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现代陶瓷设计具有实用功能和审美功能。本文通过平面构成中点、线、面的运用，现代陶瓷装饰材料在运用时营造出的装饰美感，来论述现代陶瓷设计的装饰美。
一、平面构成在现代陶瓷装饰设计中表现
现代陶瓷艺术的装饰形式是多样的，可以是具象的，例如某些祥云纹、山村小景、林景等。也可以是抽象的，例如一些简单的几何纹饰、简单的弦纹、有规律或无规律的点线面等。平面构成是视觉元素在二次元的平面上，按照美的视觉效果，进行编排和组合，它是以理性和逻辑推理来创造形象、研究形象与形象之间的排列的方法。不同的陶瓷艺术产品造型也可以采取不同的装饰纹饰。点、线、面是平面设计平面构成中最重要的元素。将平面构成作为一种表现手法和设计形式，充分运用到对陶瓷装饰设计中去，既继承了中国传统装饰的成就，又促进现代陶瓷装饰艺术设计的发展。它的装饰美可以从以下几个方面体现出来：
1、点在现代陶瓷设计中的应用
以散点式装饰为主的装饰型盘子，一般可以选择集合纹样来进行装饰，通过点的大小与密集程度均匀分散占盘子的一半或三分之二。色彩统一用青花与白色的结合。由于不同的点会给人不同的感受，在陶瓷装饰中的形状和位置的不同，所表达的情感也可能不同。对自由点状型的，则以柔和优美的自然花来点缀，对花瓣的造型采用了点的设计，选择合适的装饰手法和样式，不可机械地照搬所固有的装饰规律、方法，做到灵活及变化。
2、线在现代陶瓷设计中的应用
线的组成结构严谨，富有较强的抽象性和形式感。能创造出多方面的实用特点和创造力的设计作品，与具象表现形式相比较，它更具有广泛性。比如对于以线为主的形式在现代陶瓷中的表现，采用的装饰就是线，通过对现代餐具的造型流线，将线条以分散式的形式组成装饰图案。等距的密集排列线表现出了线的构成形式中的面化的线。营造出现代陶瓷作品中的装饰美和意境感。
3、面在现代陶瓷设计中的应用
陶瓷装饰的意义很广，它不仅包括了构成装饰设计的色彩，还包括色泥、色釉和综合装饰。在现代陶瓷装饰设计中，面与面之间的对比可以采用一些颜色釉形成的肌理表现，肌理代表着材料的不同的质感，能够表现出不图4一样的效果。大多数设计者都利用不同的色块，以拼凑组合的手法在陶瓷作品上进行表现与装饰。如将冷暖两种色调的颜色釉形成肌理的表现形式，运用形式美的规律和法则进行夸张的变形的这种艺术手法，达到不一样的现代陶瓷装饰的视觉艺术效果，使整个作品营造出旋律、节奏和意境方面的氛围。
简洁的的陶瓷艺术产品，也是现代陶瓷装饰的一种趋势。在简洁中呈现出多层次的色块造型变化，统一中又组成视觉元素的虚实关系。
点、线、面是实现现代风格特点不可缺少的重要途径，现代陶瓷艺术创作者应该明确平面构成的装饰设计必须清晰有度、层次分明，明确以哪种方式为主，而且要深刻体现出要表达意义的主题。
二、现代陶瓷装饰材料设计的装饰美
陶瓷装饰材料的载体可以分为三个部分：泥料、釉料和彩绘，另外在工艺手段上可分为肌理和绘画表现手法两种。现代陶瓷装饰在设计的同时，对载体的功能和工艺的手段上都有了新的尝试。由于陶瓷装饰设计在形式、工艺及材料的选择和运用上都没有固定的模式，这就为陶瓷设计者提供了较为自由的创作空间。然而，鉴于各种装饰材料有其本身固有的工艺特性，这就要求艺术家们在进行创作组合时需要对装饰材料有一个驾驭的能力，做到繁而不乱，处理好部分与整体之间的关系，达到独具风格的装饰效果。
1、色釉彩绘装饰
陶瓷装饰设计在表现手法上包括肌理和绘画两种表现手法，其中绘画表现手法包括：釉上、釉中、釉下，通过青花、粉彩、古彩、新彩等手绘表现形式，在陶瓷上传达出一种视觉美感和艺术形式。
如为手绘色釉装饰瓷板画，风格迥异的色釉装饰使得画面丰富精致，它是在烧好的白胎上，用珠明料作画，填好粉彩颜料后，再次入炉750℃左右温度烧制。由于施釉的不同工艺、多种釉的并用，以及烧成过程中发生的窑变，升华了作品表现的意境。从美学的角度来看，这种意境既有艺术家个性自由奔放的主观情感，又有客观现实的升华意境，寓情于景，情景交融。用色釉的丰富变化来表现情与景、意与境的统一，产生出意犹未尽的艺术美感。
2、釉料彩绘装饰
新彩是陶瓷釉上彩的一种装饰技法，也是现代陶瓷装饰手绘技法用的较为广泛的一种。比起其他传统的陶瓷装饰方法少受工艺流程与色料的制约，同时也具备了强烈的艺术装饰美感。结合了花卉、花瓶、蝴蝶等动植物以及经典的纹饰，以一种古朴的绘画技法表现出现代创作思想和艺术风格。
三、结语
伟大艺术家王尔德曾经说过：“明显地带有装饰性的艺术史可以伴随终身的艺术”这句话充分体现了艺术家对装饰意味在绘画中地位的充分肯定，它们认为脱开具体对象，充满自由的色彩，可以用各种方式打动人们的心灵。优美、匀称和节奏感的线条与块面，可以给人带来和谐感。
随着科学技术的发展和人们审美意识的提高，为了满足和适应人们物质和精神生活不断提高的需要，陶瓷艺术家们不断拓宽陶瓷装饰的应用范畴和创作思路。现代陶瓷装饰艺术作为一门新兴的艺术陶瓷产业在展现出作品装饰性的同时还能展现出创作者的思想情感。
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茶具设计中的异形美
随着人类生活质量的不断提高，人类对茶具造型的要求越来越高，人们不再满足于茶具功能性的需求，更注重茶具精神性的需求。本文将通过论述异形美在茶具造型设计中的应用，来提高茶具造型设计的形式美感，以便于能够进一步设计出符合消费者需求的茶具造型。
一、茶具造型中的异形美
（一）异形美的定义
“日用陶瓷中的异形是指不能采用拉坯成型和机械压坯成形的形体。异形的造型设计是借助雕塑的形体创作语言，在使用功能制约下的造型设计方法。”这就打破了现代社会追求产品批量化、标准化的固有形态模式，而异形美的融入则给人们带来了新鲜的视觉感受[1]。
（二）异形美的实例分析
