艺宝瓷砖。
越界的紫砂大师吕俊杰
出身于“紫砂名门”的吕俊杰，完全没有“家法”的条条框框限制。他认为，对传统的接受，是采取顺承性还是反省性，对一个艺术家空间发展而言，则有决定意义的。新锐而大胆的他立足传统，但是反省性地接受，自由参照和吸收其他艺术写意传神之精髓，并以现代艺术观念为指导，站在时代文化的语境中进行思考，使他创造出属于自己的新的形式符号。
吕俊杰16岁起习武，师从当代形意六合拳大家余化龙先生高足华雪平先生。我国第一部以紫砂为主题的MV《东方紫玉》由吕俊杰担纲该片的主唱和主演。
吕俊杰创作的《满腹珠玑》吸取绘画等领域的艺术精髓，借助绞泥、雕塑等技艺，把造型和装饰结合起来。简洁的壶体犹如一枚果盏，看似随意其实讲究地在壶体上落下数笔色彩绚丽奔放的“圈儿”，顿生“大珠小珠落玉盘”的动感。
他演过戏，拳不离手，熟习音韵，而且一有闲暇就临帖作画，在宜兴紫砂艺苑的表现卓尔不凡。简而言之，他是一位越界的紫砂大师，潜心向艺，摒弃繁文缛节，通过越界行为积累壶外功夫。
“吕氏绞泥”的万般风情
传统的紫砂装饰都是采用刻画的方法来完成的，表现的题材多为国画和书法。堪称当代壶艺一代宗师的国家级工艺美术大师吕尧臣先生，把造型和装饰结合起来，开创“吕氏绞泥”紫砂艺术先河，在成型制作过程中，同时完成装饰。
吕俊杰自幼受父亲吕尧臣的熏陶，精研陶艺，于生活中捕捉美的形式，大胆构思尝试，借鉴西方抽象画派艺术，结合紫砂特质加以创作，特别是在父亲首创的“吕氏绞泥”基础上，加以个人敏锐的感触另辟蹊径，推陈出新，从“绞胎”发展到“绞皮”，形成独树一帜的制壶手法，于五彩斑斓中恰到好处地在紫砂壶体上表现作者的创作意图。
他创作的“海市蜃楼”获1992年中国陶艺节一等奖、“渔歌”获2002年全国陶瓷评比金奖、“牧羊曲”获2003年中国博物馆协会等单位举办的中国十大名壶金奖，他的作品被美国、德国、新加坡、日本、韩国、马来西亚、香港、台湾等地博物馆、艺术馆及收藏家珍藏。吕俊杰的陶艺作品获得专家的认可，而后一发不可收，大量的新品不断问世，“天陨壶”，“江陵壶”、“长寿壶”、“树魂”等，这些作品以“吕氏绞泥”演绎万般风情，造型、装饰、意趣情韵相生相辉。
吕俊杰紫砂艺术在中国美术馆办展
3月10日，“吕俊杰紫砂艺术展”在中国美术馆举行。这次展览，是中国美术馆历史上首次举办紫砂艺术的个人展。展览为期8天，作品包括了曾获第九届中国民间文艺山花奖中国民间工艺美术作品奖的《追古提梁壶》，曾获第七届全国陶瓷评比一等奖的《渔歌》，江苏省陶瓷艺术评比一等奖的《海市蜃楼》，曾获第三十七届旅游工艺品博览会金奖的《紫气东来》和《三羊开泰》，以及曾获第五届西湖博览会金奖的《玄石》，央视热播剧《紫玉金砂》主题壶《阴阳太极壶》也在此次展览中揭开神秘的“面纱”。
吕俊杰自16岁起习武，师从当代形意六合拳大家余化龙先生高足华雪平先生。2008年在香港举行的国际武术节上，吕俊杰夺得“男子形意、八卦、八极”项目金牌。吕俊杰说“古人说书讲到内功，实际上内功是的确有那么回事的”。谈及紫砂艺术与传统，吕俊杰表示因为非常把传统当一回事，才会那么用力用心地去跟传统较劲、搏斗。
在宜兴兰山濒临太湖的醉陶居，吕俊杰创作紫砂艺壶的状态十分投入。常常苦思冥想，闭门谢客。因此，许多时候熟人会觉得他老是“失踪”。其实，每当他潜心创作时，都是全神贯注，用他的话说“那是必须的”。
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紫砂壶艺
