古代民窑瓷器。
官窑是世人公认的瓷中精品，因其制作精良，工艺精湛，技艺高超等深受王公贵族的喜爱。在为数众多的民窑作品中由于纹饰、题材等方面较少受到拘束，从而具有独特的艺术魅力。尤其一些民窑精细瓷器，其生产技艺并不比官窑逊色多少。
历史上，明代专门生产日用瓷器的小南窑，也曾烧造出了“盛行一时”的浅白仿宋碗。明代民窑瓷器的纹饰，突破了历来官窑图案规格化的束缚，凡是自然界和现实生活中能赋予人们美感的一切景象、事物，画师们都尽情地加以表现。它的内容极为丰富，是官窑瓷器无法比拟的。与官窑瓷器上繁缛的画风不同，民窑的青花瓷上，草草几笔山水画，再加上题诗，显示了明代文人山水画对瓷器装饰的影响。清代，则大量采用了戏曲、小说等为题材的人物故事画，清康熙时青花、五彩瓷器上的历史故事画就有伍子胥举鼎、周处斩蛟、空城计、西厢记等。这些画，线条简练有力，表情生动，色彩鲜艳，深受人们喜爱。
民窑在器型上大胆创新。传世的康熙五彩瓷，官窑多是一些盘、碗等小件器皿，而民窑则生产出了凤尾尊、棒槌瓶、大盘等大型器物。
明末的天启、崇祯年间，官窑停造，独剩民窑，这时却是景德镇制瓷业走向最辉煌的一个重要历史时期。这一时期，海外客商大量购买景德镇的民窑瓷器，此时的民窑也显示出了无限的创造力和刚健的个性。无数的民窑瓷器漂洋过海，向世界广泛传播着中国文化。
到了民国，以“珠山八友”为代表，粉彩瓷画盛极一时，其粉润柔和的色调和栩栩如生的个体形象以及融中国传统文人画风格于其中的特点，极具独创性，深受当时民众喜爱。
可以说，随着清末社会动乱，皇帝倒戈。民国时期民窑已经赶超官窑瓷器，民窑瓷生产已达到一个新的高度。藏友在关注官窑瓷器的同时，也可以在民窑瓷精品上投入一些精力。
小编推荐
民窑瓷绘的艺术价值
近年拍卖场上官窑瓷器价位高潮迭起而民窑尚无立锥之地！但官窑是在皇家森严法规命令下，艺人们在一种唯命是从的气氛下制作出来的。皇帝的旨意又必然限制了艺术的生命，而没有生命的艺术是毫无价值可言的！
西方传统绘画自塞尚之后开始摆脱如实描写自然图解式的束缚，开始大胆地抒写性灵，寻找绘画本质的自身规律，但发展到现代又产生了许多疑问。这主要是绘画语言表现的软弱无力，而语言的无力也就失去了收藏的价值，变成一种捉迷藏的游戏！综上所述我们不妨看一看民窑瓷绘的艺术天地。
简言之，民窑瓷绘有三大特色：
一是以书入画，瓷绘用笔完全是书法用笔，线条不拘泥成法而服从线本身的运动规律，粗细疏密，刚柔相济，抽象隽永意味无穷。往往是字与画很难区分，人与物融为一体。“酒色财气”四系罐，字是横着写，因为这更便于生产，字在这里更多的作用是装饰图案。“雁衔芦”罐，一枝芦花倒垂下来横亘于整个画面，首尾相接。而展翅高飞的大雁线条排列成放射状，极具装饰味。笔法是两头尖中间粗的兰叶描，几笔芦叶挥洒自如，让人叹为观止！此画产生在七百年前的元代真是让人不可思议！查“元四家”黄、王、倪、吴均无此笔法。“石如飞白木如籀，写竹还须八法通”的赵孟也不过是说说而已！真正的先行者是这些扎根于民间的艺人们，他们先一步完成了现代派大师们梦寐以求的一笔画、一笔书，直到晚明画坛以徐青藤为代表的文人画家们始窥此中端倪。已故的林风眠先生一生之中都在苦练此种笔法，画作往往是百里挑一，可见此笔法之难！“青花柳丝”碗心用笔横刷几下即为柳，但那是何等的几笔，西方绘画就产生不出那几笔，我们只是在齐白石的画作中才偶尔能赏其余绪！是写画不是描画是中国画用笔的关键，也是抽象绘画赖以感人的惟一要素。
二是以神入画，不拘泥于物象外表而是写其意，应该说是发中国写意画之先声。“赤壁夜游”碗，船上众人均无眉眼，而东坡长吟、艄子回眸之状皆跃然“碗”上。“宣德四鱼碗”其用笔不过三四而鱼之态出矣，两百年后在八大山人的画面中见到了类似的鱼。“江山垂钓图”碟，我藏有三四个，越到后来其形越简，最后只剩下一杆一线一钓翁了。最有意思的是晚明的那批山水图案全部是点、线、面的构成。“江山渔乐”烛插在一寸高的画面中聚点成树，一抹成山，重重叠叠、密密麻麻于重山大江中置屋宇、构房舍。屋中有人居住，江中有人撑帆，一派生机。而一百年后石涛和尚画的“搜尽奇峰打草稿”与此如出一辙。