冰梅瓷器鉴别。
走进博物馆，不少人会注意到宋代有一种带冰裂纹的瓷器。无论瓶、盘、洗还是碗，青绿色或青灰色的釉面上，分布着长短、深浅不一的裂纹。它们乍看似乎是残破了，但又分明被摆在精品展柜里。细细品味，裂纹像迸裂的冰片网罗着全器，自然延伸、交错，与温润的青釉搭配和谐，相得益彰，给单色的器物平添了天然的装饰，甚至能给人一种听觉的美感，仿佛可以听到玲珑清脆的冰裂之声。
这种冰裂纹，行话叫“开片”。它原本的确是一种釉面缺陷。瓷器的胎和釉成分不同，物理性能也不一样。物质受热膨胀，遇冷收缩。瓷胎比瓷釉的膨胀系数大，瓷器烧成冷却的时候，收缩幅度大的胎体就会把玻璃质的釉层拉碎，釉面出现开片。但由于胎体本身完整，而且胎釉结合牢固，釉层即使开裂，也不会剥落或起翘，丝毫不影响使用。
带开片的宋代瓷器，最典型的要属官窑和哥窑的青瓷。官窑器莹润如脂的粉青、月白色釉面上，大片的裂纹扶疏伸展，如同雪地上的柳枝梅影般婆娑潇洒。哥窑瓷的开片则细碎得多，被称作“百圾碎”，更小的叫“鱼子纹”。片纹有粗有细，粗的色深如铁，细的似金黄色或叫鳝血色，大小片纹交织在一起，被古董行家美称为“金丝铁线”。官哥真品历代都是收藏家珍爱的宝物，也是后代仿效的目标。
关于哥窑瓷的开片曾有一个故事。浙江龙泉县，有章生一、章生二两兄弟，弟兄俩各主一窑。生二妒忌哥哥的技艺，一次，在哥窑即将出窑的时候，从窑口浇进一瓢冷水，好端端的一窑瓷器釉子全部开裂了，可不成想，却出现了意想不到的美感，哥窑也因此入选宋代五大名窑。古代文献都说，哥窑专烧开片瓷，弟窑也就是龙泉窑，烧的是无开片的龙泉青瓷。可是当代古陶瓷研究者发现，宋代文献里只字没有哥窑和弟窑的记载，这个故事是从元到明逐渐编出来的。故事虽然荒诞，倒也点出了瓷器骤冷开裂这个技术上的关键问题。专家们在龙泉县境内进行了大面积的窑址调查和发掘，并未找到专烧哥釉瓷的哥窑，却一致认为：带开片的哥釉瓷就是龙泉窑部分窑场的一种产品。它的开片技术，受的是同处浙江的南宋官窑的影响。
把原本是缺陷的开片变成瓷器表面自然天成的装饰，说明工匠们已经掌握了开片的规律，可以人为地加以控制和利用，这只有制瓷工艺达到高峰的宋代才能做到。这种装饰方法的出现，与宋代的文化风尚和审美情趣极其和谐。读读宋词：抑扬顿挫的节奏，细腻婉约的情调；看看宋画：出神入化的笔墨，归隐田园的意境；听听宋歌：凭栏怀古的低吟，嘈嘈切切的琴音……高雅得几入巅峰的宋代文化，充满了理性的洒脱与人工的自然，难怪连日常器用都印上了鲜明的文人气息。宋代文化造就了官哥瓷器独特的审美价值，把青瓷的美，推到了一个新的境界。
扩展阅读
国破化作冰裂纹
南宋修内司官窑粉青碗
南宋修内司官窑浅青牡丹花式洗
收藏界流传着这样一个故事：
宋朝时候，浙江龙泉县有一对以制瓷为业的兄弟。老大章生一所开窑厂为“哥窑”，老二章生二所开为“弟窑”。二人以烧制青瓷闻名。弟弟嫉妒哥哥烧瓷技艺高明，暗中在哥哥配好的釉料中添加草木灰。哥哥开窑一看，满目新瓷釉面碎裂如冰裂，虽失去了单色青瓷光洁莹润之美，却别有一番滋味。拿到集市去卖，大受欢迎，遂成就了宋瓷新品哥窑。
古瓷鉴赏专家周大有先生却说，这个故事不足为信。
开片是瓷器釉面的一种自然开裂现象，胚、釉膨胀系数不同，焙烧后冷却时釉层收缩率大，形成裂纹，是瓷器烧制过程中的一个缺点。当人们掌握了开片的规律后，烧制出来的冰裂纹就成了一种特殊装饰。北宋末期至南宋时期100多年间的宫廷御用瓷，汝、官、哥皆为开片瓷器。这些饮食起居之器源源不断地送到皇室显贵们手中。周先生认为，个别现象可以说是偶然，如此规模的相同倾向必然是有意为之的。同期的钧窑、定窑以及唐代越窑和邢窑都不产冰裂纹瓷器，甚至南宋龙泉烧制的釉面光洁完整的青瓷、从实用效果来说也远胜汝、官、哥。
