瓷砖阳角。
在收藏品市场上，笔者淘瓷片多年，知道像这样较完整的山水故事瓷画都价值不菲。藏友的这块清代康熙后期的“浔阳江头夜送客”（见图），也在三千元以上，真是“物以稀为贵”！
这个画意出自唐代白居易的《琵琶行》：“浔阳江头夜送客，枫叶荻花秋瑟瑟。主人下马客在船，举酒欲饮无管弦。醉不成欢惨将别，别时茫茫江浸月。忽闻水上琵琶声，主人忘归客不发。寻声暗问弹者谁？琵琶声停欲语迟。移船相近邀相见，添酒回灯重开宴。千呼万唤始出来，犹抱琵琶半遮面。转轴拨弦三两声，未成曲调先有情……”
唐宪宗元和十年，诗人白居易被贬为九江郡司马。第二年秋季的一天，送客到湓浦口，夜里听到船上有人弹琵琶。听那声音，铮铮铿铿有京都流行的声韵。探问这个人，原来是长安的歌女，曾经向穆、曹两位琵琶大师学艺。后来年纪大了，红颜退尽，嫁给商人为妻。于是，诗人命人摆酒叫她上船畅快地弹几曲。她弹完后，有些闷闷不乐的样子，自己说起了少年时欢乐之事，而今漂泊沉沦，形容憔悴，在江湖之间辗转流浪。而诗人离京调外任职两年来，随遇而安，自得其乐，而今被这个人的话语所感触，这天夜里才有被降职的感觉。于是写一首长诗赠送给她，题为《琵琶行》。
白居易，字乐天，号香山居士，又号醉吟先生，是唐代伟大的现实主义诗人。白居易的诗歌题材广泛，形式多样，语言平易通俗，有“诗魔”和“诗王”之称。白居易任谏官时，直言敢谏，同情民间疾苦，写了大量的讽谕诗，触怒了唐宪宗，得罪了权贵被贬。他连遭打击，心境凄凉，满怀郁愤。
通过写琵琶女生活的不幸，诗人结合自己在宦途所受到的打击，唱出了“同是天涯沦落人，相逢何必曾相识”的心声。社会的动荡，世态的炎凉，对不幸者命运的同情，对自身失意的感慨，这些本来积蓄在心中的沉痛感受，都一起倾于诗中。
萧瑟秋风的自然景色，使画面更加感人。诗人在诗中着力塑造了琵琶女的形象，通过它反映了封建社会中被侮辱被损害的艺人的悲惨命运，诗的开头写“秋夜送客”，接着，以描写琵琶女弹奏乐曲来揭示她的内心世界。然后进而写琵琶女自诉身世，通过时光流种如怨如慕、如泣如诉的描写，感情的波涛为琵琶女的命运所激动，发出了“同是天涯沦落人，相逢何必曾相识”的感叹，抒发了同病相怜，同声相应的情怀。
画意与诗韵一样明快，发色浓淡，映衬点缀。通过瓷画给出的意境，我看到了“浔阳江头”两岸青山，“夜送客”我看到了天上的月牙一弯，这是一个枫叶红、荻花黄、瑟瑟秋风的夜晚，浔阳也就是今天的江西九江市，江边船上，醉不成欢惨将别，别时茫茫江浸月，瓷画的气氛描绘得都很好，给人一种空旷、寂寥、怅惘的感觉，和主人与客人的失意、伤别融合一体，构成一种压抑感。虽然看不到琵琶女，我一样“忽闻水上琵琶声，主人忘归客不发”的态势，声音从水面上飘过来，来自船上，一下子让笔者也一同沉浸在音乐的境界里。
这幅瓷画的艺术性是很高的，工匠在笔下倾注了对诗人与被歌咏者尊崇的感情，绘景物、写人物手段都极其高超，线条疏密结合，气氛一致，使画面浸沉在一种空寂、悲凉的氛围里。几笔点缀出的人物形象生动，简洁灵活，有很强的概括力。“同是天涯沦落人，相逢何必曾相识”，是多么凝炼优美、多么叩人心扉的诗句，也是古瓷工匠的一笔感叹。
著名画家俞律先生说，清代瓷画更多地完善了釉色技法，为瓷画在审美范畴内增添了“逸”的概念。这种具有时代特点的审美时尚，虽然有之外的社会原因，但却因为这一契机在山水画意境上创造了一个新的标准，后来的工匠艺人则将此逐渐推为最高的准则。