由于信息技术的不断进步，人们的生活方式也在不断的改变，个性化则成了时代的特征。设计师们不断的追求造型的异形美，所以茶具的造型设计渐渐趋于多样化，具有新的功能效用、新的形式美的茶具被创造出来。如路易吉·卡拉尼的异形茶具造型。其壶体的造型独特，稍稍倾斜，形体饱满，犹如蛋体。把手的不规则、壶嘴与壶口的平行一致都表明了他的设计打破了传统样式，充分体现了作者超前的设计意识，实现了作者追求“以人为本”的设计理念。
（三）异形美在茶具造型中的影响
异形美打破了传统的造型模式，追求新观念、新形式与新的审美意识。不管是茶具设计还是其他产品设计，异形造型首先都要从人的使用方便这个角度出发。在这个基础上再考虑造型对人们的心理影响。这就要设计师们释放思维，大胆设计，突破条条框框，不断设计出适应使用者审美上的追求和心理上的需要的产品造型。
二、影响茶具异形美的因素
当人们对产品的物质需求得到满足后，就会逐渐追求精神层面上的需要，以至于精神需求占领主导位置，而异形设计丰富了造型的表面语言，弥补了传统造型的不足。
（一）异形美茶具中的均衡与稳定
均衡与稳定成为在设计茶具时首先要考虑的因素。在传统的茶具造型中常常使用壶嘴、把手和壶的三平分手法，力求造型上的均衡。在异形茶具设计中，有些形体本身是倾斜的，所以在设计时要达到均衡则要注意其倾斜角度。
如图1，设计者在茶具设计中针对均衡与稳定采取了传统的手法，壶身采用球体作为设计元素，虽然球形具有明确的形状，并且处于静止状态，但是却能给人一种动态的感觉。表情的凸起和壶体形成反差，这样突出了作品的个性化，刺激了视觉感官的冲击力。整体的造型像是手托美食的侍者，幽默风趣，做到形式与实用的高度统一。
（二）异形美茶具中的统一与变化
我们在观察事物时，凡是能够使人们产生美感的，不管是具体形态还是抽象形态，它都遵循一条共同的基本原则，就是在整体变化中存在着一种和谐的关系。
茶具异形设计的统一美是指克服过多的异形形态之间的差异性，使差异性之间产生一种协调的美感。人们需要和谐美，是因为它能给人带来秩序和稳定，造成心理上的愉悦感。如图2在表情小茶壶的这套设计中整个壶体与壶的个体表情之间都融合了和谐的要求。从壶把到壶嘴都呈曲线形状，但是在其喜、怒、哀、乐之间又泄露了他们之间的区别，统一与变化赋予了壶体趣味性的变化。
（三）异形美茶具中的节奏与韵律
在设计中通过对点、线、面、形体有规律、有变化的反复使用，从而产生了造型的节奏感和韵律感。韵律的产生是构成茶具造型有规律的变化及有节奏增减的因素，这也构成了造型统一，产品系列化的方法。在茶具造型设计中，有诸多的韵律表现形式，如起伏变化着的韵律，连续变化着的韵律，渐次变化的韵律等，这些在茶具造型中都是及其常见的。
（四）异形美茶具中的比例与尺度
比例是物与物的对比，而尺度则是人与物的对比。异形茶壶造型的比例不能只考虑满足视觉的享受感，它还要考虑到功能效用的比例，换言之就是异形茶壶造型要考虑到在工艺条件限制下的比例与审美要求下的比例，两者缺一不可。
在设计者的设计中，如图3对于壶盖与壶体大小比例，眼睛与壶体的比例都要适当，假如茶壶的口部过宽或者眼睛过大则会给人笨重的感觉，同时眼睛要在壶体1/2处往上，不易靠上或者靠下，否则造型间的穿插会变得牵强，不够和谐，给消费者的心理上造成不适的感觉，外观上也不能给人美感。
三、异形美在茶具造型中的意义
（一）异形茶具造型有利于打破传统的造型模式
传统的茶具造型模式多以球体、圆等几何为主要的设计元素，壶体造型的变化不大，风格比较单一对称，视觉审美上的冲击力也不大，而异形则弥补了这一缺点，它打破了传统的设计风格，大胆的采用圆弧、方体、折线、转角等元素的配合统一，以及相互间的穿插走动，将单一分离，在简单中寻求变化，在变化中寻求协调，在协调中寻求特色，使茶具造型的美得到最充分的发挥。
（二）异形茶具造型会给人们带来审美愉悦
康德曾经说过“绘画、雕塑甚至还包括建筑、园艺，只要是属于美术的视觉，最重要的一环就是图样的造型，因为造型能够给人带来愉快的形状去奠定趣味的基础”。这句话就充分证明了造型能够给人带来愉悦感。通过异形美的包装使原本静态、单纯、冷漠的茶具造型变得动态、充满趣味，这样方能引起消费者的注意，才能创造出满足人们需要的新产品，让人们的生活更加丰满、舒适。
（三）异形美茶具的市场前景
同样，随着科技的发展，社会的进步，人们思想的开放，消费观念在不断的发生变化，人们对于一成不变、大同小异的造型变化会达到一种审美疲劳，求新、求异的观念越发凸显，这种力量驱动了产品的形式一定要不断变化，与时俱进，异形美就是驱动产品形式美变化的方法之一。它不仅要符合人们的生理需要、安全需要，更要满足人们心理层面的需要，这样的产品更能让现代人“用着舒服”。
结论
现代生活的高速发展，就要求新内容必须突破旧形式，并且改造旧形式，寻求新的体制形式。茶具造型的异形设计所带来的异形美能给人以情感上的享受与精神上的寄托，体现了以人为本的原则。我们要学习研究茶具造型形式美的规律，就必须到美的源泉即大自然中去，到消费者的生活中去。综合人们的审美眼光再加以制作，研究异形的形式美法则，提高美的创造能力，培养对形式变化的敏感性，以便创造出更多、更美的茶具形态。
画鸡源流与陶瓷绘画中的装饰美
鸡是人类饲养最普遍的鸟禽类，在我国有着悠久的历史，据了解甲骨文中有“鸡”字，养鸡在我国有文字可查的历史至少已有几千年，同时也形成了源远流长的鸡文化，内涵丰富多彩。在中国绘画中“鸡”与“吉”谐音，兆示大吉大利，喜庆红火。在花鸟画中鸡的画作以“大吉图”居多，或工或写，或登高鸣唱，或篱间漫步，或花丛追逐嬉戏，或带领雏鸡到处觅食，自由自在，生机盎然。
一、历代画家笔下的“鸡”
