古代瓷器的价格。
杂宝纹，顾名思义，是由多种宝物形象集合而成的一种瓷器纹饰，因为其没有定例，可以恣意选择，因而被称之为“杂宝纹”，富贵吉祥、富于变化，是常见的瓷器纹饰。那么杂宝纹瓷器的发展历程是怎样的，价格变动又如何呢？
首先应该明确，“杂宝”虽带有一个杂字，但是也不是可以随意选择的。一般来说，杂宝都是从寓意吉祥、形态优美的宝物中选择的。比如银元宝、彩色珊瑚树、钱币、宝珠、金轮盘、火焰等等，都是色泽鲜丽、造型美观的宝物。最早的杂宝纹在元朝已有发现，但这一时期的八宝纹还没有形成定例，也并没有被作为一个独立的主题，往往是作为莲纹的辅助装饰，绘制在瓷器的上半部分，所以，元代的杂宝纹瓷器才刚刚起步，还没有发展成熟。
至于明代，杂宝纹瓷器不仅在画面技法上有很大提升，比如划刻与彩绘结合起来；而且在画面内容上也做了进一步的丰富，以往仅仅是宝物的集合，从明代开始，有了更多元素的加入——流动的祥云、舒卷的艾草、挥毫的毛笔、沉稳的大鼎、俏皮的葫芦等等，这些新宝物的加入不仅使画面更加丰盛、富丽，还增加了文人画“意境”的表达，这一时期的杂八宝纹瓷器注重宝物布局，画面繁而不乱，充满丰盈感，所以明代，尤其是明中期的杂八宝纹瓷器，是很有收藏价值的。
而清代的杂宝纹瓷器，是常常被作为主题来使用的。同时清杂宝纹词器还有一个特点，那就是多用青花，且色料选择上重鲜丽，同时内容丰富性略弱，宝物种类、造型均有减少，较之于明代反而显得单薄一些。但清杂八宝纹也有明显的优点，那就是釉面清透、线条流畅、宝物绘制娟秀，与杂宝布局融合得恰到好处，较之前朝观赏性更强。
总体而言，杂宝纹瓷器自元代出现以来，就一直发展，明代时画面丰盛、轻盈、有层次感；至于清代，也有釉面清透、线条流畅、宝物绘制娟秀的佳品，并且寄寓着“平安”、“富贵”、“长寿”等美好祝愿，甚至包含着佛理，所以整体而言，杂宝纹瓷器是较具收藏价值的，尤以明杂宝纹瓷器为上，价格一直是高升不下的。
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明清花鸟纹瓷器价格及图片
在中国的传统瓷器中，有许多的纹饰类型，譬如简练生动的几何纹，再譬如优雅华贵的八宝纹，当然，还有最最常见也最为秀美多姿的花鸟纹。作为收藏瓷器，明清时期的花鸟纹瓷器一向在收藏界有着独特的地位。那么明清花鸟纹瓷器应该怎么去鉴赏呢？同时他的收藏价值又到底几何呢？
首先，在花鸟纹瓷器的收藏与鉴赏中必须明确一点，那就是尽管花鸟纹瓷器的历史渊源颇久，但就瓷器的艺术性与技术的成熟性来说，最具有美感与瓷器韵致表达的最为圆熟精通的，仍属于明清的花鸟纹瓷器。这首先是因为明清时期的花鸟纹瓷器，在瓷器烧造上技术已经炉火纯青，同时在郑和下西洋时期，有西洋青料运用于花鸟纹瓷器，颜色极为煊丽，与本国所出青料相异，可以说是为花鸟纹瓷器的发展锦上添花了。
至于清朝，珐琅彩与粉彩的使用使得原本素淡的花鸟纹瓷器也有了华奢精致之风，从构图与色彩对比上较之前朝都别有风味，可以说这两个时期的花鸟纹瓷器，是收藏价值大幅度提升的。
但是，在明清花鸟纹瓷器的收藏中，我们也应当注意，并不是所有明清时期窑口做出的花鸟纹瓷器都是非常具有收藏价值的。因为明清时期窑口众多，所以瓷器品控也高低参差不齐，但有几个窑口所出的花鸟纹瓷器却一向颇受好评。那就是景德镇窑，口与磁州窑窑口这两个瓷器窑口注重品质，并且颇多创新，在花鸟纹瓷器传统技法之上，又新增了许多如金彩与错金银，融汇中西，富丽堂皇，成为一时风尚，所以这两个窑口所出瓷器价格颇高，在各个拍卖场上甚至可以拍出数百万的高价，即使是普通品相的花鸟纹瓷器也可以拍出几十万的价格。