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明清瓷画中的“高士”形象
本文要介绍的这组明清时期青花瓷片上画的都是“高士”。当时的工匠把笔下线条表现在瓷上，幽谷之中，坐听松风泉鸣，全画空寥寂静。这让我想到张大千的“高士图”，那是他西康之游后的作品。与这些瓷画相近的，都是高士思想与所游真景简笔结合，或独行独坐，或绝尘孤思，幽然孤啸，大有欲往从之游，愿言成独往的幽静境界。
在古代，高士是指志趣、品行高尚脱俗之士，多指隐士。《战国策·赵策》有句：“吾闻鲁连先生，齐国之高士也。”《后汉书·徐穉传》有句：“此必南州高士徐孺子也。”都是说高士的。《老残游记续集遗稿》第五回：“爱心怎能没有？只是不分男女，却分轻重。譬如见了一个才子，美人，英雄，高士，却是从钦敬上生出来的爱心。”作家冰心《往事》中也有“今夜的林中，也不宜于高士徘徊。”古诗“隔江有高士，脱然世外身。”都是说高士非鄙夫也。高士图是历代人物画中的重要题材，画家、工匠们喜欢描绘古代品行高尚之士的似仙不群形象，超凡脱俗的气质和高雅的生活情趣，以表现对高士的仰慕或对其生活状态的追求和向往。
有时，画面中高士们一种古雅独行的格调，也会引人深有遐想。在用笔方面，不论远山近水、石桥枯树、亭栈斜阳，还是潭水无波，群鸟掠飞，都非常浓色雄浑。高士携杖（图2）或打伞（图3）过桥，他们脸相、姿势当然无须再作表现，已有沉思之状，仿佛在内视心灵，外界根本与他们无关。整幅笔墨工细精谨，色彩明净华美，呈现出一种平静疏朗的氛围。
总之，古代的高士画，大多寥寥数笔，笔墨疏阔简约，人物神采清逸，就在粗犷流畅、浓淡之中，把高士那种豪爽、洒脱、傲岸的气概和才华横溢的神韵表现得出神入化、栩栩如生，笔简意赅，韵味十足，有如御风而行于虚空之中。瓷画上的高士，大多体态丰满、憨态可掬，大智若愚、悠然自得，常常山林奇石为伴，具体所画是哪个年代、哪位高士也无需区分考证，它只不过是人们理想中的符号。高士已往矣，但高士精神长存，我们今天收集品评这类瓷画不仅为寻古趣、拟古意，更为寄以一种人文情怀。
天价瓷器的背后. 一夜暴富
尽管古玩、黄金和钻石历来是王公贵族们最贪心的三种东西，但是还有一种更能使十七、十八世纪的王侯、贵族们动心的东西——“白金”。但这种被称为“白金”的不是“铂”，而是今天我们再熟悉不过的瓷器。
陶瓷一词取自意大利，语意为光滑的玛瑙般贝壳
据说，欧洲历史上著名的暴君奥古斯都，就曾用一队龙骑兵来与波斯国交换过48件瓷器花瓶。无论这个传说是否真实，但奥古斯都确实拥有过大量的东方陶瓷收藏品，并且花了很多钱购买中国瓷器。历史上把陶瓷记录成一种高级的化学工艺品，但是就像在人类历史上的许多事件一样，它也有人类奋斗和尔虞我诈的因素在内。
陶器的制造是许许多多人类文明的一个重要标志。最早可以追溯到公元前7000年。大多数早期陶器实用但无甚审美价值。我们中华民族是最早开始生产具有审美价值瓷器的。我们的先辈们利用高温窑烧制法，使瓷器发出光彩。陶制品的重要性，可以从我国陕西咸阳秦始皇陵周围出土的2000多年前的兵马俑看出。在公元三、四世纪期间，用高温烧制的青色器皿逐渐取代了用于吃饭、饮酒、洗涮用的漆器、竹器和低温烧制的陶器。以后人们又利用专业化的原材料和更多的高效窑，从而导致了我国初唐时期精制白瓷的出现。白瓷是陶瓷的最佳境界。然而，准确地说明陶瓷是有困难的。瓷器这一术语通常是指硬而白色及纯正、高贵、透明的陶瓷。因为陶土不透明的特性，所以在瓷器的烧制过程中出现的化学变化也是异乎寻常的。
