艺术瓷砖。
一个偶然的机会，我接触到了清末瓷刻。中国瓷器有3000多年的历史，是一部传承创新的工艺美术发展史。它按青瓷、白瓷、彩绘瓷、颜色瓷四大系列发展演变而来，并通过“海上丝绸之路”传往国外，让世界了解中国。第一件瓷刻产生于什么时候，尚有待考证。景德镇珠山道人创造出了瓷刻，是一个流于民间的传说。景德镇作为明、清两代我国的制瓷中心，特别是在清代康熙、雍正、乾隆年间，瓷艺的进一步发展，宫廷造办处在景德镇官窑中，选出用最好的原料烧制成素釉的瓷器送至宫廷，由宫廷画师加彩后，在宫中再低温烘烤，制造出了专供帝王和赏赐宫廷贵人赏玩的粉彩、五彩、珐琅彩等釉上彩的高级瓷器。宫廷釉上彩瓷器，对民间也起到了指导作用。至乾隆末年，乾隆皇帝意识到瓷器装饰过于格式化，并斥之为“俗样”、“俗式”。因而，提出了瓷器要出“新样”的旨意。
为按乾隆皇帝瓷器出“新样”的旨意，文人墨客们在优质素胎瓷器上，用金刚笔绘画篆刻，形成了一种全新的艺术品——瓷刻，由此再现了被人称颂的“刻纹白陶”艺术。白色陶器本来素雅大方，而刻纹白陶更精致优美。白陶的可爱和尊贵，在于它的造型美和它的数量不多。自商代以后，白陶就没有再登场，它的销声匿迹，却引出了瓷器的辉煌。瓷器经历了3000多年历程，到了清代末叶，才有人把刻纹白陶和刻瓷及印花艺术，提高到了素胎瓷器上，从而出现了清末瓷刻艺术作品。
从笔者收藏的“瓷刻”中看，均为清末同治、光绪年间刻制。故也可认为其盛行于清末同、光年间。那个时代的人们，尤其是文人对当时世道的厌恶，对仕途的淡漠以及勇于对自身价值的挑战与确立，使其中部分智者弃仕途、拒富贵而从技艺、立风格。这些有才有胆有见地的文人墨客，走出了一味师承某家、某派的误区，注重借鉴和汲取各种艺术门类的精华，敢于创新，由此而产生了艺术风范的新局面。另外，在于“五口通商”后，国外金刚钻制品在国内出现，因此有了那句“没有金刚钻，不揽瓷器活”的老话，使追求“瓷刻”创作的人们，有了创新的工具。“工欲善其事，必先利其器”，瓷刻的工具解决了，文人墨客们尝试着把与书画紧密结合的篆刻艺术，体现在制作难度更大的“瓷器”上，创作出了“白地黑线”的，集诗文、书法、绘画与篆刻艺术融合的清末瓷刻。
制瓷业有句老话：“胎为骨，釉为衣”。优质制瓷原料“高岭土”经过历朝历代的大量开采，至上世纪30年代，使我国瓷器生产步入了衰落时期。例如：英国当时生产日用陶瓷只有200多年历史，1929年，英国出口陶瓷10．85万吨，换汇2．224亿英磅，即4．8928亿美元。而同年我国出口24．6万吨，换汇1．17亿美元。根据以上的数字来看，我国当年出口的瓷器数量比英国高出了一倍多，而换汇却是英国的四分之一还不到。这说明当时我国瓷器质量就落后于英国。换言之，没有了优质素胎瓷器，是造成清末瓷刻艺术渐渐消失的原因之一。
清末瓷刻艺术，要有优质白瓷作为“载体”，创作者又要具备诗文、书法、绘画与篆刻等深厚文化艺术功底，由于人才匮乏，故流传的时间是相当之短。这是造成清末瓷刻艺术渐渐消失的原因之二。
清末和民国时期，由于帝国主义入侵中国，第二次世界大战爆发，内战频繁等因素，使广大文人墨客生活无保障，流落他乡，这是造成清末瓷刻艺术渐渐消失的原因之三。
