简一瓷砖。
《飞行系列》
[摘要]初出茅庐的法布尔在巴黎吉美博物馆发现一只宋代官窑长颈陶瓷，这是她从未见过的完美。纯粹的器形，简约典雅，如墨如乳的釉色，以及纵横交错的开片纹，都让她深深着迷。
如果说在一千年前的中国宋代，陶瓷艺术已经走到了一个历史性的巅峰，那么当代陶瓷的可能性是什么？历史上，中国瓷器享誉世界，也曾对各国陶瓷艺术的发展产生深刻影响。而今天的西方人又能从中国瓷器中获得怎样的启迪？近日在上海琉璃艺术博物馆开幕的法国当代著名陶艺家克里斯汀·法布尔（ChristineFabre）“烈焰中的生命信仰”展览提供了一个答案。
本次展览由欧洲颇具影响力的法国卡帕萨现代艺廊与上海琉璃艺术博物馆共同主办，也是克里斯汀·法布尔女士在亚洲的首展，是对中国陶瓷的一种“致敬”。35年前，初出茅庐的法布尔在巴黎吉美博物馆发现一只宋代官窑长颈陶瓷，这是她从未见过的完美。纯粹的器形，简约典雅，如墨如乳的釉色，以及纵横交错的开片纹，都让她深深着迷。此后，以“回到中国”为主题，克里斯汀·法布尔创作了一系列仿若宋代官窑瓷器的作品。她热情地赞颂中国陶瓷给予她的灵感：“多么神乎其神的创造！多么巧夺天工的技艺！千姿百态中的精致、高雅，完美得恰如其分。中国陶瓷，如世界文明遗产，深藏在我们西方陶艺家的心中。我们从中多少汲取着养分，在那个将陶艺视为主要艺术的文明里，有太多需要学习的地方了。”
之后，法布尔逐渐不满足于釉面的开片，而是让极具生命力的裂痕展现其肌理。她独自探索的技艺，宛如日本“乐烧”，塑造出简单却完美的形状，如同刚从土壤里取出捏制而成，留下手作的痕迹。法布尔此次带来约20件作品，包括有关古埃及信仰的《独木舟系列》、对生命万物思考的《球体系列》、致敬非洲艺术的《飞行系列》等。她的作品融合了陶土、琉璃、青铜等多种材质，风格清晰，而又单纯质朴。其简约中透出的力度和神秘感或许源于艺术家对生命的深入思考。
《永恒》
法布尔有着这样的信仰——“无论如何都肃然挺立，甚至破裂，依然悲壮站立。这是强悍的生命力量。”她表示：“我曾试图回顾我漫长的创作生涯，陶土让我更了解我必须成为怎么样的人，很多事情很难一开始就决定。我有很长的时间拒绝我的作品被称为‘瓮’，这些作品，是一个‘梦想物件’，像是人心里的回声，邀请你的参与。最后，在一个凉爽的清晨，成为了我的第一个碗，我的第一个茶壶，我的第一个盘子。这个时刻，碗的直径已达到60厘米，我的盘成了一个庞大的餐具，尽管它们不容纳任何茶、晚餐或各国美酒，形式已如浮云，它们承载更高层面的事物：所有人内心的诗歌。”
同时本次展览也是上海琉璃艺术博物馆举办的首个陶瓷展。为什么上海琉璃艺术博物馆第一次选择展出陶艺？策展人，同时也是上海琉璃艺术博物馆创始人的张毅表示：“一切从火里来，受尽磨砺而又站立着的作品，上海琉璃艺术博物馆都要展出。”（文/姜岑）
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如何选购一件上等紫砂壶
如今收藏和使用紫砂壶的人越来越多。如何选购一把称心的紫砂壶呢？应该从泥、形、工、款、功五个方面去考量。一件好的紫砂工艺品，是艺术和技术的完美融合，形、神、气、态、韵、精兼备。
一是“泥”：
紫砂壶得名于世，固然与它的制作分不开，但根本的原因，是其制作原材料紫砂泥的优越。根据现代科学的分析，紫砂泥的分子结构确有与其它泥不同的地方，就是同样的紫砂泥，其结构也不尽相同，有着细微的差别。
评价一把紫砂壶的优劣，首先是泥的优劣。泥色的变化，只给人带来视觉观感的不同，与功用、手感无济。而紫砂壶是实用功能很强的艺术品，尤其由于使用的习惯，紫砂壶需要不断摩挲，让手感舒服，达到心理愉悦的目的。所以紫砂质表的感觉比泥色更重要。摸紫砂物件就如摸豆沙—细而不腻，十分舒服。所以评价一把紫砂壶，壶质表的手感是十分重要的内容。近年来时行的铺砂壶，正是强调这种质表手感的产物。
二是“形”：
紫砂壶之形，是存世各类器皿中最丰富的了，素有“方非一式，圆不一相”之赞誉。如何评价这些造型，也是“仁者见仁，智者见智”，因为艺术的社会功能即是满足人们的心理需要，既然有各种各样的心理需要；大度的爱大度，清秀的爱清秀，古拙的爱古拙，喜玩的爱趣味，人各有爱，不能强求。
历史上遗留下来许多传统造型的紫砂壶，例如石桃、井栏、僧帽、掇球、茄段、孤菱、梅椿、仿古等等，乃是经过年代的冲刷，遗留下的仅存的优秀作品，拿今天的眼光看，仍然在闪烁发光。现在许多艺人在临摹，也是一人一个样，各不相同，原因就是古今的艺人们，都把自己的审美情趣融进了他们的作品之中。一把紫砂壶造型的优劣，全凭个人的感觉，有句俗语说得好：只可意会，不能言传。艺术上的感觉，全靠心声的共鸣。
