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传统国画山水顾名思义是以自然山川等景观为绘画主题的。山水画历史相较于其它画类来说偏短些，但它同样也在历史的长河中经历了启蒙、发展、成熟和后期等阶段。不同于其它画类，早期魏晋时期文献资料中便有对山水画的记录《论画》一文中“凡画，人最难，次山水。”
由山水画的历史发展轨迹来看，山水与人物是密不可分，有着千丝万缕的紧密联系，是文人的另一种精神寄托。也是国画山水不同于西方风景绘画的一大特质，国画山水更注重于对思想情感的意境表达，而西方风景绘画更注重写实的画面质感。
釉上彩这一陶瓷领域的特殊画种，由早期的宋金红绿彩发展而来，直至清康熙、雍正时期达全盛时期。釉上彩瓷可以是指各类材料在已烧成瓷的坯体上的绘画形式，它可以是白釉瓷、单色釉瓷，亦可以是多色彩瓷，釉上彩瓷往往具有二次烧成的特色，彩料绘制瓷胎上后经二次入窑烧制，温度为600～900℃低温二次烧成。山水可以说是釉上彩瓷装饰中主要的绘画题材，贯穿于釉上彩绘画历史长河中，清代釉上彩山水瓷画达到成熟期。釉上彩山水瓷画的发展始终离不开传统山水绘画，可以说是在其基础上发展而来的一类新型瓷画品类。
传统山水画引入釉上彩山水瓷画后，在丰富了釉上彩陶瓷绘画形式的同时也是对传统艺术文化的另一种传承和转变。在创作材质上国画山水和釉上彩瓷画有着本质的差异。一个是在纸质材质上以国画颜料和水墨表达，另一种是以陶瓷这一特殊材质可平面可立体的多维视觉表达。前者是注重笔与纸之间的碰撞，后者则难度更大，需要艺术创作者在了解各类釉上料性的同时对其烧成后效果有着更为丰富的经验积累。釉上彩山水瓷画无论从空间构图上、艺术风格上、技法运用等多方面形成了陶瓷绘画领域的新的艺术表现形式。从总体来看，传统山水绘画对釉上山水瓷画有着非常深入的影响，这一题材的应用从初始直至后来的发展与传统山水绘画的发展是密不可分的存在，其表现艺术形式和手法也逐渐趋向成熟，已不是简单地照搬传统国画山水那套，而是在继承其传统的艺术表达同时融合陶瓷材料的特质成为更具陶瓷艺术表现形式的新式瓷画品种。
传统山水画以春夏秋冬四景为创作取景，而在釉上彩山水画中这四季变化的取景方式以更为丰富的陶瓷釉上品种来表现，例如雪景的艺术表现在釉上粉彩中玻璃白的运用，将雪景的体积感厚度表达得淋漓尽致。在取景构图上釉上彩山水画同样有着“高远、深远、平远”的“三远法”。作者在描绘远处山峦微微起伏的深远视觉，和由近处山下河流运动至山上松林耸立的高远及由近致远的平远视觉体现出釉上彩山水的视觉丰富变化的运用，结合空白处云彩及河流的空间留白使得画面在视觉丰富多彩的同时，又有对虚实结构把握的艺术运用。这种特殊透视法可以说是一种时空观，讲究以“仰视、俯视、平视”的不同视点来描绘山水景物，打破了一般绘画以一个视点焦点透视观察的局限性。这也是国画山水不同于西方风景绘画的构图透视方法。在釉上彩山水瓷画的创作中，当代创作者应用传统的山水构图“三远法”并受西方绘画的透视构图影响，将其融入其中，对崇山峻岭、万里山河的磅礴气势，树木、竹林、泉水的俊秀雅意等山水风景绘制于不同陶瓷器型之上，形成既有传统国画深远的空间布局又有对近大远小的细节描述构图方式。
山水题材的艺术表现长期深受大众所追崇，釉上彩山水画的问世及发展至今，传统山水国画与当代釉上彩山水瓷画的相结合在传统的山水画上突破了材质的单一性，平面艺术表现转为更加立体的视觉表现。并且在形式、意境、人文表达等各方面都更加地丰富，是当代釉上彩山水瓷画在传统山水画上的材质和内容上的创新，这对于推动和继承传统山水题材艺术有着极其积极的意义。
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陶瓷知识浅析：论现代重彩山水瓷画的艺术特色与表现形式，文/江和平
重彩是中国传统绘画的重要表现形式，其绘制精致细腻、色彩艳丽厚重，因其具有强烈的装饰效果和工艺特性而在陶瓷绘画中得到广泛运用。
山水瓷画是中国陶瓷绘画中的重要类型，发展历史源远流长，衍生出许多风格流派，大致可分为工笔和写意两大类型，无论是工笔类还是写意类都存在着重彩形式，重彩是山水瓷画中最常采用的表现形式之一。重彩山水瓷画是传统彩绘山水中最常见的类型之一，在现代山水瓷画中，重彩形式依然得到普遍采用，但是与传统重彩山水瓷画相比，现代重彩山水瓷画在艺术特色与表现形式上均有着非常显著的差异，值得我们去深入探讨与研究，在理论上加以不断完善，以利于重彩山水瓷画艺术的继续发展。
一 现代重彩山水瓷画的源流和发展历程