当我国精制的透明瓷器最初被传到欧洲时，引起了轰动。那些给欧洲人带来极大嫉妒和贪婪欲的瓷器，是公元960年——1279年我国宋代南方,今天的江西省景德镇生产的。宋代是我国古代瓷器生产鼎盛时期，宋代以后的朝代也曾生产过美妙绝伦的瓷器制品。
文人瓷画别开生面
近日，“瓷坛明珠”景德镇百年文人瓷画珍品大展正在上海壹号美术馆举办。其中,一对“珠山八友”代表之一汪野亭画的粉彩缠枝莲地开光山水铭文瓶（下图）十分引人注目。
100多年前的清朝咸丰时期，供职于御窑厂的一批新安画派大师，以程门、金品卿、王少维为领军人物，首反宫廷用瓷纯工艺品的制式，冲破清规戒律，以瓷代纸，将中国画入瓷，成功地将瓷艺与画艺相结合，开启"浅绛"文人派彩瓷之先河。"浅绛彩"瓷画，追求笔墨情趣，瓷品具诗、书、画、印为一体。作者是文化素养较高的文人，作品充分展现绘画者的人品，学问，才情和思想，整体贯穿着浓浓的"书卷气"，浅绛彩瓷名家之作，大多为当时士大夫阶层欣赏收藏，形成一股"贵戚权门得笔迹，始觉屏障生光辉"的社会风尚，成就斐然。
民国初年，浙派画家汪晓棠，江西画家潘匋宁、王琦、汪野亭、王大凡等彩瓷名家接过前辈的接力棒，以“新粉彩”的形式，将文人派彩瓷发扬光大，瓷画作品在
世界国际博览会
屡得一等金奖。1928年秋月，王琦、徐仲南、邓碧珊、何许人、汪野亭、毕伯涛、王大凡、田鹤仙、程意亭、刘雨岑结社瓷坛，形成中国陶瓷史上第一个艺术流派--"珠山八友"。珠山八友艺术家群体，革故鼎新，发奋挥毫，将"瓷上文人画"推向登峰造极的境界，筑起中国陶瓷史上一座耀眼的时代丰碑。
物换星移，当今瓷坛人才辈出，高手如云，“文人瓷画”在时代腾飞的今天，在众多瓷艺家不懈努力中，已演绎得更加光彩夺目。此次展会，展出浅绛彩顶级画师程门父子、金品卿、王少维等名家瓷画20余件，珠山八友等名家新粉彩瓷画60余件，浅绛彩作品和珠山八友作品大多出自国内外知名文人瓷画收藏大家，流传有序，弥足珍贵。
康熙瓷器的鉴定
1、器形敦重古拙，新创器形繁多。琢器的颈部，较其它时期细长，圆器以墩式为主。
2、胎坚质细，缜密似玉，修胎规整，普遍有厚重感。
3、釉面光滑细腻，胎釉结合紧密，釉面有早期的青白演变为中期的粉白与浆白色。中期以后至雍正时期又变化为硬亮青釉。
4、青花使用国产珠明料，青花色调翠兰色为主，均有色调深沉，紧贴胎骨的特点。
5、五彩与其它彩器，早期色彩浓重、艳丽，中期渐淡，晚期色调柔和。
6、早期器物口部常涂酱黄釉，一般器口均施一层含粉质的白釉，给人以加厚口沿凸出的感觉。
7、五彩是由红、黄、兰、绿、紫等五个颜色组成。明代五彩是由红、黄、绿、紫四种釉上彩和釉下青花组成。以釉上的兰彩，代替釉下青花。还有红、黄、绿、兰、黑组成。康熙时五彩有的增加了金彩，使画面富丽堂皇。
8、这时三彩器较为盛行，有黄地三彩、绿地三彩、紫地三彩、墨地三彩、酱白地三彩、虎皮三彩。此时还有釉下三彩，即由青花、釉里红和豆青三种釉下的色彩组成，它是康熙时期一种特殊品种。康熙抹红，其色为正朱，鲜艳夺目，其官窑彩碗为最佳。釉里红亦为上乘。
9、康熙后期，出现了郎窑红，器物口沿有“灯草口”是从明代永乐时期出现的。
10、康熙时，彩绘人物，多用兰笔勾出面目，甚为耐久，美人两颊又往往晕以淡赫，颇为娇烧。人物衣裙最为生动，树则老干锉费槎榧，花则风枝婀娜。画松为茄色之干，墨色之针，渲以硬绿，给人以浓翠欲滴的感觉。