三是“工”：
点、线、面，是构成紫砂壶形体的基本元素，在紫砂壶成型过程中，必须交待的清清楚楚，犹如工笔绘画一样，起笔落笔、转弯曲折、抑扬顿挫，都必须交待清楚。面需光则光，需毛则毛；线，需直则直，需曲则曲；点，需方则方，需圆则圆，都不能有半点含糊。否则，就不能算是一把好壶。按照紫砂壶成型工艺的特殊要求，壶嘴与壶把要绝对在一直线上，并且分量要均衡；壶口与壶盖结合要严紧。这也是“工”的要求。
四是“款”：
款即壶的款识。鉴赏紫砂壶款的意思有两层：一层意思是鉴别壶的作者是谁，或题诗镌铭的作者是谁。另一层意思是欣赏题词的内容、镌刻的书画、还有印款(金石篆刻)。紫砂壶的装饰艺术是中国传统艺术的一部分，它具有中国传统艺术“诗、书、画、印”四位一体的显著特点。所以，一把紫砂壶可看的地方除泥色、造型、制作工夫以外，还有文学、书法、绘画、金石诸多方面，能给赏壶人带来更多美的享受。
历来，紫砂壶是按人定价，名家名壶身价百倍。在商品社会尤其显得突出。这样市场上就容易出现许多模仿名家制作，伪造的赝品屡见不鲜，选购名壶尤其需要小心。
五是“功”：
所谓“功”是指壶的功能美。近年来，紫砂壶新品层出不穷，如群星璀璨，目不暇接。制壶人讲究造型的形式美，而往往忽视功能美的现象，随处可见。尤其是有些制壶人自己不饮茶，所以对饮茶习惯知之甚少，这也直接影响了紫砂壶功能的发挥，有的壶甚至会出现“中看不中用”的情况。
其实，紫砂壶与别的艺术品最大的区别，就在于它是实用性很强的艺术品，它的“艺”全在“用”中“品”，如果失去“用”的意义，“艺”亦不复存在。所以，千万不能忽视壶的功能美，从上述几方面去选购一件完美紫砂。
青瓷一件青瓷一套房的说法可信吗
青瓷，是青釉瓷的统称。古人尚玉，青瓷的出现，满足了古人对玉在其他材质上复刻、再现的一大心愿，因为青瓷不论是在釉色还是质感上，都和青玉有着异曲同工之妙。青瓷自出现以来，其身影一直未曾淡出过陶瓷艺术界。从商代到南北朝的萌芽、生根和初步发展，到唐宋时期的鼎盛之况，再到元明清的缓缓衰落，盛时它是独当一面的王者，衰时它也是功成名就的隐士。
在如今的收藏市场上，好品相的青瓷，其身价一直高涨，尤其是一些官窑佳作，更是贵上加贵。2015年，香港蘇富比的春季拍卖会上，一件高度仅为21.9cm的南宋-官窑-青釉八方弦纹盘口瓶，最后成交价高达1.1388亿元。庸俗一些来说，如果房价一万元，这些钱可以买下一百套面积一百平米的房屋，所以常有藏友说“一件青瓷一套房”，看来不假。虽然不是所有青瓷的价格都可以达到这个水准，但是很多青瓷佳品的价格确实都不低。2014年，一只宋代的青釉贯耳瓶，被拍出2300万元的价格。2016年，出自南宋官窑的一只青釉冰裂弦纹瓶，也是取得了成交价5750万元的不俗成绩。今年10月，一件南宋官窑-青釉葵瓣洗，由香港蘇富比拍卖有限公司拍出，最后以8135.1万元的高价成交。似乎以上拍卖记录，拍品都是宋代的，那么是否意味着其他朝代的青瓷就没有收藏价值了呢？接下来我们就说说这个问题。
青瓷出现在商代，一直到南北朝都属于初步发展时期。这一阶段的青釉瓷，经历了从陶到瓷的进步。商朝的青瓷成为原始青瓷，制作粗糙，用料限制也大。春秋战国，原始瓷进入高峰，有日常用具，也出现了各类仿青铜器的礼器。直到汉代，原始青瓷完成了陶变瓷的转化，虽然在造型上保持了春秋战国时期的影响，但因为瓷化程度变高，成品的釉色更加鲜亮。在纹饰上，水波纹、弦纹、三角纹、方格纹等最为常见。东汉末年到三国这个时间内，青釉瓷除了生活器具外，还出现了墓葬明器，不过造型和纹饰仍然是沿袭汉代风格居多，兼有微小变化，如盘形器盘口增大，颈部缩短等。两晋时期青釉瓷的最大特色，一个是装饰手法的更新，即采用印、划、堆贴等技法在器物上纹饰各式花纹或者白虎、朱雀等辟邪内容；另一个是西晋后期出现了褐色点彩工艺，打破了青瓷的单一格调。南北朝在前代基础上，因为佛教盛行，所以青瓷也多有佛教祭祀或庆典用具，同时在装饰上尤其注意莲花纹的运用和制作。
经过前述的初步发展，青釉瓷在唐宋两代进入顶峰。唐代青釉瓷的盛行与饮茶之风的兴起是难以分开的，并且这种关联一直或多或少地保留到后世。唐代青釉瓷主要来自于越窑、瓯窑、婺州窑、邛崃窑和耀州窑，五代时期这些窑口的烧造也并未停止，但是青釉中泛灰或者泛黄的情况较为多见。宋代青釉瓷，讲究单釉色的纯净通透之美，首先要提到的自然是龙泉窑作品，龙泉青瓷当属宋代青瓷之最，其烧制的梅子青、粉青，一直是世人求而不得的绝品。在龙泉窑以外，宋代烧造青釉瓷比较有名的还有南宋官窑、景德镇窑、汝窑、临汝窑、吉州窑和同安窑等。
