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紫砂艺术的审美观问题

紫砂艺术的审美观问题

艺术瓷砖 古代瓷器的艺术特点 陶瓷艺术

2020-02-10

艺术瓷砖。

宜兴紫砂陶艺术源于宋,历明清两代至成熟,发展到今天在壶的造型艺术上日臻丰富、完美,如何鉴别和欣赏这一门世界陶瓷门类中独树一帜的紫砂陶艺术,即对于紫砂陶艺术应持怎样的审美观点,直接影响了制作者的创作构思。所以,有必要谈谈紫砂艺术的审美观问题。

众所周知,宜兴紫砂具有它的独特性,如泥原料的蕴藏占尽地利;成型技法以泥片镶接及拍打身筒为主要的成型方法,区别于其它陶瓷行业的各种成型法则。并联系到装饰上的文化层次等等,这些都应该是宜兴紫砂工艺所已具备的审美因素。面对一件具体的作品如何来加以鉴赏呢?譬如茶壶这个砂艺最著名的品种形式,从传统的造型来分析,在每件器形的结构中,根据造型艺术的理论和法则多是由点、线、面组成的主体与附件如壶的鋬、嘴、口、盖、底、足的子等等的配置关系,各个方面的比例适当与否,外轮廓线的结构上的缓冲过渡,明暗面的技法(即制做手法)处理,空间与实体所形成的虚实对比等等。这些都可以作为无穷的推敲,使对象(器皿或壶)蕴含着丰富的美感。

抽象地讲紫砂陶艺的审美,可以总结为神、形、气、态这四个要素形成,即形式的美,是指作品的外轮廊,也就是具象的片面;神,即神韵,一样能令人意远体验出精神美的韵味;气,即气质,陶艺所内涵的和谐协调色泽本质的美;态、即形态,作品的瘦、肥、低、高、刚柔、圆、方的各种姿态。从这几个方面贯通一气,才是一件真正完美的好作品。但这里又要区分“理”和“趣”的两个方面。若壶艺之爱好者偏于理,斤斤较量于壶的容积的宜大宜小,嘴的宜曲宜直,盖的宜盎或平,壶身的或高或矮,侧重从沏茶茗饮的方便为出发点,那就只知理而无趣。一种艺术的欣赏应该在理亦在趣。一件作品不管它是大是小,壶嘴是曲是直,盖子是平是盎,形制是高是矮,都在乎有趣,有趣才能产生情感,怡养性灵,百玩不厌。所以观赏一件新的造型,应该在领悟到美的本质以後才始加以评点。从这样的审美态度作出发点,才能中肯地赢得普遍爱好砂艺界的共呜。

当然,作为一件实用工艺美术品,它的适用性也是非常重要的,使用上的舒适感可以愉悦身心,引起和谐的兴致。因此,也就要依据饮茶的习惯,风俗,有选择地考虑壶体的容量,壶嘴的出水流畅,壶把的端拿省力舒适等等。这些都是必须作为具体范围的内容来考虑的。

历史地看紫砂陶的工艺技术鉴赏,一向是区分著三个层次:一、高雅的陶艺层次。它必须是形神兼备、合理有趣、制技精湛、雅俗共赏、引人入胜,使人爱不释手的佳器,方能算得上乘;二、是指工技精致,形式完整,批量复制市场的高档次商品;三、是普通产品,即按地方风俗生活习惯,规格大小不一,形式多样,制技一般,广泛流行于民间的日用品。这里着重讨论的是艺术品。在一件器物的内容和形式上,它包含着多方面因素的内在联系,形式的完美与制技的精湛固然是第一要素,其次是有在完整器形上加以装饰,使作品锦上添花地丰富观感。首先要审视纹样的适合,其次是装饰的取材(一是指用何种材料;二是指题材和内容),以及制作的手法,这些都是具体而细微维系到创作者的素养水平与鉴赏者的著眼力。

简约地举一些例来阐明,譬如说:砂艺的传统装“陶刻”,首先思考反映铭题的内容,必须是体现出切情切理的文学词藻,书法和绘画的美妙以及格调的高超,镌刻刀法、金石韵味的精到,能使人对器物的欣赏玩味无穷。而且真正由名画家,绘画之茶壶,必须是一个画面一个壶,经过反拓,或批量印刻已失去意义,那要视乎经营者的信誉及以作者本身艺术素养。诸如摹仿自然界形象性的雕塑制品,兼及装饰在几何形体上的贴雕、浮雕,图案的刻印板,以及釉料彩绘,其它材质的镶嵌,抽象的陶艺构思。任何艺术形式,都应该是源于生活,高于生活。这样居高临下地来看待品评砂艺和鉴赏砂艺,使作者与热衷砂艺的爱好者,相互感触以便领悟制壶艺术的真谛。