描绘鸡类的卷轴面属于花鸟画科的分支翎毛类。花鸟画在唐代独立成画科，在此之前，以鸡为主的绘画题材就已广泛流行，至今已有三千年的历史。画鸡蕴含了丰富的文化内容，因时代和时节的不同，其内容也各有不同，从消灾驱鬼的宗教功能，到政治上的礼教作用和艺术上的审美享受应有尽有。唐代，画鸡已不仅仅是一种个别的绘画题材，它和其他翎毛、花卉、草虫等题材形成了独立的画科——花鸟画，使这一画科专业化、行业化，这是古代花鸟画史的新开端。画家们常常把鸡置于生机盎然的花竹丛中或与其他家畜相伴，表现出和谐的自然生态。
五代画家开始注重精细人微地刻划鸡的外部特征和好斗的特性，为宋人的写实艺术奠定了基础。如南唐画家梅行思，“工画斗鸡，至于爪起项引，回环相击，宛有角胜之势。”西蜀画院待诏画家黄筌的写实能力当时惊倒四方，黄筌十分擅长精绘珍禽的个体活动。据北宋黄休复《益州名画录》载，广政癸丑岁（953年），黄筌在八封殿四壁画花竹兔雉鸟雀，竟引得白鹰从调鹰人臂上频频振翅扑啄，蜀主惊叹不已，命翰林学士欧阳炯撰《壁画奇异记》颂扬黄筌的画艺。这种富丽缜密的画风和安详平和的意境在北宋前期皇室的倡导下统治了一百多年，直到神宗朝（1068—1085年）的花鸟画家崔白才打破了这种缺乏生气的格局。他将禽鸟、走兽等动物置于富有野情野趣的自然环境中，动物之间互有照应，产生出饶有兴味的情节。
传为宋徽宗赵佶的《芙蓉锦鸡图》轴堪称北宋宫廷绘画的精粹。《芙蓉锦鸡图》轴的写实技巧十分纯熟，笔法细腻而不滞涩。山鸡胸腹的红色使主体部分明显突出，与朱色印玺相呼应，雉鸡的白颈又与白菊、白芙蓉花相辉映，在变化中求统一；山鸡周围的芙蓉枝叶均作双勾；再用墨绿轻描淡染，不作细笔，以简笔衬托出雉鸡繁密精细的斑纹；粉蝶以浓墨勾画，醒目而不刺眼，给画面带来了生机盎然的活力；线条皆以中锋细笔勾成，劲挺刚直，花叶用碎笔勾点出外轮廓，俯仰翻侧，各具其态，统一在精雅柔丽、工整繁密的风格中。画幅的右上方书有宋徽宗瘦金体题诗：“秋劲拒霜盛，峨冠锦羽鸡。已知全五德，安逸胜凫鸳。”据西汉韩婴《韩诗外传》云：鸡有五德。画家将鸡所具有的动物本能赋予了人类的五种社会属性：即文（花纹）、武（英姿）、勇（勇猛）、仁（护雏）、信（报晓）。显然，赵佶是借用此图向臣子们宣扬封建礼教思想，这是宋代朝廷灌输忠君思想的具体反映。
中国古代历来强调绘画“成教化、助人伦”的政治功用，尽可能在画中蕴含特定的道德观念和人伦思想。宋人画雌鸡与鸡雏的关系，也寄寓了有关的“仁”的道德观念。
明代画鸡名家多自宫廷画家之手，如吕纪、周全等，皆属精丽华贵的工笔画风。近代画派画家任颐等，大胆尝试以水墨写意画鸡，笔墨放逸而不失灵秀。徐悲鸿大写意笔下的雄鸡，在风雨萧索中鸣唱，则象征着画家渴求光明灿烂的新世界。现代画家齐白石水墨淋漓的没骨鸡雏，展现了新的生机。齐白石的弟子、当代画家陈大羽则以略带夸张的造型和雄浑的笔墨挥洒出昂首 。
综上所述，以鸡为题材入画，艺术上大致经历了四个过程，由宋代的工笔到元代的墨笔兼工带写，明代再折返为工，直到近现代才使写意画鸡成熟起来。画家们从这些寻常所见的弱小生命里感悟到许多人生哲理、道德品性、生活理念以及艺术情趣、生活乐趣等，其中的思想内涵因时代、个人而异。总之，画鸡的题材给我们的审美感受是激情和奋进、安详与平和，从中可窥探到所蕴涵的丰富文化内涵和时代精神。
二、鸡在陶瓷绘画中的装饰美
如果我们溯源最早鸡的艺术形象，该数陶和瓷。在新石器时代，就已经出现了造型新颖的鸡形灰陶壶，而且先民们还在器身上刻画点线纹作羽毛状，让人产生形象的联想。以鸡形作为装饰的瓷壶始于西晋，流行至唐代初年。壶的流做成鸡首状是晋代瓷器的一大特色。西晋时期的鸡首壶特点是壶身、壶颈比较矮，鸡首多无颈，鸡尾很小。东晋壶体略高，鸡首有了颈部，鸡尾消失。取而代之的是略高于壶口的圆股形曲柄。经过东晋到南朝，原来是装饰性的实心鸡首，已经演变成为与器体相通的流，在壶体肩部的一惻塑造了一个鸡首，张嘴啼鸣：与之相应的另一侧安置了一个把手，塑造成卷曲的鸡尾形状。壶腹多为圆饱形状，象征鸡身。有的壶身上还有褐釉彩斑作为点缀，色泽晶莹均匀，自然而有层次感，形态生动，仿佛一只雍容而可爱的锦鸡立于面前，分外亲切。隋代的鸡首壶趋于写实，作昂首曲颈打鸣状，壶柄贴塑龙形饰。
中国陶瓷史上最有名的品种之就是明代成化鸡缸杯，烧制水平高超，胎极精致细薄，施釉极晶莹润白。鸡缸杯在当时就十分名贵，皇帝使用得属万里挑一。据明《神宗实录》载：“神宗尚食，御前有成化彩鸡缸杯一双，值钱十万。”“斗彩”瓷器，是在当年景德镇御窑经高温烧制的雪白的瓷器胎体上，用成化时期特有的釉下淡雅的青花画轮廓线，高温烧第一次，再以艳丽的红、绿、黄等色填在釉上，入窑经低温二次烧成。入窑两次，增加了烧制成本，而且破损率高，这也是鸡缸杯身价不菲的原因之一。以鸡为题材，是家庭和睦或功名富贵的象征。鸡缸杯器型通常是撇口、敛腹、卧足，杯身以斗彩绘雌、雄鸡相伴护雏觅食图， 画面衬以太湖石、牡丹、幽兰，色泽鲜亮而柔和。
清末民初，一批有国画修养的文人墨客进入景德镇，大大影响了当时的传统绘画，其后陶瓷绘画工作者更加注意以中国画的形式入画。珠山八友之一毕伯涛的作品《金鸡喜唱太平歌》粉彩瓷板画，毕伯涛笔下的雄鸡，每一只都挺拔俊秀、威风凛凛，远看有气势，近看有笔墨。阔笔纵横、水墨淋漓的羽毛，配上那朱砂色的鸡冠子和炯炯有神的眼睛，愈发显现出它雄赳赳气昂昂、勇于拼搏的品格。如老艺术家万仁保的作品《声报三秋晓》粉彩瓷板画，中国画形式构图，画面绘一颗粗大的梧桐树，从左侧斜出伸向画外，树后一丛月季，几竿竹枝疏斜穿插。树下雄鸡，或挺胸昂立，或低头啄食，或向前奔跑，生动而富有情趣。右下角的小草坡上几块石头，几株野花，扩展了画面的空间，从中也可以看出作者观察生活非常仔细。画面布局下实上虚，运用不同的笔法表现不同的对象和不同的质感，以横向扁笔作梧桐树干，以拓绘、彩染、勾勒、点彩等多种方法刻画公鸡。而中国工艺美术大师熊钢如先生，他画的鸡个个雄姿英发，气宇轩昂。初观之，如马之奔腾：又观之，有鹰之凶悍；再观之，见虎之王气；喙之尖锐，爪之强壮，冠之鲜红，羽之浓密，眼之明亮——在熊钢如先生那里的鸡已是志高气傲的尤物，再加上以陶瓷为作画的载体，莹润的釉色与画面相融汇，更是使作品熠熠生辉，清新明丽，给人以美的感受。