山水瓷画起源于唐宋时期，不过受到彩料工艺的限制，并没有实现重彩表现，唐代长沙窑率先出现山水瓷画，但其山水瓷画采用的是高温褐绿彩描绘，虽具有一定的重彩特色，但是色彩主要仅局限于褐彩和绿彩，还不能算真正意义上的重彩山水瓷画。宋代的磁州窑中也出现了山水瓷画，采用黑料绘制，大都是以白描的形式来表现，与当时的黑白版画效果类同，有着工笔画的性质，但是却没有施以彩料，因而并没有重彩山水瓷画表现。元代时也没有出现重彩山水瓷画艺术表现，一直到明代，由于在釉上彩工艺上有了很大突破，情况才有所改变。明代山水瓷画的主体是青花山水瓷画。青花山水瓷画主要为单一的蓝色调表现形式，虽其中有丰富多变的色调，但仍然不属于重彩形式。不过，在明代出现了一些较为成熟的釉上五彩山水瓷画，初步具备了重彩的特征。明代的釉上五彩并没有完全成熟，其中的蓝色仍然需要由青花来表现，从而形成青花五彩类型。明代晚期，五彩和青花五彩中都出现了很少量的山水瓷画形式，构图大都比较繁缛，纹饰构图丰富而饱满，五彩缤纷，以鲜艳的红色和绿色为主，属于重彩表现形式，但是其线条、色彩和意境均不尽人意，属于重彩山水瓷画的早期形式。直至清代时，重彩山水瓷画才真正进入到发展高峰期。康熙时期的釉上五彩在工艺技法上达到了高度成熟，发明了釉上蓝彩，并且黑色更为纯正，在此基础上，五彩山水瓷画进入到真正的重彩时期。康熙时期的五彩和青花五彩山水瓷画大都绘制精美、色彩鲜艳，具有热烈奔放的民间气息。清代雍正时期出现了粉彩山水瓷画，不过由于雍正帝对淡雅画风的偏爱，使得粉彩山水瓷画的艺术表现以写意和工笔淡彩为主，极少有色彩浓烈、构图繁密的作品。而到了乾隆时期，由于乾隆帝对奢华富丽艺术风格的喜爱，粉彩瓷的装饰迅速趋向于繁缛，粉彩山水瓷画也受到这一风气的影响而步入到重彩发展阶段。乾隆时期的粉彩山水瓷画是重彩山水瓷画的发展高峰期，与康熙五彩山水瓷画的绘制技法相比，色彩更为丰富、线条更为细腻，层次感和立体感更强烈，从画风上来看，也使重彩山水瓷画从民间风格为主进入到宫廷院体风格时代。乾隆官窑粉彩山水瓷画是由宫廷画师制作画样，然后交由景德镇御窑厂的粉彩画匠们依样描绘，由于乾隆时期著名督陶官唐英的努力，粉彩画匠们技艺高超，使重彩山水瓷画达到与宫廷重彩山水画艺术效果几乎一致的水平。乾隆粉彩山水瓷画是古典时期重彩山水瓷画的杰出代表，构图繁密、线条精细、富丽堂皇。但是乾隆之后，清代国力不断下降，粉彩山水瓷画绘制水平也随之下滑，重彩山水瓷画逐渐呈现出粗糙和庸俗的倾向，在品质上与乾隆盛世时期无法相提并论。清代末年，粉彩瓷趋于衰弱，兴起了浅绛彩瓷，浅绛彩山水瓷画设色柔淡，具有很强的文人写意画特色，它的问世使重彩山水瓷画趋于没落。民国时期，新粉彩崛起，这也成为现代重彩山水瓷画的发端。尽管新粉彩被认为是具有文人特色的陶瓷绘画类型，但实际上，从山水瓷画来考量，其很大一部分是属于重彩山水瓷画范畴而非写意。新粉彩山水瓷画的代表人物是"珠山八友"之一的汪野亭，其山水画作风格基本属于青绿山水风格，在设色上以浓重的绿色以及蓝色为主，也属于重彩类型。作为现代重彩山水瓷画的萌芽形式，新粉彩山水瓷画与古典重彩山水瓷画的风格有着较大的差异，在构图和笔法上更注重文人品味，意境上更加悠远，表现出一种雅俗共赏的品位，并且吸收了大量西方绘画元素，在光色处理上具有立体感觉。上世纪80年代以后，中国陶瓷艺术开始向现代化迅速转变，这也是中国现代重彩山水瓷画真正崛起时代，从表现形态和意识理念等各方面不断摆脱传统的束缚，而向现代化迅速转变。特别是进入到21世纪以后，现代重彩山水瓷画艺术面貌更是日新月异，传统创作观已转变为现代创作观，所有的僵化程式均被打破，从色彩、材料到技法均被全方位的疏理与整合，从而摆脱了传统重彩山水瓷画面目陈旧，程式化严重，长期停滞不前的被动局面。在三十多年的快速发展中，中国现代重彩山水瓷画经历了西方化和本土化融合的历程。西方现代艺术的影响是推动现代重彩山水瓷画崛起的主要力量，自上世纪80年代以后其影响逐渐加深，现代重彩山水瓷画中大量的借鉴了西方古典和现代油画艺术技法与观念。除去显而易见的欧美油画风格影响以外，日本的现代山水画对中国现代重彩山水瓷画的影响更深。观察当前活跃的中国现代重彩山水瓷画风格，可以发现受日本"朦胧派"风景画风的影响比较普遍，主要仿效东山魁夷画风。在效仿西方风景画的基础上，中国现代重彩山水瓷画艺术家们努力将传统民族文化特色与之融合，从而形成具有中国气派的现代重彩山水瓷画。
二 现代重彩山水瓷画艺术特色
现代重彩山水瓷画融合了西方现代风景画的表现形式与方法和传统重彩表现形式与方法，将科学的光影处理与东方的装饰色彩有机融合在一起，形成了别具一格的艺术特色，主要可以归纳为主观性、个性化、多元化、时代感和立体化等艺术特色。首先，强烈的主观性和个性化是现代重彩山水瓷画最突出的特色。现代重彩山水瓷画的主观性和个性化特征是紧密联系在一起的。从主观性来看，无论是在点、线、面的处理还是色彩、构图关系的处理，现代重彩山水瓷画均表现出强烈的主观意象性，强调个人主观感受，将个人情感、体会以及世界观、艺术观等均融入到作品当中，从而在作品中形成强烈的主观性艺术美。这种主观艺术美感是与客观相对应的，它并不是以写实的手法来表现自然山水之美，而是一种更加理想化的艺术美，是不以对客观世界完全写实为目的的表现方式。由现代重彩山水瓷画的主观性特征很自然地生发出个性化特征。由于每个艺术家的思维模式、艺术修美、个人喜好以及人生阅历都有较大差异，因而创作者在作品中进行主观表达时是依据自身的喜好和对山水的个人领悟来进行创作的，从而使作品具有强烈的个性精神，这也是现代重彩山水瓷画风格多样、异彩纷呈发展的基础。