近年来随着对砂艺热潮的兴起,传统的茶文化与陶文化的推广,热爱紫砂艺术的人士日益众多。较高档次的佳作生产,究属数量有限,远不能满足各界人士玩赏上的需求,尤其高雅名作,更是稀少。因此出现社会上极少数缺乏艺术道德的工匠,串通一些不讲商业道德的狡商市侩,不择手段地乘机猎取暴利,假冒名家印鉴,各种等级的劣质精品,充斥市场,蒙蔽众多热的砂艺爱好者的眼睛。所以有必要讨论一下辨伪问题。识别砂壶的真假,一如鉴定书画,首先从提高理性认识到感性认识,理性即培养自己的学识素养,以资提高审美观感;第二是多方交流、互相观赏某些名家的杰作,提高感性,探讨和了解某些名作家的风格形制,技巧手法,艺技擅长,使用原料泥色的习惯性,印章的规格特征,把握关键性的依据,逐渐积累经验。明眼人自然而然地不难识别真假的。在任何一种艺术行当中,一个有所成就的佼佼者,都一定会有他的独到一面的过硬功夫,这是指艺术的和技巧的两个方面。这些内在的要领,就是所谓个人的风格和韵致,也就是所谓灵感。作伪者是绝对不易得其要领的。倘若说一个存心佗伪的人,如果能够有超越的领悟,那么他自身巳是个了不起的大家了,又何必要假冒别人而湮没自己呢?!所以我敢大胆地说,真的,生来就是真的,假的永远也真不了。只有没出息的作假货者。作假这种行为是绝对可耻的。

另外尚须附带约略讨论砂艺历史上的仿古作伪问题(19世纪中叶以后至20世纪初期),也曾出现过一阶段摹仿古代名家作品的热潮。有以名人传器摹仿复制的;有凭古玩商人根据砂艺史籍记载的品名,通过意匠地忆测构思设计制作,签署历代各名家的名款或伪仿印鉴加戮的。诸如此类的作品,在笔者从业数十年来的观感研究所得,总结如下数点:其一、凡是意仿明代作家类型的壶,无论在技艺上、泥色上都是远远超过历史原作。因为社会是不断地向前发展的,事物是不断进步的,科学技术更是长足地提高著。所以将摹制品与明代传器相比较,都显示出后代摹仿品的优越水平。至于清初延至中期的几位杰出的大家,如圣思、陈呜远、邵大亨等的旷代佳作,尽管复制者技巧有多么精工,终觉得在神韵上有所不逮,不免宥于玉与燕石的差别。但是这类作品流传至今日,一旦偶为好事者所获得,当然还是很有赏玩珍藏的价值的。它应当有别于现代的假冒伪造的膺品,亦更异于近年出现的借图谱伪造再仿的技低质劣产品的假中之假,用以自欺欺人。好事考诚然不可不千虑慎辨,以免受骗上当。否则,将沦为“玩物丧志”。这话不是没有道理的。拉拉杂杂,提出以上的一些主观的见解,公诸砂艺同道以及热衷于砂艺的人士供作参考,并希广闻博识的同仁们,有以教我,实厚望啊。

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当代陶瓷艺术错位的审美


中国瓷业在历史上曾数次达到颠峰,并成为后人引以为傲的历史丰碑。然而,近年来,陶瓷艺术的审美几乎处于错位或倒退的状态,伪传统陶瓷艺术四处狂舞。当代陶瓷艺术的发展经历着种种曲折,原因就是物质化的审美正逐步取代精神与物质双重领域的价值标准。在国内诸多媒介与平台上,伪传统陶瓷艺术链条上种种文字和声音如迷雾般笼罩,诸多群体成为利益链上的一环,物质化的审美惯性最终成为禁锢中国陶瓷艺术发展的阻力。

当今中国的艺术陶瓷领域布满了水墨画与油画作品的陶瓷复制品,这些人工制品实际上是一种“伪传统陶瓷艺术”。与之相对应,反映时代人文面貌与状态的当代陶瓷艺术发展非常缓慢。可以看出,导致这一局面的主要原因之一就是物质化的审美。

这既与中华民族所经历的诸多苦难紧密相关,也是现实中浮躁心态的体现。中国古代几千年的农业经济与仕而优的价值观念在诸多的朝代更迭过程中,其所携带的物质化的审美似乎也成为了一个传统,它集中体现在对官爵、财富、长生的畸恋中,福、禄、寿、喜这4个字从文化层面上伪装了那份畸恋。

放眼“伪传统陶瓷艺术”制造者们,似乎可以看到这个群体近乎疯狂的抄袭、照搬、嫁接着各类艺术家的水墨画、油画、装饰画,仿古陶瓷艺术与伪传统陶瓷艺术两者本质上的区别与所显现的社会意义是很明晰的,但在贪欲的驱使下,不断有人在故意混淆这些概念以达到浑水摸鱼的目的,由此揭示出伪传统陶瓷艺术的功利性与消费性。伪传统陶瓷艺术从根本上否定了个体的自由与尊严,严重阻碍着人们审美价值的提升与艺术创造的发展,更可怕的是造成了物质化审美价值体系的蔓延与沿袭。

萦绕在国民脑海中的“中国陶瓷”好似不过如此,千百年来的审美一度异化至此,审美陷入消费性、功利性的重复。其所具有的功利性与消费性,在急功近利的漩涡中,群体只注重交易的结果而忽视事物的发展过程。功利性的普遍存在,形成了对个体独创性与创造力刻意忽略的定律,为抄袭和剽窃他人的成果做好了舆论基础。

纵观当代陶瓷艺术与伪传统陶瓷艺术所反馈出的讯息,我们有理由相信技术终究替代不了思维,更替代不了艺术创作。透过各种工业化、机械化产品大量泛滥的现状,可以感受到最珍贵的情感在消失。一方面我们享受着工业文明带来的便捷,另一方面也在远离唯美与自然,虽然这也是事物两面性的凸现。这更加说明了陶瓷艺术的规范化,替代不了审美的多元化,复制品替代不了原作,机械也永远代替不了手艺。本土的历史、人情世故与独特的传达无可替代,最为重要的,是个体的独立思维。