新中国成立后，由于历史上的种种原因，造成旧时被文人们称为“清玩”的清末瓷刻作品，被视为资产阶级“封、资、修”的产物而被废弃。那些年事已高、身怀绝技与有才能的“瓷刻”创作者，受到冲击批判，以至造成后继乏人。这是造成清末瓷刻艺术渐渐消失的原因之四。
除以上四点，另有一点有待商榷。清末瓷刻创作规模甚小，地域狭窄，当时有些人守旧观念强，认为没有达到返璞归真，因此未形成审美主流，造成只有极少数文人墨客在默默耕耘。
清末瓷刻艺术，距今只有近二百年的历史，但我们却很难见它的“芳容”。不过它作为中国悠远流长的工艺美术百花园的一朵奇葩，孕育着极为丰富的文化精髓，积淀着的浓厚的历史内涵，超凡脱俗的表现形式，已深为广大喜爱它的雕刻家、篆刻家、书画家、艺术家和收藏鉴赏家所关注，我们不应让它湮没在浩瀚的历史长河中。
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刻瓷
是绘画和雕刻相结合，将绘画、书法等艺术形式表现在瓷器上的一种特殊的艺术手段。
刻瓷作为一门独立的瓷器装饰艺术，它的兴起是在七十年代之后，领其风骚的是山东省陶瓷公司的艺术家们。淄博刻瓷主要有各种挂盘、座盘、壁画、文具、花瓶等，涌现出了以山东省工艺美术大师张明文、冯乃江、李梓源等为代表的一批国内外知名的刻瓷艺术家，代表当今全国刻瓷艺术的最高水平，多次获得国内外大奖，其作品被中国政府选为国家礼品赠送给外国元首和国际友人。淄博刻瓷为国家赢得了荣誉，为宣传淄博，提高淄博的知名度做出了贡献。
刻瓷艺术，巧用陶瓷造型与釉面的特长，通过锤击刀凿的变幻，来表现线条笔墨和情趣神韵。山东省陶瓷界的艺术家们将高超的陶瓷制作技术与娴熟的书法绘画艺术一古脑地运用到刻瓷这门新的艺术上，集国画、版画、油画、素描之长，作品层出不穷。山东省工艺美术大师张明文的14英寸刻瓷青釉挂盘《鹰》是一幅洗练的泼墨画，盘无衬景，一只“英视眈眈待时发”的雄鹰跃然盘上，采用大刀阔斧的“镌刻”手法，刀痕清晰可见，笔墨淋漓，气势雄伟。他将微刻艺术应用于刻瓷，把《论语》的大部分2万多字刻在一套五头文具上，远看一字没有，细看字字清晰，耐人寻味。
刻瓷艺术中还有一手“绝活”——意刻。即摆脱画稿，以刀代笔，任意而刻。能意刻的人不多，张明文对此得心应手。他腹藏千稿，挥刀成画。他曾多次出国作刻瓷表演，不同肤色的观众无不拍案叫绝。不为“平刻”的基本刀法所禁锢，把刻瓷艺术与陶瓷雕塑、高温彩釉艺术相结合，于是又创造出了浮雕刻瓷和动彩刻瓷。始创者为山东省工艺美术大师冯乃江。他将浮雕立体与刻瓷点线结合，把刻瓷艺术从平面推到了半立体。在他的作品《寒雀图》上，几只活灵活现的小麻雀在交头接耳，梅树枝上浮雕的白雪，与麻雀梅树相映成趣。
动彩刻瓷是利用陶瓷釉色高温窑变的自然色彩与刻瓷相结合的艺术。冯乃江的作品《别有洞天》、《仙境》把陶瓷釉面的绚丽色彩与刻瓷的金石韵味结合在一起，洋溢出明快流畅的现代气息。尤其在《仙境》中，把结晶釉工艺运用到刻瓷中，表现了独特的艺术效果。
精美的刻瓷工艺