其次，多元化的审美风格也是现代重彩山水瓷画的主要特色之一。现代重彩山水瓷画的主观性和个性化，使得表现形式、风格流派丰富多样，呈现出显著的多元化特征。现代重彩山水瓷画艺术风格多种多样，各具特色：有的作品色彩庄重，线条讲究功力，具有古雅而沉静的古典之美，如古雅彩山水瓷画即是颇具古风的现代重彩山水瓷画重要流派，是由程元璋先生于上世纪80年代末所创立，主要效仿院体重彩山水画风格，构图严谨，线条精细、设色瑰丽，在再现古典院体山水画方面独树一帜；有的作品线条简洁流畅、色块大而鲜艳，具有单纯、简洁的装饰之美，这类作品明显地受到了西方色彩构成主义表现手法的影响，具有西方现代派画风，与古雅彩山水瓷画等古典式风格恰好形成鲜明对比；有的作品则表现出非常浓烈而绚丽的民间艺术之美，如21世纪以后开始兴起的古彩山水瓷画，山水题材在传统古彩中是缺失的一环，而近些年来，在饶晓晴等艺术家的探索下逐渐兴起，其保持了传统古彩的色彩和线条特色，具有浓郁的民族本土文化气息；有的作品则充满朦胧清丽的诗意之美，受日本现代朦胧画派的一定影响……。现代重彩山水瓷画审美风格的多元化，完全突破了传统重彩山水单一的审美品位。这也使得现代重彩山水瓷画形成一个灵活自由、充满活力的体系，各种风格得以兼容并蓄，为其未来的发展提供了非常广阔的空间。第三，强烈的时代感是现代重彩山水瓷画又一突出特征。现代重彩山水瓷画的各种风格流派大都兴起于改革开放以后，是艺术家在新的时代背景下锐意创新、勇于探索的结果。上世纪80年代以来，中国民众的物质和精神生活已经发生了翻天覆地的变化，城市化的进程加速发展，形成了新的以都市人的审美为核心的新的审美趣味，而于此同时，西方文化艺术形式与理念大量传入，使我国民众的审美倾向发生了巨大变化，单纯的传统古典形式已经无法满足日益增长的现代人的审美追求。因此，现代重彩山水瓷画艺术家们已经几乎摒弃和突破了所有固有的传统程式，从艺术形式到工艺技法上都进行了大量变革，与时俱进，具有强烈的时代感觉。尤其是一些"学院派"陶瓷艺术家，将传统艺术重新解构，采用现代构成原理运用于重彩山水瓷画的创作当中，形成令人耳目一新的形式美感，一些更时尚和前卫的形式也正在实验当中。最后，表现形式的立体化，也是现代重彩山水瓷画的一大特色和发展趋势。现代重彩山水瓷画艺术家利用陶瓷工艺材质的特色，已经完全突破了单一的平面化构成，而步入了立体化的新境界。为达到立体化的表现，现代重彩山水瓷画艺术家们采取了多种多样的方法，如一批艺术家将雕刻手法融入到绘画当中，将山石以浅浮雕的形式表现，从而使附着其上的重彩画面产生强烈的立体视觉；有的艺术家则运用具有立体肌理效果的色釉和颜料进行塑造，有的则将器型本身设计为别致的立体构造，这些具有立体效果的现代重彩山水瓷画具有很强的视觉冲击力。立体化的表现既反映了西方现代陶艺理念和实践的深入影响，也反映了现代重彩山水瓷画家对于材料、工艺等瓷画艺术本体语言的重视程度正在不断加强。
三 现代重彩山水瓷画表现形式
受到新时代审美艺术理念和彩绘工艺技术进步的影响，现代重彩山水瓷画在表现形式上与传统重彩山水瓷画产生了显著的区别，表现在色彩、釉彩、技法、构图等各个方面。首先，在色彩表现方面。现代重彩山水瓷画在用色方面注重现代性，与遵循"随类赋彩"原则的传统重彩山水瓷画有着明显差异。色彩是现代重彩山水瓷画最突出的形式语言，其在传统色彩基础上融合了欧美现代绘画、日本绘画的色彩表现形式，注重色彩的主观性、装饰性、象征性。现代重彩山水瓷画艺术家们往往将创新探索的重点放在色彩上，改变传统粉彩、五彩用色单调的局面，利用格外丰富的新彩颜料和各种色釉，创作出更为瑰丽华美的画面效果。从色彩的主观性表现来看，其表现的完全是内心世界，不少作品用色大胆张扬，色彩出奇不意，新颖别致；从色彩的装饰性来看，现代重彩山水瓷画家们在作品中主要追求的是唯美的感受，大多是积极地对色彩美的展现，注意色彩的对比之美、和谐之美，具有强烈的装饰美感；从色彩的象征性来看，大多数作品的色彩表现是为主题服务的，如表现秋景则采用大片的红色、春景则以绿色为主体等，以突出地显现作品的画意。其次，在釉彩方面。当代陶瓷艺术最大的特点之一即是综合装饰的流行，综合装饰一般是指将两种以上的装饰类型融合在一件作品中来表现。受当代综合装饰表现形式流行趋势的影响，现代重彩山水瓷画呈现出明显的融合趋势，在一幅画面中往往采用两种或两种以上彩绘类型，形式多种多样，从而使艺术表现更为丰富，依靠单一形式进行表现的现代重彩山水瓷画已不多见。现代重彩山水瓷画常见的彩绘融合方式是新彩与粉彩的结合，将新彩丰富艳丽和粉彩粉润柔和的效果融合在一起，显得格外清丽悦目。除新彩与粉彩结合，比较常见的还有粉彩与古彩的结合，粉彩与墨彩的结合。近年来，釉上彩与釉下五彩的结合形式也日渐增多。除彩绘的综合运用之外，彩绘与高温色釉的结合也是一种流行趋势，利用色釉的厚重感觉和色彩的绚丽，将山水之美表现地更为雄浑和壮阔。