现代汝窑瓷器的鉴别。
现代陶艺是现代艺术的一部分，与现代科学技术的发展、人们审美取向的转变以及人文精神因素等息息相关。现代陶艺是运用陶瓷的物质材料和工艺来反映艺术家思想情感和对社会生活的理解，现代陶艺所具有的新形式与审美意蕴都是传统的陶瓷艺术所不具备的。 正如皮道坚先生在《拓展眼界的当代陶艺》中所说的：“陶艺一词并非传统意义上的陶瓷艺术的简称，而是一种孕育着新的精神文化内涵和审美意蕴的现代艺术方式。”
中国传统陶艺高超的技艺、娴熟的装饰以及完美的造型，表现了创作者的智慧和能力，但传统陶艺受传统文化的影响，着重追求严谨和整齐从而限定在一定的审美标准中而无所突破。它忽视了材料的自然属性，更忽视了人与陶艺之间的精神关系。
实用审美是传统社会中的主流审美方式，而现代陶艺在高度发达的社会生产力和高扬个性化精神旗帜下，逐步推翻了纯实用审美的藩篱，开始向精神审美方向升华。现代陶艺摆脱了以往的审美形式，纯粹成为艺术家发自心灵的艺术创作，它强调个性，注重思想内涵，从精神层面出发寻求艺术的自然与真实。
现代陶艺是以审美为主的更注重审美价值和审美作用，这并不是一蹴而就的，它是随着社会的发展，人们的艺术观、价值观的变化而发生改变的。传统陶瓷艺术是先有实用后有审美，现代陶艺一开始就没有按照实用审美所画好的规则线来运作。
尽管现代陶艺中有类似器皿类的造型，但它已经没有了日用陶瓷涵盖的功能与意义，尽管有的陶艺家的作品也进入商业运作卖钱了，但陶艺家在创造的过程中并没有预先考虑它的经济性。
现代陶艺以全新的艺术形式出现，它在不同的形式、角度和内涵上显示了现代人对陶瓷传统人文精神和美学品质的认识态度，体现了艺术家对传统资源、语言方式、艺术形式、审美意蕴的当代转化。
现代陶艺的创作理念完全不同于传统陶瓷，它没有中国画那些伟大的包袱，没有任何图式可言，没有任何概念可循。在舍弃了实用形态之后，丢掉的是锁链，迎来的是自由，现代陶艺完全有能力以一种全新的方式和形象来展现中华美学特有的内涵和审美意蕴。
现代陶艺以其特有的本质特征和审美意蕴，正向贴近现代人的日常生活和精神生活方面发展。现代陶艺的这种特质，这种精神与审美意蕴的新变化，促进了现代陶艺在现代人精神文化领域的新生，使得现代陶艺焕发出更强的生命力。
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将陶艺应用于现代建筑
在审美多元化的今天，陶艺，这古老的艺术门类，吸引着众人的眼球并受到广泛青睐。在传统陶瓷基础上发展起来的现代陶瓷，出现了崭新的创作方向和表现形式。现代陶瓷壁画、陶瓷雕塑、陶艺器皿等，已被广泛应用于室内外和公共环境中。
由上海市陶艺家蒋国兴主创的上海东方艺术中心陶瓷艺术壁挂，可说是中国传统工艺融入现代建筑的成功典范。
精致细微和博大沉雄是陶的两个基本特征，其精细之美往往融合于宏伟之中，而其博大沉雄又常常在细微中体现出来。正是这两种特质的结合，给了陶和陶艺无限的发展空间，也使它们在都市的公共空间里发挥出了独特的作用。
如何有效减少日益发展的工业和突飞猛进的高科技给人们生活带来的负面影响，这是当今人类共同面临的难题。现代环境陶艺作品的涌现，为解决这一难题提供了一个新的途径。陶艺作品能让陶土自然、亲切地呈现在大众面前，帮助人们找回泥土的感觉，重新接近自然。大凡优秀的环境陶艺作品，都能在单纯中蕴含丰富，在匠心独具中体现自然，在现代形式中传达传统精神。古老的陶语言透露着当代人的思想和情趣，置身于形态各异的陶艺作品，人们回归自然的心情便会油然而生。