当然，花鸟纹瓷器，经过数百年的演变，从宋朝到明清，本身的风格自然也是经过了一系列变化的，到明清时期已经形成了一系列独特的个体风格，这个风格也是鉴赏明清花鸟纹瓷器的要点。正如一句谚语所说：风格永存。明清时期花鸟纹瓷器风格的最大特征就是花鸟错位，同时非常重视花鸟的姿态勾勒以及金彩的使用，所以整体呈现出的是辉煌明艳的韵致，特别是清乾隆时期的金银彩花鸟纹瓷器。所以在鉴赏明清花鸟纹瓷器时一看花鸟布局，二看装饰色彩，就能较好把握瓷器特征了，而花鸟纹瓷器收藏价值的大小也随之而不同。
清朝八仙纹瓷器图片及价格
清代是我国陶瓷发展的鼎盛时期，在器型、纹饰以及制作工艺较于前朝都有了较大的提高和创新。这个时期，有一种被称为“八仙纹”的陶瓷纹样非常流行。因为在传统文化中，八仙即代表福寿。
在道教传说中，八仙是八位神仙的总称，有吕洞宾、张果老、汉钟离、韩湘子、铁拐李、何仙姑、蓝采和、曹国舅。相传它们八人得道成仙，后继有了“八仙过海，各显神通”的传说。
但是，八仙人物作为纹饰绘于在瓷器上，是从元代才开始的，于明清逐渐流行起来，至此八仙纹才成为瓷器上常见的纹饰之一。元代龙泉窑瓷器使用八仙图案，明代八仙成瓷器画面流行题材之一，常见有“八仙过海”、“八仙祝寿”等含吉祥寓意的图案，清康熙时期，开始流行“暗八仙纹”。
“暗八仙”是相较于“明八仙”而言的，相传八仙惩恶扬善、神通广大，每位所持法器皆功不可没，人们可观其器而晓其人。所以瓷器上绘画八位仙人各自手持的法器，来代表个人仙人的身份，即是“暗八仙”。这种典型的道教纹饰在整个清代乃至现在都非常流行。
在纹样上，八仙纹瓷器上一般有三种，包括动物主题纹饰、植物主题纹饰以及博古纹。动物主题纹饰的八仙纹瓷器是将暗八仙于鸟、鱼、蜻蜓、马、青蛙等动物结合起来的，鸟类、鱼类、昆虫类应有尽有。除此之外，还有瑞兽类，象征富贵尊荣，包括神话里的龙凤与现实中的虎狮。植物主题纹饰使用花卉植物，如牡丹、石榴、莲花、兰花此类，象征富贵和平、繁荣昌盛、高贵清白、高尚典雅等等寓意。
在色彩上，八仙纹瓷器常采用明亮饱满的颜色，如红色、黄色这种饱和度高的颜色，因为它们能充分凸显整体画面里需要透露的“福气”。如清嘉庆时期的“粉彩饮中八仙图梨形壶”使用了红、绿、青作用主色彩，绘制出了一幅色彩对比强烈但又非常融洽的仙人对饮场景，很值得细品。
清雍正官窑制的“八仙纹青花碟”里所绘人物更是面容生动，眉目传神，栩栩如生；其笔锋细微，毫发毕现，画面精美，让人爱不释手。而且，现在在市场上清代的八仙纹瓷器，在古玩市场上的需求量仍然是很大的。因为这种具有我国独特文化传统的载体八仙纹瓷器，能够寄托人类对吉祥长寿的追求，以及健康平安的美好心愿，被各大爱好者青睐自然是再正常不过了。
磁州窑瓷器价格及图片
磁州窑是中国传统制瓷工艺中的珍品，是中国古代北方最大的一个民窑体系。在北宋中期开始了烧制的历程并迅速的达到了其鼎峰的时期，甚至发展达到元明清时，仍有延续，足以看见，磁州窑烧制瓷器工艺之精美，磁州窑的工匠吸收了传统的水墨画和书法艺术的技法，并且创造出了具有水墨画风的白地黑绘装饰的艺术，开始了中国瓷器彩绘装饰的先河。