最令人惊喜的一个小碗所绘山水全部为几何块面的分割排列，密处直线平涂，疏处曲线交叉，类工业文明之产物。碗心所绘则更耐人寻味：竖线、横线、圆圈一抹一点，是符号？是图案？不得而知，但极具现代抽象构成之语言，产生在四百年前的明代，其超前意识耐人深思，发人深省。还有众多的鸟兽人物花草图案，其形象多是几笔而成，一挥而就。不是似与不似的老生常谈而是遗貌取神的开宗立派！谁说中国没有抽象艺术，谁说中国人不懂抽象绘画？千百年来历代的民窑艺人们用他们的聪明才智、勤劳双手留下的这批宝贵的民窑瓷绘是一个很好例证。而传神之笔则是抽象绘画赖以生存的一条生命线！
三是以情入画，民间艺人长期生活于民间，老百姓的喜怒哀乐、传统习俗，大自然中的山川地貌、飞禽走兽无一不是他们携取的画材。这较之文人画家的“松竹梅兰”，宫庭画家的“遵旨制作”不知要广阔了多少倍，更由于这些都是他们亲身体验到的，画出来就倍感亲切。“画为心声”在这里得到了最充分的发挥。一切功名利禄与他们都毫不相干，他们的生活就是画画，他们的画就是画他们的生活。这是人类艺术的活水源头，在生活里他们产生了一种表达他们心声的欲望，诉诸笔端，形之笔墨。我们常说的真、善、美的第一条就是真，唯真才有善和美。所谓“诗三百篇”、“赤子之心”、“童心不泯”、“返朴归真”一类词是历代大艺术家孜孜以求的，为什么要追求？因为这才少雕琢之气，出自肺腑，发自天籁。而天籁是不可学的！艺术的生命在于作者感情的注入，唯独此，艺术才会延续下去，才会感动后人。而这恰恰是官窑瓷绘绝对做不到的！
我们现在能保留下来的纸绢本前人墨迹，宋元已不多见，至明亦是凤毛麟角，而陶瓷却完好如初地保留下了这些前贤手迹，历千百年而不变，这不能不说是陶瓷对文物保护的一大贡献。它们虽然出自民间，没有留下作者的任何名字，但它们折射出来的艺术光采，却仍能发我们深思，给我们启迪，指引我们向前。
明代民窑青花瓷的发展历史
在我国明代的陶瓷当中，青花瓷是我国陶瓷发展史中除了青瓷、白瓷、青白瓷和彩绘瓷之外，产量最大、使用最广的陶瓷用品。青花瓷装饰是一种瓷器上的绘画，这是将中国的传统国画表现在瓷器上，虽然绘画的笔法因为在坯体上不如在宣纸上流畅，也因此装饰表现上略微粗糙，但是明代各个时期的青花瓷装饰风格都与当时的社会风气有联系，所以在题材选择方面与传统的国画相比内容就更为丰富。
明代民窑青花瓷
明代时期是中国封建专制的社会体制逐渐进入衰败的时期。使得封建传统思想受到冲击，那时的文学艺术也达到了一个新的历史高峰。在明中期到明末期青花瓷的艺术风格也有了明显的人文风格倾向的转型。明代民窑青花因此受到了文人士大夫的喜爱，也因商业的流通，文人思想便得到了广泛传播。而主要在青花装饰上的表现特点，便是用笔犹如书法中的行书，意达而笔到，将这种大写意中的中国画的技法运用到青花的装饰中来，具有雅俗共赏、格调奔放、典雅敦厚的艺术特点。“民窑绘画意境之美犹如无声之诗，极其自然灵妙。其山水人物画往往简练几笔就绘出远山近水以及人物的动态，清新淡远，耐人寻味。”
在明代陶瓷业的发展中，主要分为官窑也称为御窑与民窑两种。而这其中明代瓷器的烧造和对外销售当中，民窑是其中非常重要的一个部分。当时朝廷因为规定禁止一部分的彩瓷在民间使用，因此民窑中的青花瓷成为了民间的主要产品。一些远销海外市场的陶瓷也主要以民窑青花瓷器为主。青花瓷作为一种将绘画装饰与日用品相结合的日用工艺品，紧密地将商品交换中的经济价值与日常生活中的实用功能和审美功能完美地融合在了一起。明代时期的官窑青花瓷与民窑青花瓷两者中，民窑青花的传承性很强，因为民窑青花的表现能力比官窑青花的表现更加淳朴自然。这些特点更加符合广大人民群众的审美情趣，更加肯定了民窑青花瓷的实用价值和艺术价值。也因此，青花瓷装饰的创作者不仅要考虑创作出的产品符合世俗想法的要求，还要考虑到社会各个阶层的审美口味。