宋代以后，元朝青釉瓷也并没有断烧，但是相比宋青瓷的纯净透润要差很多。明清时期，青釉瓷在瓷器舞台上的地位又进一步弱化，各种彩瓷你方唱罢我登场，五彩、斗彩、青花釉里红、珐琅、粉彩等应接不暇。但是，这并不代表这个时期就没有好的青瓷作品，只是往往在制造中已经融入了较多当代的造型、纹饰等元素，取其青釉之美，而又不全用其表现方式。要知道，在2017年的佳士得拍卖会上，一件清雍正-粉青釉-贴花双龙盘口尊，最后可是拍出了1.4054亿元的天价，是目前国内青釉瓷拍卖记录中的魁首，比唐宋青釉瓷价值还要更高一些。
5：龙泉窑青瓷划缠枝花卉纹梅瓶,成交价格RMB2,643,880。39cm。
这些康熙朝各类的瓷器你喜欢哪一件？
康熙时期，逐步将景德镇的御窑厂恢复完善，其产品质量更加好转，比前代还略有进步，所以有人认为清代的陶瓷，应从康熙时期开始计算。这一时期在整个清代瓷器发展过程中占有重要地位。康熙十七年，派内务府官员至景德镇，驻厂督造，并开创了以督窑官姓氏称呼官窑的先例，比如具有代表当时制瓷水平的“臧窑”、“郎窑”等。康熙瓷器品种繁多，千姿百态，造型普遍古拙，胎体比较厚重，同样大小的器物，要比清朝其它时期的器物要重些。较大型作品采用分段成型整体组合的技法，修胎工艺精细，交接处不留痕迹。康熙五彩的主要颜色有红、黄、紫、绿、蓝、黑等，很少用青花，描绘精致；另一特征是在康熙后期的作品中，人物面部只用轮廓勾出而不填彩。纽约苏富比将要拍卖一批康熙朝的各类瓷器91件，小四在这介绍几件。
清康熙 五彩叩马阻兵图大棒槌瓶估价:USD400,000-600,000 RMB2,593,025 —3,889,537
从某种意义上说，清康熙时的五彩是真正意义上的五彩瓷。为什么这样说呢？因为明代五彩，如不使用釉下青花，实际上就是釉上红彩、绿彩、黄彩等；而康熙五彩的最大特点是运用了釉上蓝彩和黑彩，形成了红、绿、黄、黑、赭、蓝等多种颜色的搭配和运用。由于有了深色调的蓝和黑，使得康熙五彩的色彩对比更加和谐、沉稳。康熙时蓝彩烧成后的色调，其深艳程度超过了青花，而黑彩又有黑漆般光泽。康熙五彩所用的颜色比明代大大增多，因此康熙五彩比明代单纯釉上五彩更显得娇艳动人。康熙五彩瓷光艳照人，很重要一点是在烧成上。釉上彩是在彩炉中低温烧成的，火候的把握十分重要，温度过高，有些釉上颜色会流动或损失，炉温太低则彩料的光泽不足。康熙五彩一般都色彩鲜艳，光泽明亮。这说明康熙时烧造彩瓷的工艺已十分成熟。
本品瓶，尺寸硕大，彩色浓艳，绘工繁复，画技精良。瓶身一周，绘「叩马阻兵」故事典故，取自《封神演义》一书。此书着于十六世纪，述商末纣王昏虐，文王伐纣，其子武王立周等故事，以史实为根据，创造出诸神、妖兽等，斗法争权。此书确立君权为上天所授，君王英明，方为天子，得人心，获神助。康熙帝，励精图治，锐意稳定时局，奠定大清皇权，与此书喻意，颇为契合。
细观本瓶主题，正与其所处时代遥相呼应。瓶身所绘周朝天军气势磅礴，队列云云浩荡；反观之，叩马阻兵之伯夷叔齐二人则作势孤弱，表现前朝衰退之残息，由而突显新朝之恢宏大势。如此精巧构图，辅以细致画工，更显本瓶之珍妙。纹饰着色丰富，见明绿、湛蓝、暖黄及铁红，配以黑彩及描金。人物刻画姿态多样，面相勾绘复杂生动，细致入微，主角人物描绘准确易辨。
《饮流斋说瓷》记载：“清代彩瓷变化繁迹，几乎不可方物，康熙硬彩、雍正软彩。硬彩者，谓彩色甚浓，釉傅其上，微微凸起也。”“硬彩、青花均以康熙为极轨。 康熙五彩，绘画工致精丽，生动传神，改变了明代嘉靖、万历时只重色彩而不讲究造型的粗率画风。其施彩较明代均匀，勾勒轮廓所用线条以焦墨为料，笔锋劲挺有力，后用油墨彩料，笔触圆润柔和。“康熙彩画手精妙，官窑人物以耕织图为最佳，其余龙凤、番莲之属，规矩准绳，必恭敬止，或反不如客货之奇诡者。盖客货所画多系怪兽老树，用笔敢于恣肆。”
清康熙 斗彩仙女祝寿图八方花盆估价 USD 350,000-500,000
据历史文献记载，斗彩始于明宣德，但实物罕见。成化时期的斗彩最受推崇，明清文献中也称之为成“窑彩”或 "青花间装五色"。清朝斗彩瓷器的产量要大于明朝成化时期。康熙、雍正、乾隆官窑也有不少精品堪与成化斗彩媲美，而且出现了较大的器型。总的来看，清朝盛世的斗彩瓷器大多数绘画精工，改变了成彩 "叶无反侧"、"四季单衣" 的弱点，图案性更强，但也失去了成彩清秀飘逸的风采。康、雍、乾官窑都有一些仿成化斗彩产品，康熙斗彩在在模仿明斗彩的基础上又有所发展，器物的造型品种更加丰富多样，大件器物层出不穷，绘画更为精工。
