捷克瓷器的底款鉴别。
晚清宫廷瓷器一般指嘉庆、道光、咸丰、同治、光绪、宣统时期的官宝瓷器而言，在中国陶瓷史上这时期的瓷器一般很少有人提及，因为无论从瓷器造型、颜色、纹饰、品种、数量以及制作工艺等方面，都不能与前朝鼎盛时期的康熙、雍正、乾隆瓷器相比，它是一个衰落时期。
但对于清王朝最后的统治者来讲，着实心酸，虽然他们曾经努力过，但清王朝的下坡路已成定势，无力回天。且看瓷器振兴与清末皇帝的复兴梦有什么关系?
先看清代官窑制度，随着最后一位清帝宣统皇帝的退位，一并退出历史舞台。转眼到了民国二十一年(1932年)，日本人就是不消停，策划成立伪满洲国，第二年即改行“帝制”，让溥仪又登基，听好了，这次是做愧儡皇帝，还改年号“康德”。
早在溥仪上次仅做三年皇帝期间，景德镇御窑场就已彻底停业。但前朝留下的大量精美瓷器，足以供他享用了。由于在位时间很短，加之溥仪对于传统中国瓷器兴趣不大，宣统时期的皇帝用瓷，基本沿袭前朝，即便是一类题写“宣统年制”的器物，实际上也与溥仪的宣统王朝并无多大关系，而是由光绪晚期各地成立的瓷业公司所为。
一件底书“宣统二年湖南瓷业公司制”的瓷器，是由一所官商合办的新式瓷业公司——湖南瓷业公司所制。光绪晚期，由湖南人熊希龄在湖南醴陵所创办，以生产醴陵五彩瓷器名扬天下。
醴陵釉下五彩艺术表现力很强，画风、画意、画境更似写意山水画妙不可言，以致其声望，甚至超过当时的景德镇，因而在历史上，它也曾被誉为“中国的第二瓷都”。
好吧，真正属于再次称帝的溥仪皇帝的御用瓷在哪里?由景德镇瓷业公司生产的，民国时期的一类书有“康德年制”款的瓷器，才是人家的御用瓷。
景德镇瓷业公司就是后来的江西瓷业公司，江西瓷业公司成立于宣统二(1910年)，它的前身，其实是明清御窑厂。故宫博物院收藏有底书“康德二年”“康德三年”，“康德四年”款的多件瓷器。
为何年号改为“康德”?其实，康德是康熙和德宗光绪的缩称，号取“康德”，意在纪念，也寄托了溥仪光复大清王朝的心愿。但是仅仅11年，随着日本投降，溥仪皇帝的光复之梦破灭了，哀哉!
不过，由于有着深厚的工艺基础与精良用科，由江西瓷业公司烧造的这些瓷器，都表现出相当高的艺术水准。以秀美的器型，细腻的胎质，精美的彩绘，代表了当时较高的制瓷水平。
比起溥仪昙花一现的帝王光复梦，堪称民国官窑的康德款瓷器的振兴之路，却表现出别样的生命力，它不仅传承了中国陶瓷艺术的血脉，还在民国瓷绘界，留下了精彩的一笔。
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瓷器上花鸟画的审美表现
真挚而感动人心的现代陶瓷艺术品作为一种文化探讨方式，如今已成为人们生活中的一种“伴侣”，其背负的思想负担也成为人们探讨现代人类生存境域和内心世界的一种途径，画中的风景、人物、花鸟以及案头花插等，在体验中方能品味一种生活情趣。且歌且行，随笔者一起侃谈陶瓷花鸟画的取形用势，探个究竟。
一件好的陶瓷花鸟作品，首先源于好的构图，合理的布局进而玩味其笔墨技巧和艺术的高低。无庸讳言，构图在陶瓷绘画中的地位是相当重要的。
构图，也叫“章法”、“布局”、“经营位置”。是艺术形象的组织法则，它不是七巧板，不是万花筒，不是简单的拼接转换，它是体现作品思想内容的外部形式。画面上的一切都是艺术形象，如何把这些艺术形象用一定的法则组织起来，表达出一定的思想感情，这就是构图。构图的目的就是取形用势。势——应当具有一定的冲击力量，人们在认识事物规律之后，可以创造某种态势，取形就是安排画面上的形象。取形不是为了取形而取形，取形只是手段。它的目的是用势。势是绘画的灵魂。画面上形象的组合安排，完全是为达到用势之目的。中国画和陶瓷花鸟画都是通过正确处理主与宾、虚与实、疏与密、开与合、穿插和对比等矛盾关系，来“取形用势”，从而来表达出自己胸中所要抒发的“意”。宾主关系就是重点与陪衬的关系。在构图中，要根据主题的内容选定主体，安排在突出的位置，给人以醒目的印象。其余的景物可放在次要的地位，是为宾，起陪衬烘托作用。陶瓷花鸟画，常以花、鸟、虫、鱼为主体，枝、叶、草、石为宾体。在作品的布置上，不仅全局的物象要分宾主，局部景物也要有宾主区别。