11、图案纹饰时代感较强，其画意、笔法、布局、施彩工艺等均有特定的时代韵律。题材为历史典故、人物故事，还有渔家乐、耕织图、海、樵、耕、读等。此外，还有草虫、花鸟、云龙、山水、八仙人、八仙庆寿、八宝、博古、缠枝花卉、楼台殿阁、合合二仙、三星人等。
12、器足，有平足、宽厚圈足、双圈底、二层台底、拱壁底、圈足。
13、康熙时有一种双底大盘，足底有两个圈，在两圈之间，有个深槽，这种双底大盘，比较典型。还有这时的笔筒特点是上下两部分粗些，中腰较细，底面有一圈无釉。
14、康熙宫窑款以书写为主，大多写在器底部，有少数写在器身上，一般为“大清康熙年制”有六字二行、六字三行、民窑器物一般无款，有的器物仅有青花双圈或一秋叶、盘肠等。
瓷画：当绘画撞上瓷器
不久前，2018年平昌冬奥会在韩国平昌郡举办。就在大家都关注着中国代表团冬奥会各项赛事的同时，由千年瓷都景德镇生产制造的陶瓷——“舞动之花”系列餐具和肖像纪念瓷，亮相平昌冬奥会，体现了中国画与陶瓷两大国粹合璧之美，也使得“瓷画”一词进入公众的视野，吸引了不少关注。
作为绘画艺术与瓷器艺术的完美结合，瓷画不仅有极高的文化价值与艺术价值，还具有一定的投资价值，颇受收藏家的青睐。学古斋机构创始人、海南收藏家焦涌藏有580余篇瓷画作品，其中既有清代宫廷画家郎世宁的作品，也有王琦、汪野亭、何许人、程意亭、毕伯涛、刘雨岑等“珠山八友”的作品，这些瓷画画面精美，题文应景，用印讲究，具有集合“诗书画印”为一体的瓷绘艺术风格。
写实风格的瓷画
瓷画，又称瓷版画，作为一种文化载体，发端于瓷都景德镇，是瓷器文化与绘画艺术的完美结合。2月25日，记者走进学古斋一楼，迎面看到一幅瓷画《乾隆大阅图》，这幅瓷画不像大众常见的青花瓷，颜色淡雅，这幅瓷画颜色明艳，画中的乾隆皇帝五官凹凸有致，立体效果明显，他身上的盔甲也描绘得十分细致，具有很强的金属质感。
中国古代文人擅长诗词歌赋，精通绘画、音乐、书法，在他们的心中，有一片属于自己心灵的山水。除了纸上绘画，这片山水还体现在陶瓷艺术中，早在唐代、宋代许多窑口的陶瓷器皿上，就出现了通景式的绘画形式，如磁州窑、吉州窑瓷器等。到了元、明、清时期，景德镇陶瓷通景式绘画已成为十分普遍的表现形式。
绘画，突出的是画家的主体意识。《乾隆大阅图》之所以具有强烈的写实风格，是因为这是清代宫廷画家郎世宁的作品。据焦涌介绍，郎世宁采用了中国传统的绘画工具和材料，却取得了西方细笔油画的艺术效果。绘制中，郎世宁减弱了对景物、人马的素描效果，以平光处理明暗，线条在起到轮廓线的作用后几乎被色彩隐去，天空中云彩的画法全出自西法，近景的草叶近乎西方的静物写生，只有远山的结构保留了清宫写实山水的一些痕迹。
这幅瓷画的右上角有一红印“乾隆御览之宝”，左下角有落款“臣郎世宁恭画”与两枚红印。焦涌说，“恭绘”一般是将历史上已有的纸制本或者绢制本的名人画作，以原样绘到瓷板上来，这类画作广泛，题材与原作者或是原来在《石渠宝笈》上录有的。
画马的宫廷画家
郎世宁是意大利传教士，在中国从事宫廷绘画50多年，历经清代康熙、雍正、乾隆三朝，是清代宫廷十大画家之一。他的画作，几乎可以视为“清代宫廷绘画”的代名词，其绘画艺术风格极大地影响了康熙朝之后的清代宫廷绘画风格和艺术审美趣味。