本品花盆，色彩明亮，浓淡相宜，所绘海浪、灵兽、仙女栩栩如生，当属康熙斗彩至珍之品。盆身绘仙女祝寿图笔法圆熟，显示本品制于清代瓷器工艺成熟时期。据屈志仁述，此类花盆多绘明末清初道家主题纹饰，然画工则具清代十八世纪特征，绘工细致，纹饰精微，题材多取自版画及画谱等。据林业强研究发现，康熙年款中「 清」字「月」内作一竖之写法，应始于1713至1722年之间。本品花盆款识即以此法书写，表示其制作年份应属康熙后期。
林氏并述，如此年款风格、并带长寿寓意之瓷器，应制于1722年，为准备康熙帝次年七十万寿庆典而制，此说与屈志仁意见相符。屈氏认为，故宫博物院收藏、纹饰风格相近之花盆，乃为康熙皇帝寿辰特制。观清宫寿宴画作，可见花盆、古器、装饰品等陈设，由此可断，此类花盆应作盛载花卉植物、供宾客观赏之用。此类康熙祝寿花盆皆具相同特征，包括尺寸硕大、以斗彩作装饰、多方器形、绘仙人图景及两侧口沿下书六字青花横款等。目前已知同类器或为六方、或八方，或花口、或素口，或圈足、或如意足。如本品八方圈足者，于同类品器中尤属珍罕。
清康熙 五彩寿桃纹高足盖盌估价：USD150,000-250,000 RMB(972,384 —1,620,640
本品高足盖盌，器形端庄，色调柔雅，彰显康熙朝晚期景德镇艺匠臻技，虽无年款，但见瓷匠造诣高超，可推断乃为御用而制。寿桃，寓意长生多寿，故本盌或为贺寿之礼。
明清两朝，皇帝及皇太后六十、七十、八十寿辰格外隆重，历时数周，筵席无数，仪式盛大，并制各式礼品，或为贡品、或供赏赐。为准备康熙六十大寿，景德镇大量制瓷，早于两年之前便开始烧制，七十大寿亦属如是，然康熙帝于七十岁寿辰前三个月驾崩。本品及相近之盌例，纹饰具长寿寓意，巧工精制，应为皇太后或康熙帝六十大寿所制，亦或为康熙七十万寿庆典而制。
清康熙 虎皮三彩大盌尺寸 直径31.4cm 估价 USD 80,000-120,000
素三彩”一词首先出现在清末寂园叟《陶雅》中：“西人以康熙黄、茄、绿三色之瓷品为素三彩”，其中的“三”代表多数，无特定含意。之后，中华民国初年的许之衡在《饮流斋说瓷》中也提到：“茄、黄、绿三色绘成花纹者谓之素三彩”。素三彩属瓷器低温彩釉品种之一，素三彩的制作方法是在高温烧成的素胎上，用黄、绿、紫三种低温色料装饰，入窑经800—900℃的低温二次烧成，因不使用红彩，画面显得典雅素净，故名“素三彩”。素三彩创烧于明宣德时期，万历素三彩器出现色地叠烧工艺，如黄地三彩、绿地三彩等，此时素三彩工艺已取得较高成就，至清代康熙朝得以进一步发展，并成为康熙时期具有特色的瓷器品种之一。
满清康熙一朝之素三彩器极富盛名，对于成化、正德之三彩和嘉靖、万历色地重叠工艺多有继承，但又发明素胎上刻划出纹饰轮线，绘以图画，涂以釉彩，其工艺标新立异，品种丰富多样，质朴雅洁，黄色地、紫色地、米色地、虎皮釉等反复交替使用，变化莫测而颇具匠心。虎皮三彩是康熙三彩品种之一。用黄、绿、紫三色釉间隔混杂点染于器表，经烘烧，自然晕散形成不规则的，似虎皮状的斑块，谓之“虎皮三彩”，也称为“抹三彩”。虎皮三彩常用于盘、碗和福禄寿三星人上。康熙素三彩瓷器有的署款，有的则不署款。署款的主要有三种：一是青花楷体本朝六字年款；二是仿明代成化或嘉靖青花楷体六字年款；三是青花花押款。
清康熙 豇豆红釉镗锣洗估价 USD 50,000-70,000
豇豆红是铜红高温釉中的一种，为清代康熙晚期出现的铜红釉品种。因其色调淡雅宜人，以不均匀的粉红色、犹如红豇豆一般、造型轻灵秀美而得名。 又因其浅红娇艳似小孩脸蛋、如三月桃花，又被人称为“娃娃脸”、“桃花片”、“美人醉”。色调再浅些被称为“娃娃面”或“桃花片”，虽不如深者美艳但却有幽雅娇嫩之态。下品者，或色调更浅，或晦暗浑浊，名为“乳鼠皮”或“榆树皮”。至于器身呈灰黑不匀的“驴肝、马肺”色，与器下部呈黑釉焦泡的一类，则为最次品。豇豆红无大器，常见为文房用具，如太白尊（水盂）、石榴尊、菊瓣瓶、柳叶瓶、洗、印盒等。
豇豆红的烧成难度大，制作时间短，所以传世数量极少，历来是收藏家搜猎的目标。天津博物馆收藏了一件康熙豇豆红釉太白尊，其釉色红绿相间，呈现出桃花春浓般的奇趣，正如清人洪北江诗誉：“绿如春水初生日，红似朝霞欲上时。”
每一件都价值连城，元青花凭什么这么贵？
青花瓷
青花瓷，又名“白地青花瓷”，源于唐宋，盛于元明。人们常把青花瓷比作舞台上的青衣，素雅高洁，清丽婉转，像极了中国的水墨画。“素坯勾勒出青花笔锋浓转淡，瓶身描绘的牡丹一如你初妆……”周杰伦的《青花瓷》，唱出了青花瓷的雅致风情和其中蕴涵的中国文化。
青花瓷因其工艺精湛，艺术成分极高，近年来大受追捧，其中尤以元青花最为弥足珍贵。如2005年7月12日，伦敦佳士得拍卖了一件“鬼谷下山元青花大罐”，成交价当时折合人民币2.3亿。按照当天的国际牌价，这个价可以买两吨黄金。