青花大师王步的《八哥图》青花瓷板，画面中间是在山石上相互顾盼的两只八哥鸟。这是画面的主体，以耸立的山石作为烘托，宾主关系一目了然。远景的翠竹，以淡雅的料色描绘，远近层次分明。虚实关系是构图中重要的因素。画面与空白，就是虚实关系。虚实就是区别浓淡、远近，构图有虚实，才能产生变化。明代天启年间的折枝花鸟碗，虽然只画了一枝花、一只鸟，然而在疏朗的构图中，通过简练的画面，体现出鲜明得虚实关系。画面主体突出，花鸟的空白处能使人引起丰富的联想。虚实呼应的构图，使画面空灵开朗、意境深远。疏密关系。清朝邓石如说：“字画疏处可以走马，密处不使透风。”就是说在画面上有的地方要密、有的地方又要留出大块的空白造成对比。陶瓷画面，密处不可壅塞，要小有透气，极密处隙光一线，便是灵穴来风、无比凉意。而疏散处亦不可全疏，“大疏间小密”，疏散之下，也要有某些比较集中的地方。在陶瓷绘画中疏密相间，能打破平均营造变化的韵律。清代康熙年间的五彩莲池水禽纹盘，布局繁密，瓷盘的边沿，是牡丹花图案，主体画面是荷塘、禽鸟：画面景物很多，芦苇丛中荷叶簇拥，群鸟在水塘里嬉戏，由于在画面构图上采取疏密有致的构图形式，以池塘、天空的虚与荷叶、群鸟的密相交错，使人感到密中有疏。“无疏不能成密，无密不能见疏。”疏与密是相对的，构图中的疏密衬托，能使画面清晰明朗，主体突出。
开合关系。门窗有开关，故事有始末。这些都是开合关系。开是展开，合是结合。开是矛盾的展开，合就是矛盾的统一。一件瓷画的构图正如一篇文章的结构，要完整统一，不能有开无合。关键的问题是这个合字。有的瓷画使人感到没画完，这就是没合好，如同文章没有刹住一样。一个大构图无论有多少小的开合（局部的东西），最后都要完整统一，也就是要处理好大的开合关系。“珠山八友”程意亭的《翠荷图》粉彩瓷板，就是采取了一个开合的构图方式。莲花、荷叶的上端是开处，瓷板画的下面，荷叶掩映的翠鸟为合处，莲花的枝叶间又分成小的开合。画上的水草、浮萍、翠鸟，虽然各有小的开合，但是，都是统一布置在大的取势中。花、草、禽鸟，交错穿插，增强了画面的气势。
另外，还有穿插和对比等等。在构图上，把形象进行适当地穿插，就会使画面丰富。花鸟画常以枝与叶、花与鸟进行错落有致的穿插。在交会中成为整体。枝干之间的正斜、纵横穿插、粗枝与细叶的穿插，可以避免平铺对垒的形状。把点、线、面的不同形态组合在一起，以强调各种形态的特征，显示出不同的表现力，这种手法就是对比。在构图中，显示形体特征的最好方式，就在于对比，对比的常见形式有：大小、粗细、疏密、虚实、明暗、厚薄等。形态的对比往往都是有规律的。通过对比能给人以深刻的印象。我国著名花鸟画大家萧朗把构图总结为十六字决：“一大一小，一纵一横，一长一短。”
在构图上，对势的总要求是：一是所画的物象要有一种勃发的生机，有生长之势；二是画面不能杂乱无章，不能松散无节奏，不能板实不灵动，不能充塞无活气。全幅画要互有联系，血脉流畅，一气贯注。为了达到这个目的，除了一般构图规律以外，还要在画面上让人感觉到有一条通畅之路，也就是古人说的龙脉。用现代语言说，就是让欣赏者的视觉感到有一条很清晰的扫描曲线。我们在构图时经常用到的“S”形、“之”字形，都是在制造这样一条龙脉。龙脉清楚了，势也就通畅了。但一味通畅又过于简单的势需要有变化、有壮势、有弱势、有流通、有迟滞、有起伏、有平叙、有抑扬顿挫、有节奏旋律、有往来曲折、有隐现断续。因此，在学会布势的同时，要学会掌握势，对势能引、迂回、能伸、能堵、能泻，如此才能主动。
一般画疏体，如折枝花卉，多用所描画的物象本身来走势，画密体往往由虚处来布势，即由空白来布势，用空白来搭造画面的大架势。