紫砂壶艺向以其高度精巧的工艺性著称于世，即使是为求其产量与规格化而采用的挡坯成型法，其手工修整的工序仍相当繁琐，所以工艺水平的高低自是评断砂壶好坏的重要条件。紫砂壶的工艺要求，基本上有下述几项
1. 嘴、钮、把，三点成一线。这点是诸多藏家所特意注重的，尤其是水平壶、西施壶等基本壶式更是如此，它看似简单，实则不然，甚至包含名家壶在内，仍有许许多多的砂壶嘴歪把斜。另外，上把与下把不在同一垂直线上的亦相当常见。当然，这样的砂壶一样能泡能养，只是中国人讲究的是「大中至正」、「允执厥中」，所以除非是特意设计的砂壶，不然仍应慎重审视为宜。
2.囗盖要严紧密合。圆壶要能旋转滑顺无碍，方壶要求面面接缝平直不变形，筋纹器更要达到面面俱到的「通转」地步。除了以上的目视、手试外，我们尚可在壶身盛水后，举壶作注水状，以食指压紧气孔，若能达到即压即停且滴水不漏，就表示壶盖与壶身的密合度甚高，与外界空气接触极少。部分技术特佳的陶手还能达到将壶嘴塞住时，手捏壶钮可将全壶擎起的境地。
壶身线面修饰平整、内壁收拾俐落，落款明确端正。通常，一件砂壶的做工良否，我们可从外观上审视陶手是否有用心将壶身线条、转折、棱线修饰漂亮规整来作判断。还有，此壶的落款是否大小得宜、位置适中、深浅合度，亦是重要参考。此外，最易遭受忽略的是，壶身内壁流嘴的接 、块面的接缝是否遗有施工泥屑，内壁、内底是否收拾匀当……这些小细节都足以看出作者的制作态度是否严谨、审慎。
胎土要求纯正，火度要求适当。有些砂壶乍看之下油光灿然，未养先亮有的则是贼光浮动，色相诡异，这些征兆都显示着此壶的土胎不纯或是作者配土太差。至於砂壶的烧结火候是否恰当？则需要经验的累积才能作出正确的判断。一般可用壶盖（请切勿用盖沿，那是全器最脆弱的地方）轻轻敲击壶身（务请注意，莫伤壶表），若呈铿锵含韵之声，代表火度适中若呈混沌低郁之声、代表火度稍嫌不足反之，若呈高尖乾脆之声，则表过火或加有玻璃水。｝
慎选真爱 切忌冲动
紫砂壶的造型千姿百态，变化多端，但美感的标准则依各人的审美涵养而有所不同。你爱花货的精工细描，我爱光货的简单大方，谁也不用委曲谁、所以砂壶的造型孰优孰劣是不能一概而论的。真正重要的是、无论如何，买壶千万不要光为了作者的名气或别人的强力鼓吹而冲动下单，否则日后极易后悔。因为泡茶赏壶之际是人类最冷静、最客观的时候，这时手中的砂壶势必会遭受到自己最严苛的挑剔，这也就是为什么茶壶就像女人的恋衣情结一样──永远少一把。
吕尧臣紫砂壶鉴定
吕尧臣，宜兴人， 1941年出生，是我国近代著名的工艺美术大师。自幼是跟随我国著名的紫砂名家吴云根先生学习制作紫砂壶这门手工艺。在他从艺四十余年的陶艺生涯中，期充满创意的新品层出不穷，所创作的作品的风格也是韵秀而古朴。尤其是吕尧臣先生所独创的"吕氏绞泥"系列的作品更是出神入化，堪称一绝，他还在海外有着"壶艺魔术师"的美称，这可以说是对紫砂壶手工艺们的最高赞誉了。其作品还曾与"黄金争价"，屡此为"故宫博物院"、国务院、"紫光阁"等单位收藏展览。
吕尧臣先生所创作的紫砂壶作品的造型新颖别致，构图角度别具一格，其作品的做工更是细腻严谨，他所创作的作品深受紫砂爱好者和陶瓷专家们的赞叹，吕尧臣他善于思考，观察力敏锐，紫砂制作技巧扎实。在四十于年的创作实践的生涯中，形成了属于自己的独特艺术风格。他的作品善于捕获生活中美的形式，加上它的大胆构思尝试，在结合紫砂所特有的特质加以创作。使之会形成了自己所特有的、具有其设计感的、奇趣无穷的，整体造型比例恰当，意涵深刻隽永，配合独树一帜的制壶手法，散发着强烈的艺术气息。那么吕尧臣先生所制作的紫砂壶有哪些鉴定手法呢？