另外，从科学的角度讲，裂纹深处容易成为藏污纳垢之处，冰裂纹实用器皿不容易清洗干净，而且胚胎原料里含有的有毒物质，裂开的釉层不能起到隔离作用。为什么宋朝的皇帝们仍然偏爱使用这些易藏垢难清洗的器皿呢？
周大有先生道出一个国破山河裂的谜底：
当身处太平盛世的乾隆皇帝手捧一只宋朝冰裂纹碗爱不释手的时候，他或许不明白这轻薄的瓷片在宋朝皇帝那里的分量，或许不能体会那满目碎裂横陈的惊心之痛。
时光回溯到北宋末年。那是一段血与火的历史,金、辽割据边疆，虎视眈眈，北宋王朝大厦将倾。软弱的皇帝眼睁睁看着山河破碎，国土沦陷。这样一个历史关口，皇家独爱冰裂之美，在周大有看来绝非历史的巧合。冰裂瓷器大约兴起于宋徽宗时期。他是著名书画家，舞文弄墨之人对色彩与线条体会颇深，也定会敏感苛刻。他对冰裂纹瓷器的偏好，当有深意。
深陷在宋代文化里的周大有常常对着宋代冰裂纹天青瓷发呆。天青，原本是云淡风轻的温润柔和之色，有意为之的裂纹让人触目惊心，让人掉进了历史的网里。渐渐的，他明白了，宋朝皇帝托在手里的是破碎的江山，是触目惊心的惨烈，是沉甸甸的失国之痛。面对冰裂之纹如面对破碎的国土，他想起勾践卧薪尝胆的屈辱。这托在手里的破碎，这藏污纳垢的饮食之器，何尝不是一种难言的屈辱与警示？这历历在目的自我折磨又何尝不是一种忍辱负重的反抗？破碎是一种审美，也是一种哲学，可以生出兴亡之叹，可以警示后人。南宋的皇帝同样钟爱冰裂纹瓷器，同样不忘家国破碎之痛。
面对宋瓷上的累累裂痕，或许宋徽宗感慨的是：彻夜西风撼破扉，萧条孤馆一灯微。家山回首三千里，目断山南无雁飞。
面对今人追捧青花、粉彩而冷落宋代单色釉的无知，周大有想说的是：破碎的文明像停留在瓷器上的裂纹，沉默不语。历史的脚步有深有浅，每一步都有不可再现之美。
残缺之美“冰裂纹”
美学原理有一个残缺之美的重要法则。残缺之美在艺术上表现为结构或内容的不完整，却能给人奇异美感和无穷意蕴。
市面上通常冰裂玻璃有夹胶，灌浆，打胶这3种制作方式。其中打胶方法效果最差，几乎没人用。夹胶最好，灌浆次之。夹胶和灌浆的在价格上约差40元/平方。
常见冰裂玻璃的规格为4+4+4，5+5+5，8+5+8。就是有三层玻璃组合而成的。4+4+4就是12厘的，夹胶230元/平方，灌浆的200元/平方；5+5+5就是15厘的，夹胶280元/平方，灌浆的240元/平方。如果前后两面玻璃还要钢化的，另加钢化的钱。
“冰裂纹”大小一般为5＋5＋5，共15mm，中间为钢化玻璃，钢化玻璃击碎后碎片的大小取决于玻璃钢化的用时以及强度，玻璃钢化的时间越长或者强度越大，击碎后碎片的大小就越小，反之玻璃钢化的时间越短或者强度越低，击碎后碎片的大小就越大，订做“冰裂纹”的玻璃时应注意这点。
张闻冰的陶瓷新语
作品名称：姹紫嫣红现收藏于藏乐阁当代名家陶瓷艺术馆
作品名称：荷风送香现收藏于藏乐阁当代名家陶瓷艺术馆
作品名称：郁金香现收藏于藏乐阁当代名家陶瓷艺术馆