在明代时期，郑和七次出海下西洋，也为我国的对外贸易开拓了一个很大的海外市场，也因此商业贸易方面与民间各个手工业方面比前代都有了较为显著的发展。尤其是在明代万历年间之后，在当时有一大批的走出思想枷锁的美学理论和美学范畴潮流涌现出来，这些美学理论和美学范畴，都有着艺术革新和自由独创的精神。这是一种人文主义、人本主义艺术思想的崛起。因为这种文学思想精神对于人存在这个本体的意义给予了肯定，也是对个人的价值和个人需求欲望的肯定，于是在民窑青花瓷器绘画装饰的表现方面，我们就能够看到，一些主要以民俗风土为主题，以情爱自由为题材，以及追求人间富贵为内容的装饰绘画开始较多的出现。艺术创作者们在原本单纯简单的花鸟作品中，有的便会加上能够反映这种写意精神的诗词与之相配。
明代的瓷器无论是造型，绘画装饰以及工艺技术都超越了前代的规模。元代的总体艺术风格偏于厚重和繁复，到明代时期便转为轻巧与简练，明代的青花瓷品种更丰富，装饰风格有的清新雅淡，有的淋漓豪放，有的质朴简练。在谢赫《古画品录》“六法”中，首要提及的便是“气韵生动”，其次就是“骨法用笔”，这种强调笔法韵律的审美便在文人画客中流传至今。虽然民窑艺人没有系统的研究过“六法”，但在青花瓷器装饰上的运笔和形式以及气韵的掌握上都体现了他们不俗的才华。
明代的民窑青花瓷器在不同的时期也有着不同的装饰风格与表现特点。我们一般将明代的青花瓷艺术分为三个时期，即明代早期、中期和晚期。
1、在明代早期，即从明洪武、永乐、宣德到明正统、景泰、天顺时期，这是民窑青花瓷发展的孕育时期，从装饰方面上来看构图也较为单调，基本以单线描绘为主。这是一种简淡的风格，但它并非孤立的现象，而是在善于观察，通过识别抽象或具象的东西，将其概括出来，这是一种简约质朴的绘画风格。虽然没有明中期青花分水技法那样丰富的层次关系，但从美学层面上看，明早期民窑青花的装饰则也是极具特点的。一是装饰极为大气，无论是构图还是画法基本上是一挥而就的，画面概括。二是画法虽然单一，但也正是如此便造成了画法技术的高超水准，在画面中有的笔法加一笔则多余，减一笔则缺少神韵。其三，绘画的画笔造成了整体画面的气势非常连贯。
2、从明中期开始，即成化、弘治、正德三朝，民窑青花得到快速的发展，一方面是装饰的题材比之前丰富，二是绘制技法有了不断的创新，三是创造出与青花色泽极为和谐的胎质釉面，把青花瓷所特有的陶瓷艺术特征从单纯的绘画中完全分解出来。在这个时期内，尤其具有魅力的要数明成化时期的青花瓷了。成化朝时期青花瓷器的精品所具有的优雅韵味是历代青花瓷无法企及的。中期的青花装饰风格较之前明早期的青花装饰有了明显的变化，从画面的勾线来看，明中期的勾线渐渐变得圆润含蓄，没有了之前的粗犷和充满张扬的气概。但明中期的民窑青花瓷中却有着一种特有的雅拙的味道，笔法中虽然不甚流畅，却能给人一种如品好茶般的说不清道不明的内在深沉的东西。郑玄《<周礼>注》“雅、正也。古今之正者以为后世法”而“雅”便是一个传统的审美准则。而“拙”，在画家看来，生拙、古拙意味着不逞才、不使气。他贵在敛约，在明成化期间我们可以看到“雅”对民窑青花瓷的影响。而民窑中的拙又影响到了青花瓷的装饰中，因为拙是民间美术的最基本的造型风格。外加明成化期间，青花瓷的釉层表面乳浊的感觉更甚，透过那如脂般的釉面观赏青花瓷便有一种神秘的味道。
明代晚期的民窑青花瓷，即嘉靖、隆庆、万历、天启、崇祯几朝，从这一时期装饰题材上来看，几乎每一类题材都有其极为精彩的代表作品。这一时期便是中国明代民窑青花瓷发展最为全面的时期，题材从反映民间市井生活，农人劳作的情景到文人墨客，神仙题材都有，非常丰富。在嘉靖至万历年间，随着对外贸易的需要，景德镇民窑青花瓷器作为出口最多的产品使得越来越多的国家认识到中国是世界的陶瓷之都，而外贸的发展则使民窑青花瓷也吸收了许多西洋的文化，创作的作品中既有生活中的鲜活，又有中国传统画的水墨韵味，将两者巧妙地融合在了一起，产生出更为动人的艺术形象。
民窑青花瓷的来之于民，用之于民，扎根于广大群众之中，保持其淳朴活泼，不事雕琢的民间艺术特色。文人思想的高雅情趣和深远的意境深刻地影响了民窑青花瓷艺术的发展。民窑青花瓷作为我国民族文化的一个重要组成部分，不仅给我们创造了一个丰富充实的物质世界，而且以其清晰的格调、淳朴的风格，为我们营造了永恒的精神世界。
鉴定清中期民窑瓷应注意的要点
在藏友沙龙上，鉴定专家舒章铭介绍，鉴定清中期民窑瓷应注意以下几点——