中国是个陶艺大国，将传统陶艺融入现代建筑，是中国陶艺家们的神圣使命。蒋国兴在这方面作了长期的、积极的探索，并取得了可喜的成果。即以上海东方艺术中心为例，它的外形犹如彩蝶，无数光亮透明的长方形块面覆盖而成蝶衣；这样，它的内部由光滑闪亮的陶片组成一道道独特的造型，既有大型乐器的质感，又与整个剧场外形呼应，这就产生了与众不同的美感。蒋国兴还负责创作了上海地铁四号线陶瓷浮雕“历史定格——盾”，上海世博村陶艺装置作品“京剧交响”、“万象缤纷”，浦东图书馆（新）“文明之路”等陶艺装置作品。
唐三彩的颜色装饰对现代陶艺的影响
盛唐时期唐三彩的颜色装饰对现代陶艺的影响，为现代陶艺找到一些文化积淀，更好地导引现代陶艺。唐三彩是一部生动、博大精深的启迪现代陶艺的基因库，唯有从传统陶瓷中不断的吸取经验教训，才能使现代陶艺达到一个新的层次。
1 唐三彩陶塑艺术颜色装饰的简述
唐三彩艺术在中国陶瓷艺术中占据着举足轻重的地位，要研究唐三彩的颜色装饰，首先了解什么是施釉，施釉就是将调配好的釉料涂、喷在素烧过或没有素烧的胎上。唐朝施釉最大的特点就是采用泼洒或淋釉方式进行施釉。由于釉的流动，加上烧窑气氛的变化，可以产生丰富多彩的效果，这种人神合一的窑变正是人们为之着迷的地方，令人神往，窑变的颜色很像现代西方的抽象画，用色之大胆，是其他任何朝代都无曾有过的。这样绚丽夺目的色彩是一个国家富强，经济繁荣的象征，人民自信的表现。后来随着唐朝的灭亡，这些对比强烈的色彩留在了民间。在唐朝的河南地区出现“绞釉”，是用两种或多种颜色的釉绞在一起烧制而成的，此种方法烧制出的陶瓷，在器物的表面会形成很自然的、色彩变化多端的、漂亮的花纹。唐朝的陶俑还有一个特点就是人物头部均不施釉，而是待烧成后再在人俑头部涂以颜料，叫做开相，用颜料画出眼、眉、嘴唇等，通过开相，使一件件不同形象的三彩俑的形象更为真实和生动，这样的装饰手法更加突出人物的形象。在现代陶艺中大量借助这种形式表现自己的艺术，很多现代陶艺作品将这种无限做法放大，放在自己的作品当中，使之产生一种特有的艺术效果。
唐三彩是在泥素胎上的表面涂上绿黄、白、棕红、蓝酱赭釉料之后烧制而成的，成品后色彩斑驳亮丽，典雅大方。“唐俑还集中体现了传统雕塑绘画性强的特点，三彩釉在烧制过程中会变色流动，只适合大效果的处理，如：马匹的颜色，不能用于细部的描绘；佣像的头部尤其在脸的细微刻划，往往辅之以彩绘，不但使得形象更为完整，还能通过五官的进一步描绘来深入表现人物的心理及情绪，使之达到传神的效果，极具感染力，典型如中堡村出土的女佣，女子的眼神流眸顾盼，灵秀绝伦，让人玩味无穷”。
2 唐三彩陶塑艺术的釉料特色
唐三彩器的铅釉，是釉和彩的合体，一次施釉，一次烧成，这种施釉、烧制方法在现代的好多地方还保留了这种工艺，这也为现代陶艺的施釉提供了广泛的摹本。现代陶艺利用这种技术来表现自己的作品。唐三彩所用的釉料不同于其它陶器，我们的先辈们在釉料里添加了各种呈色金属粉末，因为烧制气氛不同，就形成丰富多彩的颜色。这种釉中挂彩的技术早在南北朝时期，工匠们为了能烧出颜色鲜亮的单色器皿，就开始尝试在釉料中加入铜粉。到了唐朝，工匠们随着制作和烧制经验的不断积累，又在釉料中加入了铜、钴、铁、锰等金属粉末，铜元素呈现绿色；钴元素呈现蓝色；铁元素呈现褐红、浅黄、赭黄；锰元素呈现紫色等，这样使釉料的色彩更加丰富，于是造就了唐三彩独特的艺术形式。