“鬼谷子下山”元青花
中国青花瓷自诞生至今已有700多年，却为何只有元青花价值连城？这里面的因素有很多，下面我们就元青花的颜料来源，艺术价值，存世情况等三个方面，为大家一一阐述元青花凭什么价值连城。
颜料来源元青花的颜料，以苏麻离青（或译作苏勃尼青）最为美妙，这是一种极为纯正而又个性突出的颜料，用它描绘出的青花瓷器，因有鲜明、大方、潇洒、立体感强等诸多优点而倍受人喜爱。
苏麻离青本是产于古波斯一带独有的一种矿物质钴料。（一说是产于今伊拉克的萨马拉地区，一说是产于伊朗德黑兰以南 400公里的格哈默沙村的山中。）可惜的是，此料太稀少、太珍贵，从元代至正年到明朝宣德年后便绝迹了，现在只能看到当时采掘后遗弃的一个个废洞。
苏麻离青所绘纹饰
元代至正年间，苏麻离青辗转万里来到中国，其中的艰辛我们难以想象。若非元朝大力开拓疆土，将势力范围扩大到古波斯一带，苏麻离青根本就不可能被发现，也就没有所谓的元青花了。
如此珍稀的颜料，自然被当时的生产者及权贵奉为至宝，被专门用于官窑中大小不同的青花瓷器的描绘。其中以大型器物，如大罐、大梅瓶上所表现出的特征最为亮丽。类似最华丽的衣彩披在了最好的模特身上，使其满屋生辉、惊艳群芳。
青花大罐
由于当时的生产者条件不同，所以存在着颜料中苏麻离青料含量或多或少的问题。即有的器物使用的多，则浓一些；有的器物使用的少，便淡一些；或在苏麻离青料中混入国产料，或浓或淡，这就是后来造成元青花瓷颜色千姿百态，几乎没有一只一样的原因。
艺术价值元青花的主色调以蓝白为主，这主要是受波斯文化的影响。因为蒙古人喜欢白和蓝，而蓝色又是伊斯兰文化的主色调。13世纪初，大批阿拉伯人、波斯人和崇尚伊斯兰文化的突厥人进入中国，其中有工匠、天文学家和医学家，他们带来了西域文化。
元朝建立后，又有大批穆斯林知识分子、商人，通过丝绸之路来到中国。受西域文化影响的中国工匠，开始将传统的中国图案，用青花原料画在瓷胎上，烧制出赏心悦目的青花瓷，开创了一代中国人审美的先河。
元青花将戏剧故事融入绘画中
元青花的题材众多，和其他瓷器多表现飞禽走兽、花卉虫鱼不同，元青花后期有大量绘有戏剧故事的作品问世。究其原因大体有两个，一是元青花受元曲和小说的影响，二是因为元朝后期，朱元璋长期驻扎景德镇，他对战争和人物题材的偏爱影响到了元青花。
元青花是一个划时代的作品，它与唐宋年间的陶瓷有着本质性的区别。它使中国陶瓷从素瓷向彩瓷过渡，其丰富的绘画艺术更赋予了中国陶瓷装饰性的功用。
唐宋陶瓷主要以“素雅”为主
元青花价值连城既有上述原因，更重要的是它的自身工艺也达登峰造极的水平。无论是颜色、画艺、质量，都是青花瓷中的上乘佳作。其雄浑矫健的造型、张力十足的纹饰、浓艳深透的青花发色、通体弥漫的雄霸之气，强烈地震撼着每个喜爱元青花的人。
存世情况元青花之所以如此珍贵，很重要的一个原因在于它存世量极为稀少。正宗的元青花全世界不过300件，画有人物的元青花罐更为稀缺，全世界不足10个，都藏于博物馆和私人手中。
“昭君出塞”元青花
东京出光美术馆藏有“昭君出塞”青花罐，美国波士顿美术馆有“尉迟恭救主”青花罐，日本大阪万野美术馆有“百花亭”青花罐，英国铁路基金会有“锦香亭”青花罐。苏富比1996年拍卖的“三顾茅庐”青花罐、“西厢记”青花罐、“细柳营”青花罐，都为私人收藏。
而北京故宫、台北“故宫”乃至全国所有的博物馆，都没有一件元青花人物罐，可见其珍罕的程度。
除人物青花罐外，元青花珍品也大多深藏于距中国万里之遥的异域深宫。其中原因在于元青花在14世纪中期及稍后，通过贸易渠道运往西亚、南非、欧洲和东南亚等地，所以目前全世界的元青花都固定藏于几处，从来没有分散过。
高安市博物馆
第一个是土耳其的托布卡帕皇宫，这批元青花的收藏时间是1453年，存世品质极为上乘，一共40件，从不公开展出，一直秘藏于皇宫的府库中。第二个收藏量较大的是伊朗的阿克比尔寺，共收藏了32件。第三个收藏地是中国江西的高安，在高安的地库里藏有19件元青花，是20世纪80年代一次性出土的文物。
此外，日本也是元青花的收藏大国，日本人三杉隆敏在《中近东之中国瓷器》一书中就记录有27件元青花。
一件名为“鬼谷下山”元代青花瓷罐 惊现成都
今年7月13日，一件名为“鬼谷下山”的元代青花瓷罐在嘉士得伦敦拍卖会上，由伦敦古董商埃斯凯纳齐以1568.8万英镑(约2.3亿元人民币)投得，创下亚洲艺术品拍卖的最高成交价，同时刷新中国瓷器及中国工艺品拍卖价格的世界纪录。昨日，一只具有同等工艺、色泽、器型的世界级珍品元代青花瓷罐首次现身成都。记者当天看到这只名为“缠枝牡丹”的元代青花瓷罐被封存在透明的钢化玻璃箱内，与“鬼谷下山”一样，“缠枝牡丹”也是高29厘米、口径21厘米、外径33厘米。全器共五层纹饰，瓷罐为身下部饰仰莲瓣花纹，上饰一圈思冬，腹部主题绘有缠枝牡丹，肩部则为一组缠枝莲，颈部绘波浪纹理。纹饰繁密精美，色泽亦清新悦目。