古色古香的陶瓷融入现代装饰 不仅好看还能用
陶瓷作为一种陈设或者日用品该怎么融入我们的室内空间？
想让室内空间来配合自己的陶瓷软装陈设，很明显就要选择中式花瓶、中式陶瓷摆设，而想要简约的装修，就基本只有新中式这一类了！ 一般陶瓷分为实用性陶瓷和装饰性陶瓷两类。
· 陶瓷摆件
实用性陶瓷以实际使用功能为主，兼顾观赏性。他们多数为日常生活用品，如茶具、餐具、各种盛装食物的器皿等。他们是特定生活空间的存在物，与生活环境构成和谐统一的空间关系。他们在客观上美化了室内环境，丰富了室内空间层面。
无论是影视作品还是现实生活中，陶瓷凳子的出镜率实在太低了。
如果你有一个古典韵味十足的家装室内，那怎么能少了陶瓷凳子呢，不惧怕风吹日晒，只要你不把它砸碎了，它永远都是刚出窑火时的样子。
· 陶瓷凳
装饰性陶瓷不具备实用性功能，只重视精神层面的需求，具有唯美特性。他们在装饰室内空间的同时，也在表达空间主人个人兴趣、爱好和职业特色。他不仅可以作为一件陶艺作品，也可以当做室内空间的一个有机组成部分。
简约新中式注重的简约，所以家具、装饰元素尽量选择线条简洁，不要太过于繁杂，特别是小空间小户型要注意。要在整体现代简洁的基础上把中式陶瓷等中式元素融入进去。
论陶瓷仿古
国人好古，对古器物的仿制从品类上来说，几乎涉及所有现在文物，其中比较突出的有铜器、陶瓷、书画等。从时间上来说与真品的出现同步或稍后，不论何种古物的仿制，都经历过由雅士把玩和被商贾利用牟利甚至扩展成为一个行业的过程。这就有了文野之分，为文人雅士仿制前人字画时既要仿得逼真，又会故意留下破绽以示与真迹有别，荣宝斋的“木板水印”既使人领略到原作的风采韵味，但又如实地载明复制的标注。商贾仿制古物的动机和目的却不同，作伪时唯恐仿得不真，怕被人识破，有意掩饰，甚至将荣宝斋的“木板水印”标注剔除后作为真迹倒卖，以获巨利。
陶瓷仿制品的出现可追溯到宋，那时景德镇从工艺上模仿北宋定窑，逐渐形成青白釉自己的风格，入元后随着官窑在景德镇的设立，官窑瓷器处于独尊的地位，同时也烧制着类似前朝的陶瓷产品，如仿哥、仿定、仿汝、仿越等，但都不属于后来所谓仿古的含义。直到明成化年间出现了烧制书有“大明宣德年制”底款的青花碗才是仿古的开始，但也不是现今意义上的仿古，那时包括成化、仿宣德完全是后一朝代处于对前一朝代的仰慕与追思。此后，仿前代官窑产品屡见不鲜。清乾隆更是进入到仿制古代瓷器的一个盛期，那时几乎仿遍了前朝各代和各地名窑产品。但在整个封建时代，其陶瓷仿古都是官窑仿官窑，其生产出来的也就成了官窑产品，且都不以牟利为目的，所以那时官窑仿名窑并以此来牟利几乎是不可能的。首先摄于帝王的威严，官窑御用器皿的装饰纹样和器型都有定制和年号标志，拿其进行交易，买卖双方都存有极大的恐惧心理，也是一件不可思议的事。其次，官窑瓷器的生产受控于朝廷，其产品是不计工本的，这就从源和流上有效地控制了除官窑以外的窑厂无法生产出官窑同样的产品。就是在清乾隆“民窑二三百，工匠人士不下十万”的繁荣时期，也绝不能进行仿制官窑器皿。直到封建王朝覆灭，皇权的结束，商贾直接介入，才有了真正的意义上的仿官窑瓷器，也就是清末民初是景德镇仿明清官窑瓷器和古代民窑瓷器的鼎盛时期。当时全国各大城市的商贾看好古瓷，尤其是官窑瓷器这一新市场，纷纷到景德镇来定烧仿古瓷，并成立专营商号，如北平的德泰祥、天津的同泰祥、上海的泰兴祥等就很有名。德泰仿康熙青花，康熙胭脂水地五彩和雍正的粉彩瓷器，精细乱真程度是当时同类产品中水平最高的一家；泰兴祥仿康熙民窑一道釉瓷器远销海外，曾令中外陶瓷鉴赏家漏眼；同泰祥仿制历代官窑瓷器历史最长，仿乾隆粉彩、永乐甜白瓷器乱真程度高，仿乾隆粉彩葱心绦龙瓶等曾是三十年代古董商当真品出售的抢手货，当时香港和国内各大城市的古董商人买去不少同泰祥仿制的乾隆官窑粉彩瓷。新中国成立后有的流落到博物馆。现在香港、台北出版的文物图录中有的器物，如台北某杂志上一对乾隆官窑粉彩喜鹊登枝蒜头瓶、香港某杂志元青花釉里红八方葫芦瓶等实际都是同泰祥二三十年代在景德镇仿制的。景德镇仿制珐琅彩也很成功，当时仿乾隆官窑珐琅彩蒜头瓶、橄榄瓶、玉壶春瓶就是文物收藏家沈吉甫先生当真品以十万元高价买下的假古董。
这些仿古瓷器都是在有真正官窑瓷器的情况下，依真品仿制而成的，如同泰祥在二三十年代初就从南池子瓷器库找到三尊清乾隆官窑佛像释迦摩尼坐像、观世音坐像、韦陀立像，仿品仿得惟妙惟肖，为鉴古斋周杰臣先生看好，将仿制品全部买下，随即售往日本。在五十年代中期，这些仿制、销售仿古瓷的商店成堆贱价处理可乱真的仿古瓷瓶时，其中还夹杂着一些原先仿制时所用的真正官窑瓷器。
新中国解放后，时代发生了巨变，当时古玩文物包括真正的官窑瓷器，除非运往香港才值几个钱外，在内地己不值钱了，仿制品更是无人问津，制作和经营仿古瓷器己不复存在。
经过近半个世纪的沉寂之后，景德镇仿制古瓷在80年代初开始复苏虽然时间不长，但也经历过三个发展过程：
80年代初中期，景德镇仿古瓷主要依据图录画册仿制，也无专业作坊和窑炉，全在家中庭院完成坯胎制作、施釉等工序，后搭窑烧造，品类有仿宋影青、元青花和明清官窑器等。民间对元、明、清官窑瓷器较为陌生，仅从图录中认识并以此为据依样仿制，这就无论器型、釉色、纹饰等方面都无法准确把握和仿制到位。
80年末至90年代中期，仿明清官窑瓷器日渐成熟，外地商贾携真品前来景德镇进行仿制，景德镇本地也出土大量的明、清官窑瓷器，人们有较多的机会接触到明、清官窑瓷器的真品，在这种环境氛围下，原来感到陌生的明、清官窑瓷器一下变得真晰起来，景德镇仿明清官窑瓷器达到了一个历史新阶段。