磁州窑烧制出的品种较大，其中以白地黑花、刻花画、窑变黑釉最为的著名，它的装饰技法突破了当时社会上流行的五大名窑的单色釉的局限，使用了数十种的丰富多彩的装饰技法。生产出的大量青花制品，销售范围较广，兰花花碗、盘等实用性用品，具有着较高的欣赏、收藏以及实用性较强的特色。
宋朝时期是磁州窑发展的兴盛时期，着重于造型与装饰、实用之间的结合，形成了独特的风格以及特征。例如:白化妆技法，大多的瓷器都是统一的造型以及独特的装饰技艺构成了磁州窑的风格特点。磁州窑烧制出的产品都是日常生活的用具，有盘、碗、罐、瓶、盆之类的用具，线条感以及艺术感较为的浓郁，自由、洒脱是它的特色，注重生活是它的理念。宋代的磁州窑对于题材的选择较为的广泛，多样性较强，寓意较为的丰富，将陶瓷的制作工艺和美术融合在了一起，烧制出的瓷器高了一个层次。
磁州窑最为突出的就是工匠们吸收了传统的水墨画以及书法艺术的技法，首创出了具有水墨画风的白地黑绘装饰艺术，娴熟的画工以及巧妙的瓷器制作，使其快速的占领市场。发展至元代时，迎来了磁州窑的一个制瓷的高潮，生产规模得到了扩大、器物的大件也多了起来，造型风格走向了厚重、器型硕大、圆润的风格，在纹饰上也有了较大的进步，绘制出了云龙、云凤、鱼藻纹等多样化的纹饰。
色彩上、图案上较为的醒目，将刻、划、填彩进行了多元化的发展，并将釉色发展到了极致，有黑釉、白釉、酱釉、绿釉等出现。黑白色的对比、使其色彩上反差感十足，例如：在白色的釉地上画出黑色的花纹，其纹饰大多数是以枝叶并茂的折纸花和生动多姿的鱼为其主体，装饰的灵活性以及动感较为的强烈。
磁州窑在器型的色彩上、绘画的技法上以及首创出于中国传统的水墨进行的结合成为它的一大特色，色彩之间的强烈对比使其更加的引人注目，收藏价值较高。
宋代哥窑瓷器图片及价格
宋代是中国陶瓷发展史上一个高度繁荣的黄金时代，宋瓷虽没有唐代之恢宏气势，然优美高雅则过之。清丽潇洒而不失挺秀，有不饰粉黛、洗去铅华之自然之美。正如宋人所体现出的优雅秀美的艺术风格一样，追求轻松灵动的美感。宋瓷从造型到纹饰，抒情而写意，图案流动率意，富于韵律。虽多为单色釉，但其色泽恬美自然，柔和纯凈，是古人尚玉之精神在瓷器制作上的反映。
宋代 哥窑葵花洗 2013-09-01 估价： 1888-2988万 成交价： 3248万根据文献记载，哥窑是出自南宋的一种奇特瓷器，其产地就在龙泉。文献的记载引起了龙泉的盗挖狂潮，据说当年这个不大且僻静的地方，聚集着来自不同国家的古董商，他们将挖掘到的瓷器甚至瓷片一起成堆运走。古董商所运走的瓷器和瓷片中究竟有没有文献中描述的哥窑瓷器，已经成谜。哥窑与汝、官、钧、定一起，被称为宋代的“五大名窑”，然而，与其他4个已经找到窑址的窑口不同，大名鼎鼎的哥窑，其蛛丝马迹竟然只能在文献中寻找。哥窑被传是宋代名窑，然而迄今所掌握的宋代文献中，却没有任何关于哥窑的记载，这成为有些学者怀疑哥窑是否为宋代名窑的一个理由。