刻瓷，就是在质地坚脆、表面光洁的瓷面上，用特制的刀具刻凿各种花卉、山水等，无论是中国画的笔墨气韵，还是篆刻艺术的金石趣味，均可用千变万幻的刀法表现出来，其效果是任何绘画艺术形式不能模拟的。刻瓷的特殊笔触，使晶莹坚硬的“瓷器味”与锋芒锐利的“金属味”揉和在一起，使瓷釉的光泽和刻痕的粗糙形成了鲜明对比。
据文献记载，我国刻瓷起源于秦汉时期。在魏晋时期，出现了在瓷器上錾刻底款的方法，以后又有一些帝王和文人在瓷器上舞文弄墨，为了保存字迹，他们就请艺人在瓷器上把字迹錾刻出来。到了明末清初，刻瓷开始在艺人和书画家中流行。清朝后期，宫廷召集了各种民间能工巧匠，成立了“工艺学堂”，学堂设立了“镌瓷科”，专门培养刻瓷人才。
目前在山东淄博和上海还出品一些刻瓷工艺品，但表现手法和技术与古代有所不同。刻瓷艺术多是手工制作，难度颇高，且费工费时，因此发展较缓慢，至今已成“稀有品种”。国内艺术博物馆与西欧艺术展览中心、贝多芬广场等海外知名博物馆都收藏、陈列着中国刻瓷作品。今天，它已成为艺术爱好者的珍贵藏品。
陶瓷知识：淄博刻瓷
刻瓷艺术源远流长，相传起源于秦汉时的“剥玉”，清代成为一门独立的瓷器装饰艺术，后来，这门艺术有过一段沉寂。二十世纪70年代刻瓷之声渐闻，领其风骚的当推淄博刻瓷。
巧用陶瓷造型与釉面的特长，通过锤击刀凿的变幻，来表达情趣神韵。淄博的陶瓷艺术家们将高超的陶瓷制作技法与娴熟的书法绘画艺术一古脑地运用到刻瓷这门艺术上，集国画、版画、油画、素描之长，作品意境高远，成为陶瓷艺术中一朵绽放的奇葩。在淄博陶瓷界，有数以百计的专业和业余刻瓷艺人。
因着淄博人特有的灵气，刻瓷艺术在刻刀的回转之间不断达到一个又一个更高的境界。
中国陶瓷馆刻瓷艺术馆昨于淄博开馆
作为本届陶博会重要内容之一的中国陶瓷馆刻瓷艺术馆开馆揭牌暨故宫陶瓷精品展仪式今天举行，这标志着被陶瓷界一度称为“散兵游勇”的刻瓷艺术，真正作为淄博陶瓷产业的一大特色艺术门类而登上了“大雅之堂”，刻瓷艺术有了一个长期展示和推广的阵地。
新建成开放的刻瓷艺术馆面积1500平方米，位于中国陶瓷馆二楼，其总体布局分为展示区、表演区和休息区三大区域。记者在展示区内看到，名为《古齐画鉴》的刻瓷展示，用28块1.2米×1.8米的瓷砖，以图文并茂的形式展示了古齐国政治、经济、文化教育和军事方面的历史。
在国礼复制区，展示了淄博市刻瓷艺术家近十几年来被作为国礼赠送给外国元首和国际友人的刻瓷艺术品；另外，在展示区内还有在民间搜集的部分清末和民国时期有代表性的刻瓷艺术品。在表演区，记者看到，李世典、翟善法等6位刻瓷艺术家为现场游客进行刻瓷表演。游客要是累了，可以到设立的休息区内，欣赏茶艺师精湛的茶艺表演及品茶。
据介绍，中国陶瓷馆刻瓷艺术馆内展示了淄博刻瓷艺术大师的500余件刻瓷作品。
中国陶瓷馆有关负责人介绍说，刻瓷艺术馆把淄博的陶瓷文化和齐文化有机地结合起来，用刻瓷艺术的巧妙神韵表现出来，并以刻瓷艺术馆为窗口和平台，把分布松散的刻瓷艺术品聚集起来集中展示，全面系统地宣传淄博刻瓷艺术的发展状况和所取得的巨大成就。