1、嘉、道时期瓷器胎骨与乾隆相比略粗松一点，白度无大异，而新仿之胎骨不是过白过细，就是过于粗糙，有时还可见颗粒状物。从釉面看，嘉道瓷器釉面普遍有“细桔皮釉”及轻微的“波浪釉”现象，从侧面视之尤为明显。
2、从道光至光绪瓷器造型的线条和曲线渐变生硬，且常见棱角，无圆润秀美之感，胎体渐厚显笨拙。
3、青花呈色虽有多种表现，但主流还是以稳定的纯正蓝色居多，色调沉着不飘浮，纹饰清晰，到后期青花呈色有青蓝、淡蓝、灰蓝等各色。
4、施釉较厚为多，薄釉较少。
5、嘉庆青花色调较稳定，但有的器物出现青花暗淡飘浮的现象，而且青花品种减少，质量降低，尤其是青花釉里红产品，普遍施釉稀薄，釉色灰暗，青花也有散现象。
6、道光青花瓷呈色与嘉庆基本相同，蓝色不甚鲜亮，无凝聚斑点和散现象，有飘浮感。
7、嘉、道两朝在装饰绘画上类似，出现画面层次少，画意呆板，尤其人物只是有形却无神。
骨瓷的独特魅力
在骨瓷、贝瓷、珍珠瓷等高档瓷种中，由于贝瓷（将海洋中的贝类、珊瑚等成分掺入瓷土制成）、珍珠瓷（将珍珠成分掺入瓷土制成）成本太高几乎没有工业化生产，所以骨瓷是世界上公认最高档瓷种。
骨瓷原称骨灰瓷，人们对“灰”字感到不“雅”，遂改称骨质瓷，简称骨瓷。
骨瓷因为它白度高、色调柔和，均是高档瓷，很受人们的喜爱。据说英国的皇室、唐宁街十号用的均是本国产骨灰瓷。美国中上层人士饮茶，多用骨灰瓷杯。
阅读更多骨灰瓷（bonechina）是以磷酸钙作熔剂的“磷酸盐-高岭土-石英-长石”系统瓷。它的形成主要依*氧化硅、氧化铝和氧化钙，其中氧化钙的含量越高，色泽越好。在自然界中，氧化钙的来源不多，所以选择动物的骨粉作为氧化钙的来源。按照国际标准，骨瓷内含25％以上的食草动物骨灰（成份为磷酸三钙）。骨粉用牛、羊、猪骨等，以牛骨为佳。经过灌浆、模压制胚、石膏模脱水，以及初烧、上釉烧、贴花纸烤制等工艺，经历了高温“锤炼”的瓷土终成细腻、光洁、通透、温润的骨瓷。骨质瓷在烧制过程中，对它的规整度、洁白度、透明度、热稳定性等诸项理化指标均要求极高，由此废品率很高。由于用料考究、制作精细、标准严格，所以价值远远高于其它瓷种。独特的烧制过程和骨碳的加入，使瓷土中的杂质被消除，骨瓷显得更洁白、细腻、通透、轻巧，极少瑕疵，并且比一般瓷器薄，在视觉上有一种特殊的清洁感，强度高于一般瓷器，是日用瓷器的两倍。骨粉的含量越高，黏土的成分就相对降低，在制作过程中就越易烧裂，在成形上需要更高的技术，增加了烧制难度，所以更加珍贵。
加入了骨粉的瓷器，宛若注入了灵性，拥有了灵魂，骨瓷的硬度与透光度都非一般瓷器可以比拟。虽然骨瓷看起来是纤瘦之躯，但以极薄的身架承载着比一般瓷器高得多的强度。1988年9月，威基伍德(Wedgwood)的4只骨瓷咖啡杯平稳地承托起了1辆重达15吨的运土车，杯子却安然无恙。字串9
骨瓷成品质地轻盈、细密坚硬（是日用瓷器的两倍）、不易磨损及破裂、有适度的透光性、保温性，色泽成天然骨粉独有自然奶白色。其中骨粉成分为40%以上器具其颜色则更成乳白色属高档骨瓷（finebonechina），质地最好的骨瓷一般含有50%甚至更高的优质牛骨粉，器具颜色呈乳白色。如日本鸣海骨瓷因骨粉含量高，其颜色是界于乳白色和奶黄色之间。
骨瓷的制造厂商主要为欧洲与日本两大体系；我国只有唐山、淄博等地的少数厂家生产出口，美食派销售的骨瓷主要由来自中国唐山的骨灰瓷厂家直接供货。阅读更多不管是在西式餐具中，还是中式餐具里，或是日韩餐具里，骨瓷都有散发着自己的独特魅力。
在中国人看来“浪漫、高雅”的西餐，餐具极富装饰效用。不仅餐刀、汤匙分工细致、种类繁多，美丽的餐具更应随着食物依次登场，酒、开胃菜、汤、鱼、肉、色拉、甜品，面包……餐具也要务必与之相匹配。可谓款式分明、规格多样。中式餐具一向以陶瓷器皿为主，不管是传统流派还是现代潮流，都讲求餐具配套。拿骨瓷餐具来说，每一套都有一个诗情画意的名字，如“书韵幽香”、“青玉满园”、“荷塘月色”等，每一种花纹图案都营造出一种气氛，因而，哪一种装修风格的房屋，选哪一种样式的骨瓷餐具，看的就是主人的眼光与品味了。