中国收藏专家沈华常告诉记者，经鉴定，这件瓷器出品于中国制作青花瓷器的顶峰时期——元朝。目前，我国国内现存各地传世、出土的元代青花瓷有100多件，散落在世界各地的元青花瓷仅有200多件，在北京等博物馆内各类元青花瓷器也仅存约17件。虽然时代、器型相似的青花瓷器目前也有一些存世，但作为元代青花罐器，如此保存完好、工艺精湛的珍品还极为罕见。
据了解，这只元代“缠枝牡丹”青花瓷罐由成都某画廊老板从国外巨资购回，但其拒绝透露价格。来自东南亚、澳门等地很多知名古董鉴赏家已陆续专程来蓉一睹“缠枝牡丹”的风采。此外，全球最大的古董拍卖公司美国苏富比香港分公司总裁也已前来成都，希望主人将其出价转让。
广东当代陶艺展缺乏当代性
今年我参加了很多的活动，这次我有一个感受，一个是广东省的这次展览规模有这么大，而且作品有这么好，原来我以为我对广东省的陶艺现状比较了解，因为一直在这个领域里面，我之前还开玩笑说不来参加展览也知道它会是怎么样的，但是这一次一来就感到有很大的不同。
有些作品确实在观念上有很大的进步，最关键的是我看到了呈现效果最好的展览。同样是陶艺的材料，用什么东西，这是很重要的问题，这已经超越了陶艺的技术层面，已经超越了以前很多的工艺美术师、艺术家，他们做完了作品就以为他们的作品完成了，但实际上远远不够，作品做完了实际上是一个单纯的形态在那里，还需要周边的形态去丰富它，还有你个人的想法也并不是完善和完整的。
这次的某些作品，如果单一来看的话，还是比较粗糙，但是它呈示了矛盾的一个层面上，那种感觉就不一样。这里面提出一个问题，这是一个好的事情，这一个展览给我深刻印象的是它不像是一个大杂烩，不是简单地堆成一堆，再好的作品不能像个垃圾堆一样处理，需要很好的光线。
我最近带学生看了汝窑的作品，上了一课，需要灯光，这样的话那个作品从内到外可以看得非常好。现在在故宫看到的就是黑洞洞的一切，它在空间占有的力量和艺术感里，全部被这种微弱的光线和粗糙的制品干扰了。同样的作品为什么会有完全不同的感觉，这是我自己看到的，所以我就把它说出来，这是非常重要的一个问题，那这一点，美术馆做的尝试，或者是陈设方面，它已经升华了这些作品。这些真得感谢这个美术馆的工作人员，因为他在陈列的时候把这些作品升华了。这里面有一个问题，当你的作品完成之后，如何让它在这个场显出它的真正艺术魅力，艺术真正的价值是“完整地”呈现它的人文感染力，所以这是这次展览给我的一个很大的刺激。
那么，好处说完以后，我觉得有一个明显的问题必须呈现出来的，大家都在说好的以后，也应该有人说不好。这个展览分几个层次是非常好的，第一个它把全国重要艺术家的作品，不管是大还是小，重要的都请来了。另外还有一个港台的。实际上这个对比是一个非常重要的方式。人的视线比较有天然的敏锐性，它不需要文字，你去看就知道了，由此而来带来一个重要的问题就是广东省的陶艺进步这么大的情况下，应该有一个小问题出来了。这里有两个问题，一个是材料呈现相对单一。这个单一是跟地域有关，比如说一个是佛山，佛山是一个产区，所以很多人习惯于用这种材料，也习惯于用这种材料的表现语言，这里有一些不好的地方。其实有一个人有力量做到这一点，是很好的，但是当一个城市，一个区域都在做这样一个东西，而且都在做这样一个东西的时候，几百件东西放在一起展览，视觉很容易疲劳，你非得靠得很近，琢磨得很细你才觉得这个作品好。那么，它首先在当代性上就缺乏了，观者并不那么容易进入这个系统并且被它感染，所以我觉得在材料的挖掘方面还缺乏了一些。
第二是烧成。烧成还是比较单一，这些东西如果没有人去完整地实践它的话，这就会有问题了。这个问题恐怕非常明显的就是在整个陶瓷产区，陶瓷艺术创作的当代性和艺术创作方面，会很容易地被别人拒绝。这个拒绝就会让人孤立——这种孤立会使你变成工艺家而不是艺术家。艺术家还有一个心胸的问题。艺术家很容易接受新的东西，很容易吸收不同人的意见，吸收不同的文化涵养，但是工艺家可能不是的，这不是他本身的错误，是因为他长期在做这种作品的时候，被自己的手法所迷恋，所以他欺骗自己的技术是越来越好。但是当越来越固化这种形态，他就会认为只有他的东西好看，而别的东西就不好看。他们也很容易受伤害，我们的东西拿出来以后，他会想我花了这么多精力，做了这么多作品，你们为什么觉得我是工艺作品而不是艺术作品。他受伤害了。人一受伤害就会害怕，害怕就会保护自己，那么就会拿自己的行业特性来回敬人家，这个时候人家就不跟你玩了，那么变成一个什么概念，陶瓷艺人永远在一个小圈子里面自己跟自己玩，而不可能太容易进入一个文化大圈子里面跟大家一起玩。这就是这个展览给我一个好的印象和一个不太好的印象。