宋代 哥窑纸槌瓶 2013-10-27 估价：1000万 成交价： 2300万经典哥窑釉面滋润如酥，冰凉柔滑，光泽柔和，气泡自然开裂，紫黑色胎，釉面厚，圈足与胎体同为紫黑色，表面含有铁红锈色（铁足， 火石红色），呈现哥釉虽历经千百年，光泽依然柔和如新之特征，金丝铁线满布，开片裂纹自然均匀，细小（百极碎， 鱼仔纹），釉面与胎体紧密贴合，梅花型五面突出，外观浑圆，大器端正，充分显示古人高超设计与烧制精工技巧。保存良好，底色如白玉，裂纹自然千变，器型世上仅见，哥窑难得之技巧。关于哥窑瓷器最有特色的断纹来历，龙泉当地演出的戏剧里存在这样一种说法：章氏兄弟都烧制青瓷，虽然品质都很好，但因为哥哥忠厚，所以他烧制的瓷器销量更好。弟弟嫉妒哥哥的生意，为了出气，偷偷往哥哥的窑洞里泼凉水，于是出窑后的瓷器上出现了这种奇特的断纹。说起断纹时，说还有一种说法，即弟弟在釉缸里放了一把黏土，由此导致了瓷器开裂。在看来，这是外行的传说，实际上这种断纹烧制的工艺极其复杂。
对瓷器有所了解的人们都知道，在宋代五大名窑中，哥窑因工艺复杂、身世神秘，所以传世量最为稀少。据估算，宋代传世哥窑目前散落在世界各地的仅几百件，以致多年来拍卖市场屡屡出现哥窑逐高的天价。2004年在纽约佳士得拍卖会上，一件哥窑六瓣葵花盘，被一日本收藏家以146万美元购得；2010年苏富比在伦敦以100万英镑拍过一件宋代哥窑瓷；近年最贵的有成交记录的价格大约是300多万美元，折合人民币2000多万元。
宋代 哥窑三羊开泰尊 2014-07-26 估价： 1200-2400万 成交价： 1200万许多瓷器在烧制过程中，为了追求工艺一般都不允许有太多的釉面的开裂纹片，但哥窑却将“开片”的美发挥到了极致，产生了“金丝铁线”这一哥窑的典型特征：由于开片大小不同，深浅层次不同，胎体露出的部位因氧化或受污染程度也不尽相同，致使开片纹路呈色不一。哥窑瓷器釉面大开片纹路呈铁黑色，称“铁线”，小开片纹路呈金黄色，称“金丝”。“金丝铁线”使平静的釉面产生韵律美。宋代哥窑瓷器以盘、碗、瓶、洗等为主。
哥窑五足洗 南宋(公元1127-1279年)哥窑是宋代汝、官、哥、钧、定五大名窑之一。哥窑瓷器的造型庄重、古朴典雅，釉色淡雅自然，尤以独特神奇的纹片装饰而着称。这是发生在釉面上的一种自然开裂现象，原本是瓷器烧制中的缺陷，却被匠人加以利用，从而产生了一种独特的美感，以至倍受推崇，后朝历代均有仿制。
摇铃尊瓷器图片及价格
双陆瓶（摇铃尊）其功能主要是用来盛酒或供陈设的用器，主要的产地是在唐朝越窑的青釉瓶、邢代的白釉。器物的瓶身处十分的丰满、敛腹，形状与摇铃十分的相似，所以也常常被叫做摇铃尊。
摇铃尊这一新词的出现是在清朝的康熙时期，烧制成功的摇铃尊瓷器都有着很高的收藏价值，但是它的烧成率却是非常的低，造就了它成为康熙年间珍贵的官窑品种之一。目前所见拍卖会上最贵的摇铃尊价格达几千万元，普通的其成交价格也是数百万元不等。
这样的摇铃尊不同于青铜尊的典雅、大气，反而是多了一种小巧、优美之感。纵观其瓶身会发现整个的器型线条力度感非常的强烈。
因为其形状细颈、小口，在其瓶身上主要大量烧制了青、黑、白、青白、白底黑花、白地褐花等装饰的纹样。
造型上来讲有梅瓶、卷口瓶、直颈瓶等多种样式的出现，有青花、釉里红、釉下三彩等品种，色彩、造型更加的丰富多彩。现收藏于故宫博物院的清康熙青花团花纹摇铃尊。
从它的腹部看，有四个青花团纹对它进行了修饰，近观会发现青花料描绘锯齿状纹饰十分的明显突出，在其外底刻有“大清康熙年制”六字三行款。
相传是在康熙的早年间由书法家刘源先生所独创的，不论是从其的设计工艺上看、还是从其烧制工艺上、刻画工艺上，都是集齐历代瓷器造型之大成，创新、独特。《清史稿》中的记载：“时江西景德镇开御窑，源呈磁样数百种，参古今之式，运以新意，务储巧妙，于彩绘人物、山水、花鸟尤各极其盛”，对于新型的摇铃尊的造型以及图案进行了赞扬，由此可见摇铃尊在当时社会百姓中的分量。