陶瓷花鸟画不同于纯粹的中国画，它还是一门工艺性很强的陶瓷艺术表现形式。在进行陶瓷艺术绘画创作时，它既要照顾到中国画的美学要求，而且又要符合其工艺特性，更多的是在主体的三维空间上进行装饰，这时进行作画必须考虑艺术形象的塑造是否符合陶瓷的外形美。陶瓷造型有很多种。胖的、瘦的、高的、矮的，如瓶、罐、钵、镶器，它与平面国画绘画又不完全一样，分为四个面，还有上下面的等等。在不同角度塑造不同的形象，但彼此又相互关联和协调，以适宜的装饰突出造型特征。在线型上相协调，在形状上相对照，使二者结合更加严谨美观。中国画是一个平面的表现，整幅画构图完整，运用的是散点透视的方法，在构图中保证整幅画中只强调一个“画眼”，即只有一个视觉中心。而瓷画艺术则要根据器型变化来进行构图，可以拥有多个画眼，主要是由载体形状大小决定画面的单与多，简或繁。在观看时产生“移前换景”的视觉效果。同时，还吸收了中国画融“诗、书、画、印”为一体的特点。陶瓷花鸟画也开始有融诗、书、画、印为一体的作品，画印时也追求金石味。这样共同构成一个整体的美。不过它的一切艺术美感最后都要通过“火”来实现，也就是“泥与火”的结晶，这时它所呈现出来的美感，不是平面的表现所能达到的，它所展现的是独特的质地美、造型的形体美、绘画的装饰美的综合体。
解析瓷画作品的生命新意
进入二十一世纪，中国的经济、文化都有了气象更新的发展，同时也受到西方现代文明和文化艺术的影响及冲击。如何满足现代人们精神需求和审美趣味，同时为后代留下新的精神财富，一些卓有成就的艺术家也开始关注中国传统的青花瓷，用中国水墨绘画艺术展现在中国的瓷器上，形成独特的艺术风格。新的载体艺术，艺术家也有了更广阔的创造空间，是现代陶瓷与绘画完美的结合表现形式，瓷画作形成别具一格的自然之美，不仅得到名家们的喜爱，同时也得到了越来越多的收藏家的追捧和关注。
近几年拍卖场的新宠———中国书画家画瓷专场，每次亮相都有不俗的战绩，无论是从成交额，还是成交率，都次次刷新着瓷画作的历史新貌。早在2008年，著名画家范曾的“老子演义青花画缸”就以134.4万元成交；2009年王锡良粉彩《黄山四千仞》瓷板拍出了782万元；而在今年5月的嘉德拍卖中，王大凡《禹王治水图》粉彩瓷板更是拍出了920万的高价。
瓷画作的拍卖成功和屡屡走高，对于鉴赏者、收藏家和投资者都是具有十足分析意义的，得到市场追捧和高度认可的通常都具有相应条件，但对于它的收藏价值和升值空间，也需要细细解析的：
一是实力派艺术家的作品表现稳定上升，他们在各自领域已形成具有独特面貌艺术风格，有其影响力和知名度，本身作品已被艺术界和收藏界认可。
二是一件成功的瓷器作品除了画家的艺术风格外，陶瓷的本身也是一种艺术，瓷胎的制作和挑选是重要的基础保障。景德镇的瓷器经过了上千年的发展，从制作素胎到施釉经过几十道工序之后才能烧成一件完美的作品，优质的瓷胎也并非每件都能烧制成功，所以艺术家精心创作的作品还需窑中的把控和经验，才能留下完美的艺术品，从制胎到成品出炉实属来之不易。所以懂得收藏的人不只是留意艺术家其人和画本身，还会仔细地观察瓷器烧的是否剔亮，颜色是否纯正，整体有润味，更趋于完美。
三是陶艺家制瓷和书画名家画瓷都是艺术创作，各有所长的一面，一样的载体但是体现的是不一样的艺术风格，二者同样都有很高的收藏价值。具有国家级工艺美术大师等资格的陶艺家制瓷本身就具有更珍贵的意义，结合名家绘制，更是锦上添花，寓意丰富。
四是名家瓷画作打开了中国瓷器艺术的新风，充分展现了中国瓷器艺术品的魅力，提升了瓷器审美价值。但也并非每个名家的艺术风格都能和瓷器良好地结合，这需要更多的实验和探索，才能做到即有传统的中国笔墨精神，本身又是很好的艺术创新。对于当代中国陶瓷创作十分重要。
五大名窑瓷器的影响力
[摘要]:五大名窑代表了中国单色釉瓷器的最高水平，而由于其传世精品主要保存于世界各大博物馆，尤以北京故宫和台北故宫为主。专家指出，能够流通于收藏市场上的五大名窑瓷器便是凤毛麟角。每每出现，必会惊起顶级藏家的一番“厮杀”。
五大名窑代表了中国单色釉瓷器的最高水平，而由于其传世精品主要保存于世界各大博物馆，尤以北京故宫和台北故宫为主。专家指出，能够流通于收藏市场上的五大名窑瓷器便是凤毛麟角。每每出现，必会惊起顶级藏家的一番“厮杀”。
“汝、官、哥、钧、定”，从宋流传至今，五大名窑的传世器极为稀少。故宫博物院古器物部研究馆员、国家文物鉴定委员会委员冯小琦告诉记者，五大名窑传世珍品主要藏于北京故宫和台北故宫，国外大英博物馆、大都会博物馆、集美博物馆等也有所收藏。其中，汝窑瓷器存世量最少。
记者了解到，尽管世界上的博物院数以千计，但能藏有宋汝瓷者不足10家，这几家博物馆的馆藏汝窑传世物总计为67件，也有说法认为不足百件。台北故宫是汝窑瓷器最集中的地方，现有21件，其余则存于北京故宫、上海博物馆、英国大英博物馆等。