多种多样的釉彩融合方式，使现代重彩山水瓷画尽显瓷画特有的材质和工艺之美，使其与其他重彩绘画形式拉开了较大距离，形成自身独有艺术面貌。第三，在技法方面。现代重彩山水瓷画艺术家锐意创新，大大突破了传统重彩山水瓷画的技法表现语言，没骨法、写意法、水墨法等也被融入到重彩山水瓷画的创作当中，线条和渲染功力不再占据现代重彩山水瓷画至上的地位，各种独特的勾、皴、点、染替代了单一的线条表现，在施色方面也创造了许多独特的技法，如泼彩、拓印、肌理、晕染、堆积等等。例如泼彩的运用，使彩料不再局限于线条既定的轮廓之内，而是任其在画面上流淌，从而形成一种更为活泼的艺术表现。而为了达到技法的特殊性，现代重彩山水瓷画艺术家在绘制工具的选择上也不再拘泥于传统的圆型毛笔，各类西洋油画笔、水粉笔、水彩笔等扁笔也得到广泛运用，有的更用排刷进行绘制，以面的绘制来代替线条的描绘，使画面更有张力。技法的创新使现代重彩山水瓷画艺术家解除了技艺枷锁，使创作成为发现和实现自我艺术价值的过程。最后，在构图方面。传统重彩山水瓷画多是在小件器上进行，很少在大型载体上表现，受到工艺发展水平的限制。而现代重彩山水瓷画则不然，越来越重视全景式的构图形式，大型陶瓷壁画、大型瓷板、大型瓷缸等作品不断问世，大气恢宏，气势磅礴，尽显新时代气息，使观众充分感受到大自然山水的雄浑壮阔。传统重彩山水瓷画的开光形式是很规范的，而现代重彩山水瓷画的开光形式则往往是不规则和变幻多端的，其构图依据不规则开光形式来进行，具有更高的难度和更自由的表现。受西画透视的影响，许多现代重彩山水瓷画作品着力于实现画面的纵深层次感，从而使构图更为精巧细致，有些作品则注重于现代构成，运用现代构成设计原理进行构图，具有浓郁的抽象意味和装饰之美。另外，现代重彩山水瓷画开始在现代陶艺的器型上进行，其构图形式随千形万状的现代陶艺形态而流转，更为新颖时尚。色彩、釉彩、技法、构图等方面的新拓展，使现代重彩山水瓷画形成新的审美境界，以扩展空间来扩大艺术感染力与表现力，变单一的文人情趣为感人意境，通过新的视觉张力来触动心灵。正是在现代重彩山水瓷画艺术家努力开拓新的表现形式下，才使得历史悠久的现代重彩山水瓷画在新时代焕发出更蓬勃的生机。
浅谈陶瓷山水与国画山水异同
要能够充分运用布局的方法，使画面的布局十分合理，首先应该了解作者对自然山水的观察方法以及借鉴中国画的透视法。国画理论对我们陶艺工作者有直接指导意义，而优秀国画山水作品则向来是我们每个从事陶瓷山水创作者的最好导师。一幅好的陶瓷山水作品，同样具有国画的韵味，因此陶瓷山水与国画山水唯一的区别就是绘制工具、材料的不同，而从构思到创作乃至绘画无不一脉相承融会贯通，像王锡良大师的瓷板画《黄山西海》，与其说是陶瓷精品，不如说是一件艺术韵味极高的瓷上国画作品。因此，也提醒我们应从国画作品中汲取灵感，吸收营养，才能达到完善我们陶瓷山水作品艺术性的目的。综览历代优秀的山水画，有的山重水复，密而不窒；有的一山一树，疏而不简，还有的取全景，使画面览之不尽，如《长江万里》《溪山无尽》《溪山清远》《南巡图》等。还有作局部特写的，明豁爽朗，如南宋素有“马一角”之称的画家马远的名作《寒江独钓图》。画面上，扁舟、微波、渔翁、空白，和谐地组成一幅完整的艺术图象。寥廓苍茫，清新恬静，多么富有诗意!这是一幅从布局到绘画，乃至意境都趋于完美的经典作品。因此，我们应多看古今名人国画和陶瓷作品，学习他们的布局，领略他们的意境。
关于釉上彩与釉下彩的区别！
（一）产生的年代不同
釉下彩：最早雏形可以追溯到宋代，一直延续至今。
釉上彩：在明代从釉下青花彩绘的基础上所创造出来的。
从时间上来说，釉下彩的年代更为久远，从传承上来讲，可以说釉上彩源于釉下彩。
(二)制作歩骤、过程不同;
釉下彩：在生坯或经过烘烤后的素坯上用色料从事彩画装饰，再经过上釉，最后窑烧而成，釉彩和彩绘的纹样是一次烧成，色料充分渗透在坯釉中。
釉上彩：先要烧成白瓷胎的瓷器之后，再在瓷器的表面用色料进行彩画装饰，然后窑烧而成的，彩绘的纹样与釉彩是分开烧的。
（三）烧成的温度顺序不同：
釉下彩：在生坯上直接进行创作，只需要用色料画完后上釉，再经1200℃至1300℃左右的窑火烧成就可以了；如果是在素坯上画釉下彩绘的方法的话，则是先把泥坯用800℃烧成素坯，画完、上完釉之后再经1200℃至1300℃左右的窑火烧成。
釉上彩：先用1200℃至1300℃左右的窑火烧成白瓷坯，用色料画好彩画装饰后，再用800℃进行二次窑烧。
（四）外表不同：
釉是一种透明的、经久不易变的特殊物质。
釉下彩：先用色料进行彩画装饰，再在其上施釉，釉是在最表层的。所以釉下彩绘出来的器物色彩光润，表面平滑，渗透连绵，永不褪色，即使久经磨蚀，只要釉面完好，并不减少产品彩绘时的色泽鲜艳度。所以我们所看到的历代釉下彩绘的文物，如魏晋时期的青瓷、唐代的青瓷、三彩釉陶；宋代的北方民窑出土的黑白彩绘、红绿彩绘瓷器；元代的青花、釉里红（二者均属于釉下彩绘的分支）等虽然年代久远，却均保存的较为完好。作为日用瓷（比如杯、碗、瓢、盆等）是很安全的。