从摇铃尊的胎质上看，就会发现它的质地非常的纯净且干净，釉面光润度非常强，将特色的釉里红绘漩涡状团花四朵、在其颈部加入了三角蝉纹，将整件瓷器纹饰更加的古朴、秀丽。
从其色泽上看，釉里红发色纯正且鲜艳，加入的青花纹若隐若现，反而是观赏者更加想看到其中的秘密，这就是摇铃尊的独特之处。
追溯到康熙景德镇时期，摇铃尊最初只是用来模仿佛教法器长柄铜铃而创新的样式，凭借着小巧、优美迅速在瓷器市场上打响了名声，但是它的辉煌时期也仅仅是维持在了康熙时期，到之后的雍正、乾隆、嘉庆，虽然也有进行摇铃尊的烧制，但是在烧制的工艺上以及设计、色彩等方面远远不如康熙时期，现存的上等摇铃尊大多都是出自于清朝的康熙时期。虽然摇铃尊的身上会出现大片的留白，但却丝毫不影响它的价值。
婴戏纹瓷器及图片
在陶瓷传统装饰图案中，常见以比喻、谐音等手法，组成具有吉祥寓意的装饰纹样。它的历史可上溯到商周，在明清两代达到鼎盛。大量吉祥纹样出现在瓷器之上，如“连年有余”“五谷丰登”“竹报平安”等图案都借助此手法来“讨彩头”。这些吉祥纹样的依据和来源主要是佛教、道教、历史故事和民俗活动，其中民俗活动成为最主要的题材来源。无论人物、动物、器物、植物如何组合，其所代表的意义不外乎吉祥如意、祛灾避邪、多子多寿、升官发财。
婴戏纹作为传统吉祥纹饰中的一个重要代表，从两子、五子到十六子甚至“百子迎福”“百子嬉春”，反映了古代传统封建思想中传宗接代观念深入人心。因此，寓意连生贵子、五子登科、百子千孙的婴戏图案，出现在瓷器、刺绣、银器、漆器等不同的工艺品装饰之中。到了明清之际，由于青花的大量烧造和彩瓷品种如斗彩、五彩、珐琅彩、粉彩的丰富，手绘纹饰成为了瓷器最为主要的装饰手段，婴戏纹作为一种重要的吉祥纹饰，在此时得到了更为全面的发展。
宋人 《冬日婴戏》既纯真，又哲理
婴戏纹，又被称之为儿戏纹或童戏纹，是最为常见的传统纹样之一。“婴”原指初生女孩，《苍颉篇》：“男曰儿，女曰婴”，后来“婴”则泛指初生儿、幼儿。据史料记载，早在魏晋时期，儿童就成为一种专门的题材，出现在绘画当中。据唐代张彦远的《历代名画记》中记载，南朝画家顾景秀、江僧宝等曾以儿童为题材作画。到了唐代，儿童作为独立的人物画题材出现，直至宋代，才形成了较为完善的婴戏题材的绘画作品，其中以李嵩、苏汉臣的艺术成就最高。婴戏纹这种题材在瓷器上使用最早见于唐代的长沙窑，宋代的磁州窑和景德镇青白瓷上也有所应用。明代宣德时期，特别是到了正德、嘉靖时期才最为风行，一直到清代康雍乾时期还在彩瓷装饰中大量出现，到了清中后期才逐渐衰落。明清两代彩瓷的婴戏纹从最初的一两个孩童玩耍发展到百子嬉戏，做到了千人千面、神态各异。
北宋 苏汉臣 《秋庭戏婴》自唐宋以来，婴戏纹一直受到人们喜爱的原因主要有两点：其一，有学者认为婴戏纹是对道家哲学内涵的展示。道家所提倡的“天人合一”“载营魂拍一，能无离乎？专气致柔，触婴儿乎？”“常德不离，复归婴儿”是婴戏纹产生的理论依据。在道家看来，婴孩最是纯真朴实的，是人与自然和谐统一的象征。其二，成年人在世俗社会中对天真童心的向往，诸如“返老还童”“童心未泯”等都是对童年时光的怀念，需要借助婴孩无忧无虑的心态来获得心灵的补偿。婴戏纹自然成为一种内心感悟的释放途径。