艺术陶瓷的真假问题


艺术陶瓷的使用范围

现如今有很多制造十分精美的艺术陶瓷,无论是从外表还是从图案的内涵来看都是很不错的产品,这就是艺术陶瓷。因为艺术陶瓷现在变得越来越著名,所以狠毒不法分子开始伪造赝品,这些人用劣质额产品牟取暴利,是的陶瓷市场现在变得十分混乱,对于这种现象时一定要制止的。

艺术陶瓷的使用范围很广泛,如果一件好的艺术陶瓷是能够卖到好几百万的价格的。而且这些陶瓷制品都是塔尔作者倾注了自己的全部心血才制造完成的,对于他们而言陶瓷更像是他们的孩子,他们对于陶瓷的感情是一般人无法理解的。因为陶瓷业现在发展越来迅速,能够推动我国经济的发展,所以很多不法分子就开始用质量不好的产品来作假,使得陶瓷市场现在十分混乱。

对于这种情况,作为消费者的我们一定不能够贪渎小便宜,在购买陶瓷制品的时候一定要擦亮眼睛好好看看,知道什么样的产品是好产品,而什么样的是不好的产品,首先要从自身做起,这样才能够慢慢的让这些制造假货的人不再有这个念头,其次作为陶瓷业的管理者一定要大假,要普及陶瓷的知识,让仔细检查流通到市面上的所有产品,尽量让假货不要出现在消费者的眼前,对于很多陶瓷爱好者来讲出现赝品就是对于他们最大的不尊重,所以无论是消费者还是企业管理者一定要注意赝品的预防。

从中国传统陶瓷艺术观看传统艺术的审美取向


中国传统艺术的审美取向

纵览中国传统陶瓷艺术你会发现不管是釉色装饰,还是彩绘、肌理刻划表现,都以追求自然,再现自然为最高艺术境界。特别是宋代瓷器表现得尤为突出。哥窑的开片瓷追求冰裂纹的自然效果;建窑的兔毫纹,吉州窑的鹧鸪斑追求动物毛纹、斑点的自然纹理;龙泉窑的粉青、梅子青追求玉的天然色泽与质感;钧窑的窑变釉追求“高山云雾霞一朵,烟光凌空星满天,峡谷飞瀑兔丝缕,夕阳紫翠忽成岚”的自然景象。这些陶瓷艺术品,虽然都是人工制作,有人工因素在内,但看上去却“宛自天开”。体现了中国人“天人合一”的审美观念。

中国人的审美观念始终在追求着与自然的契合,追求天人合一,并形成了中国人的自然观。我们从中国传统的哲学思想、文学艺术、园林艺术等方面都能感受到这一点。在中国,自然一词最早出现在《老子》中:“‘自然’就是道,就是无为”;到了汉代,王充《论衡》屡次谈及“自然”,并辟有《自然篇》,专论自然。

在文学艺术方面,有《诗品》“谢诗如芙蓉出水,颜诗如错彩镂金”;李白诗云 “清水出芙蓉,天然去雕饰”;苏轼的“自然富贵出天资,不待金盘荐华屋”等等,都是认为自然美是天成的,是人工雕琢达不到的。可见,中国古代文学提倡“自然”,反对人工“雕琢”。在书画艺术方面也有“艺法自然”。东汉书法家蔡邕《九势》:“夫书肇于自然,自然既立,阴阳生矣,阴阳既生,形势出矣。”王维《山水决》:“夫画道之中,水墨最为上。肇自然之性,成造化之功。或只咫尺之图,写千里之景”。

中国传统园林对自然的表现和追求就更为典型。它和中国绘画艺术一样,也是“外师造化,中得心源”,追求“虽由人作,宛自天开”。中国园林的造园要素是以展现天然形态为美,没有太多的人工雕饰。既不求轴线对称,也没有任何规则可循,相反却是山环水抱,曲折蜿蜒,不仅花草树木任自然之貌,即使人工建筑也尽量顺应自然而参差错落,力求与自然融合。中国传统园林设计思想的根本特征是“自然”。

今日的仿古砖设计也正符合了中国传统艺术的审美取向。从仿古砖外观特点与抛光砖、瓷片相对照,它更接近“自然”的状态。

评论:当代陶瓷艺术的几个问题


在当下,不少人对于陶瓷艺术作品有一个认识的误区:认为陶瓷艺术就是在瓷坯或瓷器表面作画。这无疑是一种肤浅的认识。近几年,陶瓷之都景德镇吸引了许多画家来画瓷,持这种意见的大有人在。一件真正意义上的陶瓷作品,应该是艺术与工艺的结合,艺术与料彩、土、火的结合。瓷不仅仅是一种创作媒介。一些国画界、油画界的“大腕”到景德镇画瓷,有的结果并不理想。因为一个真正的陶艺家,不但要有非常好的绘画技能,而且还要掌握各种陶瓷工艺技能,如对青花料掌握的技能;粉彩填彩技能;高温颜色釉赋彩技能;煤气烧制窑变技能;烤花技能;各种不同尺寸瓶型、板材的温度控制技能等等。虽然烧制有窑火师傅负责,但是对于一个陶艺家来说不掌握自己创作的这类艺术作品的烧制温度和温度技巧变化,往往成功率很低。并不像在纸上、绢上或布上作画,成功与否完全在画家个人,火有其不可控制的一面,特别是对于高温釉的焙烧。

