位。我的一位以前的美术老师曾教导我："你要站在巨人的肩上，你的高度就可以超越巨人。"安纳森是我心目中的巨人。我很渺小，但是我爬到了他的头顶上。渺小的我单臂倒立在安纳森的头顶上。这就是我于１９９７年创作的《我和安纳森》。
安纳森曾经创作过许多自塑像，其中一件作品左耳上沾满了鲜血。在我的这件作品中，他的左耳也是血迹斑斑，我的高耸的脚丫上也是血迹斑斑。血迹好像在诉说人生一种挣扎与搏斗的经过。同时，这件作品也是我既自卑，又自大的矛盾心理和"野心勃勃"的真实写照。１９９８年夏天从中国回来以后，我开始创作"破损的壶"系列。
中外陶艺家眼中的陶瓷
我们《文化报道》在昨天的特别节目里现场直播了景德镇官窑考古现场。其实，在景德镇还有一件事值得说说，就在昨天开幕的首届景德镇国际陶瓷博览会上，来自美国、加拿大等多个国家的陶艺家们与景德镇当地的陶艺大师们联手展示了精妙的制瓷工艺，让人们领略到了陶瓷文化广博、深远的影响力。
在景德镇的传统制瓷作坊——古窑，13名当地著名的陶艺家们正在同一个直径1.94米的超大型瓷盘上绘制"山水青音图",这个瓷盘是目前世界上已知的最大瓷盘.在这13陶艺家中,有享誉国际、今年已经82岁高龄的中国工艺美术大师王锡良。
中国工艺美术大师王锡良：一个是中国形式的、民族形式的，像这个题画，这个画面的构图，它都强调饱满，在这个意境上，强调一种乐观，使人家在这个画上能够很久的时间，永远的时间都看到是一个繁荣的场面。
前来参加表演的美国陶艺家芭芭拉·迪达克对景德镇陶艺家们的作品也非常欣赏。
芭芭拉：我想这个技艺是令人赞叹的，非常庞大。另外，关于在瓷盘上展示的这种技艺，对于我们美国人来说是陌生的。
在外国陶艺家中，要说起陶瓷、对景德镇感情最深的，应该是加拿大温哥华艺术设计学院陶艺系主任保罗马修。在一个高2米5的泥瓶上，他用中文、英文、法文等12个国家的文字写下了“陶瓷是人类的记忆”，这就是他对陶瓷的理解。在他眼中陶瓷承载着历史、传播着文明，因此既是中国的，更是世界的。
保罗·马修：陶瓷是属于世界的，全世界都能了解陶瓷，陶瓷是一座桥梁，（通过它）我们成为朋友和家人，所以当我来到景德镇，我感觉到家了。
日本陶艺家在景德镇陶院举办个人展
6日，日本陶艺家中村元风在景徳镇陶瓷学院举办为期一周的个人展览，中国轻工业联合会副会长、景徳镇陶瓷学院名誉院长秦锡麟，市委常委、副市长冯林华，副市长于秀明，市政协副主席王祖庆，日本加贺市代表等出席开幕式并为这次活动剪彩。
开幕式结束后，嘉宾及陶院学生来到二楼展览厅内参观，这次共展出了近百个具有古代气息及现代气息的各类陶瓷作品。
一名陶瓷美术家说：“看完后，触动挺多，这些作品和我们现在景德镇的瓷器比较，材质特别，颜色运用得很漂亮、很新鲜。构思也很奇特，给了我很多启示。”秦锡麟说，这些颠覆传统的作品，充分诠释了日本陶艺运用的新理念、新技术和新风貌。
中村元风出生于日本为数不多的陶艺名门，他在创作具有传统而且格调高雅的作品的同时，高举“新山水、新五彩”这个创作主题，制作着具有革新意义的作品。加贺市和景德镇市有着深厚的友谊，从首届中国景徳镇国际陶瓷博览会开始连续展出作品，为中日友好发挥了很大的作用。
必备！云陶柴烧复兴之大理祥云土陶合集
本次受大理州祥云非物质文化遗产保护处邀请赴祥云大营村，与当地非物质文化遗产传承人、师傅们共同探讨交流、改进祥云土烧烧制及制作技艺。
云南其实陶土资源非常丰富，历史也比较悠久，不仅是中国三大青花产地之一，也是中国四大名陶产地，云南境内各民族陶土资源、技艺丰富，品种繁多，民族风格多彩，却因历史以及地理位置等原因，一直未被重视，未成体系发展，以至成为资源大省，产业小省。
以至于提及陶瓷，大部分人只知道景德镇、龙泉、德化、宜兴、河南汝窑等，却鲜有人知晓云南的陶瓷，现在建水紫陶发展比较好，慢慢有了一定的知名度，但云南其实有非常好，非常丰富的民族民间传统制陶文化和丰富的陶土资源，而且云南民族文化丰富，各族人民均有颇具特色的陶瓷技艺。比如，藏族黑陶，傣族曼伦陶，白族土陶以及祥云土陶等。