金廷标 花圃婴戏 扇面镜片 纸本设色无论在任何时期，工匠在瓷器上所描绘的婴戏纹都是婴孩参与传统节日习俗、日常娱乐活动和节日庆典活动的场景。把无忧无虑的婴孩作为载体，表达了对吉祥福瑞生活的祝愿。放鞭炮、放风筝、荡秋千、斗草、游龙舟、骑竹马、木偶戏等，这些题材的婴戏纹不仅具有民俗意义且寓意深远。如婴孩放风筝，寓意放出晦气，迎来好运；端午节孩童带钟馗面具嬉戏，寓意驱邪避毒；孩童坐在麒麟背上，称为“麒麟送子”，寓意早得贵子；孩童手推龙舟，舟上载官帽、官带，取“官带流传”之意，寓意官职世袭，代代为官。
可写意，可写实
明清两代的彩瓷，分为五彩、斗彩、珐琅彩和粉彩4种。五彩创烧于元代，而青花五彩创烧于明代正德时期，直到清康熙、雍正时期达到了顶峰。斗彩始于明宣德年间，以成化斗彩最为有名。珐琅彩、粉彩都创烧于康熙晚期，盛烧于雍正、乾隆两朝。珐琅彩是在皇宫内制作的一种御用瓷器，存世量极少；而粉彩是在五彩的基础上发展起来的。这些彩瓷品种的出现，极大丰富了瓷器纹饰的表现力，不仅从题材上有所丰富，在色彩上也显得活泼生动。
明嘉靖 铜胎掐丝珐琅婴戏图葫芦形执壶明代初期，由于当时赏瓷风尚“以甜白为常，苏麻离青为饰，以鲜红为宝”，彩瓷并没有受到宫廷的重视，婴戏纹彩瓷存世量极少。直至明代中期，五彩、斗彩婴戏纹瓷器数量才逐渐增多。明代婴戏纹以描写日常生活中尤其是庭院内儿童的游戏、玩耍活动为主，衬以树石、栏杆、花草。从大量留存的彩瓷实物来看，婴戏纹主要突出婴孩本身，树石花草等衬景点缀较少，有些甚至只绘婴孩。早期风格写实、工整，婴孩身材矮胖，脸圆头大，显得憨态可掬，五官刻画清晰。到了成化年间，婴孩的头部基本被描画为正圆形，为此时的特色。从正德时期开始，婴戏纹彩瓷数量激增，所绘婴孩的后脑逐渐变大。嘉靖时期，婴戏纹彩瓷的数量更多，较之成化时期，形象趋于复杂，描划精细，斗彩中青花部分开始出现分水渲染，五彩则采用平涂技法，图案中婴孩的数量也大大增加。但婴孩的后脑开始向后突出，甚至有点不合比例，显得有些怪诞。题材开始转向读书、下棋的内容，“戏”意不足。万历时期，各种场面的婴戏纹应有尽有，人物形象比嘉靖时明显活泼，呈手舞足蹈之状。至天启、崇祯时期，婴戏纹已经完全忽略了背景的描画，画面中几乎只剩下翩翩起舞的嬉戏的婴孩。纵观明代彩瓷中的婴戏纹，描绘手法以写意为主，对人物的描绘带有漫画感，神似追求高于形似，在笔墨中突出“戏”味。
明成化 斗彩婴戏图罐清代瓷器装饰的最大特点是“有图必有意，有意必吉祥”，目的是来满足人们心中对吉祥平安的向往。从纹饰整体的风格来看，清代婴戏纹彩瓷具有满、繁、密的特色。在“开光”部位画出主题纹饰——婴戏纹，在器物的口沿或颈部辅以带状纹饰来装饰，疏密结合，构图上有节奏感。在描绘婴孩的嬉戏场景时，会加入成人世界的人、事、物，去寄托某些传统思想或信仰。一些以民间传统节日为主题的婴戏纹彩瓷大量出现，画中选用带有吉祥寓意的动物、植物、器具等作为画中婴孩玩耍之物。清代婴戏纹彩瓷，以粉彩瓷器为主。清康熙彩瓷婴戏纹以五彩为主，布局较满，采取单线平涂，色泽艳丽丰富，人物比例协调。雍正婴戏承袭前朝，新意不足，可见雍正帝的欣赏情趣并不在于此，婴戏纹彩瓷的质量出现明显下滑。乾隆时期，粉彩婴戏纹瓷器发展到顶峰，画面清新活泼，刻画精细，借西洋画法造型准确且有立体感、色彩丰富、构图缜密。乾隆之后大多因袭前朝风格，婴孩形象日显呆板，以麒麟送子题材为最常见。至清末，逐渐退出历史舞台。较之明代的婴戏纹彩瓷，不仅注重对婴孩本身的描画，场景描绘也非常写实到位，没有明代变形夸张的表现样式，在丰富的场景和欢乐的气氛中突出“戏”味。