仿古瓷器经过数十年的生产和销售热潮，许多购买者和收藏者也开始冷静下来了，即使见到心仪已久的某件官窑瓷器也变得十分审慎小心，不但要请专家鉴定，还要借助现代科学手段检测和理化分析。为应对这种买方市场的变化，仿制者对专家目测鉴定己积累了许多应对手段，如有的仿制者通过用出土的保留有底款的明清官窑残器进行嫁接安装。因书款多在底部，底款和圈足又是陶瓷鉴定的重要部位，即使进行理化检测也是从底部圈足处取样，这样在同一器物上有真有假，类似书画造假中的挖款移贴方法。
陶瓷仿古的生产、销售在某种意义上，是一个价值转移的过程。即：在仿制的同时把古代陶瓷所具有的特殊价值部分体现在复仿制品中，随着物质生活和精神生活水平的日益提高，人们逐渐认识了古代陶瓷的美学价值，具备了欣赏它的文化素养，并拥有了在满足物质生活的需求之后丰富文化需求的消费能力。人们抱着玩一玩的态度，只要便宜，并不看重器物的真假。
对故意以假乱真、骗人钱财的文物复制仿古，许多严肃的文物史学研究工作者是持反对态度的。在二三十年代，一些紫砂陶壶艺人同样也曾仿制或伪作了相当数量历代高手名壶及雅玩，流传甚广，其中不少己成为公私藏家的珍藏，造成了紫砂壶史上的极大危害和混乱。许多有识之士多次呼请曾参与仿制，当时仍健在的艺壶陶人站出来予以指认和说明，澄清真相，还历史一个清白。汤临泽先生仿造历代名画几十年，其仿古造假的名画曾屡屡让一些鉴定名家“漏眼”上当，并被博物馆和一些收藏家高价收藏，其中一些赝品还影印出版。解放后，他本着对历史负责的态度曾决定在有生之年把经自己造假的古玩书画——记录下来，但一场大病卧床不起而未了此愿，留下许多难解之谜的遗憾。但愿古瓷仿造者们以汤先生为榜样，做到真是真，仿是仿，不要以假充真。
景德镇陶瓷纹饰在现代设计的中的运用
景德镇陶瓷纹饰具有很高的艺术价值和美学意义，其绚烂多彩的艺术表现对现代艺术设计具有很好的借鉴意义。文章在分析景德镇陶瓷纹饰价值的基础上，对运用现代设计手段提取传统元素进行了探讨，并就其在家纺图案设计中的运用进行分析。
景德镇陶瓷艺术是中国传统文化的典型代表，尤其自宋代以皇帝年号“景德”立镇以来，其制瓷工艺及水平对于中国陶瓷的发展具有极为重要的作用。其中，景德镇陶瓷文化中的陶瓷纹饰具有至精至美、题材多样、寓意丰富等形式特点，具有较高的审美情趣和装饰价值。要弘扬和传承优秀的景德镇陶瓷文化，不能仅立足于陶瓷艺术本身，将其独特的艺术表现、大众化的审美思想、深厚的文化蕴含、精湛的装饰工艺进行重新利用和开发，例如，在现代家纺设计图案中，将景德镇陶瓷纹饰的题材、技法和形式同现代文化和审美意识相结合，对于展现独特的东方韵味和设计个性具有重要现实意义。
景德镇陶瓷缠枝莲青花瓷花瓶
一、景德镇陶瓷纹饰的价值分析
景德镇陶瓷纹饰艺术历经千年发展，是中国的文化瑰宝，是研究景德镇陶瓷的一个重要组成部分。这些纹饰具有实用功能与审美功能相统一、雅俗共赏、华丽而简约等既传统又现代的许多艺术特征，具有独特的文化内涵和市场价值。通过与现代设计知识的融合，把握的装饰纹饰的精髓，可以较好的促进景德镇的发展和弘扬中国陶瓷文化。
（一）文化价值
景德镇陶瓷纹饰是劳动人民的艺术创作，是传统文化价值观的重要体现。在人们越来越关注我国艺术设计的国际化趋势的情境下，景德镇陶瓷纹饰在现代设计中的文化价值也得到了相应的反映。如在服饰、酒类包装等设计门类中多有运用“青花图案”。文化基因的价值是在现代设计中寻找传统文化的继承和发展，思考传统文化价值的传播与应用，这也正契合了现代设计面向世界的发展趋势。
（二）应用价值
当前对传统文化包括对景德镇陶瓷纹饰的研究不仅要关注其历史价值，对其同现代艺术设计相结合的探讨更应予以重视。景德镇陶瓷纹饰千年以来一直走在中国陶瓷文化的前沿，与人们的生活密不可分，其大量的文化遗存需要我们通过现代创新的方法深入挖掘，运用其文化资源和艺术特征创造更为精彩的艺术表现形式和手段。
（三）审美价值
景德镇陶瓷纹饰色彩明亮、题材丰富、寓意鲜明，其主要特点是对自然形象的抽象和概括。在对这些自然图形的几何加工、装饰基础上，进行平面化、秩序化、格律化的构成和组织，赋予其象征意义，使其具有更加深远的意境。这些造型语言、组织方式和象征寓意都体现了中国传统的审美思想。
二、对景德镇陶瓷纹饰的提取
景德镇陶瓷纹饰的创新和拓展应用，应立足于现代社会背景和审美趋势，结合新的设计潮流，同现代人的生活品味联系起来，才能自然而然的为现代设计所运用。这需要对传统元素的审视和提高，弃其糟粕，进行有针对性的选择、提取和再设计。
（一）直接选择
景德镇陶瓷纹饰历经多个朝代的发展和不断完善，已经达到很高的艺术水平，其独到的纹样、造型、色彩、工艺等表现元素仍然被人们喜爱和运用。这些装饰风格和文化内涵在现代人们生活中都广泛体现。如青花纹饰中的“牡丹”、“缠枝纹”、“蕉叶纹”、“鱼纹”、“水纹”等，这些散发浓厚民族气息的纹饰依然适合于现代审美思想，同现代设计的形式手法也异曲同工，具有很强的实用性。这主要是因为这些经典纹饰深深地扎根于劳动人民的生活中，所以才有如此顽强的生命力。
（二）形的提取
形，主要是指形态，也就是元素的造型和轮廓。根据主题的需要，结合现代设计手法，对传统纹饰进行有针对性的提取，这是现代艺术设计中常用的手段。在提取的过程中，应根据内容进行选择和强化，以此突出传统纹饰的特点，只有这样才能既延续了传统的精髓，又符合了现代人的审美情趣。设计人员对于形的提取首先要基于传统纹饰的形状同现代设计类型的需要相结合。如青花瓷图案在包装设计中的运用，就需要将青花图案的单位元素进行选择和提炼，然后基于包装设计的形式法则进行处理，从结构上或重复、或渐变、或夸张，从工艺上或凹凸、或烫金、或镂空，甚至改变颜色、肌理等手段。
景德镇陶瓷纹饰种类繁多，对其进行再运用既可以是局部的提取，也可以是原型基础上的简化或再造。从中分解或提炼出精彩元素，然后进行整合与重构，这样不仅可以保持传统纹饰的形式美，又能更合理地将其同现代手段相统一，赋予其新的形式感。对陶瓷艺术在现代生活中拓展应用空间，为中国民族艺术的现代传播和继承发展起到有效的推广作用。
景德镇瓷器珐琅彩红色福寿赏瓶
（三）意的延续