骨瓷饰金都是通过纯手工工艺，所以即使在成套的餐具中，饰金花纹也会有些许不同。每日每餐，盛宴当前，用足够雍容的骨瓷盛载，才会显出非凡的气派来。
日韩的饮食清淡、健康见长。所以，虽然日式和韩式料理进入中国的时间远远没有西餐长，但因其不用火烧、生吃的环保健康吃法，使日韩餐具随着潮流进入了寻常百姓家。日韩餐具以古朴的陶器为主，颜色上以纯色的白色、黑色、墨绿色、棕色为主。日韩料理注重细节，餐具以精致、小巧见长。特别是品级极高、强调艺术性的，往往在造型上显得格外自由；表现在餐具安排上，像是前菜，常常在一个大盘上疏落有致地摆放着数种不同菜色，有的直接摆放盘上，有的以小杯小碟或一片小叶盛装，彼此相对映交织如画，十分迷人。日韩餐具种类颇多，除了各种用途不一的杯和碗，各式的碟子有方碟、深碟、浅碟、小味碟、酱油碟、豉形碟等。还有便当盒、果盒、托盘等木竹的漆具，颜色以红黑色为主，充分展现出东洋异国的风情。在这种场合下，精美的骨瓷餐具无疑是首选。
地道的咖啡最好就要用骨瓷来盛放，因为骨瓷有很好的保温效果，可以使咖啡在杯中温度降低速度较慢，保证喝到的每一口都热而香浓。冲泡花草茶，如果能用花朵形状的骨瓷杯来盛，配上同样花色的托盘，是不是更增添了很多情趣呢？
阅读更多地道的咖啡最好就要用骨瓷来盛放，因为骨瓷有很好的保温效果，可以使咖啡在杯中温度降低速度较慢，保证喝到的每一口都热而香浓。冲泡花草茶，如果能用花朵形状的骨瓷杯来盛，配上同样花色的托盘，是不是更增添了很多情趣呢？买一套漂亮、中意的瓷器是不少主妇的心愿。但市面上相当多的陶瓷餐具，特别是那些价格低廉、色彩绚烂的陶瓷器皿多为釉上彩，使用了劣质颜料，制作工艺也不到家，铅、镉等重金属超标，长期使用会对身体造成巨大伤害。而美食派销售的骨瓷器皿中骨碳含量极高，无铅釉的表面使其成为真正的绿色生活用品。
骨瓷比普通陶瓷的保养当然要更娇贵些。由于骨质瓷的保温性很好，因此在使用中不要温差太大；微波炉、洗碗机都是不建议经常使用的，放进消毒柜去消毒，则是没有问题的。使用后用温水冲洗即可，可以不用洗涤剂。骨瓷绝不可用粗糙的清洗物来洗，一旦骨瓷器皿表面有刮花，可以用牙膏略打磨。如果有茶渍，则可用柠檬汁或食醋清洗。
骨瓷成品质地轻巧、细密坚硬（是日用瓷器的两倍）、不易磨损及破裂、有适度的透光性、保温性、色泽呈天然骨粉独有的自然奶白色。其中骨粉成分为40%以上器具其颜色则更呈乳白色属高档骨瓷（finebonechina）。将杯子罩在灯泡上（当然也可以对着光就好），你就能看出杯子成分的细致与否，好的应该透光较佳且无杂质，现在所有的骨磁杯都是加入牛骨粉的。用拇指和食指轻轻弹击杯壁，会发出清脆的声音。
讲究“礼尚往来”的中国人一向看重礼品。高档、典雅、实用、环保是一份高档礼品所需具备的要素。骨质瓷原料中掺入了食草动物的骨碳，使瓷质更细腻、莹润；正因为如此，英国皇室以及不少国家领导人高峰会议都将骨质瓷列为专用餐具。
17世纪末18世纪初英国工业革命以前，瓷器一直是中国的专利。工业革命发生后，近代欧洲在中国陶瓷的刺激下，依*先进的科学很快的掌握了制瓷技术。他们不仅仿制中国的青花瓷、彩瓷、德画瓷、而且研发了许多高品质瓷种。化学家伯特格尔（J.F.Bottger）发明了带有欧洲风格的瓷器。英国的乔希亚·威基伍德发明了奶白瓷，1794年小乔希亚·斯普特发明了骨瓷，大乔希亚·斯普特发明了转移贴花装饰技术等。此后漫长的岁月里，骨磁以英国出品的最有名，威基伍德(Wedgwood)、道尔顿(ROYALDOULTON)等世界十大名磁（骨磁）全在英国，威基伍德的骨瓷器更是被英皇室御用二百多年，俄国的凯莎琳女王也是该品牌骨瓷的忠实拥戴者，曾一气订全套952件骨瓷，每件器皿上全部由威基伍德亲自工笔绘制不同的英国风光。皇家道尔顿关注女性情怀，乡村阳光系列是戴安娜王妃的心仪之物……日本的骨瓷工艺在近二十几年里从无到有突飞猛进，虽然不如英国骨瓷知名，也有不少名品出自日本，如NARUMI（鸣海）、NORITAKE（诺太克）、Nikko（日光）等。
明代民窑青花瓷断代的研究现状