中国的陶瓷艺术，包含陶瓷器物的造型美学与装饰美学。其有别于中国绘画所追求的气韵生动，而是在有限的器物造型中表现无限的装饰心地，在圆融的器皿中抒发对时空气象的感叹！它在自身的材质语言中寄托了中国文人的审美情趣，暗含了一片天机，是匠心与文心的融合，是抽象的抒情。张闻冰的陶瓷艺术立足于学院派的思考，用陶瓷刻线的工艺与釉上加彩的综合装饰，表述了陶瓷艺术的另外一层语境，对传统陶瓷审美既是一种打破也是一种延承，打破的是传统陶瓷固式的美感，即以中国画入陶瓷装饰，而形成的一种非画非装饰的视觉滥觞；延承的则是中国陶瓷的古典精神，陶瓷器物造型与装饰的融合，对材料的探索与对陶瓷新语境的解构。以唯美的装饰哲学与诗意的绘画意味，向观者娓娓道来。
君子以玉比德，玉华金泥，是张闻冰陶瓷艺术的内涵诠释，玉华，则是其作品内在的品性。何为玉华，润泽以温，鲜而不垢，折而不挠，瑕瑜皆见，茂华光泽，并通而不相陵也。求其玉的本真，亚光色泽的处理，背弃了传统陶瓷对于釉色光亮的审美，是艺术家自觉性地将瓷质与玉质进行解读。亚光与微粗的肌理突出了其作品的”拙”，而殊不知大巧若拙，天成若拙，拙意味着陶瓷质感的解构与对传统的推翻，拙意味着生命的厚重与温润。金泥是其装饰的诠释，所谓金，非金，非非金，是名金；泥，非泥，非非泥，是名泥也；金是一种装饰，它超越了绚烂的色泽，是万物至阳之物，与花蕊的阴柔交织在一起，成为了一种超脱的点化，佛家有言为再镀金身，金在张闻冰的陶瓷意义中，则是一种超越世俗审美的装饰美学，金穿越于作品之间，在时空中往来，将陶瓷装饰推向一个圆融绚烂的境地。
玉华金泥作为张闻冰的陶瓷新语，分别用体悟与感悟来证入。体悟刻线的装饰语言与形式法则，“刻线”是陶瓷艺术特殊的工艺语言，可以给予陶瓷作品以飞动流畅的装饰生命，也是一种回归陶瓷工艺美感的视觉符号。刻线能使陶瓷器物得以触摸，而触摸，是人文心灵与器物生命的对话；再者刻线能使泥土复活，生成陶瓷材质自身的语音，是内在的、鲜活的装饰艺术。张闻冰重新赋予了刻线以新的工艺生命，他的作品可以用手去感触，感触唯美灵动的装饰画面，韵律的铺排与古典的形式法则，构成了绚烂的极致的装饰。作品《郁金香》、《马蹄莲》、《荷塘》系列等，这些带着古典诗意语境的作品，无一不是用刻线的装饰，刻线带给画面的是鲜活的层次，它会将观者的手拉近，将心推远，推到理想化的美感世界，体悟一种神游的愉悦。另外，作品打破了自然所为的天巧，以人为的工巧使理想化美感得到实现，主观的将观者引领到美的氛围中，布满了所有的空间，画面的秩序将人的思想进行视觉上的包裹，也进入了意境的延伸，花与叶的铺排浮动，一份生命的暗涌，在一呼一吸间体会生命的意味。中国的哲学，重视将人的生命存在放到世界中去，寻求其意义；将世界视为流动欢畅的生命全体，艺术人生化、人生艺术化。因此，张闻冰的艺术作品是植入式的体悟，在有形的世界中体悟无形的生命形式，体悟花蕊世界里所含纳的虚空。
感悟其作品，于外在形式的美感也于内在的气韵，玉华金泥的另外一层意味则是内在心灵世界美感的外化。张闻冰善用完满的构图，作品没有在留白之处，内在的形式中间，构造出最美最饱满的图案，形成了陶瓷艺术的一种圆满的装饰。张闻冰意在“凸”出他的内心世界，如《姹紫嫣红》等系列作品中，张闻冰有意识地安排了花与叶的穿插，《鎏金荷塘》中，延展的，带有韵律的荷叶也是作者的意味化处理，将其画面扩大，扩大到花蕊的零距离，于一花一世界中感悟荷塘的诗意与禅意。张闻冰的饱满构图，则是一种色中见空的思想，是一种入世与出世的契合之地。在作品的构图法则与设色中，一切的外在形式即色象皆为空的境地，在有生命的形式中感悟禅意的美感与内心的欢喜。张闻冰把握了属于自身语意的表述方式，以风格化的陶瓷语境表述，打破了以绘画为陶瓷艺术的装饰形式的审美主流，形成了一种婉约的带有诗意的装饰之风。