古人给唐三彩施釉，采用了一种涂腊法。所谓涂蜡法就是先用蜡根据自己的需要在唐三彩的素胎上画出相应的图形，再涂釉于其上，烧制时这些地方就不能吸附釉料。并且开始升温时，蜡开始融化，有蜡的地方釉汁扩散，形成晕染似的斑纹，产生一种自然流淌效果，产生梦幻的感觉。目前，涂蜡法已经很少使用，替而代之的是可撕胶，可撕胶用起来比蜡更加方便，但不能出来那种流淌晕染的感觉，使一些作品看起来呆板。涂釉用的是肚大细尖的毛笔，这样点染出的釉料很饱满，有似水漫流之妙。在施彩釉时，经过补水上釉后， 就可以将素胎拿到窑中烧制。
唐三彩是一种低温铅釉，在烧制过程中发挥主要作用的是釉料中的铅。铅的氧化物可以降低了釉料的熔解温度，且铅的流动性很好，使其它各种金属氧化物熔于铅釉中，并且随着物体的形状向四周扩散流动。在扩散和流动过程中，釉料中的黄、绿、褐等多种颜色互相浸润交融，形成漂亮的间色，给这些作品穿上了绚丽多彩的“釉衣”。陶瓷的成色在很大程度依靠天意，因为釉料的成分不同，施釉的技巧不同，烧制的气氛不一样，放置的窑位不同，就会出来不同的效果。
这样釉料的配比，施釉的过程，给现代陶瓷艺术家创作提供了很多宝贵的经验教训。随着现在科技的发展，聪明的艺人发明了流动性更好的釉料，将其用在现代的创作上，特别是涂蜡法的出现后，再结合避纸和可撕胶的出现给我们带来了方便，使现代陶艺在施釉方面跨进了一大步。
3 唐三彩颜色艺术在现代陶艺中的运用
现代陶艺家们巧妙地利用了这一特点运用在自己的作品中，把施釉技巧和装饰手法很好的结合起来，达到天人合一的效果，产生了融和绚丽的艺术效果。在现代陶艺的创作过程中，不仅要注意工艺的创新，更重要的是去感受生活。这件作品就是笔者借鉴唐朝陶塑釉彩流动的特点制作的一件陶瓷雕塑如图1所示。
随着对工艺的不断研究，对美的认识更加广泛。在陶瓷方面，对釉料的研究也没有像以前那样单一，釉料的种类也随之变得多样。在现代陶瓷雕塑创作中，只要能为自己作品服务的技法，艺术的新形式、新理念等都可以拿来大胆使用，这一点在盛唐时期的三彩陶塑有很好的体现，为现代陶艺的创作提供了很好的借鉴。盛唐时期是一个包容性很强的朝代，它可以允许多方位、多角度的审美存在，也因为如此才造就了盛唐时期较为特别的艺术。
现代陶艺就是一种反传统，追求艺术的独立性与纯粹性的艺术形式，很多都在不同程度上促进了现代陶艺的发展，为现代陶艺注入了新的血液。在现代的陶艺创作中，艺术家们很好地利用制作过程中的瑕疵，如：缩釉、跳釉、釉面吸烟等现象，而形成一种新的陶瓷艺术形式。他们更多地是关注泥材自身语言特点及制作过程中所产生的丰富肌理效果的表现性。就像吴冠中先生所说“工具材料影响着艺术样式，但不是决定性因素，相同的工具材料可以创造出不同素质和样式的作品来”。
唐三彩有很多色彩装饰手法，现在很多还在使用或者在原来的基础上更好地发展，大致可以分以下几种：点彩施釉法；涂蜡法；分区施釉法；瓷土堆花法；贴花加涂彩；印花加填彩；刻花填彩等各式的手法进行创作。这些色彩装饰方法经过高温熔融使各种釉色之间的组合和交融会产生一种虚虚实实，斑斑驳驳，如晚霞，如梦境的效果。在现代陶艺创作中，可以利用这种方法进行色彩装饰。