当代的陶瓷艺术家有三种类型。第一种类型是只绘画,只作新彩画,釉下、釉中青花,或作粉彩勾线作品。这种陶艺家只注重对料彩的控制掌握,是知道怎样在瓷坯或瓷器表面上作画。第二种类型的陶艺家就是懂瓷绘而且懂得赋彩填色的工艺。比如作粉彩瓷板,画好后亲自填彩;作高温色釉作品亲自赋高温色釉。第三种类型的陶艺家是绘画、填彩、烧制全由自己完成,如烧制青花作品,亲自烤花,高温颜色釉瓷板、瓷瓶亲自掌握温度的升降时间变化,陶艺家要掌握作品的命运,必须争取做第三种类型的陶艺家。对于一个国画、油画家来说,要成为一个优秀的陶艺家,必须掌握料彩的各种工艺和火的神奇魔力。“火”对于瓷器的成功和艺术表现具有极大的影响。火的烧制效果还受到外界温度、湿度、天气、堆窑、产品的密度、位置等多方面因素的影响。

陶瓷艺术作品的价值是与作品本身的高度和深度相联系的。这个高度和深度是指文化的高度与深度、艺术的高度与深度、以及工艺的高度与深度。对于一个初入陶瓷艺术市场的收藏者来说,仅仅以画面的效果来确定价格显然是欠缺的,必须从文化、艺术和工艺多方面考量其艺术作品。如果避开其他因素仅从工艺制作角度来考量,釉下青花用料的难度要比使用新彩作画难,粉彩填彩工艺又难于青花用料和用新彩,而高温颜色釉的工艺效果又高于成熟的粉彩填彩工艺,因为高温色釉有不可控的一面,粉彩工艺在可控之中。

陶瓷艺术作品的文化高度和深度,是指作品的精神内涵。艺术作品要有作者个人的思想,陶艺家个人的思想深度决定作品的思想深度。陶瓷艺术的形式的美要打动人,给人以美的感动的就自然具有了艺术的高度。艺术好的效果不仅仅是美的表现,还决定于艺术境界,陶瓷艺术作品的高格调和高境界形成的艺术效果,即是艺术的深度。

陶瓷艺术作品的工艺高度和深度,主要表现为工艺的难度,不易被人掌握的工艺,或创造性的新工艺自然就具有了高度和深度。比如,能自如掌握高温颜色釉的烧控温度和窑变效果的艺术家就非常难得。再比如失传的珐琅彩工艺,谁能达到历史最高水平,谁就掌握了这一工艺的制高点,其作品的价值自然就会很高,因为别人搞不起来。所以,对于任何一件陶瓷艺术作品,只要某工艺达到极致其价值都高,表现出的艺术效果也必然渗透其中。青花料层次分明,其厚重深沉处能力透瓷板;粉彩亮丽动人,入骨三分,立体效果跃然瓷上;高温色釉色彩丰富柔和,凝重奇妙,变幻莫测;新彩如水墨画韵感十足等等,相对于同类作品其价值都高。可以举一些例子,如:李菊生作品的高温色釉的工艺与生动的人物造型作了完美的结合;黄秀乾作品中境界的营造和工艺效果;陆履峻把青花的厚重发挥到极致;朱乐耕致力于高温色釉作品的研究;李晓聪粉彩山水绘画与工艺相融、相和的特点;饶伟华探索的人物创作和大面积高温色釉的艺术效果等等优秀的陶瓷艺术家,都走了一条扎实艺术之路,所以价值高。

在当今以景德镇为中心的陶瓷艺术作品的创作中,有两种倾向需要克服。一是注重书本和名人之作的临摹,缺少外出的写生;二是重视陶瓷固有特点的工艺锤炼,缺少绘画与工艺完美结合的探索。在第一种倾向的陶艺家中往往把珠山八友等陶瓷作品作为最高典范,或者把国画(包括历史上的经典)作为范本加以临摹。这必须明确临摹的目的。是单纯取画面?是寻找画面与工艺的契合点?还是把传统经典用陶瓷工艺更辉煌地复制到瓷器上,让人得到一种在绢或纸上找不到的感觉?从创作的主流来说,应该让陶瓷艺术作品走出书本,提倡陶艺家外出写生,让陶艺作品具有时代特点。

在景德镇,许多陶艺家简单地走现当代前辈们走过的路,这是没有前途的。近几年已有不少青年陶艺家认识到这个问题。比如说用古彩工艺创作的作品,除了工艺上有别于粉彩、新彩、高温色釉外,其他没有特点,应该积极寻求古彩工艺与形式美的契合点,不能死守阵地。这需要年轻一代陶艺家去大胆实践,使陶瓷艺术作品的创作更丰富。从广义上说,陶瓷艺术作品的创新主要是指器形的创新,釉彩的创新,各种工艺的创新等等。而狭义的陶瓷艺术作品创新,是指用新的工艺创造出历史未曾出现过的精美艺术作品,如历史曾经为之努力而创烧成的祭红作品,珐琅彩绘作品等。就目前的实际情况而言,首要是完善和恢复明三代、清三代历史上最好陶瓷产品的品质,特别是在工艺方面的完善;第二,实现珐琅彩瓷的历史水准,把这一失传的优秀工艺继承起来。对陶瓷产品的认识,要从绘画的角度转移到绘画与工艺的结合上。并且,深化对陶瓷艺术作品的认识,不但是陶艺家的事,也是收藏家、陶瓷爱好者、市场经营者的事,甚至是文化美术官员的事。至今陶瓷绘画作品尚没有在中国美术家协会占有一席之地,不能列入中国美术的一个分支,也说明它还未引起人们足够的重视。陶瓷艺术作品有其神秘不可控之特点和独特的艺术美,应在当代各种美术形式大家庭中有一席之地。(雨木)