因为各种原因使得云陶发展受阻：
1、云南是中国的边疆地区，地理空间相对封闭，造成历史文化缺失。
2、官府不重视，不倡导，不扶持。云南民间有许多传统手工制作工艺，都是非常值得传承的，比如这次到祥云大营村所接触到的，全手工石轮拉坯，这种全手工拉坯成型的技艺在景德镇也是寥寥无几，而大营全村基本都会。
3、销路问题，云南地理位置偏僻，居民住在大山里，交通不便，运输成问题，销路就自然成了问题。
4、手艺人的格局，当地多数手艺人收教育程度低，对外界美的认知少，不愿改变、不愿尝试。
这一次祥云非物质文化遗产保护中心就对祥云土陶、祥云土锅等进行泥料、制作工艺，烧制方法等进行研究、改善，传承保护传统工艺，引进新工艺，提升制陶工艺，做出具有祥云特色的土陶，共同推动云陶柴烧发展。
当前的中国正在出现手工艺复兴的现象，继李克强总理强调要培育精益求精的工匠精神。这是工匠精神这一概念第一次出现在治国安邦的文件之中，显示培育工匠精神的诉求，上升为国家意志和全民共识。
同过去相比，现在互联网变得无所不在，移动性大幅度提高，人工智能崭露锋芒。第四次工业革命的到来，必然会引起一场文化上的变革。如果说传统工业文明的生产方式是规模化、标准化、批量化的，生态文明的生产模式则将会是扁平化、分散化、个体化、个性化的。高科技是可以不断创新而高歌猛进的，但文化却常常要回到其原点重新思考未来的路标。
现在的我们应该是从重新认识自己的传统文化、将传统文化变成新的艺术化的生活方式，把以前多数作为日用器具的云陶，经过改善和提升变成具有地方特色的艺术品，每一个工匠把日复一日重复单一的机械式工作，变成注入思想、带有创造力的创作，推动云陶柴烧发展，我们义不容辞。
“复活”柴烧钧瓷
“有家财万贯，不如钧瓷一片。”钧瓷始于唐，盛于宋。最初钧瓷是用木柴烧制而成。后因北宋南迁战乱频繁，柴烧钧瓷的制作工艺就此失传。柴烧钧瓷流传极少，目前台北故宫收藏钧瓷传世真品21件，北京故宫收藏有24件。而今河南禹州的民间制瓷工艺师任星航“复活”了这项绝艺。
与煤或天然气相比，木柴燃烧火焰长，火苗柔和，温差小，烧成速度缓慢，柴烧钧瓷在“窑变”中呈现出温润如玉和色彩斑斓的意境，其艺术效果远胜煤或天然气烧制的钧瓷。
1964年在禹州发现了北宋钧窑遗址，1991年任星航等人在此基础上成立了钧瓷研究所。任星航回忆说“记得在1991年冬天，我们试探着用柴烧制钧瓷。第一窑就用了四五吨立木，两毛钱一斤，一窑就烧掉了两三千元，但开窑后，发现没有一片是成功的。”后来，任星航仔细考察了北宋钧窑遗址细节构造，作了详细的技术研究。2004年隆冬的一个晚上，他结合自己祖传的一些秘密技术，在宋代钧窑遗址上，用了大量的立木，终于烧制钧瓷成功。
每次回忆起自己柴烧钧瓷成功，任星航总是说，他比他父亲任坚要幸运得多。1948年，任星航的父亲任坚到禹州主持一个钧瓷厂的工作，在钧瓷烧制工艺上取得重大突破。但像中国众多民间工艺所遭受命运一样，1966年后任坚几乎无法做一件事情，整天“搞运动”。“运动”结束后，任坚又回到了烧制钧瓷的职业之中。但这时的他更喜欢在一种釉料中用添加铜，因为钴为蓝色，铜为红色，他开始喜欢上含铜釉料在窑变中呈现出来的那种残阳如血般的殷红境界。对这种“红”的偏爱后来为任星航所继承。
任星航的那些钧瓷品，包罗万象，自然天成。钧瓷的艺术价值弥足珍贵。上海硅酸盐研究所一位老研究员说，钧瓷的窑变艺术神秘莫测，今天人类对科技达到了空前的自信，但对钧瓷的窑变之谜依然充满困惑。
一窑一乾坤。“钧瓷的窑变艺术太让人着迷了，由它你就知道人类的想像力是多么的局限。”任星航说，入窑一色，出窑万彩，这最集中地体现中国文化中“天人合一”的核心精神，在某种意义上它甚至抗拒一种全部的“人为艺术”和“创作”。
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