现代陶艺家成为现代陶瓷雕塑创作的主体，在传统的基础上，精心研究过并充分利用这种手法。在现代陶艺创作中，很好的学习并利用颜色对比强烈的特性进行创作，他们将这些胎土当做画布，将釉料当做颜料，充分表达自己的思想感情。现代陶瓷不再为王侯将相服务，也不再是单纯为了装饰陶塑而画，而是为自己而画，为生活而画。新彩和色料的发明促进了陶塑艺术的发展。所谓新彩是一种新的釉上彩绘艺术。它的颜色在低温烧制前后，色彩上基本没有变化。色料是一种釉下彩，它在烧制前后颜色变化很小，这使得艺术家烧制前就可以看到烧制后效果。
4 结语
中国传统陶瓷文化是一种我们陶瓷艺术赖以生存的土壤，现代陶艺并没有与传统文化割裂关系，而是在传统的基础上不断创新与拓展，丰富了陶瓷文化的价值，我国现代陶艺的种子更应该在在这片土地里生根、发芽、成长、开花。
形式美法则在现代陶艺造型中的运用
现代陶艺是从传统陶瓷艺术中脱颖而出的。随着时代的进步，设计文化的日趋深入，陶瓷造型设计已不再是单纯的物质形态表现，它涵盖了功能性、经济性、审美性以及由这些所引发的其他内容。形式美法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。本文重点阐述形式美法则在现代陶艺造型中的运用。
一、形式美法则
形式美是指构成事物物质材料的自然属性及其组合规律所呈现出来的审美特性。 形式美由构成规律、形式美法则这两大部分构成。形式美法则主要包括：多样与统一、对称与均衡、对比与调和、节奏与韵律等。
现代陶艺造型它不仅仅是要符合人们对物质生活的需要，同时也要满足人们对精神生活的追求。因此，形式美法则在现代陶艺造型中的运用得到了越来越广泛的运用。
二、形式美法则在现代陶艺造型中的运用
形式美中的造型组合规律是形式美法则的重要构成因素。通过对作品的造型改变或创造，以及对形体的排列组合会使得人们对其美的理解发生转变。在陶艺设计过程中对造型的研究，根据设计理念所创造出来的作品则更能展现出艺术家的艺术思维和艺术素养，更具有吸引力和震撼感。在创作陶艺作品时应努力把握住它的形体关系，空间组合关系。力求达到高度统一，整体协调美观，将艺术品的形式美展现得淋漓尽致。
艺术来源于生活， 陶瓷艺术的创作亦是如此。感受生活， 感受生命历程中的点点滴滴， 以泥土这种原始，淳朴而灵动的材质， 经由艺术家的双手， 在熊熊窑火中实现陶瓷媒介的物理与化学转化， 成为承载众多艺术家个人风格与艺术精神的当代载体， 这就是当代陶艺。不论何种创作形态，何种风格，无不是艺术家探索陶瓷的技术与艺术融合的过程。
陶艺镶器产品多为陈设艺术瓷，是以泥块镶合成方型、棱型、扁型等有棱有角的异形器物。镶器的方正让我感觉能给人一种高贵大气的感觉，造型接近方正，可以是单件独立的表现，也可以是多件组合的展示。作品造型本身简洁而平衡。它的气势美让我震撼。
1、多样与统一在现代陶艺造型中的运用
多样性是陶瓷制品发展的必然结果， 而统一性则是陶瓷造型最终要达到的实用与美感的目的。从这个意义上说， 统一性也寓有协调意思。多样性表现在陶瓷造型方面：有的是正圆，有的是残缺的圆。从造型上看，有的会采取美学的黄金分割，但是又不是整齐的分割，它用局部的加减来打破死板的分割，从而形成了形式的统一。装饰方面，纹理也各有不同，有的直线有的弧线，但是整体都是以圆为主题的变化，这就形成了事物的多样性。