这说到吕尧臣先生紫砂壶的鉴定手法，那么小编我今天就先来简单为大家介绍几种方法。首先是看，这看说的就是观察其紫砂壶的表面，这是因为紫砂壶由于使陶土还不上釉，所以新的紫砂壶表面是不可能是光亮的，是有一定的粗糙感的，而许多假的紫砂壶为了让其壶的卖相好，一般会给紫砂壶打蜡抛光。所以我们在购买其紫砂壶时一定要注意其壶的表面。
其次就是我们在选购吕尧臣先生的紫砂壶时还要用开水试一下，这是因为我们将刚烧开水倒进紫砂壶内并且还要沿着紫砂壶的壶身用开水浇下，在盖上其紫砂壶的盖子。这是是为了让我们观察其紫砂壶中的水是否是顺着往下流，还是会慢慢被壶身吸干，如果是往下流这是赝品，而开水被慢慢吸干的则有可能是真品。
最后就是一个最简单的办法，我们可以将泡的的茶留在紫砂壶的瓶身里，这是因为吕尧臣先生所制作的紫砂壶将茶放在紫砂壶内的两三天的时间里茶是不会变搜的。以上这三点就是简单鉴定吕尧臣先生所制作的紫砂壶的方法。
甘肃民间陶艺大师“揭秘送艺”发展艺术陶瓷
出身陶瓷世家的甘肃白银市民间艺术大师张明国29日接受记者采访时，自揭秘方，拟将陶瓷文化送进校园，培养技术人员，复古创新发展艺术陶瓷。
在张明国的家乡白银市平川区境内蕴藏着丰富的煤炭、陶土、石英石、沸石、烧胀粘土、花岗岩、石灰石、凹凸棒等多种资源。尤其是以粘土、长石、石英石、紫砂土为主的陶瓷原料资源异常丰富，各类陶土测算储量达40亿吨以上，其中紫砂土储量15亿吨以上，花岗岩储量24亿立方米，石灰石保有储量290万吨，远景储量达500万吨以上。
受祖辈的熏陶，孕育了张明国对陶瓷业执着的热爱，从小他就爱把土拿到嘴里舔、咬、嚼，以此感受各类陶土的吸水性和绵的程度。面对陶瓷的72道工序，他以形为本，釉为魂，用悟性制作研发的作品造型端庄，线条流畅，釉色饱满，釉质浑厚。在全国名窑技艺大赛中获首届中国历史名瓷烧制技艺大赛银奖。
2011年平川区被命名为西部地区唯一一家“中国陶瓷产业转移示范基地”。目前，平川区陶瓷企业发展到15家，拥有年产100万件高档文化艺术陶瓷生产规模，形成了门类齐全、产品众多的大产业。张明国说，陶瓷作为当地支柱产业，后继要有人，他愿把泥土拉到课堂上，让学生在手工课上学些基本技能，将自己多年来所掌握的陶艺经验和秘方倾囊相授。
平川陶瓷研究中心主任孙守南说，为破人才瓶颈，平川陶瓷研究中心与多家陶瓷研究院、高等院校建立了技术合作关系。今年在白银矿业技术学院开设陶瓷专业，寻求能留得住的专业技术人员。
陶瓷产业是平川区最为古老的传统产业，据境内发现的古老民陶窑遗迹推断，早在公元前3000多年以前，该区境内就开始烧制陶瓷，属马家窑文化范畴，是古丝绸之路的重要驿站。
紫砂壶艺审美要关注很多因素
评价一件紫砂壶的内涵，必须具备三个主要因素：美好的结构，精湛的制作技巧和优 良的使用功能。所谓形象结构，是指壶的嘴、扳、盖、纽、脚，应与壶身整体比例协调。精 湛的技艺，是评审壶艺优劣的准则。紫砂优良的实用功能，是指容积和重量的恰当，壶扳的便于 执握，壶的周圆和缝，壶嘴的出水流畅。