关于明清时期青花瓷的断代，在许多陶瓷著作中都有相应的叙述，但大多侧重于各朝的具体特征，而对于断代的依据却很少涉及。这些从理论上总结的各朝民窑青花瓷的特征，大体都是正确的，但对于具体器物的断代则需要更明确、更细化的标准。
明清时期民窑青花瓷的断代，特别是对于明代民窑青花瓷的断代，目前处于混乱状态。相同或相似的器物，有时在不同的著作中所断年代早晚差异较大，甚至在同一著作中，有时断代结论也不一样。有些类型的器物，虽然在多数著作中的断代基本一致，但其结论却未必是可靠的。即使是在一些著名学者的著作中，对于书中附图器物的断代，也或多或少存在明显错断情况。至于目前书店流行的各类关于青花瓷断代的，诸如纹饰图典、款识大典、装饰大典、青花瓷画、瓷片鉴赏等图录式收藏类图书，其错谬情况则更为普遍。中国的文物鉴定类著作历来重视图谱，在民窑青花瓷器断代标准模糊不清的情况下，各著作间相互参照借鉴，以讹传讹自然难以避免。
目前民窑青花瓷的断代，尚未确立一套科学的标准体系，大多数学者对民窑青花瓷的断代依靠的是经验，具有很大的随意性。因而要对民窑青花瓷进行科学断代，重要的是要建立科学的断代标准，最基础的工作是通过系统的考古类型学研究。
清中期民窑瓷告别“非主流”
目前清中期民窑瓷器已成为武汉古陶瓷收藏的“主流”，不仅是众多藏家追逐的对象，也是拍卖会和私下陶瓷交流的常客，其交易占比接近古陶瓷交易的五成。
4月底，江城举行大型拍卖会，上拍的近百件古陶瓷中，清中期和清末民初的民窑瓷占了九成以上，这其中，清中期民窑瓷数量占比约三成，成交额则占四成多。
来自藏家私下交易的数据也表明，清中期民窑瓷交易量占比已超过五成。一些品相好、器型优美、画工精湛的大器，其成交价早已突破10万元。普通的清中期民窑瓷身价也在数万元以上。
在古陶瓷收藏圈，清中期一般是指嘉庆、道光、咸丰和同治四朝，这一时期居于康熙、雍正和乾隆所在的“清三代”之后，是中国古陶瓷由盛转衰的阶段。
武汉资深藏家李险峰介绍，康、雍、乾三代的瓷器是中国古陶瓷发展的顶峰，其制作工艺和艺术水位已具相当高的水平，受到众多古陶瓷藏家的追求。由于关注度高，康、雍、乾三代瓷器已被“搜藏殆尽”，市面上已不多见。
清中期国力不如清三代，在艺术瓷器的制造上也远比清三代逊色。比如，清中期瓷器的釉密度已不比清三代，釉开始出现疏松现象，其胎的致密度也不够，画工和器型也远远不及清三代。不过，由于年代相近，清中期瓷器风格延续乾隆时期的特点，一些精品瓷仍清秀端庄、文饰细腻。
加上在武汉，官窑已是可望不可即的珍品，清中期民窑所产的民用瓷存世量相对较大，前几年并不被收藏家看好。这些年，许多理性的藏家早已把目光盯上了清中期民窑瓷，开始大量收购这类藏品，使得这一领域聚集不少人气。
清代早期民窑青花瓷特征
清代早期景德镇窑的瓷器生产，也像明代推行“官搭民烧”的制度，这不仅充分释放了民窑的生产潜力，调动了工匠的积极性，提高了民窑作坊的规模及烧造精细瓷器的技术，而且由于当时官窑民窑相互影响，相互促进，无形中也刺激了民窑青花瓷器业的进一步发展，这也是清初青花瓷器生产以民窑居多的一个重要原因。
至于清初景德镇民窑青花瓷的具体特征，有如下几点：
（1）胎釉：清初青花瓷器胎体厚重呈灰白或灰黄色，瓷化程度较好，胎釉结合紧密，多数釉面呈鸭蛋青，透明度较差，光泽度不强，个别釉面有缩釉，大部分有酱口，同时许多大件琢器底部不施釉，修胎也不太规整，盘碗底部厚重，口沿逐渐扁薄，圈足稍微向内收，有的器物足沿经过工匠仔细修琢后，还出现有泥鳅背现象，较光滑，底边还带有窑红即火石红。
（2）青料：清初青花瓷器大部是使用国产浙料绘制，大致有青翠淡雅与灰篮等种，总体呈色稳定，少数趋于灰暗，也有一些青花晕散和纹饰模糊现象。
（3）造型：清初青花瓷器多以生活用器为主，陈设器为辅，造型侧重于实用性，基本是延续明代的传统式样，形制上还多具有明代古朴浑厚之遗风。
（4）纹饰：清初青花瓷器的青花纹饰质朴自然，绘画一反已往单线平涂的方法，而是釆用多线平涂的技法，讲究匀称，疏密有致，相互辉映，粗犷豪放，同时纹饰题材丰富，常见有动物纹、植物纹、山水图、博古图等，龙纹高大雄壮，矫健有力，有腾云驾雾之势，麒麟纹常和挺拨的巴蕉叶画在一起，相映成趣，而且蕉叶纹中常留白。