再比如系列组件，所谓的系列组件就是不仅它们数量上要多，而且风格上要统一。以壶为例，用壶的不同形态来表达一种对抽象艺术的认识。由无数个形态各异的茶壶组成，它们既是单独个体，也可组合，但是整体来看它们又是一组统一的作品。这就形成了形态多样，整体统一的一组作品.都是利用泥性的随意来塑造形体，从而使整套造型形体统一并富有变化。
2、对比与调和在现代陶艺造型中的运用
对比又称对照，是把反差很大的两个物体成功地搭配起来，使得主题更加鲜明，视觉效果更加活跃。调和是形的类似，是形体趋于一致的表现。对比强调的是各个部分的对立性，它使得各部分的特性更加突出，而调和是对比的一种内在的制约。
3、节奏与韵律在现代陶艺造型中的运用
节奏，是画面中同一种元素运动所形成的运动感；韵律原指音乐（诗歌）的声韵和节奏，他更多地着重于一定感情的表现。节奏与韵律本质上基本是一致的，他们首先是一种普遍的自然现象。在形式上，节奏和韵律具有对视觉和听觉强烈的吸引力，他们服从于一般的审美形式规律，是内容的形式；在本质上，他们又具有内在性，是形式的内在秩序和结构。曲线是一种柔美优雅的线条，大胆改变由拉坯成型方式衍生出的传统形态，利用泥性的柔软与飘逸，构建出突破常人思维方式的作品形态，实现了作品空间的奇妙转换。
4、比例在现代陶艺造型中的运用
比例是部分与部分或部分与全体之间的数量关系。它是精确详密的比率概念。人们在长期的生产实践和生活活动中一直运用着比例关系，并以人体自身的尺度为中心，根据自身活动的方便总结出各种尺度标准，体现于衣食住行的器皿和工具的制造中。
三、形式美法则在现代陶艺造型中的重要性
现代陶艺造型多了些个性化和人性化的成分，直接影响到现代陶艺的设计、制作、使用等方面。
随着生活方式的变化使现代陶艺造型的设计重心由使用功能向审美功能转移。其次，生活方式的变化使得现代陶艺造型的制作目的由生产向娱乐转移。再次，生活方式的改变使现代陶艺造型的使用方式由日常向休闲转移。
现代陶艺造型从设计的角度出发，根据生活的各种要求，利用不同的工艺材料，采用相应的工艺技术，所设计和制作出来的陶瓷产品都具有一定的审美价值。它不同于一般艺术，它的创作实现要受到功能、材料、工艺、经济等等条件的制约。而形式美在现代陶艺造型中也是尤为重要的。现代陶艺造型的艺术处理决定着形式的美观，由此看来，造型也是作为陶艺构成要素之一，是功能、技术和艺术的综合表现，而这种综合表现必须在陶艺产品造型形式美特征的基础之上才能得到不断的创新和体现。形式美渗透到了现代陶瓷设计艺术的各个领域，因此。灵活地掌握和运用形式美法则在现代陶艺造型中变得越来越重要。
紫砂艺术的审美和鉴赏
宜兴紫砂陶艺术起源于宋代，历明清两代的成熟，发展到今天，在壶的造型艺术上日臻完美、丰富，如何鉴赏这一门世界陶瓷门类中独树一帜的紫砂陶艺术，即对于紫砂陶艺术应持怎样的审美观点，直接影响了制作者的创作构思。所以，首先谈谈紫砂艺术的审美观问题。
宜兴紫砂具有它的独特性，如泥原料的蕴藏占尽地利；成型技法以泥片镶接及拍打身筒为主要的成型方法，区别于其它陶瓷行业的各种成型法则。并联系到装饰上的文化层次等等，这些都应该是宜兴紫砂工艺所已具备的审美因素。面对一件具体的作品如何来加以鉴赏呢？譬如茶壶这个砂艺最著名的品种形式，从传统的造型来分析，在每件器形的结构中，根据造型艺术的理论和法则多是由点、线、面组成的主体与附件如壶的嘴、鋬、口、底、足、盖的子等等的配置关系，各个方面的比例适当与否，外轮廓线的结构上的缓冲过渡，明暗面的技法处理，空间与实体所形成的虚实对比等等。这些都可以作为无穷的推敲，使对象（器皿或壶）蕴含着丰富的美感。