冯小琦指出，除了汝窑瓷器外，北京故宫和台北故宫所存的官窑瓷器加起来有几百件，哥窑瓷器也有几百件，定窑瓷器的数量则稍多一些。
事实上，各大博物馆都以收藏五大名窑瓷器为荣。华辰拍卖总经理甘学军告诉记者，五大名窑达到了很高的境界。在业内有说法认为，博物馆的等级高低也以收藏五大名窑的数量和品质论英雄。
每件至少200万美元
早在明清时期，民间即有“纵有家财万贯，不抵汝瓷一件”的口碑广为流传。时至今日，汝窑瓷器价格更是扶摇直上。不过，尽管价格不菲，在拍卖市场上能够流通的汝窑瓷器，甚至包括其他五大名窑瓷器都是凤毛麟角。
华辰拍卖总经理甘学军告诉记者，由于五大名窑瓷器传世品大都已经归入世界各大博物馆或者顶级藏家手中，能够流通的五大名窑瓷器便极为稀少，且主要在欧美市场出现。
对此，荣宝拍卖总经理刘尚勇也表示，大陆拍卖市场上几乎没有出现过五大名窑的身影，“乾隆很喜欢五大名窑瓷器，但从乾隆朝起，五大名窑瓷器便极为少见。为此，乾隆是到处收集。”
正因凤毛麟角，五大名窑瓷器也是拍场宠儿。1989年，香港苏富比拍卖了一只官窑洗，成交价为2200万港元。该官窑洗此前为日本藏家收藏，流传有序，被香港知名收藏家徐展堂斥重金收入囊中，“而目前在欧美流通的五大名窑瓷器拍卖价每件应不低于200万美元。”刘尚勇告诉记者。
事实上，近两年中国大陆艺术品市场风生水起，中国瓷器也在国际拍卖市场上频频爆出天价，尤以雍正、乾隆时期的彩瓷最为突出，突破亿元大关的大都为乾隆彩瓷。相比之下，五大名窑瓷器的拍卖价格并不是天价。
对此，甘学军解释，这种拍卖价格的不同受到目前收藏风尚的影响。尽管五大名窑瓷器代表了中国单色釉瓷器的最高水平，但国内藏家的收藏品味偏向于明清官窑，尤以雍正和乾隆官窑为主，“国内藏家喜欢色彩艳丽的审美。”
与此同时，国内高古瓷器市场有很多法律限制。为了避免盗墓猖獗，高古瓷拍卖是受限的，由此国际上对五大名窑瓷器的投放量也有限。
各个价值连城解读宋代五大名瓷
钧瓷是我国宋代五大名窑瓷器之一，以独特的“窑变”艺术而着称于世。胎质细腻，釉色华丽夺目、有玫瑰紫、海棠红、茄子紫、天蓝、胭脂、朱砂、火红等由于釉色的相互交融而产生的无数颜色不一、形状各异的窑变。素有“黄金有价钧无价”和“家有万贯，不如钧瓷一件”的美誉。
钧瓷的烧制技术复杂，还原程度难控制；加上古代使用的是松木窑，窑温难以达到均衡，从而影响到钧瓷釉彩的成色，在烧制过程中有70%的产品会报废掉，而其中的上品则更为罕见，再加上至今已有1300多年历史，钧瓷珍贵可见一斑。唐玄宗曾立令“钧不随葬”；宋徽宗时又成为御用珍品，诰封“神钧宝瓷”，每年钦定生产36件，禁止民间收藏，所以现在墓葬出土的钧瓷文物也甚为稀少。目前世界着名的博物馆虽有收藏，为数也寥寥无几。
钧窑窑址在今河南省禹州市城内的八卦洞，钧窑创烧于唐，兴盛于宋，复烧于金元，延至明清仍继续仿制，历经千年而盛烧不衰，形成了一个庞大的钧窑系。在建国以来特别是改革开放以来得到了快速发展，曾被做为国礼，达到了一个新的高度。
北宋五大名窑“汝、官、哥、钧、定”，汝窑排在首位。
汝窑创烧于北宋晚期，为宫廷贡品，产品胎质细密、坚薄。因胎土中含有微量的铜，使胎色呈现“赤色”，又叫“铜骨”。其釉色有天青、天蓝、粉青几种。尤以天青为贵，粉青为上，天蓝弥足珍贵，有“雨过天晴云破处”之称誉。
汝窑作为御用之物，由于工匠们不惜成本以玛瑙入釉，使其釉色显现独特的天青色，釉面莹润似珍珠、如美玉，纯净高雅，内敛含蓄，体现出高雅的皇家之气，尤其珍贵，在北宋时已达巅峰。清雍正前后有仿汝器出现，然而仿造者只重釉色，胎骨呈白色，造型也不及宋时古雅大方。汝窑瓷器一般都较小，盘、洗、碗等口径一般在10-16厘米之间，超过20厘米的极其个别，超过30厘米的几乎没有，故有“汝窑无大器”之说。
汝窑烧制时间只有20多年，传世真品不足百件，可以确知的在台北故宫博物院有21件，北京故宫博物院17件，上海博物馆8件，英国大维德基金会7件，其他散藏于美、日等博物馆和私人收藏约10件，全世界收藏有汝窑瓷器的博物馆不到十家。