在刻瓷艺术馆开馆揭牌的同时，北京故宫陶瓷精品展一并开展，中国陶瓷馆从故宫博物院借展的唐、宋、元、明、清时期的21件陶瓷精品同时向市民开放，此展从10月18日开始到12月31日结束。
陶瓷相关知识：谈当代刻瓷艺术精神内核的塑造，文/江和平
【摘要】刻瓷艺术的本体语言是刀味与瓷味的融合，当代刻瓷艺术在创作中需要在本体语言的基础上加强对精神内核的塑造，走出以技法为重的误区，要具有强烈的历史使命感和社会责任感。
【关键词】当代，刻瓷艺术，精神内核，塑造引言 刻瓷又称瓷刻，是中国陶瓷艺术中的重要门类之一，其独具魅力的刀味与瓷味使其在中国陶瓷艺术发展史中有着独立的艺术价值与地位，并通过刀味与瓷味融合的表现形式展现出其精神内核，而这才是其本质的追求。当代刻瓷艺术空前繁荣，如果一味遵循传统文化而缺乏当代精神内核，长此以往，则势必影响其生存与发展，因而，当代刻瓷艺术精神内核发的塑造对于刻瓷艺术的未来具有非常重要的意义与作用。
一 刻瓷艺术的本体语言——刀味与瓷味 当代刻瓷艺术精神内核的塑造离不开刻瓷艺术的本体语言，也即形式与技法，如果抛开本体语言奢谈精神内核的塑造则失去了基本的出发点，因此，在探讨当代刻瓷艺术精神内核塑造问题时必须首先要准确理解和掌握刻瓷艺术的本体语言。刻瓷艺术的本体语言，简而言之可归纳为刀味和瓷味。刻瓷与彩绘在绘画形式语言上是一致的，所不同的是，刻瓷是以刀代笔，在瓷上镌刻出形象与画面，因而刻瓷的力量来自于刀法的强健有力。由于瓷釉非常坚硬，刻瓷的刀法必须是干脆利落而非常严谨，容不得半点马虎与闪失，因而，刀法成为刻瓷最基础也是最丰富的技法表现形式，通过各种刀法表现出各具特色的刀味。刻瓷艺术根据画面的需要，选择不同的刀具，通过起、行、收、停等力度的变化，创造出多种多样的线条，而画面中的点与面同样也由刻刀完成。刀味的存在，使刻瓷尽显力之美，点、线、面的自然融合，显现出苍劲与豪迈，颇具气势，带有一种浓烈的金石韵味。刻瓷艺术家们通过一刀刀的镌刻，将点、线、面组成一幅完美的画面，然后再施以墨或彩，艺术家的情感也充分融入到一组组的刀法当中，因而，刻瓷的刀味是具有生命力的，而绝不是冰冷、刻板的。当然，要使刀味更加气韵生动，还需要刻瓷艺术家长期的磨砺和积累，功到自然成。作为一种瓷的艺术，刻瓷艺术在刀刻和施色完成作品时，一定要注意保留其瓷的韵味，一件完全没有瓷味的作品是称不上真正成功的刻瓷作品的。在传统刻瓷艺术中，瓷味的体现是在黑与白的对比中产生的，其选用的多为釉质洁白细润者，在刀法的运用当中注重留白，从而保留釉的光亮感以突显作品的瓷味。而在当代刻瓷艺术中，保持瓷味的做法更加丰富，除传统的留白以外，陶瓷色釉和彩料的运用也是显现瓷的独特工艺之美的做法。陶瓷色釉和彩料多采用低温，以方便烧制，不过尽量避免色釉与彩料的过度运用，以免因强调瓷味而遮蔽了刻瓷艺术最核心的刀法光芒。因此，刻瓷的创作过程，其实也是一个不断地协调刀味与瓷味的过程，在这一过程中，刻瓷的本体艺术语言得以淋漓尽致地表现出来。