釉上彩：由于是画在釉面上的，色彩表的颜色有几百种，绘制的技法比较容易，表现力极强。但是因为色料并没有与釉料融合，所以所绘制的纹样突出釉面，摸上去有手感，不会像釉下彩那么光滑。
（五）分类不一样：
釉下彩：主要以青花、釉里红和釉下五彩为主。
青花是用一种经高温烧成后呈现蓝色的矿物质颜料绘制而成。在不表现方法上，是以同一颜色的各种深浅不同的色调来表现对象。其特点是：明快、清新、雅致、大方，装饰性很强，素为国内外人士所钟爱。并且在世界的制瓷工艺中有着极为重要的地位。
釉里红用一种经高温烧成后呈现暗红色的矿物质颜料绘制而成。其表现内容和方法与青花无异，烧成后的沉着热情，故一般用来表达“吉祥、富贵”。高级制品中常用此法。
釉下五彩是在青花和釉里红的基础上发展而来的，其特点是色彩绚丽、锦绣灿烂，因为其在高温中也是变化多端，烧成不易，所以很少用来装饰日用瓷。
釉上彩绘主要包括古彩、粉彩、新彩等几种。
古彩是一种较古的传统装饰方法，其名称是有别于粉彩而言的。特点是色彩鲜艳，对比强烈，线条刚健有力，具有浓厚的民间年画的风格。
粉彩是在釉上五彩的基础上发展起来的。色彩多样；在表现技法上，从平填进展到了明暗的洗染，风格和笔法上是传统的中国画的特征。无论工笔写意用粉彩几乎都能表现。
新彩是受外来影响而形成的一种新的彩绘方法，在表现技法上用西画的方法，也可用国画的方法。
六）色料不同：
釉下彩：色料用高温烧成，色料在未烧制前与烧制后的色相变化比较大，而色料中能耐高温的不多，因此颜色的变化极难掌握。
釉上彩：色料用的是650℃——800℃的低温烧成。由于温度低，许多颜料都能经受这样的温度，故烧出来的颜色变化不大。
(七) 用的调料品不同：
釉下彩：一般来说用的是甘油、牛胶、乳香油、有的甚至用茶叶水来进行调和色彩。
釉上彩：多用的调料是樟脑油或松香油进行调和。
（八）技法不同：
釉下彩：以分水法为基础技法，即在勾好的轮廓线内，用色料填色
釉上彩：以洗水法为基础技法，即先用笔蘸“水色”往坯上塌一笔，然后将笔上的颜色洗掉，挠水反复洗擦。
综上所述为釉下彩绘与釉上彩绘的不同，外行者与初学者从表面的凹凸与光泽度就基本可以区分了。
山水画传统技法解析——巨然
巨然是南唐至北宋的著名山水画家，江宁(今江苏南京)人。初在南京开元寺为僧，宋开宝八年(公元975年)，后随南唐后主来到都城汴梁(开封)。巨然的山水画遭到同乡董源的指授，深得其神韵，岚气清润，积墨幽静。
沈括有诗句说：“江南董源僧巨然，淡墨轻岚为一体。”开创了山水画的一大派系。从宋代的米芾到明末的董其昌，对他们无不推崇备至，尊为师祖。他们的画，“写江南真山，不为奇峭之笔”，画得苍茫浑厚，生气勃勃。江南多土山，所以山石采用披麻皴，山头作累累积石，谓之“矾头”。这些技法特点，都是从自然中提炼出来的，它把隋唐以来的山水画技法，推进了一大步。巨然的真迹如今还可以看见，上海博物馆所藏《万壑松风图》，很能够反映他的风貌。
仿巨然石法
巨然作山石，多用长条般的皴笔平列或交错而成，习见的一种是长披麻皴，多用在大片的山坡上，而体积较小的“矾头”，则以较短的皴法和渲染来表现。
皴笔以中锋为主(到元代当前，这类皴法都以侧锋为之，故枯薄起来，)下笔松浑自然、表现出土山的质感，与关仝挺劲的“钉头皴”不同。山石勾皴之后，用枯笔点苔，多作斗圆形、点点着实 苔点是自然山石中丛树，灌木和杂草之类的概括，它在绘画手法上起着点睛提神的作用。自董源、巨然之后，点苔的方法被逐渐运用，渐渐构成山水画“皴、擦、，点、染”的技法程式。
巨然画树，树干多波折，甚至作蜷曲之状，姿态多变化，给人一种韵律感，仿佛有山风吹动的意味。点叶多浓密(很少作夹叶)，给人繁茂苍润之感。
仿巨然笔意·平远法
平远法要求平中见远，下图写行舟苍茫江上之景。史称巨然善写“水深密林”、“烟岚气象”，此图正是追仿其意的。图中带有波折的横划线条，表现沙洲和水波，是一种概括的手法，后人常有效法的。远山层层叠影，烟雾迷蒙，很有真实感。元人多拟之。
仿巨然笔意·高远法
不论浓郁的丛林、挺拔的峰峦，还是清澈的泉流、隐约的山道，皆可窥见巨然的风貌。图中笔调浑厚的披麻皴山石，正阐明这里描绘的山峦是以土质为主的。山巅和“矾头”上的焦墨破笔点，簇簇落落，从空落下，更见精神，正是巨然的创造。高远法，实践上就是山峦林木的堆叠法，或叫叠嶂法。需求留意的是通幅的气势和互相的照应。安排流泉、山路的方法，是一个好的传统，仿佛人体的血管，可以使整个画面灵动起来。
仿巨然笔意·高远法
《清晓》是从巨然画法中出新的，着力刻画清晓的意境。由于借用了巨然平远的章法和苍润浑厚的笔调(繁郁华滋的丛林、简淡苍茫的水坡)，所以能够做到笔简而意深。简淡清新的远山结合了新法，而用疏落的苔点，与前景一致同来，所以并无僵硬之感。
康熙瓷器上的米芾山水画
历史上，米芾的山水画另辟蹊径，孤清人王世贞谓之“不过一端之学，半日之功耳”。“米氏云山”确是丰富了中国山水画的语言方式，在山水画史上占有一席之地，米芾提出的“寄兴游心”和“墨戏”的绘画美学思想，崇尚天真平淡的画风。
米芾山水之风格对宋代以后文人风格艺术的发展产生深远影响，甚至于17世纪的康熙瓷上亦可见。