今年3月在香港的一场拍卖会上，一件北宋汝窑天青釉葵花洗吸引了全世界藏家的目光。这件汝窑洗，直径13.5厘米，小巧朴雅，色质绝佳，较为罕见的六瓣葵花造型，最终以1.85亿港元的价格落槌，创出了汝窑拍卖的新纪录。
上图这件汝窑莲花式温碗为十瓣莲花造型，淡蓝的色调，端正的外形，流露出一种典雅高尚的美，是陶瓷工艺尽善尽美的代表作，呈现中国瓷业理想的典范，是一件全世界仅存的孤品，现藏台北故宫博物院。
汝瓷是宋代五大名窑瓷器之一，以宫廷御用、“淡天青”、“蟹爪纹”为人熟知。其器形多仿青铜器及玉器造型，主要有出戟尊、玉壶春瓶、胆式瓶、樽、洗等；“淡天青”这种冷暖适中的色调以其素雅清逸，适应了北宋时期上层社会所推崇的“清淡含蓄”的审美情趣；釉面有细小的纹片，称为“蟹爪纹”。
釉色主要有天青、天蓝、淡粉、粉青、月白等，釉层薄而莹润，其釉如“雨过天晴云破处”，“千峰碧波翠色来”，土质细润，坯体如侗体其釉厚而声如磬，明亮而不刺目，具有“梨皮、蟹爪、芝麻花”之特点，被世人称为“似玉、非玉、而胜玉”。
官瓷是宋代五大名窑瓷器之一。以传世作品少，令人惊叹的纹裂美着称。传宋徽宗因不满于当时现有贡御瓷器的瑕疵和缺陷，按照自己的设计、亲自指挥烧制和创制的巅峰之瓷，其不仅是我国陶瓷史上第一个由朝廷独资投建的“国有”窑口，也是第一个被皇帝个人垄断的瓷器种类。
开片本是由于坯釉结合不好而导致釉面开裂的弊病。但北宋官窑瓷却慧眼识珠，利用这一陶瓷缺陷开创了着名的纹片釉，同时利用其独特的坯釉配方，施釉方法和烧成技术，创造出“金丝铁线”、“紫口铁足”这些不是装饰的装饰。严格地说，这些人们不能完全控制和设计的效果不能称做装饰手法，它是一种材质之美，是一种本质的美。
经过半个多世纪的寻找，2004年5月，哥窑遗址在河南汝州张公巷发现。
定瓷为五大名窑瓷器之一，民窑。五大名窑中，唯定窑以装饰见长，白色最为名贵，《归潜志》有联语：“定州花瓷瓯，颜色天下白。”定瓷还有个显着的特点是淋釉，俗称泪痕。
定窑瓷器以其丰富多彩的纹样装饰而深受人们的喜爱。装饰技法以白釉印花、白釉刻花和白釉划花为主，还有白釉剔花和金彩描花，有浅浮雕之美。北宋中晚期刻花装饰精美绝伦，独具一格。用单齿或双齿梳篦状工具，刻划出由深、浅不一的主线与辅线相衬构成的物象，生动自然，具有较强的立体感。
定窑窑址在今河北曲阳，古属直隶定州。定瓷烧制始于唐，兴盛于北宋，终于元代，烧造时间近七百余年。窑址分布于河北曲阳县磁涧、燕川以及灵山诸村镇，这里唐代属定州，称为定窑。
哥瓷五大名窑瓷器之一，哥窑产品的最大特点是，釉面有许多浅白的细小裂纹，称为“百圾碎”。哥窑瓷器非常珍贵，据统计，全世界大约只有一百余件，而且哥窑窑址至今仍未确认，成为中国陶瓷史上的悬案之一。
这里所说的哥窑是指传世的哥窑瓷。其胎色有黑、深灰、浅灰及土黄多种，其釉均为失透的乳浊釉，釉色以灰青为主。常见器物有炉、瓶、碗、盘、洗等，均质地优良，做工精细，全为宫廷用瓷的式样，与民窑瓷器大相径庭。
传世哥窑瓷器不见于宋墓出土，其窑址也未发现，故研究者普遍认为传世哥窑属于宋代官办瓷窑。长期以来，人们主要是根据文献记载和传世实物对其进行研究。
哥窑釉属无光釉，犹如“酥油”般的光泽，色调丰富多彩；哥窑釉面有网状开片，或重叠犹如冰裂纹，或成细密小开片(俗称“百圾碎”或“龟子纹”)；哥窑器通常釉层很厚，最厚处甚至与胎的厚度相等，釉内含有气泡，如珠隐现，犹如“聚沫攒珠”般的美韵；哥窑器坯体大都是紫黑色或棕黄色，器皿口部口边缘釉薄处由于隐纹露出胎色而呈黄褐色，同时在底足未挂釉处呈现铁黑色，由此，可以概括出故有“紫口铁足”之说，这也是区别真假哥窑器的传统方法之一。
紫砂壶新的生命与发展空间
紫砂壶之紫砂泥不属于哪个时代，也不属于哪个单位，它是大自然的恩赐，是宜兴人脚底下有限的矿藏资源，这块宝藏并不应该到我们这一代就可以完全挖净。可惜，前十几年的无序开挖、流失浪费，导致了眼下的紫砂矿料，无论是质还是量，都已不尽人意了……
一把紫砂壶的价值，除了材质以外，就应该是造型的思想层面和精神内涵。设计一个造型，不仅需要付出辛苦的劳动，更需要的是设计者本身所具备的文化底蕴、美学修养、造型经验、个性思维等综合知识的高度。因此，设计一把茶壶不容易，设计一把优秀的壶更不容易！而模仿一把壶就显得太简单了。至于施工制作，就连工匠也能完成。历史上，真正有成就的高手，往往并仅仅在于他们的施工技巧，重要的是他们的文化、思想和修养；他们的创作设计水平。当然也并不是说制作工艺不重要，如果一只好的造型，没有良好的技术来完成制作，也无法体现其完整的精、气、神。但相对来说它远没有设计一件造型那么重要，那么需要学问。其实这个道理和建筑设计、服装设计完全是一致的。