意，是指传统陶瓷纹饰所蕴含的文化精髓。景德镇陶瓷纹饰的意境之美可以作为东方文化的典型代表。其丰富多彩的装饰样式充分表现了中国传统文化的含蓄之美。在当前酒类包装中有很多企业采用陶瓷酒瓶，并辅以陶瓷纹饰的类型来表现其产品的传统意味，居于很强的装饰性，这就属于意的运用。同样，在室内设计中，也有不少运用陶瓷纹饰的材料和工艺及纹饰符号来进行装饰，以体现优雅的氛围。
总的来说，不管是直接选择，还是“形”和“意”的运用，都必须结合陶瓷纹饰的造型特点、技法工艺和文化蕴含，在此基础上进行适合现代设计形式的加工创造。
三、陶瓷纹饰在现代家纺图案设计中的运用
景德镇陶瓷纹饰种类丰富、题材多样，其艺术特征同现代家纺设计的形式和手段具有很多的契合点，同现代家纺图案设计追求东方美感和现代生活的文化品位追求是一致的，其艺术语汇有很多相通的地方。
首先，在样式上，景德镇陶瓷纹饰的对自然形态的写实、抽象加工处理表现出来的秀美、优雅、华丽、精致，同现代家纺图案设计相契合。陶瓷纹饰追求的形式美感，对生活中形象的秩序化、平面化、韵律化的加工。这些程式化的手法形成了花样繁多的艺术形态，这些都是现代家纺图案设计取之不尽的宝贵资源。
其次，在文化内涵上，景德镇陶瓷纹饰源自生活，历来注重表现对生活的美好期盼和愿望表达，陶冶着人们的生活情趣。如牡丹纹样反映了富贵吉祥的寓意，鲤鱼纹样体现了连年有余的美好祝愿，梅兰竹菊表现了文人气节等等，这正是景德镇陶瓷纹饰的艺术魅力之所在。这些都是人们生活中共通的审美心理，同现代家纺图案设计在文化内涵具有一定的趋同性。
第三，在表现形式上，基于装饰功能，景德镇陶瓷纹饰除了传统表现上的写实外，还具有工笔、写意、抽象等多种表现形式，其构图方式的独幅式、分层式、对应式、通体式、散点式、自由式等多种表现形式均可在现代家纺图案设计中应用。另外，陶瓷装饰中的笔墨表现、书法艺术、颜色釉等也可以成为家纺图案设计的艺术表现语言。
综上所述，现代家纺图案设计是具有强烈形式美的韵律表现，其造型规律是服务于人们的生活，它所展现的设计美感、装饰风格和寓意内涵同景德镇陶瓷纹饰一样，皆是劳动人民智慧的结晶，是中国传统文化的体现，并共同服务于人们的日常生活。两者的之间除了材质表现及制作工艺的不同，在图案的造型、色彩、寓意等方面均有鲜明的共通性。恰当处理两者之间的关系，既能在家纺设计中展现传统陶瓷文化的魅力，也能将陶瓷文化发扬光大。可以说，两者的结合，在某种意义上也将是现代设计的一种发展趋势。进一步讲，将景德镇陶瓷文化同现代审美意识相融合，在更多的设计类别中予以表现，既是对景德镇陶瓷文化的弘扬，也为现代艺术设计的发展提供了良好的根基保障。
我国陶瓷艺术与现代室内设计
一、陶瓷艺术与人、生活、环境
如果说，陶器是世界各民族在不同的地域和生活环境中，由于生活经验的积累和对自然认识的提高，不约而同的发明了陶器的话。那么，中国人发明了瓷器这一事实亦是举世公认的。可以说陶瓷与中国人有着特殊的联系，中国人对陶瓷有着特殊的情感。今天，陶瓷艺术与人、生活、环境之间的关系体现在以下几个方面。
中国人的陶瓷艺术审美情结
在公元前15世纪的商周时期，中国人发明了瓷器。竟管当时发明的瓷器还处于原始状态，但毕竟是人类一次重大的发明。它的发明和发展给人类生活带来了巨大的变化。一个以瓷器命名的国家---中国和它的人民从此就和陶瓷结下不解之源。从生活日用品、建筑材料到艺术品，陶瓷就与中国人“朝夕相处”。直到今天，陶瓷产品仍在国人生活中环境中无处不有。几乎每个中国人都能对中国陶瓷品种花色举出一二；每个中国人的家庭中都有陶瓷产品的使用和陈设。特别是作为陈设的艺术品中陶瓷占有绝对的地位。人们对陶瓷艺术已有几千年的审美传统的习惯。现在，室内设计与装饰中陶瓷自然是人们首选产品之一。
信息时代人们的情感需求 陶瓷艺术的独特审美价值
与中国书法、绘画等艺术一样，陶瓷也是中国人喜爱的艺术之一。陶瓷在中国具有几千年的悠久历史和辉煌的成就，陶瓷艺术独特的语言形态，丰富的表现力形成了它独特的审美价值。从古到今陶瓷艺术一直是人们玩赏收藏的对象。从历代文人的诗歌咏赋中就能体会出陶瓷艺术的审美价值。唐代顾况的“舒铁如金之鼎，越泥似玉之瓯”，孟郊的“蒙茗玉花尽，越瓯荷叶空”是对越窑青瓷的赞美；宋代李清照的“玉枕纱橱，半夜凉初透”是对景德镇青白瓷的赞美；苏东坡的“定州花瓷琢红玉”和范仲淹的“紫玉瓯心雪涛起”诗文赞美的是定窑、建窑的酱色釉瓷和黑釉瓷。可以看出陶瓷在中国人心目中一直是审美的对象。
陶瓷材料与室内环境的和谐性
陶瓷是采用天然矿物质原料加工而成的。从属性上看，它与石灰、水泥、玻璃等相同，都是属于硅酸盐系统也都是建筑材料。它与钢铁又有制造工艺的相同点，都要经火的烧制与冶炼。“陶冶”一词就形象的说明二者的关系。另外，陶瓷与木材也有来自天然的相似性，并且陶瓷与木材是中国古代传统建筑中配合使用最多的材料，是一对绝好的搭档。因此，陶瓷在室内与其它材料和谐相处，具有很大的应用空间。
二、陶瓷艺术在室内设计中的应用趋势
陶瓷艺术与室内设计的关系主要表现在，1，艺术陶瓷与字画、古玩、绿色植物等作用一样，一方面，它作为独立的艺术品形式具有审美的艺术价值；另一方面，它以实用的形式满足人们的使用需求，同时起到室内装饰和点缀环境的作用。2，作为建筑装饰材料的瓷砖和卫浴用品，这是室内设计与应用中必不可少的内容。瓷砖、卫浴几乎是每个家庭中的厨房、卫生间等空间里都要使用的产品。而且现在楼盘户型已朝大厨房、开放式厨房和多套卫生间方向发展。瓷砖、卫浴产品发展的空间是很大的。同时也形成了竞争激烈的市场。因此，陶瓷产品的艺术设计将扮演非常重要的角色。从某种意义上讲，作为生活者选择的不是产品本身，而选择的是设计。
当然，陶瓷产品的设计不仅仅是在造型、款式、花色、工艺等方面，更要在整体空间的组合搭配和营造室内空间的主题、情调、氛围等方面进行策划与设计。可以说，谁为顾客想的最多，服务的最周全，谁就是赢家。
陶瓷艺术在室内设计中应用趋势