如果抽象地讲紫砂茶具的审美，可以总结为形、神、气、态这四个要素。形，即形式的美，是指作品的外轮廓，也就是具象的面相；神即神韵，一种能令人意会体验出精神美的韵味；气，即气质，壶艺所内涵的本质的美；态，即形态，作品的高、低、肥、瘦、刚、柔、 方、圆的各种姿态。从这几个方面贯通一气，才是一件真正的完美的好作品。
若壶艺爱好者偏于理，斤斤计较于壶的容积的宜大宜小， 嘴的宜曲宜直， 盖的宜昂宜平，身段的或高或矮，侧重于从沏茶名饮的方面为出发点，那就只知理而无趣。一种艺术的欣赏应该在理亦在趣。一件作品不管它是大是小，壶嘴是曲是直，盖子是昂是平， 形制是高是矮，都在乎有趣，趣才能产生情感，怡养心灵，百玩不厌。所以观赏一件新的造型，应该在领悟倒美的本质以后才能加以评点。从这样的审美态度做出发点，才能赢得爱好 砂艺者的共鸣。当然，作为一件实用工艺美术品，它的适用性也非常重要的，使用上的舒服感可以愉悦身心，引起和谐的兴致。因此，也就是依据饮茶的习惯、风俗，有选择的考虑壶体的容量，壶嘴的出水流畅，壶把的端拿省力舒适等等。
紫砂壶艺价值在于全手工制作
一把制作精良的全手工紫砂茶壶哪怕不是大师手笔依然能够身价百倍,这是无庸置疑的。那为什么全手工紫砂茶壶如此受人追捧呢?因为全手工紫砂茶壶制作的特点,它的成品也就更有特色.首先在紫砂茶壶身表面我们会发现全手工紫砂茶壶有着明显的拍打留下的痕迹,类似于皱纹的壶有的明显一点,有的紫砂茶壶则需要仔细观察,但不管怎么样艺人们不会抹杀这些能证明全手工制作的痕迹.另外因为是完全手工制作,所以在壶身的线条,弧度上不会十分完美,往往会微有起伏.壶盖也有可能与壶口有细微的参差.乍一看去,也许你会觉得壶在制作上略有粗糙,然而气度十足.这些差别就像是勇士身上的疤痕,非但不是瑕疵,反而代表了荣誉和非同一般的出身,令人欣赏,也让人由衷敬佩.
第一，全手工,顾名思义就是指紫砂茶壶的整个制作过程都是由艺人亲手完成,没有借助任何模型.一把简单的全手工的茶具少则八百,多则上万,价值不可谓不高,利润不可谓不厚,但是市场上还是鲜有期身影,这究竟是为什么呢?首先全手工紫砂茶壶对艺人的技术要求比较高,在没有模型辅助的情况下,要完全靠手来把握分寸塑造出优良的壶形比例,照顾好每一处细节，这不是一个简单的功夫。所以没有数年甚至数十年的制壶经验是没有办法做出一把精良的全手工紫砂茶壶的技术上的要求让很多制壶者还未出手就已经望而却步了。
第二，全手工的紫砂茶壶成品率相对于模型,半模型壶来说要低的多.因为在烧制过程中，壶坯在高温下发生收缩变化,制作过程中的任何一个微小的瑕疵都会被数倍地放大,一着不慎就可能使壶完全报废.低成品率使的全手工紫砂壶的制作成本成倍和风险的增加,这种损失对于大多数艺人来说完全超过了壶本身的利润,使很多人不敢轻易尝试.往往制作一个全手工的紫砂茶壶要花费数倍,数十倍于模型,半模型壶的时间,如果因为一个小失误而报废了,那整个过程就是一个很大的损失.因为艺人们通常会选用上好的泥料来制作全手工壶,所以它的泥料一眼看来就会十分有特点,光泽,透气性都会显而易见的优秀.同时因为制作过程中的手工拍打使得壶坯泥料异常紧密,经过烧制后就会膨发,从而让紫砂茶壶看起来更为饱满,有张力,气势油然而生,卓尔不群。全手工紫砂茶壶的优点和特征要一一将来可以说是无法尽述的,而且很多东西带着制作者的风格根本不是用语言就能表达的,只能靠朋友们亲身体会了,但不管怎样,我相信只要看见真正的全手工壶,你一定会眼前一亮，心有灵犀.。