众口皆碑的陈曼生，他在紫砂史上的地位十分显赫。他并不会动手制作，但他所设计并镌刻的茶壶，堪称历史丰碑。当年陈鸿寿是真心喜爱紫砂，他绝不是为了获得金钱利益而亲近紫砂、用心设计、新手铭刻。因此，陈曼生介入紫砂，是以杰出的文化学养和个人爱好，注入了紫砂壶以新的生命与发展空间。
对紫砂壶有种别样的感情
讯紫砂壶艺术是非常具有中国特色的一种艺术品收藏门类，紫砂壶是一种具有实际使用价值的艺术品，这点非常的特别，而且有些被使用过的紫砂壶，经过长期的茶水养润，使得紫砂壶形成一层自然的包浆，令壶身更加饱满，富有光泽，具有更高的收藏价值，紫砂壶的使用可以令其具有更佳的收藏价值，所以紫砂壶特别的品性令非常多的人喜爱有加，特别是热爱品茗的朋友更是对紫砂壶有种别样的感情。
据商城的沈奇石教授介绍说，紫砂壶收藏不断升温，名家大师茶壶的价格更屡破拍卖纪录。可以看来名家手工制作的紫砂壶具有有别于其他紫砂壶的更好的收藏价值和艺术价值。许多大师作品日趋完美、成熟，并深受国内外紫砂爱好者的青睐，部分作品被国内博物馆收藏。
随着中国经济的持续发展，人民的生活水平也有了质的飞跃，收藏艺术品的红火这也是一种必然的趋势，具有浓厚中国文化韵味的紫砂壶艺术自然成为其中的热藏门类，具有很高的收藏价值，作为艺术品投资也是非常不多的选择。
瓷上荷花别样红——历代以荷花为绘画题材的瓷器赏析
“毕竟西湖六月中，风光不与四时同。接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。”这是宋朝诗人杨万里所赞叹荷花的不朽诗句。荷花，别名莲花、泽芝、玉环、溪蓉、水芙蓉、六月春、凌波仙子等，素有“花中君子”的雅称。“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”，一首宋朝周敦颐的《爱莲说》道尽了荷花的风骨。千百年来，尽管人们对荷花情感各异，但对荷花的喜爱赞赏却世代相承。炎炎夏日，人们在陶瓷中把玩欣赏“花中君子”，别有一番情趣与韵味。
仿珐华亦称珐花器或法花器，是一种以蓝、绿、黄、紫、白等多种釉色为基调的低温彩釉陶瓷器。它是在陶胎表面用带管的泥浆袋勾勒出凸线的纹饰轮廓，分别以各种色料填出底子和花纹，入窑烧成。这件清代乾隆年间仿珐华莲池水禽纹双鹿耳罐，高27.6厘米，瓶撇口，细颈，肩模印凸起一道弦纹，腹部呈椭圆形，圈足。内施松石绿釉，口沿下和肩部分别饰如意云头一周，颈饰璎珞纹，肩两旁各饰一鹿首为耳。腹部莲花荷叶迎风招展，一对白鹭伫立塘中，一派恬静疏朗的景观。而鹭鸶纤小，花叶硕大，更呈现出莲塘之宽阔，大气磅礡，色泽鲜艳，和谐悦目。
瓷枕是我国古人夏日纳凉的寝具。瓷枕始见于隋代，盛行于唐宋，李清照名篇《醉花阴》中“薄雾浓云愁永昼，瑞脑消金兽。佳节又重阳，玉枕纱橱，半夜凉初透”的词句，形象地将青白釉瓷枕喻为“玉枕”。这件民国粉彩荷花瓷枕，长24厘米，宽10.2厘米，高10.7厘米，是一幅鸳鸯戏水荷花图，两只鸳鸯栖水而戏，身下泛起层层涟漪。水面上的荷叶舒展自如，随风摇曳，三朵粉红色荷花，或含苞欲放，或绽放争艳，让人心驰神往，遐思翩翩。此瓷枕胎质纯白，造型优美，制作细腻，构图疏朗，画工精细，色彩瑰丽。细细摩挲，仿佛一缕缕淡雅的幽香拂面而来，温馨宜人，让人顿感心静凉爽。
鼻烟壶是盛鼻烟的容器。原为西洋之物，明末清初传入我国，因其小巧玲珑，晶莹剔透，造型别致，携带方便，可以随时地取出把玩欣赏，令人喜爱。这件清代乾隆年间铜胎画珐琅莲池鸳鸯鼻烟壶，高8厘米，口径1.4厘米，底径2.7厘米，鼻烟壶配嵌宝石随形盖，盖内延伸出一铜匙，便于取鼻烟。壶唇口，短颈，扁圆腹，圈足，足内青花书“乾隆年制”四字楷书款。壶身铜胎，外壁施珐琅彩，纹饰清晰，色泽艳丽。颈部饰卷草纹，腹部勾画岀荷叶或舒展，或卷曲，荷花或盛开，或含苞待放，莲蓬饱满，水草修长，一只鸳鸯憩息悠闲在荷叶上，一只鸳鸯嬉戏于荷杆上，莲蓬垂首摇曳，虚实相生，动静结合，天然浑朴，相映成趣，好一幅迷人的莲池鸳鸯图。此画呈现岀“艳影清漪”的诗情画意，表现了作者对闲适宁静的渴望和对甜蜜爱情的赞美。