抽象地讲紫砂陶艺的审美，可以总结为形、神、气、态这四个要素形成，即形式的美，是指作品的外轮廊，也就是具象的片面；神，即神韵，能令人意远，体验出精神美的韵味；气，即气质，陶艺所内涵的和谐协调色泽本质的美；态、即形态，作品的高、低、肥、瘦、刚、柔、方、圆的各种姿态。这几个方面贯通一气，才是一件真正完美的好作品。但这里又要区分"理"和"趣"的两个方面。若壶艺之爱好者偏于理，斤斤较量于壶的容积的宜大宜小，嘴的宜曲宜直，盖的宜盎或平，壶身的或高或矮，侧重从沏茶茗饮的方便为出发点，那就只知理而无趣。一种艺术的欣赏应该在理亦在趣。一件作品不管它是大是小，壶嘴是曲是直, 盖子是盎是平，形制是高是矮，都在乎有趣，有趣才能产生情感，怡养性灵，百玩不厌。所以观赏一件新的造型，应该在领悟到美的本质以後才始加以评点。从这样的审美态度作出发点，才能中肯地赢得普遍爱好砂艺界的共呜。
当然，作为一件实用工艺美术品，它的适用性也是非常重要的，使用上的舒适感可以愉悦身心，引起和谐的兴致。因此，也就要依据饮茶的习惯，风俗，有选择地考虑壶体的容量，壶嘴的出水流畅，壶把的端拿省力舒适等等。这些都是必须作为具体范围的内容来考虑的。
历史地看紫砂工艺鉴赏，一向是区分为三个层次：一、高雅的陶艺层次。它必须是合理有趣，形神兼备，制技精湛，引人入胜，雅俗共赏，使人爱不释手的佳器，方能算得上乘；二、是指工技精致，形式完整，批量复制市场的高档次商品；三、是普通产品，即按地方风俗生活习惯，规格大小不一，形式多样 , 制技一般，广泛流行于民间的日用品。这里着重讨论的是艺术品。在一件器物的内容和形式上，它包含着多方面因素的内在联系，形式的完美与制技的精湛固然是第一要素，其次是有在完整器形上加以装饰，使作品锦上添花地丰富观感。首先要审视纹样的适合，其次是装饰的取材（一是指题材和内容；二是指用何种材料），以及制作的手法，这些都是具体而细微维系到创作者的素养水平与鉴赏者的著眼力。
简约地举一些例来阐明，譬如说：砂艺的传统装"陶刻"，首先思考反映铭题的内容，必须是体现出切情切理的文学词藻，书法和绘画的美妙以及格调的高超，镌刻刀法、金石韵味的精到，能使人对器物的欣赏玩味无穷。而且真正由名画家，绘画之茶壶，必须是一个画面一个壶，经过反拓，或批量印刻已失去意义，那要视乎经营者的信誉及以作者本身艺术素养。诸如摹仿自然界形象性的雕塑制品，兼及装饰在几何形体上的浮雕、贴雕，图案的刻印板，以及釉料彩绘，其它材质的镶嵌，抽象的陶艺构思。任何艺术形式，都应该是源于生活，高于生活。这样居高临下地来看待品评砂艺和鉴赏砂艺，使作者与热衷砂艺的爱好者，相互感触以便领悟制壶艺术的真谛。
随着对砂艺热潮的兴起，传统的茶文化与陶文化的推广，热爱紫砂艺术的人士日益众多。较高档次的佳作生产，究属数量有限，远不能满足各界人士玩赏上的需求，尤其高雅名作，更是稀少。识别砂壶的真假，一如鉴定书画，首先从提高理性认识到感性认识，理性即培养自己的学识素养，以资提高审美观感；第二是多方交流、互相观赏某些名家的杰作，提高感性，探讨和了解某些名作家的风格形制，技巧手法，艺技擅长，使用原料泥色的习惯性，印章的规格特征，把握关键性的依据，逐渐积累经验，自然而然地不难识别真假的。在任何一种艺术行当中，一个有所成就的佼佼者，都一定会有他的独到一面的过硬功夫，这是指艺术的和技巧的两个方面。这些内在的要领，就是所谓个人的风格和韵致，也就是所谓灵感。作伪者是绝对不易得其要领的。