第三,因为全手工紫砂茶壶的技术要求高,风险高,所以如果用一款平庸的泥料来做,那是很划不来的.因为即使成功了,这把壶也受限于泥料无法卖出高价,所以一个艺人要是决心做一把壶,那肯定会选用上等的泥料,这无形中又增加了成本和风险.同时优秀的泥料并不是随便就能获得的,所以与其冒着很高的风险做全手工紫砂茶壶,还不如拿来制作稳妥的成品率高的半模型壶更合算.与制作相比,识别全手工紫砂茶壶就要轻松多了。
让民艺回归“民艺
自从2004年8月中国加入联合国教科文组织的《保护非物质文化遗产公约》，特别是国务院办公厅2005年3月印发《关于加强我国非物质文化遗产保护工作的意见》以来，中国非物质文化遗产的抢救、保护、传承工作在国际化的大背景下如火如荼地展开。作为“非遗”技艺主要形式和载体的传统手工艺，特别是来自民间的各种手工艺品，比如脸谱、剪纸、陶瓷、泥塑、糖人、刺绣、木雕、石雕等等，频频出现在各种节会、庙会、博览会甚至是文创展览会上，虽然琳琅满目，但似乎少了很多“精气神”。不同品类之间大量的抄袭和模仿，制作工艺粗糙，让本来应该“百花争艳”的草根艺术缺少了生机。
一、何为民艺？
民艺泛指民间艺术，是相对于所谓的“文人艺术”“宫廷艺术”“贵族艺术”而对乡野艺术所做的界定，也就是“草根艺术”。广义的民间艺术是指民间艺术从业者或劳动者个人根据自己的审美喜好，为了解决生活中出现的日用问题或为满足民俗民风的需求而创造的各种物品或者文化艺术形式的总称，涵盖了民间工艺美术、民间（地方）音乐、民间（地方）舞蹈和民间戏曲等多种艺术门类；狭义的民间艺术则偏向民间（地方）造型艺术，包括了乡土美术（绘画）、乡土手工艺等各种物的表现形式。民艺创作者（民间艺人）往往以生活所需就地取材，以传统的手工艺方式满足日用和仪式需要。作品往往与生活方式密切相关，与民俗活动密切相关，从而使得作品带有浓郁的地方特色和乡土气息。比如元宵节的灯笼、端午节的龙舟、盛产竹子之地的竹刻、社火之乡的脸谱等等，饱含着手艺人对于生活的热爱和赞美。
民间工艺美术形式多样，按照取材材质可以分为纸布皮艺类、竹木石艺类、面泥陶艺类、柳藤编艺类、金漆镶嵌类等；按照制作技艺的不同，民间工艺美术又被分为编织类、印染类、雕刻类、绘画类等等。从生产方式看，民间工艺美术多年来基本上传承的是父传子、师带徒的家庭式、作坊式的手工作业或半手工作业方式。从实用功能看，民间工艺美术品的范畴既涵盖了侧重实用性和生活性的器物和装饰品，也涵盖了侧重欣赏性和精神性的民间艺术和美术作品。民艺作品的题材和内容大都来源于民间或民俗生活，集中反映了民间社会劳动群众共性的审美需求和心理需要。民间艺人用粗犷拙朴的造型，浓郁饱满的色彩，既从客观上满足了对物品美观实用的物质需要，又从主观上表达了祈求吉祥如意、趋吉避凶的精神追求。
日本著名的民艺理论家柳宗悦先生也是知名的美学家，被誉为“民艺之父”。他在《民艺是什么》一文中这样给“民艺”下了定义：所谓民艺，即民众日常使用的工艺品之意。日常用品并不能脱离审美范畴而存在，真正的美是不可能在单纯的艺术（artforart）中产生的，而必须是在为满足生活所用而真挚地进行制作的物品中才能够呈现。基于这样的理念，柳宗悦先生认为民艺就是一条通向“美的王国”的道路，路上的风景状态是诚实自然、简洁实用、质朴牢固、健康闲适的；而经过的路人则应该拥有一双清澈直觉的眼睛和一颗自在不羁的心灵，这种和谐的人物对照才是民艺的根本。
二、民艺的现状
中国的民间艺术门类众多，源远流长。但是在机械化生产、智能化制造等现代化生活的语境下，民间艺术的现状表面上一派繁荣，其实在生命力的延续上不容乐观。