二 当代刻瓷艺术的精神内核——多元化与现代化 当代刻瓷艺术精神内核在于传统理念的继承与创新，通过对传统形式的创新确立和认识新的理念，并深入到其艺术精神的深层当中。当代刻瓷艺术以当代社会主义先进文化为指导，以传统文化延续为基础，同时结合与吸收外来文化因素，从而构建起具有当代中国特色的精神内核。当代中国刻瓷艺术的精神内核可归纳为两大鲜明特征，即多元化与现代化。从多元化角度来看，当代中国刻瓷艺术融汇了传统中国画、西方油画、素描等画种，在风格体现上呈现出明显的多元发展、兼容并蓄的态势，尽管风格流派众多，但其精神内核大致仍可分为现实主义和浪漫主义两大类。现实主义是当代刻瓷艺术的重要发展方向，其主要体现在：当代刻瓷艺术家凭借各种创新手段和技法，能够非常逼真地临摹各类中国画、油画名作，不仅能够在形上面把握，也能在神采上加以准确把握，特别是一些仿油画风格的肖像作品，形神兼备，其逼真程度令人赞叹。现实主义能够充分体现当代刻瓷技法的高超，并借此在作品中实现人文精神。浪漫主义是当代刻瓷艺术发展令人瞩目的方向，其已摆脱了简单追求写实的做法，而更倾向于以抽象写意的技法来直接表达情感与理念，从而实现直接抵达现代人精神层面的目的。从这个意义上来讲，传统的文人画亦属于浪漫主义风格，而现当代各种西方流派也属于浪漫主义风格。浪漫主义突破了形式上的束缚，使刻瓷艺术家得以更自由地表现，从而进入更加广阔的创作空间。当代中国刻瓷艺术的另一大特征即是现代化。在当代中国经济腾飞、文化昌盛的新时代，刻瓷艺术如果仍然仅仅局限于表现传统古典文人式精神以及西方文艺复兴时期的写实精神，那显然是与这个时代相脱节的，使人产生审美陈旧和厌倦之感。因此，现代精神的注入是对当代中国刻瓷艺术的必然要求。当代刻瓷艺术的现代精神的主体是当代社会主义先进文化精神，同时也包括全球化背景下的国际文化潮流，原创性、实验性和开放性是当代刻瓷现代精神的鲜明特征，深刻地体现着当代刻瓷艺术家主体的精神创造和追求。
三 当代刻瓷艺术精神内核的塑造——误区与责任在刻瓷艺术发展方兴未艾的今天，也取得了相当大的艺术成就，使刻瓷艺术进入到空前发展阶段，逐渐受到大众的广泛关注。但是我们必须清醒地认识到，当代刻瓷艺术还存在着一些问题，问题的实质并不是刻瓷艺术家的个人修为和技法的不高，而是常常容易步入到"玩技"的误区，而较少关注刻瓷艺术精神内核的塑造，这是非常值得当代刻瓷艺术家重视的现象。在"玩技"倾向的影响下，一些刻瓷艺术家只重视刀法的提升和创新、画面的标新立异和震撼力，从而导致作品疏离生活、疏离时代，片面追求技术语言，这表明，当代刻瓷艺术家中确有一部分缺少强烈的责任感和使命感，缺少生活积累，缺乏对艺术的敏锐观察力和表现力，从而也就使得当代刻瓷艺术缺少真正震撼人心的力作。对刻瓷本体语言的过分强调，使刻瓷在面临当代语境时陷入精神内核的困惑和迷惘之中。而要解除当代刻瓷艺术所面临的这一困境，必须消除一味"玩技"或称"逐技"的误区，消除对本体语言的过分自恋，重新解构本体语言，从重"技"转变为重"艺"，只有这样，当代刻瓷艺术才能真正走进当代，寻求新的发展机遇。关注当代社会是每个艺术家的责任，当代刻瓷艺术家也应当如此，在发展各种新兴的刻瓷技法之时，还应具有强烈的开创意识和社会责任感，以一种当代精神来应对全球化下价值观的变化。