紫砂艺术紫砂焕发新的生机


紫砂艺术代不乏人,当前可以说是紫砂最为繁盛、最具活力的时期:产量最大,品种最丰富,从业者最多,创新最具活力。紫砂艺术家精英辈出,正在使“冠绝一世,独步千秋”的紫砂焕发新的生机。

早期紫砂壶造型耳熟能详的有光货、花货、筋纹器等。当下的紫砂艺术受到现代设计思想的冲击,加入了绘画、雕塑等元素,加强了审美特性和欣赏特性,使紫砂壶有了更广阔的发展空间。

在紫砂艺术界,年轻人开始崭露头角。收藏市场也开始逐渐接纳“新军”的到来。今年春拍,仅中国嘉德、北京保利、北京匡时三家拍卖公司推出的紫砂专场,成交总额就超过2.2亿元。从实际成交情况来看,老壶、大师壶、实力派紫砂壶成为藏家的三大着力点。中国嘉德今年还特地为当代实力派紫砂高手推出了专场。

“名家带动实力派陶艺是必然趋势。随着懂紫砂的人越来越多,玩壶的人也会越来越理智,在选择时会更趋向于好的东西,而不只是局限于有名气的人的作品。”针对紫砂拍卖市场未来的走势,北京紫砂艺术馆馆长赵炎认为,“现在有作为的中青年艺术家的作品最具升值潜力。藏家应该多关注他们,特别是要关心他们艺术的进步,在这个过程中,共同享受艺术。”

吴鸣:“叛逆”的紫砂新流派

被列入“江苏省六大行业高层次人才培养对象”的吴鸣,被认为最早开始全方位进行现代紫砂的创作与研究。他的创作融合传统、关注未来,自成风格,被誉为紫砂陶艺“新流派”。

吴鸣的壶,与其说是紫砂壶,不如说是抽象的雕塑作品。他的作品与传统紫砂相比,在体态、纹理、色泽上皆有创新。甚至有些已不见了传统的壶嘴、把手,在浑圆的壶面上有一孔洞,恰好容下一根手指,便是把手了。

着名陶瓷艺术家张志安曾这样评价吴鸣的紫砂壶作品:“既有深厚的传统功力,但又不是传统的重复。融进诗文,融进陶艺,融进彩陶、青铜,融进耳闻目睹的物象。有思维、有余韵、有情趣、有形式美感。与历史、与大众既融合,又隔开。”

吴鸣说,他做壶是逼出来的,心重的仍是“陶刻”,壶只是形式。1977年,时年20岁、在宜兴紫砂厂学徒的吴鸣被选送到宜兴陶校学习陶瓷美术,回厂后即转习陶刻。之后的七八年,吴鸣全身心投入陶刻及相关学问,直至考入无锡轻工职大。

时至今日,“陶刻”仍是吴鸣心头挚爱。“我的作品有一些完全是由陶刻构成的,但已不完全是传统意义上的陶刻了。我力求避免艺人们长期以来形成的匠气与习气。”吴鸣说。

有人评价吴鸣“叛逆”,因为他要在紫砂创作上做到三个不一样:一是与以往的紫砂不一样,在保留传统特色的基础上体现现代风格;二是与其他陶瓷不一样,发挥紫砂的材质优势及不可替代性;三是与自己以前做的东西不一样。

“壶形虽千千万,但上品少、庸品多,看久了可能生厌。多少年来紫砂是在一个大范围内转圈,形制虽众,大感觉却‘似曾相识’,代代做、年年做,翻来覆去你做我亦做。明者,留下一点清气,然大多知其然,不知其所以然。”吴鸣感叹道。或正是这种“自省”、这种“叛逆”,成就了吴鸣的紫砂“新流派”。

孔小明:“孔家壶”的绞泥风采

孔小明,生于制陶世家,姐弟四人皆在紫砂圈内,并有“孔家壶”之品牌。

孔小明紫砂作品的特色是方器,并且在传统基础上加上有规则绞泥纹样装饰,达到别样的艺术效果。绞泥纹样或行云流水,或木石纹理,自然,贴切,散发出浓郁的东方艺术特色。

2009年6月,在中国美术馆举办的“陶都风--中国宜兴陶瓷艺术展”上,孔小明创作的“银箱壶”脱颖而出。着名紫砂艺术评论家吕会田说:“用绞泥装饰的‘孔家壶’,深蕴江南大家‘闺秀’的含蓄、韵致、碧玉、品味之美。”

孔小明的“银箱壶”,借鉴红木银箱的造型,巧妙构思而成。壶的四角用仿铜片镶嵌,红色护角玲珑精巧,护角上的小铆钉几可乱真,壶体仿汉代油漆图案,绞泥纹饰自然和谐。壶体通身呈现深紫红色,在雍容华贵的色彩中,呈现给人们的是风雅书卷的气息,雅俗共赏。

“银箱壶”这次看似偶然的异军突起,背后实际隐藏着必然的故事。

早在2001年,孔小明设计的“银箱壶”就参加了有“陶界奥林匹克”之称的中国十大紫砂茗壶评选,获得银奖。

孔小明的天赋和勤奋为这一切奠定了基础。青年时期,孔小明在创作过程中受到紫砂名家潘持平指点和中国工艺美术大师吕尧臣作品风格影响,受益匪浅。尤其是吕尧臣魔幻般的绞泥艺术,深深吸引了孔小明。