总之，对清初民窑青花瓷器的鉴定，必须广泛地接触清初青花瓷器物，才能培奍和提髙鉴赏水平，也就是说只有这样，才能得出正确和中肯的鉴定结论，正如古人所说：“操千曲而后晓，观千剑而后识器”。这话说得很有道理，鉴定青花瓷又何尝不是如此。因此我们应遵循这一原则，就要多看，多对比，多分析以识别真伪。清代龚轼在《陶韵》中曾这样说过青花瓷：“白瓷青花一火成，花从釉里见透明，可参造化先天妙，无极由来无极生。”充分说明青花瓷的艺术魅力。你看，明明笔划简洁，却有一种由内而外的华贵，明明色调单纯，却有一种无法比拟的绚丽，明明恣肆风流，却有一种漫不经心的从容，明明清盈飘逸，却有一种温柔可融的意境……所以说与青花瓷相遇则是一种缘分，当你见到它时，定会立刻被它所震撼、所吸引、所痴迷！
感受寿州窑黄釉瓷的艺术魅力
在我国古代很多瓷窑都以自己独特的风格和成就，像灿烂的星光闪烁在中国陶瓷发展史上，引起了陶瓷史学界的极大兴趣和关注，唐代寿州窑黄釉瓷也不例外，它以独特的烧造工兿和色彩上的大胆创新，创烧出一种独树一帜的黃釉瓷，为我国陶瓷发展作出了突出贡献。
有关寿州窑的产品，真正追溯其发展历史，应该说其创烧于南北朝的初期，兴盛于隋唐中期，衰落于晚期。寿州窑早期是用还原气氛烧制青瓷，釉色为青白色，胎白质细，有微量的小砂点。到了唐代，开始改用氧化焰烧制出独特的黄釉瓷，其特征是胎厚重，質细腻纯净坚硬，在釉下施化妆土，釉呈淡黄色，另有蜡黄，鳝鱼黄，桔子黄等釉色，色泽晶莹。器型较规整，美观大方，受到人们的喜爱，成为当時唐代六大名窑之一。唐人陸羽在《茶经》里曾写下“寿州瓷黃茶色紫”之句，另在《増补古今瓷器源流考》中也有“江南寿州唐時烧造，其瓷色黄”的记载。至于寿州窑的具体方位究竟是在何处？权伯华在《古瓷考略》中曾指出，“唐寿州窑在今安徽寿州。”这里的寿州即现今安徽寿县及淮南市上窑鎮等地。多年来，在安徽淮南市的马家岗、上窑镇、金家沟以及寿县、長丰、凤台等地陆续发现属于寿州窑的窑址，一些唐代墓葬里也出土了大量寿州窑黄釉瓷，使人们对唐代寿州窑有了进一步的认识。
寿州窑黃釉瓷是我国唐代陶瓷百花园中异军突起的一朵奇葩。在我国制瓷工业发展史上，隋代曾一度风行烧造青釉瓷，到了唐代许多瓷窑争相烧造白瓷，寿州窑既没有盲目崇尚去烧白瓷，也没有沿着青瓷烧造的老路走下去，而是勇于创新，勇于探索，另辟蹊径，烧造出别具一格的黄釉瓷。寿州窑黄釉瓷对当時安徽白土窑、河北曲阳窑、山西浑源窑、河南密县窑、陕西铜川窑以及湖南长沙窑等均或多或少地产生了一定的影响，对我国瓷噐产业的发展产生过积极的推动作用。
独具魅力的景德镇民窑古瓷片
在浩瀚漫长的中华陶瓷历史中，景德镇民窑古瓷堪称华彩乐章，举足轻重。近年北京出土的大量实物残片更证明，景德镇瓷器自明代以后，成为中国瓷器的主流，而其中绝大部分是民窑青花瓷。这些城市的地下文化遗存，近年来受到藏家、研究者以及瓷器爱好者的青睐。收藏界喻古瓷片为“文明的碎片”，一些行家更是将其当作古书来慢慢细读，咀嚼品味。
民窑瓷器独具魅力
历史上，景德镇瓷器以能够集历代陶瓷、绘画、工艺之大成而著称于世。清雍正（1723－1735）前后，是景德镇民窑瓷器发展的鼎盛时期。据民窑古瓷鉴藏家曲永建先生介绍，就瓷胎来说，这一时期民窑精品瓷器决不逊色于后来的官窑，甚至高于有些官窑。胎质坚硬、细腻、洁白，釉面有玉质感，普遍薄润、透明、匀净。其中的精品可与官窑媲美。
瓷器又是一个集制造工艺、民俗、文字、诗歌、绘画等艺术于一体的综合载体。“题材丰富，构思洒脱”，构成民窑古瓷器的独特艺术魅力与历史价值。与官窑瓷器相比，它在纹饰构思上更显得无拘无束，自由洒脱，且题材生动丰富，从人物、动物到植物，无不栩栩如生，能充分体现时代特征。举元末明初时期的作品为例：这一时期，一些失意文人才子沦为匠人，混迹市井民间，他们显然入了“绘瓷画”这一行当。这一时期民窑瓷器上的“文人画”就反映出此类瓷画创作者的艺术水准。他们的作品往往笔锋练达，抒发个人感受，意境独特，也因此“较难仿，因现代人的笔墨功夫上不去”。民窑瓷器还可令今人一窥古人的风貌民情，文化习俗，感受不同朝代不同时期兴衰的历史。民窑瓷画上的一个常见题材是“童子嬉戏图”。明末时期，民众困苦潦倒，从出土的这一时期的民窑瓷画中便可一窥。瓷画中，玩耍的幼童，表情往往欠生动，显呆板，所着衣衫也多拖沓不合体。透过此种精神面貌，现代人似乎可以嗅到一个王朝“大势已去”的无奈气息。