雕瓷是陶瓷装饰技法之一。通过圆雕、捏雕、镂雕、浮雕等雕刻技法在瓷器上刻出纹饰来凸现立体图案。雕瓷工艺兴于乾隆，盛于道光同治年间。这件清代光绪年间雕瓷荷花笔筒，高11.5厘米，筒壁上绘有翠绿如玉的荷叶，娇艳欲滴的荷花，层次清晰，富有立体效果。把玩品赏间，犹如徜徉在碧波起伏的荷塘旁，看荷花在风中翩翩起舞的楚楚风姿，听雨点敲打荷叶发出的天籁之音，仿佛使人远离世俗的纷扰和喧嚣，洗涤净化心灵的尘埃和污垢，令人心旷神怡。
珐琅彩是康熙晚期出现的一种釉上彩，是专供宫廷御用瓷赏玩的御用瓷。它是在已烧好的素胎上涂彩料作底，在底色上加绘纹饰，再经炉火烧制而成。这件清康熙御制胭脂红地珐琅彩莲花碗，口径尺寸为11厘米，口微外撇，碗壁内收，圈足边沿切修规整。胎质洁白似玉，缜密细腻，釉料纯净光亮，胎釉紧密相合。所施料彩明艳，玻璃质感，口足边沿各留白一周。胭脂色地，凝沉厚重。器身满绘瑞莲佳荷，华彩缤纷。花朵或含苞，或绽放，婀娜多姿；莲叶见蜷展，见枯残，意雅趣真。底书“康熙御制”双行四字蓝料楷书款，外罩双方框，字体工隽挺拔。
锔瓷——缝补生命，修复艺术
“没有金钢钻，别揽瓷器活”，这句俗语来源于传统瓷器修复——锔瓷。
说起来简单。锔瓷，就是把破碎的瓷器拼好，用金刚钻钻孔再用锔钉嵌住抓牢，使其恢复原样，既能再使用，又有观赏价值。
锔瓷，是中国最古老的瓷器修复技艺。锔瓷技艺相传始于宋代，《清明上河图》上就有锔瓷艺人锔瓷的情景。明代时期的意大利教士利玛窦在《中国见闻扎记》中对瓷器修补有这样的记载；锔补修复后的瓷器还可以耐受热食的热度而不开裂，而尤其令人惊异的是如果破了，再用铜丝熔合起来就是盛汤水也不会漏。
《清明上河图》中锔瓷匠人
古代民风朴素，以节俭为传统美德的时代，若是餐具出现裂痕不忍丢弃，或不慎打破传家之宝，或有纪念性的陶瓷器，请补瓷匠补瓷。经过锔瓷修补过后的瓷器，滴水不漏。当然在过去，锔瓷不仅仅是为了修复瓷器了，锔瓷本身就是一种装饰。明清时代，有些人故意将品相完好的紫砂壶装上豆子，再倒入水撑裂，然后锔出特定的图案来，以此来把玩。明末，周伯高在《过吴迪美朱萼堂看壶歌》中写道：“供春、大彬诸名壶，价高不易辨。予但别其真，而旁搜残缺于好事家，用自怡悦。”
紫砂壶锔补
由于现代化制瓷业的快速发展，瓷器坏了，扔了，再买新的，一般不会去锔补修复，使得民间普通的锔活手艺无活可做，逐渐淡出了人们的生活。记得小时候还经常能在在大街上听见“锔锅锔碗锔大缸”这样很奇怪的外地口音吆喝声，到现在几乎消失。
1962年山东锔瓷巧工王神手
只有瓷器修复始终将这门传统瓷器修补艺术流传了下来，并添加了符合现代审美的新元素，使锔瓷技艺变得更为灵活和美妙。
锔瓷工具——金刚钻
大小锔子
现代锔瓷修复讲究既能得修好利器，又能玩出新的花样。当锔子在器物上成为装饰，与器物融为一体的时候，别有一番韵味。在不同器物上修饰不同的锔子，完全就是一种艺术再创作的过程，巧妙运用冲线或残缺，能出大场面。不信你看：
怎么样，锔子梅花、锔子后天八卦的再创作是不是雅趣十足？
锔瓷还能突破时代限制，营造现代风格。
将传统锔瓷修补术用于现代器物修补，那么创造出的气息完全属于这个时代。
锔瓷工艺记录：
剪好的锔钉
给锔钉塑形
手工剪铜板
给老铜板高温反复退火
传统锻铜工艺
给锻制好的梅花修剪边
细修梅花边缘
没有金刚钻，不揽瓷器活
这就是给瓷器打眼的金刚钻中的弓子钻
金刚钻中的皮绳钻
简单的工具，复杂的工序
没错，即使是破损成这样，也可以修复的滴水不漏。
紫砂文化：紫砂壶新的生命与发展空间