孔小明继承绞泥工艺,创新紫砂壶制作方法,他在绞泥中加以镶嵌等多种手法,演绎出方圆各异的紫砂壶艺术造型。吕会田先生评价他“配泥多变,调色大胆,作品所表现出的红黄相间的肌理花纹,受到李可染大师绘画的影响,浓墨重彩,惊艳而高雅。”

紫砂艺术迎来了新的春天,“孔家壶”作为一个年轻的紫砂品牌,也演绎了一个“酒香不怕巷子深”的故事。

紫砂壶艺审美要关注很多因素


评价一件紫砂壶的内涵,必须具备三个主要因素:美好的结构,精湛的制作技巧和优 良的使用功能。所谓形象结构,是指壶的嘴、扳、盖、纽、脚,应与壶身整体比例协调。精 湛的技艺,是评审壶艺优劣的准则。紫砂优良的实用功能,是指容积和重量的恰当,壶扳的便于 执握,壶的周圆和缝,壶嘴的出水流畅。

如果抽象地讲紫砂茶具的审美,可以总结为形、神、气、态这四个要素。形,即形式的美,是指作品的外轮廓,也就是具象的面相;神即神韵,一种能令人意会体验出精神美的韵味;气,即气质,壶艺所内涵的本质的美;态,即形态,作品的高、低、肥、瘦、刚、柔、 方、圆的各种姿态。从这几个方面贯通一气,才是一件真正的完美的好作品。

若壶艺爱好者偏于理,斤斤计较于壶的容积的宜大宜小, 嘴的宜曲宜直, 盖的宜昂宜平,身段的或高或矮,侧重于从沏茶名饮的方面为出发点,那就只知理而无趣。一种艺术的欣赏应该在理亦在趣。一件作品不管它是大是小,壶嘴是曲是直,盖子是昂是平, 形制是高是矮,都在乎有趣,趣才能产生情感,怡养心灵,百玩不厌。所以观赏一件新的造型,应该在领悟倒美的本质以后才能加以评点。从这样的审美态度做出发点,才能赢得爱好 砂艺者的共鸣。当然,作为一件实用工艺美术品,它的适用性也非常重要的,使用上的舒服感可以愉悦身心,引起和谐的兴致。因此,也就是依据饮茶的习惯、风俗,有选择的考虑壶体的容量,壶嘴的出水流畅,壶把的端拿省力舒适等等。

紫砂艺术新的春天


紫砂艺术代不乏人,当前可以说是紫砂最为繁盛、最具活力的时期:产量最大,品种最丰富,从业者最多,创新最具活力。紫砂艺术家精英辈出,正在使“冠绝一世,独步千秋”的紫砂焕发新的生机。

早期紫砂壶造型耳熟能详的有光货、花货、筋纹器等。当下的紫砂艺术受到现代设计思想的冲击,加入了绘画、雕塑等元素,加强了审美特性和欣赏特性,使紫砂壶有了更广阔的发展空间。

在紫砂艺术界,年轻人开始崭露头角。收藏市场也开始逐渐接纳“新军”的到来。今年春拍,仅中国嘉德、北京保利、北京匡时三家拍卖公司推出的紫砂专场,成交总额就超过2.2亿元。从实际成交情况来看,老壶、大师壶、实力派紫砂壶成为藏家的三大着力点。中国嘉德今年还特地为当代实力派紫砂高手推出了专场。

“名家带动实力派陶艺是必然趋势。随着懂紫砂的人越来越多,玩壶的人也会越来越理智,在选择时会更趋向于好的东西,而不只是局限于有名气的人的作品。”针对紫砂拍卖市场未来的走势,北京紫砂艺术馆馆长赵炎认为,“现在有作为的中青年艺术家的作品最具升值潜力。藏家应该多关注他们,特别是要关心他们艺术的进步,在这个过程中,共同享受艺术。”

吴鸣:“叛逆”的紫砂新流派

被列入“江苏省六大行业高层次人才培养对象”的吴鸣,被认为最早开始全方位进行现代紫砂的创作与研究。他的创作融合传统、关注未来,自成风格,被誉为紫砂陶艺“新流派”。

吴鸣的壶,与其说是紫砂壶,不如说是抽象的雕塑作品。他的作品与传统紫砂相比,在体态、纹理、色泽上皆有创新。甚至有些已不见了传统的壶嘴、把手,在浑圆的壶面上有一孔洞,恰好容下一根手指,便是把手了。

着名陶瓷艺术家张志安曾这样评价吴鸣的紫砂壶作品:“既有深厚的传统功力,但又不是传统的重复。融进诗文,融进陶艺,融进彩陶、青铜,融进耳闻目睹的物象。有思维、有余韵、有情趣、有形式美感。与历史、与大众既融合,又隔开。”

吴鸣说,他做壶是逼出来的,心重的仍是“陶刻”,壶只是形式。1977年,时年20岁、在宜兴紫砂厂学徒的吴鸣被选送到宜兴陶校学习陶瓷美术,回厂后即转习陶刻。之后的七八年,吴鸣全身心投入陶刻及相关学问,直至考入无锡轻工职大。

时至今日,“陶刻”仍是吴鸣心头挚爱。“我的作品有一些完全是由陶刻构成的,但已不完全是传统意义上的陶刻了。我力求避免艺人们长期以来形成的匠气与习气。”吴鸣说。

有人评价吴鸣“叛逆”,因为他要在紫砂创作上做到三个不一样:一是与以往的紫砂不一样,在保留传统特色的基础上体现现代风格;二是与其他陶瓷不一样,发挥紫砂的材质优势及不可替代性;三是与自己以前做的东西不一样。