清康熙 青花仿米芾山水图棒槌瓶
这是一件用青花绘制，康熙时期景德镇画师绘制的仿米芾山水图棒槌瓶，此瓶盘口微敞，束颈折肩，直腹筒身，腹下渐收，器硕恢宏，奔放雄逸。圈足，底部折转处平修二层台，底心内书青花双圈花款。可视为米式云山风格绘画加诸其它艺术载体，创造的又一精品佳作。
其瓶施白釉凝似雪脂，用青色淡料墨戏犹如烟云变灭，逸趣高深；束颈摹墨竹图景，杆枝如弓，青叶如剑，折肩以下绘云山通景图卷，乃见瓶身青山迭出，云墨幻化，并点有屋舍数间，散染重墨树丛，疏落有致。观此山水图卷，远近山势重峦叠嶂。近景枯林高耸，林舍掩半，右设左依孤峰巨石，墨染苔地，高下参差；上起平式峰峦，间有茅亭云海，环接江面水岚，远浦归帆；远景左右青峰入云，缭绕寺阁，以简为贵，气意宁静。其三段式构图如北宋郭熙，而云山本法自赵宋二米，取之雅淡迷离，合以巨嶂气势，出若有无，青峰绝尘缥缈，意在笔先，惟不失天真烂漫之情。
器物装饰之艺术，在于二维平面之立体化。本瓶施绘者利用器物长方形器身与中国书画立轴画面相似特点进行创作，绘通景云山图，使之测视如观赏中堂，环视则有书画手卷展阅之效果，艺术趣味浓厚。
宋元以来米家山水尤为仕人所重，如明代董其昌著《画禅室随笔》云“米家山谓之士大夫画”，可见推崇。美国大都会博物馆即藏有一幅董其昌仿米芾山水手卷；另有台北故宫博物院藏元高克恭作《云横秀岭》，亦见山岭笔墨多白云，近景水渚之茅舍，参染米家树点，笔法心意，与本品画意相近。
元 高克恭 《云横秀岭》 绢本着色，纵182.3厘米，横106.7厘米 台北故宫藏
米芾（1051—1108），初名黻，字元章，至元佑六年（1091）开始用芾名，自号海岳外史、襄阳漫士、鹿门居士、淮阴外史、净名庵主、溪堂、无碍居士等。世居太原，迁居襄阳，后定居润州（今江苏镇江）而卒，故《宋史》本传称吴人，徽宗时为书画博士，后任礼部员外郎，世称“米南宫”。
米芾绘画上的成就主要还是在山水画上。他不喜欢作危峰峻岭的北方山水，却情有独钟地作江南的山山水水。虽然他的画作已经看不到，但我们可以从其子米友仁的传世作品中领略到米氏云山独特的神韵。
米芾与米友仁父子所绘山水图，变态万层，多在晨晴晦雨间。清代郑绩著《梦幻居画学简明》，称米氏父子“雨点皴全用点法，宜于雨景也。”雨景之法始于米元章，故人皆称为米点。元章天性活泼，不入纤小，随意点缀，便成树林、山石，或浓或淡漠，乍密乍疏，模糊处笔墨之迹交融，明净处点渲之形俱化。一幅淋漓，不必楼台殿阁。若有若无，自有雨中春树万人家景象也。米家发源北苑，写山亦有轮廓，写树亦有夹叶，盖变北苑之披麻专取北苑之雨点，自成一家。今人不味米中奥旨，辄曰米画易学，殊为可惜。友仁画仍用雨点，但用笔稍细致，变大米而成小米，所谓雨点法即米家父子法也。
朱丽雅·柯蒂斯博士曾探讨过这种米家山水风格的康熙青花瓷，认为这是一小组在康熙早期刻意设计制作的卓越作品。这组山水瓷的意境、构图、笔触与皴染皆完全依照米芾原作精心制作而成，将复古与慕古的情怀从绢纸上转移至瓷面上，极富文人趣味与美学理想，应该属于高级的定制瓷，堪称17世纪文人瓷器的典范。
港佳士得拍清康熙青花米芾山水图棒槌瓶
除本件外，另有一例杰作，来自英国铁路退休基金会旧藏, 见2015年香港佳士得春拍，第3226号。清康熙帝以董其昌书法为宗，将董书常列于座右，晨夕观赏，遂使董其昌书画风靡一时，这类器物皆即于此一时代背景下创作而生。香港佳士得拍卖曾于2004售出一幅康熙帝御笔仿董其昌山水，可见连带董其昌推崇的米家山水也成为17世纪由上至下的文人圈的重视，这一组精彩的米家山水样青花瓷的设计与制作，正是在这个独特的文化背景下诞生的。
乾隆山水纹五彩将军罐
将军罐是汉族陶瓷艺术的珍品，因宝珠顶盖形颇似将军盔帽，故而得名。将军罐始见于明嘉靖、万历年间，至清顺治之气基本定型，盛行于康熙朝。其器形体高大，各朝其形略有不同。常见品种为青花、五彩器，此外还有黄釉、茄皮紫釉、三彩等。
清代顺治时期基本定型，造型为直口、短颈、丰肩、鼓腹。腹下部渐收，多为平底无釉，通体浑圆，器型高大。康熙时期，是将军罐广为流行的时期，这时的造型，使得将军罐的造型显得挺拔向上，气魄宏伟。
由于将军罐的造型受人喜爱，因此一直延续到乾隆时期官窑都大量地烧造，有戏曲人物、神话故事，这些题材纹饰比较繁缛，在小器物上很难展示，而高大的将军罐，则可以将这些题材全面地展示出来，深受皇室所青睐。
此将军罐制作精美，绘画超然气势雄浑，最能代表中国瓷器文化之魅力。器型端庄秀丽，釉质肥厚莹润，色彩浓艳，透明度强。顶部宝珠为莲花形，圣洁而优雅。顶盖施红釉绘卷草纹宝相花，颈部施黄釉亦绘卷草宝相花纹。腹部通景绘有山水、树木建筑房舍，整体画面疏密有秩，笔法细腻多样，具有画龙点睛的艺术效果，空白处金点相映，对比鲜明，构图繁简得当，具有很强的艺术魅力，不愧为乾隆帝之御用器。
青山郁郁，峰峦起伏，绿水潺潺，岸边古柏参天，几处楼阁掩映在青山松柏之间。旁生二三粉嫩花树，明媚动人。江水中一叶扁舟轻驰，舟中二人正欲向临水楼阁而去。不远处岸边亦有二人对坐，相谈甚欢。