郎世宁以绘制人物以及名马、名犬闻名于世，他的《百骏图》是中国十大传世名画之一。在《乾隆大阅图》中，乾隆皇帝骑着骏马，我们可以从中看到郎世宁对马栩栩如生的描绘。
早在郎世宁之前，唐代画家韩干也以画马著名，又有名画《牧马图》传世。但韩干的画法与郎世宁不同，韩干重在线描，即便是为线描马匹上色，也是以渲染马的色彩形象为主；郎世宁则侧重描绘马匹的生理解剖结构和空间光影关系，以线描形，以色绘质，从而形成笔情墨趣、虚实相生的绘画艺术效果，这其实是古代中西绘画理念和技法上的差异。
焦涌认为，在瓷器作画比纸上作画更难，在珐琅彩瓷器作画更是难上加难，因为珐琅彩画料的油彩成份大、色浓厚，下笔滞涩，一笔下去再改第二笔就是败笔，甚至偶有踌躇，笔划浓淡错了，素板就毁了，所以足见郎世宁的绘画功力之深厚。
“珠山八友”有10人
在学古斋一楼，《乾隆大阅图》的对面挂着一幅中国山水画般的瓷画。据焦涌介绍，这是“珠山八友”之一汪野亭的瓷画作品。与郎世宁的写实风格不同，汪野亭的瓷画作品风格很是写意，在绘瓷技法上，采用油料，以水粉敷色，作品别具一格，颇有中国文人画的味道，充满中国古典意境美。
鸦片战争以后，一批新安派文人画家在景德镇建立了瓷上浅绛彩的陶瓷绘画形式，到了上世纪二十年代，以“珠山八友”为代表的一大批艺人和画家，将中国传统文人题材的陶瓷绘画结合粉彩的表现手法，一直为后人所仰重、仿效，足足影响了半个多世纪，在中国陶瓷绘画史上具有里程碑的意义。
“汪野亭熟练掌握粉彩颜料中的绿色、蓝色，并在运用这些颜色方面独具匠心。”焦涌说，汪野亭崇尚宋人山水之严谨，心仪石涛“搜尽奇峰打草稿”的创作精神，他这幅作品构思完整，布局讲究，画面多是翠峰烟云，路转溪桥，景点连接安排合理，意境别开生面，这种山水通景画法形式，被后继者广为采用。
“珠山八友成员不断改进彩绘工艺，探索新的表现手法。”除了汪野亭，焦涌还收藏了“珠山八友”之一程意亭的《花鸟四条屏》。程意亭以花鸟作为他的主要创作题材，曾经画过一百幅花鸟，每一幅都不同，画面上的色彩富丽古雅，兼有豪壮和柔美的格调，有着非常高的艺术成就。
“‘珠山八友’不是8个人，实际上有10个人。”焦涌说，上世纪二十年代，王琦、王大凡联络同好邓碧珊、汪野亭、何许人、程意亭、毕伯涛、刘雨岑，每月十五一聚，切磋瓷画技艺，取“花好、月圆、人寿”之意，雅称“月圆会”。“珠山”是古代景德镇的象征，故八人雅称为“珠山八友”，与古代“竹林七贤”“扬州八怪”相似。邓碧珊、王琦辞世后，徐仲南、田鹤仙应邀参与“月圆会”艺术活动，因而“珠山八友”实际上共有10人。
明清“烟波江上”瓷画寓意
青花瓷画“茫茫江汉上，日暮竟何之？”江边的老人踽踽独行，不知走向何方？
我们知道，明朝走向灭亡，原因较为复杂。我认为，自成祖以后，历代诸君与群臣皆趋于保守，不思进取，西洋人的文明就是在明朝超过中国的，明朝本来有最强大的水师，可是明朝中后期，竟然难以造出明初郑和下西洋那样的大船，明朝的火器虽然种类繁多，但多不堪用，后期只能依靠西洋引进的火铳、佛郎机、红夷炮，中国的落后，大明难辞其咎。西方文艺复兴起始于15世纪末，到18世纪后期，欧洲大陆又在不断工业革命，这个时候中国正处于明清两朝，他们夜郎自大……不管到底什么原因，明朝灭亡了，“迷惘”也许。