“壶形虽千千万,但上品少、庸品多,看久了可能生厌。多少年来紫砂是在一个大范围内转圈,形制虽众,大感觉却‘似曾相识’,代代做、年年做,翻来覆去你做我亦做。明者,留下一点清气,然大多知其然,不知其所以然。”吴鸣感叹道。或正是这种“自省”、这种“叛逆”,成就了吴鸣的紫砂“新流派”。

孔小明:“孔家壶”的绞泥风采

孔小明,生于制陶世家,姐弟四人皆在紫砂圈内,并有“孔家壶”之品牌。

孔小明紫砂作品的特色是方器,并且在传统基础上加上有规则绞泥纹样装饰,达到别样的艺术效果。绞泥纹样或行云流水,或木石纹理,自然,贴切,散发出浓郁的东方艺术特色。

2009年6月,在中国美术馆举办的“陶都风--中国宜兴陶瓷艺术展”上,孔小明创作的“银箱壶”脱颖而出。着名紫砂艺术评论家吕会田说:“用绞泥装饰的‘孔家壶’,深蕴江南大家‘闺秀’的含蓄、韵致、碧玉、品味之美。”

孔小明的“银箱壶”,借鉴红木银箱的造型,巧妙构思而成。壶的四角用仿铜片镶嵌,红色护角玲珑精巧,护角上的小铆钉几可乱真,壶体仿汉代油漆图案,绞泥纹饰自然和谐。壶体通身呈现深紫红色,在雍容华贵的色彩中,呈现给人们的是风雅书卷的气息,雅俗共赏。

“银箱壶”这次看似偶然的异军突起,背后实际隐藏着必然的故事。

早在2001年,孔小明设计的“银箱壶”就参加了有“陶界奥林匹克”之称的中国十大紫砂茗壶评选,获得银奖。

孔小明的天赋和勤奋为这一切奠定了基础。青年时期,孔小明在创作过程中受到紫砂名家潘持平指点和中国工艺美术大师吕尧臣作品风格影响,受益匪浅。尤其是吕尧臣魔幻般的绞泥艺术,深深吸引了孔小明。

孔小明继承绞泥工艺,创新紫砂壶制作方法,他在绞泥中加以镶嵌等多种手法,演绎出方圆各异的紫砂壶艺术造型。吕会田先生评价他“配泥多变,调色大胆,作品所表现出的红黄相间的肌理花纹,受到李可染大师绘画的影响,浓墨重彩,惊艳而高雅。”

紫砂艺术迎来了新的春天,“孔家壶”作为一个年轻的紫砂品牌,也演绎了一个“酒香不怕巷子深”的故事。

花货紫砂的艺术魅力


花货紫砂的艺术魅力

倪顺生: 研究员级高级工 艺美术师、江苏省工艺美术名人、中国工艺美术学会会员、中国工业设计协会会员、江苏工艺美术学会陶瓷专业委员会会员、宜兴紫砂文化研空会委员、江苏宜兴陶 都经济联合会紫砂收藏鉴赏专业委员会高级顾问、俞国良第三代传人。1995年进宜兴紫砂陶业生产合作社(宜兴紫砂工艺厂前身),师从朱可心大师,亦得裴石 民先生指点。

1961年参加首届江苏陶瓷工业公司技术革命运动会,“蟠桃壶”荣获唯一“紫砂健将”称号,后进中央工艺美术院学习。“寿桃壁饰”荣获江苏省四 新产品一等奖,“松桩壁饰”组荣获江苏省四新产品金奖,“梅桩壁饰”照片和个人简介在人民日报海外版刊登。1990年荣获中华人民共和国轻工业部颁发的从 事工艺美术行业工作三十年的荣誉证书,1992年赴港参加紫砂精品展,1993年创作的“色泥塑型壶”荣获江苏省科技专利博览会金奖。“二十件色泥塑型 杯”被中南海紫光阁收藏,“梅桩陈设”被南京博物院等收藏馆收藏。

1997年被美国罗丹茶艺馆聘为“高级壶艺鉴别大师”。近年来多次去韩国作艺术交流,连续三年在韩国书刊上登载,并在韩国陶艺高等学校授课。 2009年作品“双龙报喜壶”在建国六十周年被选为国礼。

倪顺生从事紫砂事业56年,创新作品二百余件套,形成了自己独特的艺术风格。

宜兴紫砂,历经千年的发展,在历代紫砂艺人的辛勤耕耘下,形成了花色品种繁多、形式多样、内容丰富、千奇万状的形态。壶艺也堪称一绝:有几何 形,有筋纹形,有将松、竹、梅、柏、桃、树、桩及动植物变形夸张的自然形,有瓜、果、鱼、虫类的象形,也有沿集古代青铜、玉器及宫廷中各类仿古的器型。当 今发展到具有个性化的现代陶艺造型等等,各具特色,艳丽四射。

▲读紫砂陶之丰富造型

紫砂壶的造型之所以丰富多彩,一是它的历史悠久;二是它的原料独特性,壶的泡茶性能好。历史上早就在海外流传“壶以砂者为上,世间茶具称为首” 的赞语;三是由于原料可塑性好,最利于捏塑、拍打、镶接等独特的工艺技法。因此,器皿的表现形式不受限制,可让作者任意捏塑和刻划。同时紫砂壶艺的造型和 装饰受到多种文化的影响,有的具有时代特征,有的反映地域文化风貌,有皇家古典文化、宗教文化等等。它的服务面上至宫廷贵族,下到民间百姓,文人士大夫更 是喜爱。不仅国内,还外销东南亚及欧美。在清代,欧洲各国皇室内就非常宠爱紫砂。紫砂不仅造型变化丰富,容量大小既有适合东南亚地区的功夫茶具也有国内各 地区所需的茶壶。