明万历 青花婴戏图圆盒亦宫廷，亦民间
承接宋元绘画艺术传统，明清时期婴戏纹仍然作为一种绘画题材不断发展。如果明代的婴戏纹瓷器，在刻画上还显得有“信手拈来”之意的话，那清代的婴戏纹就显得规整精细得多。清代是继宋代之后婴戏图题材绘画的又一大发展时期，出现了一批具有代表性的婴戏图画家及绘画作品，如金廷标、闵贞、姚文翰、焦秉贞等。其中以金廷标、焦秉贞成就最高。乾隆时期官窑婴戏纹瓷器的摹画范本多出自供奉内廷的画家金廷标之手，我们从乾隆时期的大量官窑粉彩婴戏纹瓷器中可以看到这些把婴孩描绘得动作夸张，营造热闹愉悦气氛的作品。
清乾隆 粉彩婴戏图笔筒清乾隆 粉彩婴戏图碗在明清婴戏纹彩瓷上，我们可以看到宫廷与民间艺术手法及艺术符号的相互融合。婴戏图发展到明清时期，已经形成了一种固定的程式。表现主题的程式化特征十分明显，画面中加入的吉祥符号的程式化，某种植物、动物或生活中的物品总是代表着固定的吉祥寓意。婴戏纹彩瓷中所表现的内容大多来自于民间，如闹社火、赛龙舟等，这些符号有的发源于民间，而在服饰、神态的描绘上则为宫廷服务，手法显得华美精致，有一种贵族之气。程式化特征已经具备，只能在画工上不断寻求突破，中国画中灵动、飘逸的线条与描绘婴孩活泼好动的天性和嬉闹时敏捷的动作相得益彰。明清彩瓷受到国画影响而产生的在笔墨技法上的“墨分五色”和“料分五色”，也对表现婴孩神态起到了很大的作用。
清乾隆 金地洋彩如意形婴戏图盖盒清嘉庆 珊瑚红地五彩婴戏图大碗明清婴戏纹彩瓷融汇了宫廷的细腻精致和民间的热闹红火，无论是色彩还是技法上也显得更加丰富，表现力十足。因此，上至宫廷贵族，下至普通百姓，都对婴戏题材十分喜爱。总体来看，婴戏纹在明清彩瓷装饰中得以广泛流行，首先是对传宗接代思想的一种表达，其次是对趋吉避凶愿望的一种寄托，最后是对重男轻女封建观念的一种延续。这些伦理思想千百年来广为流传，影响到民众生活的方方面面。这些思想融入婴戏纹当中，又借助瓷器这一广为流传的工艺品，无论是统治者还是老百姓，其目的是为了祈祷国家太平兴盛和生活安泰美满的美好愿望。
龙纹瓷器真品图片及价格
龙的地位在我国古代中一直是非常神圣的，实际上不仅仅是在我国，在东亚区域的古代神话传说中都经常的出现它，虽然是一种虚拟的神异动物，但是其身体组合是来自于现实的，具有很好的祛邪、避灾、祈福的作用。在我国古代瓷器中也经常会出现龙纹的元素，想要对瓷器上龙纹进行辨别的话，就需要知道各个时期不同龙纹的特点是什么？
1、新石器时代
龙纹的雏形最开始的时候是在新石器时代的文化遗物中就已经发现了，在红山文化遗物以及马家窑文化遗物中出土的一些古陶瓷上都是有发现类似于龙纹的元素，但是和如今我们所熟知的龙在形态上还是有所差异的，在体态上更加的像鱼，有两爪，披鳞。
2、商周时期
商周时期的玉器以及各种的石雕中出现了数量众多的龙纹的样式，其中最为多见的就要算的上是独角独足的夔龙，如果是有发现这个元素的话基本上可以确定是商周时期的产物。此外，同一时期在甲骨文、金文中也已经是出现了关于“龙”文字了，在之后的各个朝代中，在形态上也是发生了改变。
3、明朝