另一种解读是，瓷上“芳草萋萋鹦鹉洲”“烟波江上使人愁。”句出自唐朝崔颢的《登黄鹤楼》。而在清代的青花瓷上有不少这样的诗意解读。传统文化中，“烟波江上”似乎是一个让人产生愁绪的图式，“渔夫”或高人，是一个等同于“归隐”的名词。处“江湖之远”而悠然自得，是文人向往的原乡，于风浪中坐稳渔舟是豪杰的向往，乘桴浮于海，是布道者最后的温房，与世沉浮、随波上下，又是智者多么大的无奈和苍凉。“小舟从此逝，江海寄余生。”参透了人生的真谛，人心，最想要的还是这一份踏实与闲适。
我在许多古瓷上见过，“黄鹤一去不返，白云浩淼空悠”的题句。“……晴川历历汉阳树，芳草萋萋鹦鹉洲。日暮乡关何处是？烟波江上使人愁。”瓷写景，诗抒情，浑然天成。崔颢是唐开元年间进士，官至太仆寺丞，天宝中为司勋员外郎。最为人津津乐道的是他的这首《黄鹤楼》，即使有一代“诗仙”之称的李白，也不由佩服得连连赞叹，觉得自己还是暂时止笔为好。为此，李白还遗憾得叹气说：“眼前好景道不得，崔颢题诗在上头！”
黄鹤楼，因其所在之武昌黄鹤山而得名。传说，古代仙人子安乘黄鹤过此；又说费文伟登仙驾鹤于此。崔颢的诗，即从楼的命名之由来着想，借传说落笔，然后生发开去。仙人跨鹤，本属虚无，现以无作有，说它“一去不复返”，就有岁月不再、古人不可见之憾；仙去楼空，唯余天际白云，悠悠千载，正能表现世事茫茫之慨。诗人这几笔，加上工匠绘出的图画，都写出了那个时代的人们常有的感受，气概苍莽，感情真挚。
一气旋转，千水茫茫，江汉日暮，顺势而下，绝无半点滞碍。使观者“手挥五弦，目送飞鸿”，无暇觉察到它的重叠出现，而这是律诗格律上之大忌，诗人好像忘记了是在写“前有浮声，后须切响”、字字、笔笔皆有定声的诗律。在瓷画上境界与诗恰好合律。昔人黄鹤，杳然已去，烟波江上，一人独行，给人以渺不可知的感觉；忽一变而为晴川草树，历历在目，萋萋满洲的眼前景象（图5），这一对比，不但能烘染出独行者的渺小与愁绪，也使诗韵画势因此而有起伏波澜。使诗意重归于那种渺茫不可见的境界。
正由于这类青花瓷上诗画艺术的出神入化，使古瓷艺术取得后人的极大认同与喜爱，它被今天的人们推崇为“文人瓷画”的绝唱，就是可以理解的了。
明末崇祯至清初顺治时期的瓷画“烟波江上”的寓意与闲适，采用的都是文人画的画法，寥寥数笔，就在浓淡干湿的釉色之中，大片空白，把古代诗人那种豪爽、洒脱、傲岸的神韵表现得栩栩如生，我收藏的这几块，真可谓笔简意赅，人物渺小，神采清逸，衣装用细笔扫出，却韵味十足，有如御风而行于虚空之中。笔下默然形成了画师心中理想的高士形象，大智若愚、悠然自得。其实，这些瓷画具体所绘是哪个年代、哪位隐士已无需区分，它不过是画师理想中的符号而已。古士已往，精神长存，寻古趣、拟古意，只为寄以一种情怀！
明弘治“状元迎妻”瓷画
这枚明弘治“状元迎妻”瓷画（见图），巴掌大小，却有一番趣味，对收藏爱好者来说，可谓是一件可遇不可求的“上品佳器”。要感谢弘治年的这位工匠，为我们留下了“状元迎妻”如此生动美好的画意！正是：“明月当头为探看，芭蕉迎亲姿容香。花园洞房结连理，深情牵手状元郎。”
瓷画如此表现，让我们想起那林林总总的古代状元，我脑海中此刻便浮现“风度翩翩的书生”形象，可是也有例外。据民国旧籍《奇故萃》记载，在清代时，有一个状元文才盖世，却奇丑无比，在他新婚之夜，新娘子因为他的长相太丑而自杀。这个人就是康熙五十七年的状元汪应铨。汪面有麻点，又高又胖，可就是因为他长得很不上相，康熙皇帝特地“钦点”他为状元，以衬托出他的才华过人。何况，汪应铨中状元时已40多岁了。