中国传统艺术的审美取向
纵览中国传统陶瓷艺术你会发现不管是釉色装饰，还是彩绘、肌理刻划表现，都以追求自然，再现自然为最高艺术境界。特别是宋代瓷器表现得尤为突出。哥窑的开片瓷追求冰裂纹的自然效果;建窑的兔毫纹，吉州窑的鹧鸪斑追求动物毛纹、斑点的自然纹理;龙泉窑的粉青、梅子青追求玉的天然色泽与质感;钧窑的窑变釉追求“高山云雾霞一朵，烟光凌空星满天，峡谷飞瀑兔丝缕，夕阳紫翠忽成岚”的自然景象。这些陶瓷艺术品，虽然都是人工制作，有人工因素在内，但看上去却“宛自天开”。体现了中国人“天人合一”的审美观念。
中国人的审美观念始终在追求着与自然的契合，追求天人合一，并形成了中国人的自然观。我们从中国传统的哲学思想、文学艺术、园林艺术等方面都能感受到这一点。在中国，自然一词最早出现在《老子》中：“‘自然’就是道，就是无为”;到了汉代，王充《论衡》屡次谈及“自然”，并辟有《自然篇》，专论自然。
在文学艺术方面，有《诗品》“谢诗如芙蓉出水，颜诗如错彩镂金”;李白诗云“清水出芙蓉，天然去雕饰”;苏轼的“自然富贵出天资，不待金盘荐华屋”等等，都是认为自然美是天成的，是人工雕琢达不到的。可见，中国古代文学提倡“自然”，反对人工“雕琢”。在书画艺术方面也有“艺法自然”。东汉书法家蔡邕《九势》：“夫书肇于自然，自然既立，阴阳生矣，阴阳既生，形势出矣。”王维《山水决》：“夫画道之中，水墨最为上。肇自然之性，成造化之功。或只咫尺之图，写千里之景”。
中国传统园林对自然的表现和追求就更为典型。它和中国绘画艺术一样，也是“外师造化，中得心源”，追求“虽由人作，宛自天开”。中国园林的造园要素是以展现天然形态为美，没有太多的人工雕饰。既不求轴线对称，也没有任何规则可循，相反却是山环水抱，曲折蜿蜒，不仅花草树木任自然之貌，即使人工建筑也尽量顺应自然而参差错落，力求与自然融合。中国传统园林设计思想的根本特征是“自然”。
今日的仿古砖设计也正符合了中国传统艺术的审美取向。从仿古砖外观特点与抛光砖、瓷片相对照，它更接近“自然”的状态。
青花瓷审美观的发展
青花瓷，简言之，就是以含氧化钴的金属物质为着色剂在坯体上绘画纹饰，外罩透明釉，在1300℃左右的高温下一次烧成。它明显的外观特征就是瓷器釉下的青色纹饰。
传统青花瓷的装饰方法大致分为三类，一类为青花瓷的釉和料的装饰，一类是青花瓷的坯体装饰，一类是青花瓷的器物造型装饰。
青花陶瓷酒坛
传统青花瓷的釉和料的装饰这里主要谈其料的装饰。传统青花瓷主要通过氧化钴料绘制纹样和图案来进行装饰，青花瓷历经了气势磅礴的元青花、空前繁荣的明青花、缤纷艳丽的清青花，这三个时代见证了传统青花瓷的成熟与辉煌，大量传世于国内外，反映出传统青花瓷艺术不可替代的震撼力，是国之瑰宝。无论是专供宫廷使用的官窑青花瓷，还是以商品为目的的民窑青花瓷，在纹饰的装饰和选择上，各领风骚。传统青花瓷在不同时期，其纹饰、图案呈现出不同的风貌。瓷器整体花纹布局繁密却不杂乱，纹饰选材丰富。