刻瓷艺术家应当牢记，刻瓷作品绝不仅仅是工艺，而是一种艺术，在新的时代必须有新的意义，必须要与刻瓷作品一起思考。而要树立这份社会责任感和历史使命感，当代刻瓷艺术家必须不断加强文化上的修养和精神理想的追求，实现自我素质的提升，这是塑造作品精神内核的重要基础和必备条件。在实现自身全面发展的基础上，当代刻瓷艺术家才真正具备使作品蕴涵当代精神内涵的能力，这样创作出来的作品才是饱含艺术家情感的具有现实意义的优秀作品。也只有这样，才能使当代刻瓷艺术能够立足当代、面向未来，走向更为广阔的艺术天地。
参 考 文 献[1]陈银付.瓷刻艺术的传统技法与创新[J].上海工艺美术，2011（02）[2]邵新民.瓷刻——陶瓷装饰的一门独特艺术[J].中国陶瓷，2010（06）[3]关永华.刻瓷艺术漫谈[J].陶瓷科学与艺术，2010（03）
阳泉平定县将举办首届中国刻花瓷艺术节
记者从８月２９日平定县在政府六楼西会议室召开的首届中国刻花瓷艺术节筹备会上获悉，９月２５日至２６日，首届中国刻花瓷艺术节将在该县举行。
刻花瓷是我国传统陶瓷中的珍品，它以刀代笔，纯手工制作。它是在坯体未干之前刻花，一气呵成，线条流畅，具有朴实无华，亲切自然之本色。刻花瓷产于平定窑，始于唐，兴于宋。它工艺精湛独特，具有极高的艺术品位和收藏价值，堪称中国“陶艺奇葩，民间一绝”。上世纪６０年代，山西陶瓷专家根据出土发掘的标本，将这一失传千年的陶瓷工艺恢复。该县冠庄村张文亮父子创办了张氏陶艺坊，他们的仿宋刻花瓶多次在山西、全国获得金奖、银奖。经平定县人民政府申请呈报，中国文联、中国民间艺术家协会、中国文化艺术之乡评委会考察评审通过，该县被正式命名为“中国刻花瓷之乡”和“中国刻花瓷研究基地”。
会上，县委常委、宣传部长梁岗平就举办首届中国刻花瓷艺术节活动进行了具体安排。
县委副书记、县长王银旺在会上作了重要讲话。他说，我们今天召开首届中国刻花瓷艺术节筹备会，旨在通过成功举办平定县首届中国刻花瓷艺术节，唱响平定经济发展之戏，提升平定形象。我县能够成为“中国刻花瓷之乡”是一件无尚光荣的大事，是平定文化史上的一件大事，是全县３２万人民的一件大事。这次艺术节活动的成功与否，对提升平定文化品位，保护、传承和弘扬平定优秀历史民间文化具有举足轻重的意义和作用。各级各部门一定要提高认识、加强领导、精心组织、认真落实，把这次活动办成促进文化产业发展、打造地方品牌形象、振奋全民精神的盛会。
莱阳瓷刻 经久不衰的朴素工艺
中国雕刻艺术源远流长，品种繁多。其中，莱阳民间流传着一种朴素的瓷刻手法，可于瓶、罐、盘、筒诸物着刀，其胚料清雅，工具简单，而造诣不凡。
12日上午，记者来到莱阳市莱中小区，拜访了瓷刻老匠人姜成奎。姜老今年80岁，老家万第镇，退休前是一名大夫，业余时间从事瓷刻，“刻龄”已有60余年。
听说记者专为了解“瓷刻”这种民间传统工艺，姜老打开了话匣子：“十几岁时，我在万第小院村念完小，这一带当时是赵保原的势力范围，汇聚了不少能工巧匠。我碰巧拜了一位师父，跟他学习瓷刻。那时候生活条件差，大多往瓷碗上刻图案，内容也以喜庆题材为主。解放后我参加了工作，但心里对瓷刻这门老手艺有感情，多少年一直就坚持下来了。”