首先，许多民间艺术和传统技艺濒临失传甚至绝迹，民间艺术的政策生存空间无限大，而实际的生活生存空间却无限小。虽然国家和政府制定了很多关于文化创意产业发展、“非遗”技艺传承与保护的相关政策和措施，各地都涌现出一批“非遗”技艺传承人，但是普遍的现状是后继无人，一些“非遗”技艺面临着“人去艺绝”的尴尬境地，处于自生自灭的“瘫痪”状态。
其次，大量民间艺术的珍贵实物和资料仍然散落于民间，亟需民艺研究人员进行整理和保存。很多地方政府搞文
博会、文创展和“非遗”技艺培训，但是对当地的民艺资料的整理、民艺博物馆的建设等关注不够，投入的人力和财力有限。
第三，民间艺人的“自闭”很大程度上阻碍着民艺的发展。大多数民间艺人的技术已比较精湛，但在艺术审美层面还存在着一定的盲区，产品过于传统呆板，不能满足现代人的物质和精神需求。
最后，现代设计产业的浮躁也在一定程度上制约着民艺的发展。虽然现在有很多企业和设计师在做民艺产品的设计研发，但往往流于形式，仅仅是为了某一个或者某一系列产品，采集些表面的设计元素，不是以研究、传承的心态来对待民艺；也有一些所谓的“大牌”服装和箱包设计，用拼凑的所谓“中国风”系列来吸引眼球，其实也误导了年轻一代的审美价值观。
三、“民艺”的回归
值得庆幸的是，大众对于民间各种工艺品的喜爱是发自内心的“认祖归宗”，文化的认同感无需置疑，只是对产品的实用性、审美性、大众性等还不甚满意。目前国内外出现了对于传统民艺进行“生产性保护”的探索和实践。
众所周知，日本的民艺以“匠心精神”闻名世界，工匠们用一生追求着一件事物每一个细节的完美。民艺家柳宗悦先生自1926年开始致力于倡导日本民间艺术的复兴，1936年创建日本民艺美术馆并创办《民艺》杂志至今。我们在惊叹日本手艺人对于作品的执着时，这份代代流传的“文脉”更值得我们尊敬。中国的民艺似乎缺乏“匠心精神”，虽然中国也有很多为民艺鼎力付出者，比如中国“传统村落保护第一人”、中国民间文艺家协会主席冯骥才先生，2009年成立了中国第一个非物质文化遗产保护数据中心，致力于城市保护和民间文化遗产抢救，曾经对我国56个民族遗存的民间文化，大到古村落小到荷包，进行了一个“地毯式”的考察，而且坚持做了10年。
中国的民艺，有很悠长的历史渊源，历史长河中“匠心精神”的传承者中亦有中国人的面孔。只是我们只顾着赶路学习和赶超发达国家的艺术和技术，忽略了中华民族的初心。“十年树木、百年树人”，要复兴中国的民间艺术，没有几十年的积淀是不可能的。
让民艺回归“民艺”
自从2004年8月中国加入联合国教科文组织的《保护非物质文化遗产公约》，特别是国务院办公厅2005年3月印发《关于加强我国非物质文化遗产保护工作的意见》以来，中国非物质文化遗产的抢救、保护、传承工作在国际化的大背景下如火如荼地展开。作为“非遗”技艺主要形式和载体的传统手工艺，特别是来自民间的各种手工艺品，比如脸谱、剪纸、陶瓷、泥塑、糖人、刺绣、木雕、石雕等等，频频出现在各种节会、庙会、博览会甚至是文创展览会上，虽然琳琅满目，但似乎少了很多“精气神”。不同品类之间大量的抄袭和模仿，制作工艺粗糙，让本来应该“百花争艳”的草根艺术缺少了生机。
一、何为民艺？