如元青花瓷出现了主题纹饰与辅助纹饰之分，主纹有历史故事人物、龙、凤、麒麟、狮子、岁寒三友等，辅纹主要有如意、云肩纹、莲瓣、蕉叶、卷草等。明代青花瓷其装饰风格素雅而又热烈，达到了空前繁荣的盛况，明代在元青花瓷的基础上创新，在辅纹装饰中出现了其空灵的效果，图案简练。常见纹饰上除承袭元代纹饰外，人物类有胡人舞、佛道人等，花卉类有扁菊纹、灵芝和花果树枝盘绕组成的寿字纹、花捧字纹等，同时当时民窑青花瓷的纹样，特别注重其寓意，而且都是吉祥的寓意。比如：牡丹象征富贵美丽，鹿象征禄，游鱼象征富足有余，年年有余等。清代青花瓷继承了中国水墨画和书法的特色，当时诗文装饰成时尚，采用寓意和谐音，象征吉祥的图案纹饰，采用中国水墨绘画笔法。在中国传统青花瓷中，可以发现制作青花瓷的艺人们对外国文化的博采融合，呈现出了不一样的风格。
传统青花瓷的坯体装饰方法有堆塑、模印和刻划装饰。青花瓷坯体上的堆塑装饰，要么是在堆塑成的纹饰上或纹饰外涂青料，产生一种白地青花或青地白花的效果，要么就是用青花画出纹饰的一部分，另一部分用堆塑配合完成。传统青花瓷上的印花装饰是用模印的方法，在未干的器皿坯体上，压印出纹饰，然后以钴料进一步绘制纹饰的方法，如元代青花瓷盘上用模印方法印出花朵，用钴料在花朵上勾出花瓣，再用钴料画出枝叶。明代青花上器物的纹饰也是模印而成的，纹饰外涂满钴料作地，类似青地白花。有些青花上是模印纹饰后再加绘与原纹饰无关的钴料，原模印纹饰犹如纸上的水印。如云南玉溪和建水窑的青花瓷先在碗、盘等器物的中心模印凸起的荷花、菊花等，在这些模印纹饰上再用青料绘上鱼藻纹等。这种装饰可以看出制作者独具匠心的艺术观。青花瓷坯体刻划装饰，其刻划工具大致有刻刀和锥两类。用刀之刃在瓷胎上刻出的纹饰线条粗，用锥形利器在瓷胎上画出的纹饰线条细，用刀还是用锥可根据不同场合灵活运用，这种装饰方法在传统青花瓷上大致有三种基本形式：一种是先刻划出纹饰再进一步在纹饰上涂青，这种方法青料在凹陷处，积料深厚，能更好地显示纹理效果；另一种是先用青料绘画出纹饰再进一步在此纹饰上刻划，烧成后刻划处露出白色的胎体；还有一种是先刻划出纹饰后青料涂地，以达到一种青地白花的效果。
传统青花瓷的器物造型，取决于前人器物造型的经验积累，当时的工艺技术，也取决于使用目的和审美意识，传统青花瓷的造型在诸多因素下，呈现出或注重使用方便，或考虑美观，或追求浑厚古拙，或追求玲珑别致，从而使青花瓷的造型千姿百态，美不胜收。青花瓷自十三世纪的元代以来，造型经历由简入繁、由少到多。风格上总的趋势是由古雅入清丽，由粗放到工致。明清以来器物造型多变。同一器物，在不同时期也呈现出不同的特征。如梅瓶，口细而颈短，口径之小仅与梅之瘦骨相称，肩极宽博，至胫稍狭，抵于足微丰。到宋代时，梅瓶的整体造型修长秀美。至元朝时，造型又有所变化，元朝的梅瓶继承了宋代的样式，但它较之宋代雄壮，其颈稍加高，口沿平坦，肩部更为丰满。而在明永乐、宣德时期梅瓶的肩部更加丰富，整个瓶体明显肥胖，粗矮起来。
传统青花瓷的装饰是“艺术家”，是从古老陶瓷、水墨画、青铜器、书法、民族风俗及生活习惯等提炼产生的。人类文明在推进，青花瓷的审美观在发展。一件事物的演绎有其量变到质变的过程，并非凭空产生，现代青花瓷呈现出的风貌也是由过去一步步演变而来的。传统青花瓷的装饰方法给予了现代青花瓷艺术的一个基点。继承传统，大胆创新，赋予当代青花瓷艺术家的历史使命。