中状元后，汪应铨的大名一下子传遍京城。一位出身富户、粗通文墨的大小姐陆氏思想解放，受到话本中“才子佳人”的影响，辗转托人，表示“就算做妾也要嫁给这个状元郎”。汪听后欣然接受，于是举办了一场盛大的仪式，把陆小姐迎进了家门。客散明月时，洞房花烛夜，这时，陆小姐才真正看到状元郎的真容，她不由得大失所望……
这时陆小姐心中懊悔不已。没想到的是，汪应铨新婚之夜喝得酩酊大醉，不但在新房里呕吐，还丑态百出地光身起舞。这番态势使陆小姐深受打击，她自感无法面对这位才子丈夫，因此，在汪熟睡打呼之时，陆小姐悬梁自尽了。
真可谓喜悲交加。这件事震动了京城，但这丝毫没有影响康熙对这位状元郎的赏识。康熙先是让他担任翰林院修撰，后来又让他入值南书房，汪在官场上平步青云。可惜后来汪锋芒太露，得罪了权贵而不自知，终被弹劾。之后他归隐田园，著书讲学，还算滋润。
另一种情况是，在古代大部分有资格娶公主的人，都对此事避之不及。因为一旦你娶了公主，仕途就差不多断了，不仅如此，万一娶回一个刁蛮任性的，还会闹得家宅不宁。
历史上最不喜欢娶公主的朝代是唐朝。据说，几乎每个唐朝皇帝都有一个梦魇，连李世民都不例外，那就是世家大族。很多世家都有几百年的传承，在这些人的眼中，拥有胡人血统的李唐皇室，只不过是暴发户罢了，虽然表面上恭恭敬敬，但暗地里，很瞧不起李唐皇室。唐朝强大的时候还好，这些世家大族只敢在暗地里嘀咕几句。但到了唐朝的中后期，世家大族愈发猖獗起来。
据史书记载，唐文宗时期，唐文宗要将自己的掌上明珠嫁给山东望族的崔家。但是遭到了崔家的抵制，称：绝对不会让公主进门，谁爱娶谁娶去！这个蛮横的表态气坏了唐文宗，他破口大骂：“我家两百年天子，还不及崔、卢耶！”崔、卢便是当时山东有名的望族。其实，李唐皇室根本不看重礼法，例如，李世民在玄武门之变后，把李元吉的王妃纳入了宫中。李治在父亲李世民去世后，将小妈武则天接进宫中。李唐的那些公主也大多随性潇洒，放荡不羁。这也是很多人不敢娶公主的原因，怕成为第二个“房遗爱”。
好玩的是，唐宣宗时，宣宗帮女儿万寿公主挑选了当朝状元郑颢。此人才华出众、风度翩翩，万寿公主见也十分喜爱。宣宗找来郑颢说此事，郑颢竟当场回绝，表示自己已经有未婚妻卢氏了，不可能另娶。宣宗也无奈，只好让宰相白敏中去做说客。白敏中晚上来到郑颢家中，从怀中取出一张纸条丢给了郑颢，上面写着“君若不从，大祸将至。”郑颢怕殃及无辜，无奈之下只得娶了公主……
瓷画，到了明代弘治时期，较好地吸收了前朝的一些技法，工匠的画笔下有了许多线条韵染，他们懂得了以细与粗表示明暗和立体感；制瓷工艺也是以景德镇为生产中心，而品种逐步繁多，千姿百态，造型古拙，在瓷绘上呈现出以故事为主的趣味，风格趋向轻巧俊秀，画面留有空白，只是民窑胎质仍显得粗松一些……这是许多收藏者和研究者从瓷片中得到的感觉。而这块明弘治的瓷画“状元迎妻”，更多的是让我们今天的人们品味古人的文化性情，尤其是科举制度对历代社会人文精神潜移默化的影响。
元青花鉴赏：窑火照夜开青花
元青花 鱼藻纹罐 高28.2厘米 日本大阪东洋陶瓷馆藏
中国陶瓷发展，经历了从陶器、原始瓷到瓷器的漫长过程，时序发展到元代，已经完备了制瓷业的所有工序，传统和创新时时在陶瓷舞台上重现。
元青花便是元代文化舞台上的一朵璀璨奇葩。这个王朝虽然在蒙古政权的统治之下，短短不到一个世纪，但的确是中国陶瓷史上惊心动魄的时刻。主要的贡献便是元代的青花瓷器。
只要我们漫步于土耳其的伊斯坦布尔托普卡普博物馆时，无不为之震惊。这里潜藏了40余件元青花瓷器，且件件精湛和典雅。