下面结合室内（家居）设计趋势和流行风格，概括归纳瓷砖卫浴设计方向及在室内设计的应用趋势。
建筑卫生陶瓷产品的艺术化
当下，产品与艺术品的界限越来越模糊。无论是建筑设计、室内设计、工业产品设计，如汽车、家电、服装、家具、灯具等都呈现一种艺术化的设计趋势。瓷砖卫浴设计也不例外。德国青蛙设计公司创始人艾斯格林说：“设计的目的是创造更为人性化的环境，我的目标一直是将主流产品作为艺术来设计。”把产品当作艺术来设计是20世纪末以来的设计的主流趋势，也是未来设计的发展方向之一。后现代主义设计，实际上是现代设计发生的转向，它转向艺术，转向感觉和个性化。产品的艺术化是设计发展的最终方向。
建筑卫生陶瓷在实现物质功能外，应在审美功能上下功夫。特别是在目前产品“质同化”时期，产品的突破点、利润提升的切入点只有放在艺术化设计上。且人们在选择产品（商品）过程中，对产品的外观、款式、花色已作为重要的选择依据。瓷砖卫浴产品设计除遵循自身产品设计规律外，应参考借鉴中国传统陶瓷艺术的设计手法、装饰手法；参考借鉴现代国外陶艺创作表现手段；参考借鉴其他艺术的造型设计和创意思路。走出一条艺术化设计之路。
从目前各种主题的精装房出售和家居各种流行风格的设计趋势看，瓷砖卫浴产品设计要与室内设计潮流和趋势相吻合。要从整体风格着眼，从具体产品入手。其实，室内设计风格的体现，很大程度上依*室内空间中具体材料和产品艺术化、风格化作为基础。换句话说，只有具有表现某一风格的设计素材、设计元素，才有创造出室内空间某一风格的可能。
陶瓷与室内其他装饰设计的整体化
古代陶瓷的装饰工艺之装饰技法
陶瓷装饰与器物的用途、造型和社会审美取向，有着密切而又不可分割的联系。装饰是对陶瓷器进行艺术加工的重要手段。它对提高器物的外观质量、丰富文化生活起着积极有效的作用。陶瓷装饰方法很多，主要可分为两大类，一类是釉下装饰，另一类是釉上装饰。这里有传统工艺，也有近现代工艺。学习鉴定就要了解其发展和演变历史及其艺术特点与风格。
釉下彩是以各种高温颜料，在泥坯或素烧坯上绘画纹样，再施以透明釉、入窑经高温一次烧成。其特点是彩绘的纹样与坯釉在高温中同时烧成。色料充分渗透于坯釉之中，瓷面光洁滋润，色泽透明雅丽，有饱满的水分感。经久不变。
刻划花是我国陶瓷传统装饰方法之一。它是在坯体上用铁，竹制的刀、扦等工具刻划出装饰花纹，施透明釉烧成。这种装饰方法在原始青瓷上就普遍使用了，只是不同时期的陶瓷纹饰风格各异。
刻填花又称镶嵌花，是在坯体上先用一种特制的刻刀刻出花纹，然后在刻出的凹槽内填以色料的装饰方法，在古代多填白色料和黑色料，又称“刻花填白”和“刻花填黑”。
模印花技术是在刻划花基础上发展起来的，也是古陶瓷最常用的工艺。一件模具可以多次使用，避免了像刻划花工艺的重复繁杂的工作，大大提高了生产力。
青花玲珑是一种釉下青花加玲珑雕镂相结合的装饰。它是在瓷器坯体上，先制作玲珑透剔的玲珑眼，一般常用的是米粒状通洞，称为“米通”。再以“玲珑釉”充满玲珑眼，结合呈色青翠的青花纹饰，施釉入窑高温一次烧成。
“五彩”又称“硬彩”，是使用古彩颜料在釉上的绘画装饰，也是景德镇传统彩绘艺术之一。最早的五彩出现于我国宋、金时期的北方地区，其前身即磁州窑的“红绿彩”。
斗彩是明代永宣官窑创烧的新品种，成化斗彩在历史上最负盛名。它是釉下青花和釉上五彩相结合的一种装饰方法，先在坯体上用青花色料画出纹样的一部分或勾出纹样的轮廓线，施釉入窑烧成后，再施以古彩完成釉上彩绘，故又名“豆彩”，有的也称为“填彩”或“加彩”。
粉彩又称软彩，始创于清代康熙晚期，是使用洋彩进行彩绘的一种装饰技法。粉彩色彩丰富，粉润柔和，秀丽雅致，形象刻划细腻生动，它更多地吸收了国画工笔重彩的绘画技法，越来越倾向于绘画性，使用玻璃白打底，增加了画面色彩的层次感。
珐琅彩原名画珐琅，亦创烧于清代康熙晚期，是使用洋彩进行彩绘装饰技法之一，与粉彩装饰十分相似，有时甚至难分彼此，早期由宫廷造办处烧制，乾隆三年以后逐渐移至景德镇御窑场制造。珐琅彩的绘画技法，早期多仿铜胎掐丝珐琅。
素三彩是由琉璃釉发展而来，名为彩，实为釉，以釉代彩。它舍弃矾红以紫色代之，画面典雅素净，故以“素”相称。
矾红彩又称铁红彩，是以矾红颜料作主要色料勾线，染色描绘画面的一种装饰方法。
墨彩是以黑色(艳黑)作主要色料勾线，染色描绘画面的一种装饰方法。
同治彩即粉彩彩绘技法之一。它摒弃了康、雍、乾三朝繁杂的粉彩工艺，并融合了五彩设色简练的绘画风格，易于上手。
浅绛彩一词来源于浅绛画派，原指元代文人黄公望创造的一种以水墨勾画，以淡赭石渲染而成的山水画。陶瓷界所说的“浅绛”借用国画术语，是指晚清流行的一种浓淡相间的绘画技法。
广彩是“广州织金彩瓷”的简称，始创于清代康熙年间，流行于晚清民国时期，早期以古彩做装饰，晚期以粉彩做装饰，也是我国优秀传统彩瓷之一。
新彩又称新粉彩，是20世纪以来文人瓷绘艺术的一种。
电光彩就是光泽彩。它是用电光水作彩料进行装饰，属现代工艺，具有彩虹般的光亮色泽。
唐三彩的颜色装饰对现代陶艺的影响
盛唐时期唐三彩的颜色装饰对现代陶艺的影响，为现代陶艺找到一些文化积淀，更好地导引现代陶艺。唐三彩是一部生动、博大精深的启迪现代陶艺的基因库，唯有从传统陶瓷中不断的吸取经验教训，才能使现代陶艺达到一个新的层次。
1 唐三彩陶塑艺术颜色装饰的简述