明朝皇帝朱元璋善长驾驭战争，因此在这个时期在陶瓷上出现的龙纹样式大多都是比较凶猛威武的，往往呈现出双目圆睁的形态，也就是大家俗称的眼镜龙。在头部的形状上会更加的圆润一些，和以前的朝代相比的话，会更加的纤细一些，鬓发成篷，龙毛基本上都是向上冲或者是斜着向上冲的架势。此外，在明朝的龙纹上大多下颚比较长，特别是上颚端肌肉会更加的发达一些，嘴巴像猪嘴，这就是为什么有人会把它称作是“猪嘴龙”的原因。而明朝的龙纹也在很大程度上延续了明朝纹饰的风格，当然在风格上更加的注重的是意识形态，很好的展现出了其精气神。
4、清朝
清朝的龙纹从大体上来说，是非常气宇轩昂的，在整体上和明朝相比有了很大的改变，原先的猪嘴收缩，在下颚的线条上会比上颚的更长一些。龙头更加的丰满、身躯健硕。
从古至今，我们都知道各个朝代的天子都是以真龙自居，所以可以说龙纹实际上就是象征了当时的统治帝王，各个朝代是兴旺还是衰弱在龙纹上就可以很好的看出来，比如说清朝早期的时候，君王励精图治，所以在龙纹上显示的是非常强悍的，但是到了腐败的晚期，我们可以看到龙纹是无精打采之态。
黄釉瓷器图片及价格
黄釉早就在唐朝时期出现了，但是正色的黄釉出现还是宋朝汝窑的高温黄釉，明朝时期黄釉又有了新的发展。传统意义上的黄釉有两种，一是以三价铁离子着色的石灰釉，属于高温釉、二是以含铁的天然矿物为着色剂，属于低温的黄釉，特别是明清时期的黄釉都是以铁为着色剂的铁黄，通过氧化焰低温烧制而成，色泽呈黄色，温润度以及光滑度较高以及釉面的透光度较强，犹如璞玉般的质感。
低温黄釉瓷器烧制量较多，具有着着色力较强，色泽较为的鲜艳，装饰纹样较为的多样，有刻花、划花等各种类型。而淡黄则为其中的一类，在清代康熙时期的珐琅彩料中开始出现，主要用来烧制淡黄色的瓷器，釉层的透明度较高，釉色黄稍重，但是在其制作的工艺上以及提炼的技术上都得到了较大的进步。
而发展至乾隆时期时，釉色中加入了玻璃白，使其色泽呈现为淡黄色，大多都在一色釉器上。通常都是通过高温氧化焰烧制，釉色较为的黄润，带着黑色或黑褐色的斑点，犹如鳝鱼的皮色，烧制量也较多，但是现今存世量较少，收藏价值也较大。
在我国古代铁结晶釉中的一个重要品种有茶叶末，属于高温的黄釉，釉色上的呈现特色较为明显呈失透的黄绿色，在其瓷器上会从暗绿的底色犹如茶叶般的细点，有一种浓浓的古朴、亮丽、清新之感。在唐朝时期茶叶末黄釉出土的瓷器，色泽上亮丽感较强，瓷器的纹样装饰较少，大部分都是纯色状，典雅、高贵之感较为的浓郁。
以乾隆、雍正时期的出土产品为例，乾隆时期是烧制最为成功的，在其釉色的呈现上黄绿色的混合装，常常成为绿者称茶、黄者称末，而雍正时期则是黄绿选一，没有同时出现过，釉色上偏绿色的较多，在瓷器上会出现古铜的锈色，这是在瓷器上很少出现的，色泽具有较大的特色，淡雅、高贵之感散发的淋漓尽致。
黄釉色瓷器在瓷器史上的出现时间较短，之初在釉色的呈现上以及工艺上都处于发展时期，而中后期则是将黄釉这一品种发展传播量较大。现今的瓷器史上，制作精良、工艺特色、纹饰刻花的黄釉瓷器较少，市面上很少见到，只有在大型的拍卖会上才难得一见，足以可见黄釉瓷器的珍贵性，存世珍品较少也是它收藏价值较高的原因之一，更是因为它独特的色泽以及呈现给观赏者一种独特的感觉，犹如不可亵玩物，高高在上之感。
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