民窑瓷器所折射的宗教风俗，亦十分有助于理解同一时期宗教发展的客观状况，景德镇瓷器在发展过程中，自始至终都与宗教文化休戚相关，宗教是构成民风、民俗的要素和源泉。浩如沧海的民窑瓷器纹饰的演变，更能体现出“与时俱进”的历程。就像最早的国家管理人员、城市和文字，几乎都源于宗教祭祀活动一样，景德镇瓷器的历史，每一时期的流行纹饰也都充分体现出宗教思想的主题并被嵌入百姓日常生活。在出土的明清遗器中，不乏宗教题材的纹饰，如文殊菩萨的坐骑青狮。佛教中的十字杵在元青花瓷中便已应用，在明成化泓治时期开始盛行，可见当时平民百姓信奉佛教者日渐增多。
“瓷片”市场身价随涨
近年，全国各地不少城市都兴起了大规模的建设活动，使大量深埋地下数百年的古瓷片“终见天日”。在北京的一些古玩市场，都有卖瓷片的摊位，吸引着国内外，包括中国台湾和日本等地的收藏家。本地瓷片爱好者更是凭借“近水楼台”的优势，将目光锁定那些正在拆除老建筑的各种工地。据保守估计，全国范围内应有数千位瓷片收藏者，北京地区应为上千人左右。而介入其中的各类买卖人员则有数万人，甚至更多。事实上，还有更多的人在起步学习阶段，他们之中不乏年轻的瓷器爱好者，堪称未来古瓷片收藏的生力军。
民窑瓷片受市场追捧，究其原因，无疑是人们越来越意识到它们的独特价值。民窑瓷片鉴藏家认为，瓷片是收藏、研究者的实物标本，帮助其了解瓷器的各种内在品质，不同时期的纹饰风格等。对于瓷器研究爱好者来说，到博物馆去固然可以观赏到各类古瓷展品，但这只能开阔收藏者的视野；看书也可以增加思考的能力，但真正入门古瓷研究，直接接触实物无疑是至关重要的一环。遗憾的是，大多数古瓷爱好者鲜有机会接触完整器物，于是接触研究出土瓷片便成为一条捷径。况且，那些精致的瓷片亦可作为一幅瓷画艺术品永久保存。这也使得不少商人亦看好瓷片的升值潜力，进行投资。结果是瓷片的身价迅速提高。
官、民钧窑的区别及特点
钧窑是宋代五大名窑之一，创烧于北宋初年的禹县（今河南禹州市）城北门里的钧台。钧窑器以其古朴典雅的造型，艳丽鲜亮的釉色，变幻神奇的窑变，绚丽斑斓的色彩组合，在众多的瓷系中，独树一帜，为世人所青睐和称颂。
钧窑有官、民钧之分。官钧：胎质虽不精细，甚至胎色泛灰，深色者几乎呈褐色，但胎骨坚硬。釉色为多次施釉，因此釉层肥厚，然釉层平静腻润，并时有流淌现象。官钧的釉面常有扭曲纹理，似蚯蚓走泥纹（器心底较粗拙明显，器壁则隐约而不易发现），此为官钧的显著特征，而民钧绝无这种现象。官钧除烧造少量的碗、盘等宫廷日用生活器皿外，大多烧造御用瓷，器型规整严谨，比例协调合理，重心或多或少有下坠感。总的来说，官钧显得古朴典雅，规整大气，釉层肥厚而平静，窑变丰富而协调，犹若贵妇人般的雍容华贵。
民钧：器型随意，大多不够严谨，胎质粗松，声音多数发糠，釉色较官钧薄，底足露胎较多；虽色彩艳丽，却少了一些红、紫的成分，尤其是窑变的色调反差较大，似村姑般娇嫣，而总让人感觉有点“俗气”。此钧碗天蓝釉，口径18.5厘米，底足5.5厘米，高6.8厘米。圆口内敛，外壁上丰下削，瘦底，小圈足。天蓝色乳浊釉十分肥润，并参差几抹丝状紫褐条纹；口沿一周呈淡茶褐色，顺其碗沿逐渐渗透为茶黄色，与天蓝釉接壤而天衣无缝（茶色中密布细小的棕眼）。这茶色以及参差的紫褐丝状纹与天蓝色互相映衬，犹如雨后的彩虹一样绚丽灿烂。
碗内壁天蓝釉清新悦目，玫瑰紫窑变斑滋润凝厚，恰似深秋时节湛蓝的天空中飘落的一片红玫瑰花瓣。此碗釉层肥腻而平静，色彩艳丽而协调，器型纯朴而规整，釉面口薄而底厚，接近碗底处留有湛蓝的屯釉。放大镜之下器壁的蚯蚓纹显而易见，恰如脂粉渗汗而滞曲流淌，又似褶皱的猪皮纹，扭曲而不规则。此碗器壁在放大镜下，气泡窑变多为紫罗兰色，密布叠见而弥漫全器釉面。这是前人所述的“紫汗漫”，布全器釉面者真，成片段者为仿，这是鉴定宋钧窑的主要依据。