远处群山隐隐，天际留白，一派幽静隐逸之风。用色自然悦目，构图张弛有度，深得国画风骨。青山，绿水，苍柏，点缀红墙黑瓦，娇粉花枝，人物悠然天地之间，恬淡清雅，静日逍遥，令人心旷神怡，把古代中国文人浪漫的情怀一览无遗。
本品造型端庄，做工精致，布局错落，颇得章法，构图精妙，疏密得体，笔触运用灵活，内涵深刻丰富，颇具中国古典水墨画的情调，使之精巧绚丽，富丽堂皇，尽显贵族之气。
瓷画掇英
清末民国初期的浅绛彩瓷是文人画家的瓷绘作品。民国年间的景德镇瓷画艺人致力于把纸绢上的中国画移植到瓷器上，因此瓷板画受到了人们的青睐，成为了重要的商品瓷。加之民国时期市场的旺盛需要，促使瓷板画的创作一派繁荣，产生了一批对后世有重要影响的瓷绘艺术家。以王琦为首的“珠山八友”是此间瓷画的杰出代表。除珠山八友外，还有一大批造诣深厚的瓷画艺人，有的水平并不在珠山八友之下。另外瓷板的烧造、颜料的配制、色彩的填绘等，都达到一个新的高峰。
有一幅由民国时期多位名家合作烧造的瓷板画精品，由吴霭生烧造瓷板，汪大沧绘画、余灶昌来填色、汪野亭题跋，珍贵异常。
画面山峦延绵，层层叠叠，树木葱茏，天高云淡。远眺山间江面，水天一色，几叶小舟，漂游其间。近看一座高山耸峙，曲径蟠延，塔立峰顶。山坳屋宇一座，周围桃花盛开，溪水潺潺，小道蜿蜒。小道上两人缓行，前为老翁，手持拄杖，后有书童，携琴而随。整个画面以青绿彩料敷染，勾皴并用，树干淡赭，桃花洋红缀点，一派春光，溢出画面。
左下角，题款“大沧画”。两方印章：汪一粟、大沧。
右上汪野亭题跋：
高山流水天然韵，报得琴来不用弹。
戊辰暮春，灶翁以大沧画索题，嘱曰：此非卖品，是吾一生工作之成绩，留为子孙永远之纪念。美哉！美哉！我以吴霭生胎，汪大沧画，余灶昌色，诚瓷品中三杰也。赞之曰：惟精惟一又如我。灶翁先生之炼性三宝而归一者欤。民国十七年岁次戊辰为灶昌余大朦子奇哂正。
翥山传芳居士野亭汪平书并题。
后有一圆形印章“汪平”，一方形朱文印章“野亭”。
从这幅画的题跋中可以知道，余灶昌是一位在景德镇长期专门从事彩瓷填绘的艺人，1928年暮春之时，精选吴霭生烧制的白釉瓷板，请汪大沧绘画，自己亲自填色，恭请汪野亭题跋，欲将该瓷板画传与子孙作为永久的纪念，非一般的普通商品瓷画。
汪大沧（1901-1953年），号一粟，别号桃园老农，安徽黟县人。毕业于浮梁乙种工业窑业学校，曾经名师潘匋宇指点，又从毕伯涛学习诗词。他成名时间稍晚，虽未列入珠山八友之中，但风格与之相似，绘画技艺不在珠山八友之下。20世纪40年代开始在景德镇享有盛誉，以秃笔画粉彩山水，用笔简练沉着。这幅画描绘精细，体现出汪大沧意境开阔、山水苍茫的风格。
汪野亭（1884-1942年），珠山八友之一，名平，号元鉴，又号传芳居士，江西乐平县人。1906年就读于江西省立窑业学校，先从张晓耕、潘匋宇学绘花鸟，后改山水。他身体力行改革瓷板画的画法，移植国画技法于瓷板画中，还以油彩一改瓷绘山水呆板单调的缺陷，使粉彩山水更具表现力。
吴霭生（1886-1926年），名毓麟，广东南海人。少时经商香港，1909年来景德镇创办合兴瓷庄，曾任1912年成立的瓷业美术研究社社长。在景德镇17年，从事改良制胎色釉的研究工作，创造的新白釉“为古所无，人见之诧异钦羡，公之名洋溢中外矣”。其釉色洁白如玉如丝，被称为“五绫窑”。民国初年的许多瓷画名家专门选用吴霭生的白胎瓷。时至今日，能够肯定为吴霭生的白胎瓷已经很难见到了。这块瓷板平整无瑕，釉质莹润，白色纯正，为吴霭生烧制的正品。
清代官窑的粉彩瓷由朝廷颁发的画样，工匠照描于器物之上，再交由填色工匠填色。瓷板画的工序相类似，瓷绘艺人在瓷上绘出大致图案后，交由填色艺人精细填色。填色技术亦有高下，地位却不同，往往为后人所忽视，瓷板画上一般只有画者留字题名，而填色艺人大都默默无闻，留有填色者姓名的作品几乎没有。
余灶昌，我们知之甚少，只晓其为安徽人，1928年汪野亭称余灶昌为翁，那么余灶昌当生活在清代晚期和民国前期。余灶昌擅长粉彩颜色，填彩用色准确，浓淡适宜，层次丰富，准确描绘了画者所要表达的意境。这幅瓷画彰显了景德镇一代填色名师的风采。
汪野亭在题跋中将吴霭生的白釉瓷板、汪大沧的绘画和余灶昌的填色称为三杰。实际上，由于汪野亭的参与，该瓷板已是瓷中四杰之结晶。汪野亭借古语“惟精惟一”来称赞三位制瓷者，同时也抒发个人对制瓷的态度。
瓷画收藏方兴未艾
瓷板画行情近几年有升温态势。
从“珠山八友”瓷板画的拍卖行情来看，其作品成交额呈逐年攀升趋势。2008年拍卖的王琦粉彩瓷板画《渔翁图》以241.5万元成交；2009年拍卖的王大凡一件《黄山四千仞》瓷板画拍出780万元的高价；在2011年的嘉德春季拍卖会上，王大凡的粉彩瓷板画《禹王治水图》以920万元创个人成交纪录。在数十年的时间里，“珠山八友”瓷板画的成交价格从几万元直线上升到几十万元，甚至成百上千万元。
在业内专家看来，当代瓷画艺术刚刚兴起，尽管在拍卖市场很受欢迎，但还没有引起大规模跟风炒作。
瓷画艺术价值凸显
早在欧洲人掌握瓷器制造技术1000多年前，中国人就已经制作出很精美的陶瓷。“以瓷为纸，将画入瓷”，瓷上绘画是艺术中一个重要的表现形式。