姜老有十几个志同道合的老朋友，大家每隔半年，都会带着自己新完成的瓷刻作品碰头交流一下。这些人居住在万第、吕格庄、羊郡等镇，均非美术科班出身，而是跟着各自的师父一招一式传承下来的。
瓷刻目前的市场认知度如何？带着这个疑问，记者到莱阳剧院古玩文化市场进行了走访，结果发现绝大多数店铺中都有瓷刻作品出售。藏家吕先生说：“收藏瓷器专业要求较高，而相对单纯些的瓷刻作品，则更多偏重于其美术性，它有书有画，有黑白有彩色，有人物花鸟也有山水怡情，很有升值空间。”看得出来，流传于莱阳民间的瓷刻工艺，如今已进入了一个相对兴盛的时期。
说起瓷刻的始源，要追溯到清代，那时候，皇宫内院有个“造办处”，工匠们为了使一些书画家随心所欲留在白瓷上的作品长期保留，便利用当时最硬的“老钢”，在瓷器上进行笨拙的雕刻，这便是瓷刻的始源了。而现如今，一把装有藤条的小锤，两支锥子，一把金刚石刀，如此简简单单的几样工具，以刀代笔，在素面白瓷上敲打出深浅不同的斑痕，再经过染色、修整，那么，瓷刻者对于生活的热爱与憧憬，便都表达在这里头了。
清末民国墨彩瓷器的特征
清末民国墨彩瓷器的特征。
墨彩瓷器上用黑色釉料描绘的图案纹饰，即称墨彩，又称“彩水墨”。墨彩萌芽于清康熙五彩器中的黑彩，以黑彩描绘人物，以黑彩作底再施加五彩，是康熙五彩之特色。清康熙萌芽期墨彩色彩浓厚，花绘以花卉为主，大都为没骨法作画，画意比较粗糙。
作为瓷器彩饰之一的成熟的墨彩，始见于清雍正时期。清雍正六年后，国产珐琅彩料替代进口珐琅彩料。当时瓷匠用景德镇国产料仿烧水墨珐琅彩之效果，即在白瓷器上用黑料描绘纹样，再经低温烘烧而成。墨彩制品犹如白底作水墨画，墨色浓淡适宜，传统书画笔墨趣味浓郁。
清雍正墨彩施彩较淡，似水墨状，除单一墨彩外，还有由盖雪红、粉蓝、粉黄作为衬托的产品。但色彩衬托部分比重较多，一般为1/10至2/10左右。此外还有墨彩加金彩制品，墨彩开框制品，多为木纹釉。如人物多以盖雪红衬托，山水则以粉蓝、粉黄衬托渲染成浅绛色，或珊瑚釉开框，框内绘墨彩花卉。
清嘉庆、道光年间的墨彩图案，施彩流行浅绛彩，以水墨和淡赭并用，色调柔和。当时绘人物著称的王廷佐（王少维）、金品卿等，又以王少维擅长绘写意人物。光绪时期绘山水的有程雪笠、程门和程门之子程音等。
清光绪开始，纯粹的墨彩制品又得到革新，独创出水墨五彩新品种，为受同时代水墨书画名家风格影响而形成的一种瓷饰新工艺。色彩浅淡柔和，笔法细腻，浓施淡抹，颇具水墨画韵味。此时墨彩文房用具多见。有墨彩笔筒、笔架印盒、笔洗水盂等，颇受文人收藏者青睐。民国初年延续生产。民国晚年，出现精细墨彩加五彩制品。
清末民国墨彩多见墨彩描绘在生瓷上，也可称“生瓷墨彩”。即在烧成素器上，直接用墨彩描画，不再晕透明釉、低温入窑烧成。
当代墨彩新仿品，包括民国后期墨彩新制品，用的大部分都是艳黑料，墨色浓黑，清代墨彩黑色较淡雅。
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