瓷器知识：一件瓷器的诞生（景德镇传统制瓷过程）
1、练泥：从矿区采取瓷石，先以人工用铁锤敲碎至鸡蛋大小的块状，再利用水碓舂打成粉状，淘洗，除去杂质，沉淀后制成砖状的泥块。然后再用水调和泥块，去掉渣质，用双手搓揉，或用脚踩踏，把泥团中的空气挤压出来，并使泥中的水分均匀。
一件瓷器的诞生（景德镇传统制瓷过程）
1、练泥：从矿区采取瓷石，先以人工用铁锤敲碎至鸡蛋大小的块状，再利用水碓舂打成粉状，淘洗，除去杂质，沉淀后制成砖状的泥块。然后再用水调和泥块，去掉渣质，用双手搓揉，或用脚踩踏，把泥团中的空气挤压出来，并使泥中的水分均匀。 这一环节在古窑里我没有见到，深感遗憾，于是我在前往三宝村途中仔细寻觅，有幸亲眼目睹。这种瓷石加工方法历史悠久，应与景德镇制瓷历史同步。
2、拉坯：将泥团摔掷在辘轳车的转盘中心，随手法的屈伸收放拉制出坯体的大致模样。拉坯是成型的第一道工序。拉坯成型首先要熟悉泥料的收缩率。景德镇瓷土总收缩率大致为18—20%，根据大小品种和不同器型及泥料的软硬程度予以放尺。由于景德镇瓷泥的柔软性，拉制的坯体均比之其他黏土成型的要厚。拉坯不仅要注意到收缩率，而且还要注意到造型。如遇较大尺寸的制品，则要分段拉制，从各个分段部位，可看出拉坯师傅的技艺好坏和水平高低。
景德镇陶瓷的特殊美感和瓷文化的形成是与其独特的材质、工艺等有着密不可分的联系，甚至在某种程度上说:景德镇瓷器名扬天下，除当地“天赐”的优质黏土之外，基本上是那些“鬼斧神工”的技艺将这些普通的“东西”变成了人类的“宠物”。由此，真正被“神灵”护佑着的正是这制瓷技艺的不断分工、进化和传承。这千年相传的技艺造就和组成了人类陶瓷史甚至是文明史上最耀眼的光环，这光环让人炫目，也让人敬畏。
3、印坯：印模的外形是按坯体内形弧线旋削而成的，将晾至半干的坯覆在模种上，均匀按拍坯体外壁，然后脱模。
4、利坯：将坯覆放于辘轳车的利桶上，转动车盘，用刀旋削，使坯体厚度适当，表里光洁，这是一道技术要求很高的工序。 利坯，也称“修坯”或“旋坯”，是最后确定器物形状的关键环节，并使器物表面光洁、形体连贯、规整一致。内外修坯是景德镇制瓷工艺中一个极为重要并优于其他窑系的成型技术，是形成景德镇陶瓷风格的一个独特的技术保障。利坯工不仅需要熟悉泥料性能，而且要熟练掌握造型的曲线变化和烧成时各部位的收缩比，以及各部分留泥的厚薄程度。一般来说，在同一器物的不同部位，坯体厚度各不相同，因为不同部位在高温烧成时的收缩率和受力情况不一致，因而利坯时应控制不同部位的泥坯厚度，以防止其烧造时变形。
利坯时对于坯体厚薄程度的控制及其识别方法，是掌握利坯技术和确保利坯质量的关键。按一般经验，测定坯体厚薄是以手指上下抚摸并轻轻弹叩，听其不同部位的响声。坯体较厚者，弹之发出“咯咯”之声，修至中等厚度时则发出“咚咚”之声;高档瓷坯体修至适当薄度时，弹之则发出“卟卟”的脆声。
5、晒坯：将加工成型后的坯摆放在木架上晾晒。
6、刻花：用竹、骨或铁制的刀具在已干的坯体上刻画出花纹。
7、施釉：普通圆器采用醮釉或荡釉。琢器或大型圆器用吹釉。大部分陶瓷制品均需经施釉后才能进窑烧造。施釉工艺看似简单，却是极为重要和较难掌握的一道工序。要做到坯体各部分的釉层均匀一致，厚薄适当，还要关注到各种釉的不同流动性，实在不是件容易的事。
景德镇陶瓷装饰大致可分为釉下装饰和釉上装饰两种基本类型。釉下装饰是指直接在泥坯上进行艺术装饰加工，并上釉烧成的瓷器，因其装饰图案位于瓷器釉层之下而得名，主要包括青花、釉里红和釉下五彩等。在已经烧成的瓷器釉面上进行装饰加工的工艺，则称为釉上彩，包括古彩、粉彩、墨彩、新彩等。还有釉下青花与釉上五彩相结合的“斗彩”装饰。实际上自元代以后，中国瓷器彩绘装饰的历史，基本上是以景德镇瓷器发展史为主要脉络的。
8、烧窑：首先把陶瓷制品装入匣钵，匣是陶瓷制品焙烧的容器，以耐火材料制成，作用是防止瓷坯与窑火直接接触，避免污染，尤其对白瓷烧造最为有利。烧窑时间过程约一昼夜，温度在1300度左右。先砌窑门，点火烧窑，燃料是松柴，把椿工技术指导，测看火候，掌握窑温变化，决定停火时间。
9、彩绘：釉上彩如五彩、粉彩等，是在已烧成瓷的釉面上描绘纹样、填彩，再入红炉以低温烧烘，温度约700—800度。