元青花 缠枝花卉纹菱口盘 口径45.8厘米 大英博物馆藏
元代的青花瓷器我们可以用一句很诗意的话来概括，那就是“百年风雅一峰青”，但面对今天的中国瓷器，我们要思考的东西的确很多。
除了胎坯、釉色和青花料，烧造工艺也是瓷器制造业很重要的一环。景德镇元代以后的制瓷业就像来过景德镇的法国传教士形容的那样：“白天浓烟遮蔽了云彩，晚上窑火映红了夜空”。
元代蒋祈《陶记》开篇云：“景德陶，昔三百余座。”元青花瓷烧造的成功，除了取决于胎体、釉料、青花料等，烧造工艺的窑制、窑火、置烧方式等也是很重要的一环。
馒头窑模型
从目前考古发现，景德镇元代青花瓷器烧造的瓷窑主要是馒头窑和龙窑。馒头窑又名“圆窑”，早在春秋战国时期便开始采用，北方地区比较流行。
馒头窑是宋元时期景德镇普遍使用的瓷窑，窑制似馒头而得名。有些窑床的平面成马蹄形，或称马蹄形窑。馒头窑属于半倒焰式窑炉，火焰从火膛喷向窑的顶部，再回到窑床，烟气从排烟口、烟道经烟囱排出。它的特点是可以在窑内形成还原气氛。
在景德镇珠山御窑遗址和湖田窑遗址陆续发现了较多馒头窑，其中珠山御窑窑址竟有15座馒头窑之多。1965年江西景德镇刘新园先生就在湖田窑发现了元青花大盘的残片。
龙窑模型
龙窑是元青花烧造的又一窑制，多依山势而建，目前发现最早的是浙江上虞一带，商代便开始使用。龙窑形制大，可控制还原焰。2008年在景德镇丽阳乡瓷器山瓷窑址发现了元代窑址，其中有元代晚期的龙窑窑炉，长度24.3米，最宽处4米，窑内发现很多匣钵，同时发现的还有明代初期的葫芦窑。从出土的元青花瓷器和釉里红瓷器，证明这里烧造过元代青花瓷器。
匣钵装烧是元青花瓷器的置烧方式，装匣前，在钵底铺上垫渣，垫渣一般用早稻谷壳灰拌匣土渣或高岭土渣。元代蒋祈《陶记》记载了匣、模原料的产地：“……仅可为匣、模，工而杂之以成器。”元代青花大器装入漏斗式匣，称为“大器匣”。小器匣称为平底匣。
元景德镇窑青花凤穿牡丹纹执壶
元 青花狮子滚球纹玉壶春瓶
清代督陶官唐英说：“瓷器之成，窑火是赖”。如果说窑制为瓷器烧造准备了空间硬件，那窑温便是至关重要的软件。窑温对元青花瓷器的烧成有很重要的作用。为了检测窑温和烧制效果，古人发明了“火照”(即瓷窑炉膛内火候、温度的照子或标样试片)。
根据1978年陈尧成等先生的研究成果得知宋代青花的烧成温度在1270°C左右。元代景德镇青花瓷器的烧成温度在1200-1300°C之间。黄云鹏、黄滨先生在《元代景德镇青花瓷的烧制工艺》中谈到：如果用单纯的“二元配方”法配制胎料，瓷坯经过还原焰1280°C的烧造后明显生烧，只有增加适量的钾、钠来降低烧成温度，才能烧出优质的瓷胎。
伊朗国家博物馆高级研究员蕾拉·哈摩西分析元青花的制瓷工艺时说：高岭土在1500°C时可以烧熟，通过适量添加长石，可以让这温度降到1140至1250°C之间。在这一温度下，泥料中的石英熔化，与高岭土化合形成一种极其白净坚固的瓷。
李家治先生在《中国科技史·陶瓷卷》中认为：景德镇元枢府窑的青花瓷烧成温度在1280°C,烧结度好，而且青花发色蓝艳鲜明。
一件元青花瓷器的烧成，要暗合天时地利和人巧，其工艺制作、材料选取、烧造技巧等都是不可或缺的有机整体。精美的元青花瓷器烧成后，开始沿着“丝绸之路”走出国门，成为元世祖对外贸易的重要商品。正合蒋祈《陶记》中言：“窑火既歇，商争取售。交易之际，牙侩主之。”