唐三彩艺术在中国陶瓷艺术中占据着举足轻重的地位，要研究唐三彩的颜色装饰，首先了解什么是施釉，施釉就是将调配好的釉料涂、喷在素烧过或没有素烧的胎上。唐朝施釉最大的特点就是采用泼洒或淋釉方式进行施釉。由于釉的流动，加上烧窑气氛的变化，可以产生丰富多彩的效果，这种人神合一的窑变正是人们为之着迷的地方，令人神往，窑变的颜色很像现代西方的抽象画，用色之大胆，是其他任何朝代都无曾有过的。这样绚丽夺目的色彩是一个国家富强，经济繁荣的象征，人民自信的表现。后来随着唐朝的灭亡，这些对比强烈的色彩留在了民间。在唐朝的河南地区出现“绞釉”，是用两种或多种颜色的釉绞在一起烧制而成的，此种方法烧制出的陶瓷，在器物的表面会形成很自然的、色彩变化多端的、漂亮的花纹。唐朝的陶俑还有一个特点就是人物头部均不施釉，而是待烧成后再在人俑头部涂以颜料，叫做开相，用颜料画出眼、眉、嘴唇等，通过开相，使一件件不同形象的三彩俑的形象更为真实和生动，这样的装饰手法更加突出人物的形象。在现代陶艺中大量借助这种形式表现自己的艺术，很多现代陶艺作品将这种无限做法放大，放在自己的作品当中，使之产生一种特有的艺术效果。
唐三彩是在泥素胎上的表面涂上绿黄、白、棕红、蓝酱赭釉料之后烧制而成的，成品后色彩斑驳亮丽，典雅大方。“唐俑还集中体现了传统雕塑绘画性强的特点，三彩釉在烧制过程中会变色流动，只适合大效果的处理，如：马匹的颜色，不能用于细部的描绘；佣像的头部尤其在脸的细微刻划，往往辅之以彩绘，不但使得形象更为完整，还能通过五官的进一步描绘来深入表现人物的心理及情绪，使之达到传神的效果，极具感染力，典型如中堡村出土的女佣，女子的眼神流眸顾盼，灵秀绝伦，让人玩味无穷”。
2 唐三彩陶塑艺术的釉料特色
唐三彩器的铅釉，是釉和彩的合体，一次施釉，一次烧成，这种施釉、烧制方法在现代的好多地方还保留了这种工艺，这也为现代陶艺的施釉提供了广泛的摹本。现代陶艺利用这种技术来表现自己的作品。唐三彩所用的釉料不同于其它陶器，我们的先辈们在釉料里添加了各种呈色金属粉末，因为烧制气氛不同，就形成丰富多彩的颜色。这种釉中挂彩的技术早在南北朝时期，工匠们为了能烧出颜色鲜亮的单色器皿，就开始尝试在釉料中加入铜粉。到了唐朝，工匠们随着制作和烧制经验的不断积累，又在釉料中加入了铜、钴、铁、锰等金属粉末，铜元素呈现绿色；钴元素呈现蓝色；铁元素呈现褐红、浅黄、赭黄；锰元素呈现紫色等，这样使釉料的色彩更加丰富，于是造就了唐三彩独特的艺术形式。
古人给唐三彩施釉，采用了一种涂腊法。所谓涂蜡法就是先用蜡根据自己的需要在唐三彩的素胎上画出相应的图形，再涂釉于其上，烧制时这些地方就不能吸附釉料。并且开始升温时，蜡开始融化，有蜡的地方釉汁扩散，形成晕染似的斑纹，产生一种自然流淌效果，产生梦幻的感觉。目前，涂蜡法已经很少使用，替而代之的是可撕胶，可撕胶用起来比蜡更加方便，但不能出来那种流淌晕染的感觉，使一些作品看起来呆板。涂釉用的是肚大细尖的毛笔，这样点染出的釉料很饱满，有似水漫流之妙。在施彩釉时，经过补水上釉后， 就可以将素胎拿到窑中烧制。
唐三彩是一种低温铅釉，在烧制过程中发挥主要作用的是釉料中的铅。铅的氧化物可以降低了釉料的熔解温度，且铅的流动性很好，使其它各种金属氧化物熔于铅釉中，并且随着物体的形状向四周扩散流动。在扩散和流动过程中，釉料中的黄、绿、褐等多种颜色互相浸润交融，形成漂亮的间色，给这些作品穿上了绚丽多彩的“釉衣”。陶瓷的成色在很大程度依靠天意，因为釉料的成分不同，施釉的技巧不同，烧制的气氛不一样，放置的窑位不同，就会出来不同的效果。
这样釉料的配比，施釉的过程，给现代陶瓷艺术家创作提供了很多宝贵的经验教训。随着现在科技的发展，聪明的艺人发明了流动性更好的釉料，将其用在现代的创作上，特别是涂蜡法的出现后，再结合避纸和可撕胶的出现给我们带来了方便，使现代陶艺在施釉方面跨进了一大步。
3 唐三彩颜色艺术在现代陶艺中的运用
现代陶艺家们巧妙地利用了这一特点运用在自己的作品中，把施釉技巧和装饰手法很好的结合起来，达到天人合一的效果，产生了融和绚丽的艺术效果。在现代陶艺的创作过程中，不仅要注意工艺的创新，更重要的是去感受生活。这件作品就是笔者借鉴唐朝陶塑釉彩流动的特点制作的一件陶瓷雕塑如图1所示。
随着对工艺的不断研究，对美的认识更加广泛。在陶瓷方面，对釉料的研究也没有像以前那样单一，釉料的种类也随之变得多样。在现代陶瓷雕塑创作中，只要能为自己作品服务的技法，艺术的新形式、新理念等都可以拿来大胆使用，这一点在盛唐时期的三彩陶塑有很好的体现，为现代陶艺的创作提供了很好的借鉴。盛唐时期是一个包容性很强的朝代，它可以允许多方位、多角度的审美存在，也因为如此才造就了盛唐时期较为特别的艺术。
现代陶艺就是一种反传统，追求艺术的独立性与纯粹性的艺术形式，很多都在不同程度上促进了现代陶艺的发展，为现代陶艺注入了新的血液。在现代的陶艺创作中，艺术家们很好地利用制作过程中的瑕疵，如：缩釉、跳釉、釉面吸烟等现象，而形成一种新的陶瓷艺术形式。他们更多地是关注泥材自身语言特点及制作过程中所产生的丰富肌理效果的表现性。就像吴冠中先生所说“工具材料影响着艺术样式，但不是决定性因素，相同的工具材料可以创造出不同素质和样式的作品来”。
唐三彩有很多色彩装饰手法，现在很多还在使用或者在原来的基础上更好地发展，大致可以分以下几种：点彩施釉法；涂蜡法；分区施釉法；瓷土堆花法；贴花加涂彩；印花加填彩；刻花填彩等各式的手法进行创作。这些色彩装饰方法经过高温熔融使各种釉色之间的组合和交融会产生一种虚虚实实，斑斑驳驳，如晚霞，如梦境的效果。在现代陶艺创作中，可以利用这种方法进行色彩装饰。
现代陶艺家成为现代陶瓷雕塑创作的主体，在传统的基础上，精心研究过并充分利用这种手法。在现代陶艺创作中，很好的学习并利用颜色对比强烈的特性进行创作，他们将这些胎土当做画布，将釉料当做颜料，充分表达自己的思想感情。现代陶瓷不再为王侯将相服务，也不再是单纯为了装饰陶塑而画，而是为自己而画，为生活而画。新彩和色料的发明促进了陶塑艺术的发展。所谓新彩是一种新的釉上彩绘艺术。它的颜色在低温烧制前后，色彩上基本没有变化。色料是一种釉下彩，它在烧制前后颜色变化很小，这使得艺术家烧制前就可以看到烧制后效果。
4 结语
中国传统陶瓷文化是一种我们陶瓷艺术赖以生存的土壤，现代陶艺并没有与传统文化割裂关系，而是在传统的基础上不断创新与拓展，丰富了陶瓷文化的价值，我国现代陶艺的种子更应该在在这片土地里生根、发芽、成长、开花。