民艺泛指民间艺术，是相对于所谓的“文人艺术”“宫廷艺术”“贵族艺术”而对乡野艺术所做的界定，也就是“草根艺术”。广义的民间艺术是指民间艺术从业者或劳动者个人根据自己的审美喜好，为了解决生活中出现的日用问题或为满足民俗民风的需求而创造的各种物品或者文化艺术形式的总称，涵盖了民间工艺美术、民间（地方）音乐、民间（地方）舞蹈和民间戏曲等多种艺术门类；狭义的民间艺术则偏向民间（地方）造型艺术，包括了乡土美术（绘画）、乡土手工艺等各种物的表现形式。民艺创作者（民间艺人）往往以生活所需就地取材，以传统的手工艺方式满足日用和仪式需要。作品往往与生活方式密切相关，与民俗活动密切相关，从而使得作品带有浓郁的地方特色和乡土气息。比如元宵节的灯笼、端午节的龙舟、盛产竹子之地的竹刻、社火之乡的脸谱等等，饱含着手艺人对于生活的热爱和赞美。
民间工艺美术形式多样，按照取材材质可以分为纸布皮艺类、竹木石艺类、面泥陶艺类、柳藤编艺类、金漆镶嵌类等；按照制作技艺的不同，民间工艺美术又被分为编织类、印染类、雕刻类、绘画类等等。从生产方式看，民间工艺美术多年来基本上传承的是父传子、师带徒的家庭式、作坊式的手工作业或半手工作业方式。从实用功能看，民间工艺美术品的范畴既涵盖了侧重实用性和生活性的器物和装饰品，也涵盖了侧重欣赏性和精神性的民间艺术和美术作品。民艺作品的题材和内容大都来源于民间或民俗生活，集中反映了民间社会劳动群众共性的审美需求和心理需要。民间艺人用粗犷拙朴的造型，浓郁饱满的色彩，既从客观上满足了对物品美观实用的物质需要，又从主观上表达了祈求吉祥如意、趋吉避凶的精神追求。
日本著名的民艺理论家柳宗悦先生也是知名的美学家，被誉为“民艺之父”。他在《民艺是什么》一文中这样给“民艺”下了定义：所谓民艺，即民众日常使用的工艺品之意。日常用品并不能脱离审美范畴而存在，真正的美是不可能在单纯的艺术（artforart）中产生的，而必须是在为满足生活所用而真挚地进行制作的物品中才能够呈现。基于这样的理念，柳宗悦先生认为民艺就是一条通向“美的王国”的道路，路上的风景状态是诚实自然、简洁实用、质朴牢固、健康闲适的；而经过的路人则应该拥有一双清澈直觉的眼睛和一颗自在不羁的心灵，这种和谐的人物对照才是民艺的根本。
二、民艺的现状
中国的民间艺术门类众多，源远流长。但是在机械化生产、智能化制造等现代化生活的语境下，民间艺术的现状表面上一派繁荣，其实在生命力的延续上不容乐观。
首先，许多民间艺术和传统技艺濒临失传甚至绝迹，民间艺术的政策生存空间无限大，而实际的生活生存空间却无限小。虽然国家和政府制定了很多关于文化创意产业发展、“非遗”技艺传承与保护的相关政策和措施，各地都涌现出一批“非遗”技艺传承人，但是普遍的现状是后继无人，一些“非遗”技艺面临着“人去艺绝”的尴尬境地，处于自生自灭的“瘫痪”状态。
其次，大量民间艺术的珍贵实物和资料仍然散落于民间，亟需民艺研究人员进行整理和保存。很多地方政府搞文
博会、文创展和“非遗”技艺培训，但是对当地的民艺资料的整理、民艺博物馆的建设等关注不够，投入的人力和财力有限。
第三，民间艺人的“自闭”很大程度上阻碍着民艺的发展。大多数民间艺人的技术已比较精湛，但在艺术审美层面还存在着一定的盲区，产品过于传统呆板，不能满足现代人的物质和精神需求。
最后，现代设计产业的浮躁也在一定程度上制约着民艺的发展。虽然现在有很多企业和设计师在做民艺产品的设计研发，但往往流于形式，仅仅是为了某一个或者某一系列产品，采集些表面的设计元素，不是以研究、传承的心态来对待民艺；也有一些所谓的“大牌”服装和箱包设计，用拼凑的所谓“中国风”系列来吸引眼球，其实也误导了年轻一代的审美价值观。