瓷画兴起于清朝中期，至清末民初，景德镇就有一批新安派文人画家“珠山八友”介入画瓷，以画家的主体意识和情感表达，取代理性思维的陶瓷装饰设计，建立了瓷上浅绛彩的陶瓷绘画形式——瓷画。这种以艺术家的主体创造意识为主导的艺术形式，是把器皿和瓷板作为艺术表现的载体，是中国陶瓷艺术的一种新突破。
瓷画发展至今，众多的陶瓷艺术大师与艺术工作者聚集于景德镇，推动其快速而多元化地发展，呈现出百花齐放的景象。在主题上，取材更加多样化，有山水、花鸟、人物等；在表现形式与创作手法上，不仅继承了传统中国画绘画技巧，而且还融入西方绘画的表现形式，将油画、水彩等运用于瓷板画之中，更有大胆创新的艺术风格出现，如具有古风古韵的古彩、粉彩与新彩、古雅彩、珐琅彩、青花分水、半刀泥、高温色釉等将绘画艺术之美和陶瓷工艺之美完美地结合运用，碰撞出更为丰富的作品。
大学副校长宁钢教授介绍，瓷画跟其他画种有相同之处，都是平面艺术，是一种艺术美的表达形式。但是，瓷画又有别于其他画种，就是其具有独特的艺术语言，即陶瓷语言。瓷画不仅能充分展现创作的艺术水平与创作风格，同时因为瓷画的创作难度大，能更完美地体现出绘画技巧与高超的艺术水平和工艺水平。瓷画经得起时间的考验，与纸绢画相比，它的材料物理和化学性能稳定，不怕潮湿，不怕霉变，只要不撞击便不会损坏，像当今世界上许多博物馆保存的中国瓷器就是最好例证。再如，瓷画样式多样，除了常见的长方形、正方形外，还有圆形、椭圆形、扇形、鸡心形、叶形等等，便于家居装饰，既可独立成体挂于客厅、书房，又可当作家具的镶嵌饰物，或制成插屏或围屏等，更符合现代人的审美需求。
画家们在瓷上经过探索，不仅建立了自己丰富的艺术语言系统，而且还有许多特殊的表现方式，是国画、油画无法表达的。可以说，瓷画的综合艺术表现力，已经远远大于其他画种。美国陶艺家温·海格比来到景德镇，看见景德镇蕴藏着如此丰富的陶瓷艺术表现形态，潜藏着如此丰富的艺术表现语言，也为之震惊和兴奋。
现代元素赋予活力
由于瓷画还处于工艺美术的范畴，其发展潜能还不为社会广泛了解，又由于它还处于工艺美术的范畴，所以其发展不尽如人意。
清华大学教授、博士生导师李砚祖认为，时至今日，公众对瓷画的不了解仍是普遍现象，认为瓷画就是工匠的东西，跟纯艺术相去甚远，这其实是一种偏见。瓷画有釉上跟釉下的区别，釉上瓷画有粉彩、古彩、新彩、珐琅彩等，是在成瓷的瓷板上作画；釉下瓷画有青花分水、颜色釉、釉里红、釉下五彩、半刀泥雕刻等工艺，或一次高温烧成，或高温烧成后绘画再用低温烧制，瓷画的每一种工艺都是千变万化的。工艺绘画是一切民间艺术的根源，瓷画艺术是工艺跟绘画结合的纯艺术。
江西省工艺美术大师熊军，大学毕业后来到景德镇从事陶瓷艺术创作。他将高温色釉工艺大胆地运用到瓷画上，形成了自己独特的陶瓷语言，是景德镇新一批“中生代”的代表，这批“中生代”挑起了让陶瓷绘画成为一种独立艺术形式的历史使命。
熊军说，瓷画的艺术表达效果更优于其他门类的画种，瓷画是火、泥、釉跟绘画艺术的结合，是鬼斧神工的艺术，因为很多不可预测性，瓷画也是不可再复制的艺术品。陶瓷绘画所形成的艺术综合表现力，无论是语言形式表现的丰富性、色彩表现的丰富性、各种艺术处理、肌理表现的丰富等等，都是中国陶瓷艺术中最有生命活力的艺术形式。
瓷画收藏日渐升温
尽管瓷画历史并不悠久，但其在海内外的极高声誉地位加之中国画的深厚文化底蕴，使其深受藏家喜爱。近年来，随着人们生活水平的提高，艺术品收藏越来越走入人们的视线，尤其是高端艺术品价格不断攀升，民国时期最负盛名的“珠山八友”瓷板画成了收藏家们竞购的热门藏品，并现身各类拍卖会及展览会。
熊军认为，当代瓷画艺术目前刚兴起，尽管在拍卖市场本来很受欢迎，但还没有引起大规模的跟风炒作。“瓷画本身工艺复杂，艺术水平和成本很高，现在市场价格是被低估的。从材质上看，瓷画有其特有的个性，如果以颜色釉为颜料，在烧制过程中，颜色釉会有变化。因为其创作和复杂的烧制过程中，有许多无法预估的因素，有可能导致失败，也不可能有两幅一样的作品出现。这就形成了独一无二的高艺术价值。”熊军说。
“从收藏的角度来讲，从前作画所用的颜料是矿物质颜料，现在用的是化工颜料，相对颜色浓艳，但浓艳里带一种阴暗的绿灰。在古玩界，对一些古瓷彩釉上以及釉边出现的类似蚌壳内侧的珠光样的光晕，称作“蛤蜊光”。一般30年以上的粉彩都有蛤蜊光，现代工艺也能做出蛤蜊光来，但做的和自然吸收的是不一样的。自然吸收的蛤蜊光，深的就吸收得多一点，浅色的地方就吸收得少一点；但做出来的蛤蜊光都是一个层次。现代的仿品，颜料与白瓷的衔接部分也可以做出蛤蜊光来，但做出来的有一种像过渡色的颜色赭石色，这是高锰酸钾造成的。”大学教授郭文连介绍说，对于当代瓷画艺术市场来说，由于瓷画画家数量稀少，成功作品数量稀缺，瓷画作品艺术价值高，这些共有的特点，推升了瓷画价值，但在投资时需仔细辨别，以免买到赝品。
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