烧窑前即在坯体素胎上绘画，如青花、釉里红等，则称为釉下彩，其特点是彩在高温釉下，永不退色。
瓷器的彩绘与一般绘画不同。因为画工在坯体素胎上施釉和作画时所见的颜料色，在经过高温烧制和烘烤后会发生很大变化。看到一件件颜色暗淡、貌不惊人的半成品，经过炉火的烧炼竟会呈现出如此绚丽夺目的色彩，这本身是奇妙的；而与此同时也便可以得知，为瓷器作画是需要怎样的特殊经验和想象力了。
景德镇传统制瓷技艺分工严谨精细，各种不同工艺步骤在看似简陋和普通之中却蕴含着相当多的合理性和惟一性，可谓博大精深。每个细节的深究都让人无不惊叹我们前辈陶工们在发现与运用、发明与创造中的聪明才智。古窑里的老工匠还告诉我们，现在景德镇的陶瓷工艺已经电气化了，考虑到环境保护、降低制作成本和提高成功率等多方面因素，不论是仿古瓷类、艺术瓷类，还是日用瓷类的瓷器都在电脑的控制之下，用汽窑烧制，原先的用柴窑制作陶瓷时的工序远不止这些，有72道之多呢……
上述景德镇传统制瓷工艺的许多场景和工艺环节，一般人是很难完整看到和了解的，而正是这些技艺的细节感动着我。我想世人对“瓷都”的寻访绝不仅仅是为了看这个城市的外观，而是想贴近属于这个城市的“气息”，闻到属于这个城市的“味道”。这个“气息”和“味道”只有从温润的瓷土中、从充满油脂的松柴中、从永不停息的河流中，最重要的是从陶工们积淀着千年制瓷文明的手艺中才能散发出来。
南海一号出水 数千件宋瓷让陶瓷界兴奋
近日，宋代古沉船“南海一号”的整体打捞出水成为社会注目的热点。其中，船上数量最庞大的数千件汇集了德化窑、磁灶窑、景德镇、龙泉窑等宋代著名窑口的陶瓷精品更让陶瓷界兴奋不已，它不仅向世人展现了宋瓷的精美，还引起了人们对于宋瓷收藏的关注。
在深圳，瓷器一直是收藏的重要对象，而代表瓷器顶尖水准的宋代瓷器也受到人们热力追捧，成为瓷器收藏的宠儿。
宋瓷存世量少而精
宋代是中国瓷器的鼎盛时代，出现了定、钧、官、哥、汝五大名窑，中国古代瓷器中，宋瓷以器形优雅、釉色纯净、图案清秀，在中国陶瓷史上独树一帜。
“无论从质量还是品种来说，宋瓷都属于中国瓷器中最顶尖的代表，同时它还是老窑口瓷器里的经典。”古玩城宋代陶瓷博物馆馆长于先生说，老窑口瓷器一般指元朝以前各窑口烧制的瓷及陶，宋代的青瓷、白瓷、黑瓷以及釉下彩绘都当之无愧为个中极品。
虽然宋代的窑口最多，但是宋瓷的存世量却非常少。“主要原因是一个‘流行’与一个‘不流行’。”于馆长介绍说，由于隋唐到宋代我国一直流行瓷器外销，到了宋代瓷器出口迅速增加，遍及亚洲的东部、南部、西部和非洲东海岸的大部分地区，国内存留的瓷器数量有限。此外，在宋代并不流行将瓷器作为随葬品，现今出土文物中，宋瓷并不多见。
“据我所知，宋瓷在深圳藏界所占的比例少得可怜。”于馆长说，从年代上划分，老窑口瓷器在整个瓷器藏界中所占的比例不超过10%，而在品种上，宋瓷在老窑瓷中的份额不到20%，“宋瓷的地位与数量使它成为收藏时可遇不可求的绝品。”
仍处于价格“洼地”
从收藏角度讲，存世宋瓷精品虽然远远少于明清瓷器，但却陷入了价格“怪圈”，其价格与价值相比偏低。
“一个清代的官窑青花瓷瓶在五六年前的价格大约是50万元到60万元，现在价格已经升到了数百万元，而目前一只宋代滋州的大盘价格不过几十万元。”于馆长分析认为，深圳市场对宋瓷的认识才刚刚开始，有限的收藏群体尚未成为收藏市场的活跃血液，导致了其价值被低估。
同时，收藏的入门规律也使得“玩”宋代瓷器需要一个过程，即它的价值回归有待时间。“许多人玩陶瓷的入门往往是从容易看的青花瓷开始，到色彩斑斓颜色亮丽的彩瓷，再到比较耐看的明清单色釉，最后才是玩颇具内涵的宋代老瓷，这一过程大约需要五六年的时间。”于馆长表示，从今年这波收藏热来看，深圳宋瓷收藏新手应比之前的藏家更具实力，大部分人的入门时间较短就能完成，下一波宋瓷的市场热潮应该在近两年左右形成。
价格每年翻番升值空间大
近些年宋瓷在价格上相对“暴涨”，但有关专家认为它还有很大的升值空间可挖掘，而且其市场还颇有些“墙里开花墙外香”的味道。
“可以这样说，宋瓷的价格平均每年翻一番，它在逐渐告别低谷。”于馆长举例说，比如一把宋代耀州官窑的瓷壶，5年前它的市场价格不到20万元，但是今年在伦敦苏富比拍卖会上却以680多万元的高价成交，“七八年前宋瓷在江浙一带进行个人交换时，一般的价格都在几万元左右，但是现在一只瓷碗也要十几万了。”他还分析说，即使是这样，宋瓷的价格相比明清瓷器动辄几百万的数额还是有明显的升值潜力。从欧美成熟的拍卖市场看，我国宋瓷不断创下新高也说明了这一点。
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