紫砂壶之紫砂泥不属于哪个时代，也不属于哪个单位，它是大自然的恩赐，是宜兴人脚底下有限的矿藏资源，这块宝藏并不应该到我们这一代就可以完全挖净。可惜，前十几年的无序开挖、流失浪费，导致了眼下的紫砂矿料，无论是质还是量，都已不尽人意了。一把紫砂壶的价值，除了材质以外，就应该是造型的思想层面和精神内涵。设计一个造型，不仅需要付出辛苦的劳动，更需要的是设计者本身所具备的文化底蕴、美学修养、造型经验、个性思维等综合知识的高度。因此，设计一把茶壶不容易，设计一把优秀的壶更不容易！而模仿一把壶就显得太简单了。至于施工制作，就连工匠也能完成。历史上，真正有成就的高手，往往并仅仅在于他们的施工技巧，重要的是他们的文化、思想和修养；他们的创作设计水平。当然也并不是说制作工艺不重要，如果一只好的造型，没有良好的技术来完成制作，也无法体现其完整的精、气、神。但相对来说它远没有设计一件造型那么重要，那么需要学问。其实这个道理和建筑设计、服装设计完全是一致的。
众口皆碑的陈曼生，他在紫砂史上的地位十分显赫。他并不会动手制作，但他所设计并镌刻的茶壶，堪称历史丰碑。当年陈鸿寿是真心喜爱紫砂，他绝不是为了获得金钱利益而亲近紫砂、用心设计、新手铭刻。因此，陈曼生介入紫砂，是以杰出的文化学养和个人爱好，注入了紫砂壶以新的生命与发展空间。
茶具文化的意境将茶艺表现到了极致
茶点与传统点心相比较而言，制作更加精美，注重茶点的色彩与造型，讲究茶点的观赏性。例如：水晶蝴蝶饺，欲语还羞般晶莹剔透，待饺子蒸熟后快手插上去鱼翅翅针制的“蝴蝶须”，惟妙惟肖，正是妙笔。全素的馅料隔着透明的薄皮现出缤纷色彩，令人赏心悦目;再如：传统茶点鲜虾饺在小巧精致的竹制蒸笼里晶莹透亮，鲜活的虾仁露出羞涩的粉红，隐约可见，入口柔韧而富有弹性，由于馅心当中添加了马蹄泥进去，于是在虾仁的滑腻间留驻了脆爽，似乎特别为茶客留住了春天;而在鲜虾饺的基础上创新的“绿茵白兔饺”，用瘦肉、鲜虾等作馅料，改制成小白兔的形状，用火腿肉点作眼睛，再用芫荽垫底摆盘，活像一群小白兔在草地嬉戏……造就了一副唯美的画卷，茶具文化的意境将茶艺表现到了极致，那茶艺主包括什么呢？
茶艺主要包括以下内容：
第一，茶具文化之茶叶的基本知识。学习茶艺，首先要了解和掌握茶叶的分类、主要名茶的品质特点、制作工艺，以及茶壶茶叶的鉴别、贮藏、选购等内容。这是学习茶艺的基础。
第二，茶具文化之茶艺的技术。是指茶艺的技巧和工艺。包括茶艺术表演的程序、动作要领、讲解的内容，茶叶色、香、味、形的欣赏，茶具的欣赏与收藏等内容。这是茶艺的核心部分。
第三，茶具文化之茶艺的礼仪。是指服务过程中的礼貌和礼节。包括服务过程中的仪容仪表、迎来送往、互相交流与彼此沟通的要求与技巧等内容。
第四，茶具文化之茶艺的规范。茶艺要真正体现出茶人之间平等互敬的精神，因此对宾客都有规范的要求。做为客人，要以茶人的精神与品质去要求自己，投入地去品赏茶。作为服务者，也要符合待客之道，尤其是茶艺馆，其服务规范是决定服务质量和服务水平的一个重要因素。
第五，茶具文化之悟道。道是指一种修行，一种生活的道路和方向，是人生的哲学，道属于精神的内容。悟道是茶艺的一种最高境界，是通过泡茶与品茶去感悟生活，感悟人生，探寻生命的意义。
陶瓷文化：15年瓷器市场“三个窑口”的表现会比较好
中国的拍卖市场在2011年达到顶峰，当时取代伦敦成为了世界上仅次于美国纽约的第二大艺术品交易市场。但专业人士分析这个市场的水分很大，因为非专业、非正常的出价占了相当大的比例。预测这种非正常的竞争会趋向平稳，到了2014年这个趋势已经看得非常清楚了。可以展望，2015年甚至更长时间里这种现象会不断减少，几乎可以绝迹，这会影响到整个艺术品市场的成交额和成交率。但是回过头来讲，非专业买家的离场可以让艺术品市场回归到它本来的运作轨道。从中国艺术品成交情况来看，呈现出成交额快速增长，全球市场份额迅速提升的趋势。2015年中国艺术品收藏市场，特别是古董，会有一个很好的表现。当然这种表现不是说过亿的藏品一定会大量出现，而是说整个市场会处于一种平稳、健康的上升趋势。具体来说，分析大概三个窑口的表现会比较好，第一个是龙泉窑——过去三年中，民间交易里龙泉窑的价格至少涨了10倍以上；第二是官窑——新的窑址的确定，如大梅小梅、溪口窑的确认使其从原来不为人所重一下跃居五大名窑之列，身价自然是今非昔比了；第三是耀州窑会比较看好，但是因为本身定位问题，相比前两者稍逊色些。
在2015年的下半年，如果政策放宽、国内高古瓷进入大的流通市场的话，应该会有不错的拍卖表现；如果政策不放宽的话，在民间流通市场中它的表现也会很好，并且会促成香港拍卖市场中高古瓷的表现。