饮茶,由早期的煮茶改为沏茶,茶具茶器、茶杯、茶碗、茶盏等,随着农业技术的发展及制茶技术的改进,饮茶方式也随之演变,茶具也随之相应的发展 变化。紫砂壶,首先是为了实用而造,然后向实用和形式美的方向发展,形式也由大变小,由粗变细,由细变精,有提梁的,有端把的,有适合各种茶叶需要的容 量、高矮、大小之分的等等。因此,紫砂壶并不单纯是一件普通的实用器皿,而是内涵非常丰富的陶瓷艺术品。

紫砂造型的形式这么丰富,其中花货应算是一个大类,而且它的起源发展与紫砂史同步。从羊角山古窑址所发掘的紫砂残片资料看,始于北宋中期的壶嘴 上就有捏塑的兽头作装饰,因此,紫砂花货先是由圆雕捏塑开始。明代万历年间,有历史记载的第一件紫砂作品是供春壶———花货,这是历史发展中的最好见证。 供春壶的设计制作是将银杏树的瘿节捏塑成整个壶型,七凹八凸的树皮,生动别致,表面呈现丰富的指纹,妙趣天成,也有手工艺精致之趣,整个壶形、壶嘴、壶把 就像自然生动的枝梗,舒展自若。因此,前人称颂这把壶为“脱尽人巧殊巧工,神工鬼斧难雷同”的塑器艺术品。

▲为人倾倒之花货紫砂

明清是紫砂发展的鼎盛期,紫砂花货艺术的高手名师层出不穷,优秀的花货艺术品也是层出不穷,一些文人雅士为之倾倒。如明代崇祯时期的如意纹大彬 圆壶,盖面上贴有如意图案花纹,现珍藏在无锡文管会。原唐云珍藏的万历年间龙凤印包壶,凤嘴龙把,壶身包袱、花结等,捏塑非常精致、高雅,是权力的象征, 也是时代的产物。清初国泰民安,紫砂发展兴盛期,名人辈出,名品、雅玩层出不穷,如项圣思的“桃杯”是一件了不起的艺术珍品,项圣思其人无资料考查,而 “桃杯”列为国家一级文物,现珍藏在南京博物院。这只“桃杯”从设计到做工,真是巧夺天工,它用半截桃形为主体,以苍劲的枝杆为把手,生动挺秀,桃叶、枝 蔓、花果为基座,生态各异,错落有致,布局精巧合理,是一件完美的艺术珍品。徐友泉的“三瓣三足壶”,壶把上有捏兽的头,陈子畦的“南瓜壶”、陈仲美的 “一束竹圆壶”、陈鸣远的“一束柴壶”及文房珍玩、陈用卿的“弦文金钱如意壶”等等都珍藏在香港茶具文物馆、故宫博物院。陈次伟的“葡萄松鼠杯”和陈鸣远 的“梅桩壶”等珍藏在美国旧金山博物馆、西雅图博物馆。在诸多的名手中,首推陈鸣远,他历史上早就成名,享有“宫中艳说大彬壶,海外竞求鸣远碟”的赞语, 不愧为历史上一位杰出的紫砂花货大师。

清中后期,使用青铜纹饰、图案贴花、镂空、印纹、回纹、堆花等繁花图案。在新加坡、马来西亚、泰国等东南亚国家也非常流行,许多紫砂花货艺术品 进入了这些国家的皇室和博物馆。历代花货名家还有陈荫千,他的“竹提壶”,气势风度;嘉道年间的邵大亨,他的“龙头八卦一捆竹壶”也是顶尖绝品,作品珍藏 在南京博物院,杨彭年也是堪称翘首的名师,他的“梅根花插”现珍藏在天津艺术博物馆,一对“葡萄桩花插”珍藏在南京博物院,彭年的胞妹杨凤年的“凤卷葵 壶”意境、神韵妙法自然,是历史上知名度较高的女士佳作。清后至民国,黄玉麟的“鱼化龙壶”、蒋彦亭的捏塑及花货艺术也名气相当大。民国后及当代较突出的 花货大师有“第二陈鸣远”之称的裴石民,他的花器、珍玩惟妙惟肖,古朽、有灵气。解放前邀请到上海仿古董的裴石民、朱可心等人,他们有许多优秀作品被收藏 在国内外大型博物馆。朱可心这位德艺双馨的花货大师,也是紫砂事业兴旺发达、承前启后的有功之臣,他的“云龙鼎”早在20世纪30年代在美国芝加哥博览会 上获得“特级优奖”,为紫砂走向世界殿堂,为紫砂发展到今天立下了不朽的功绩。

倪顺生(佛手树桩壶)

▲艺术地位用作品说

紫砂花货艺术在整个紫砂艺术百花园中的地位是崇高的。看到一件紫砂艺术品不是仅用文字描写出来,嘴巴里讲出来的,而是由作品自己说话。摆在那 里,百看不厌,经得起时代的考验,为世人所认可的方为上乘之作。一件作品是体现作者本身的艺术素养、思想境界、技艺水平的综合反映。紫砂的成型工艺和其他 陶瓷成型不一样,必须从设计选料到成形制作的全过程,由个人独立完成。所以说一件紫砂艺术作品的好坏,也全面反映出作者的综合素质。

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