三、“民艺”的回归
值得庆幸的是，大众对于民间各种工艺品的喜爱是发自内心的“认祖归宗”，文化的认同感无需置疑，只是对产品的实用性、审美性、大众性等还不甚满意。目前国内外出现了对于传统民艺进行“生产性保护”的探索和实践。
众所周知，日本的民艺以“匠心精神”闻名世界，工匠们用一生追求着一件事物每一个细节的完美。民艺家柳宗悦先生自1926年开始致力于倡导日本民间艺术的复兴，1936年创建日本民艺美术馆并创办《民艺》杂志至今。我们在惊叹日本手艺人对于作品的执着时，这份代代流传的“文脉”更值得我们尊敬。中国的民艺似乎缺乏“匠心精神”，虽然中国也有很多为民艺鼎力付出者，比如中国“传统村落保护第一人”、中国民间文艺家协会主席冯骥才先生，2009年成立了中国第一个非物质文化遗产保护数据中心，致力于城市保护和民间文化遗产抢救，曾经对我国56个民族遗存的民间文化，大到古村落小到荷包，进行了一个“地毯式”的考察，而且坚持做了10年。
中国的民艺，有很悠长的历史渊源，历史长河中“匠心精神”的传承者中亦有中国人的面孔。只是我们只顾着赶路学习和赶超发达国家的艺术和技术，忽略了中华民族的初心。“十年树木、百年树人”，要复兴中国的民间艺术，没有几十年的积淀是不可能的。
（一）普及民艺教育
如何评断紫砂壶的施艺水准优劣
如何评断紫砂壶的施艺水准优劣。
一把好的紫砂壶除了壶的流、把、钮、盖、肩、腹等应与壶身整体比例协调，点、线、面的过渡转折交待清楚与流畅，还须审视其“泥、形、款、功”四方面的施艺水准。
“泥”：紫砂壶独特之处在于其制作原材料紫砂泥的优越性。所以评断一把紫砂壶的优劣，首在于其用泥的品质。虽然泥色的变化，只给人带来视觉感官的差异，与其使用的功能无关。但就使用的习惯而言，紫砂壶藉泡茶品茗不断地抚摸，透过手感的舒服，则可达到愉悦心灵的效果。好的紫砂泥具有“色不艳、质不腻”的显著特性。所以，选购紫砂壶应就紫砂泥的良莠加以考量。
“形”：指壶的形制，也就是形状样式。紫砂壶的造型千姿百态，其间蕴藏了丰富器形，汇集了历代艺人的创作智慧和心血结晶，素有“方非一式，圆不一相”的赞誉。至于选择何种形状样式的壶为佳，则因各人心理需求的不同，很难论定。不过，因紫砂壶属于整个茶文化组成的部分，所以它所追求的意境，应属茶道所追求的“涤净烦嚣，淡泊明志，超世脱俗”的意境。“古拙素雅”与茶道文化的意境最是融洽，所以紫砂壶的造型考量应以能表现“古拙”气氛的为优选。
“款”：即壶的款识。紫砂壶的署款，素来非常讲究。它不同于一般作品的自属图章戳记式的格局。因壶艺的韵致格调和书法绘画艺术同传，所用印款，往往出自一代金石篆刻名家之手。
鉴赏紫砂壶款有两个意义：一是鉴别壶的作者是谁；二是欣赏镌刻的诗词书画及印款(金石篆刻)。紫砂壶的装饰艺术结合了中国传统艺术“诗、书、画、印”一体的艺术特点。所以欣赏一把紫砂壶，除讲究泥料、造型及制作技艺之外，还有文学、书法、绘画、金石诸多方面，给每一位壶艺爱好者带来更多美的享受。
“功”：是指壶艺的功能美，有别于实用功能的诉求点。紫砂壶的功能美主要表现在容量适度、高矮得当、口盖严谨及出水流畅四个方面。按目前人们的饮茶习惯，一般二至五人聚饮，宜采用容量350毫升为佳，无论手拿手提都只需举手之劳，所以人称“一手壶”。
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