花纹瓷砖。
定窑瓷
定窑是汉族传统制瓷工艺中的珍品，中国宋代五大名窑之一，它是继唐代的邢窑白瓷之后兴起的一大瓷窑体系。主要产地在今河北省曲阳县的涧磁村及东燕川村、西燕川村一带，因该地区唐宋时期属定州管辖，故名定窑。定窑的胎质薄而轻，胎色白色微黄，较坚致，不太透明，釉呈米色，施釉极薄，可以见胎。
定窑产品以白瓷为主，也烧制酱、红、黑等其他名贵品种，如黑瓷（黑定）、紫釉（紫定）、绿釉（绿定）、红釉（红定）等，都是在白瓷胎上，罩上一层高温色釉。元朝刘祁的《归潜志》说，“定州花瓷瓯，颜色天下白”。可见，定窑器在当时不仅深受人们喜爱，而且产量较大。宋代大诗人苏东坡在定州时，曾用“定州花瓷琢红玉”的诗句，来赞美定窑瓷器的绚丽多彩。
定窑瓷枕
定窑纹饰中最富表现力的是印花纹饰。这一工艺始于北宋中期，成熟于北宋晚期。最精美的定窑器物纹饰在盘、碗等器物中心，这类器型内外都有纹饰的较少。定窑器物纹饰的特点是层次分明，最外圈或中间，常用回纹把图案隔开。纹饰总体布局线条清晰，形态经巧妙变形，繁而不乱，布局严谨，讲究对称，层次分明，线条清晰，工整素雅，艺术水平很高。定窑印花大多印在碗盘的内部，里外都有纹饰的器物极为少见。
花纹样式
定窑印花题材以花卉纹最为常见，主要有莲、菊、萱草、牡丹、梅等，花卉纹布局多采用缠枝、折枝等方法，讲求对称。有的碗、盘口沿作花瓣式，碗内印一盛开的花朵，同时在外壁刻上花蒂与花瓣轮廓线。这种把印、刻手法并用于一件器物，里外装饰统一的做法，使器物造型和花纹装饰浑如一体，十分精美。其次，定窑还有大量的动物纹饰，主要有牛、鹿、鸳鸯、麒麟、龙凤、狮子和飞龙等。定窑飞龙纹一般装饰在盘、碟、碗等卧件的器物中心，祥云围绕，独龙为多，尚未见有对称的双龙纹饰。
飞龙身形矫健，昂首腾飞于祥云之间，龙尾与后腿缠绕，龙嘴露齿，欲吞火球，背有鳍，身刻鱼鳞纹，龙须飘动，龙肘有毛，三爪尖利，栩栩如生。而定窑立件上只装饰有变形龙纹，其装饰水平与盘、碟上的龙纹相去甚远。禽鸟纹饰中主要有凤凰、孔雀、鹭鸶、鸳鸯、雁、鸭等，做工精美的飞凤比较少见。
花瓣纹饰
定窑瓷器最精美的纹饰大都集中在盘、碟上，纹饰多者可达四层。每层纹饰富于变化，外圈纹饰多为几何纹或变形莲瓣纹，中心为动物、花卉结合纹饰，充满浮雕感，艺术气息浓郁。而宋代定窑孩儿枕更是该窑名品，其造型神态及纹饰的装饰工艺等皆为上乘之作。
由于定窑的风靡与流行，其造型、装饰、烧造方法为各地瓷窑所仿效，北宋年间各地纷纷仿制定窑。这就诞生了“土定”“新定”“北定”“南定”“粉定”等仿器。许多地区的产品质量不逊于河北曲阳。定窑对我国后世的制瓷业产生了深远的影响：名扬天下的景德镇深受其影响，北京龙泉务窑、山西平定等形成了定窑系;埃及、欧洲、东南亚的文物遗址中都有定瓷的遗物。
小编推荐
陶瓷工艺：印花
印花--陶瓷器的一贯装饰技法。用刻有装饰花纹的印模，在坯体尚未干透时印在坯体上，故名。春秋战国时印纹硬陶已广泛采用，此后，成为我国陶瓷器的传统装饰技法之一。宋代定窑印花瓷器最具代表性。
陶瓷名词：折枝花纹
折枝花纹——瓷器的一种装饰纹样。在器物的显着部位绘画一枝折下的花卉，故名。宋以后流行，元明清瓷器上常见，如折枝牡丹、折枝梅、折枝桃等纹样。
民国洪宪瓷 胎白釉净堪称上乘
民国洪宪瓷器花瓶
洪宪瓷，是指民国初年，袁世凯复辟称帝，定国号为“洪宪”（1916年）。袁世凯在阴谋称帝时，亦仿效清朝制度，设御窑，曾派古玩商人郭世五到景德镇监制“洪宪瓷”。
民国瓷器以彩绘为主要装饰手法，彩绘内容丰富多彩，人物、山水、花卉、鸟兽、博古、吉祥图案等一应俱全，但画风和图案特点等均尚未脱清人之窠臼。尽管如此，在图案内容方面还是有比较明显的时代特色。民国瓷器的特点主要是通过绘画而表现出来的。这主要反映在两个方面：
一方面是图案的题材的变化，流行于清代的吉祥寓意纹样依然很多见，但也出现了一些宣传时事和政治主张的内容，在一些瓷器绘画图案中突出了宣传意义，这个倾向后来更进一步发展为以政治符号作为民族性的表现。
人物故事花瓶一对
另一方面，民国彩瓷，尤其是新粉彩工艺与内容的革新，还表现在原本作为瓷器装饰而存在的彩绘，开始有一部分发展为专门的瓷画艺术。这个趋向从清朝同治、光绪时期开始形成，到民国二十年代已成风尚，彩绘工匠中的佼佼者们完成了由瓷画艺匠到“画家”的转变。除传统画法外，与彩料的变化相适应，还引入了西洋画法。顺应这一潮流，民国元年，浮梁县长徐仲亭创办瓷业美术研究社，瓷板画得到了进一步的鼓励发展。
洪宪印款
民国初年，袁世凯复辟称帝，定国号为“洪宪”（1916年）。袁世凯在阴谋称帝时，亦仿效清朝制度，设御窑，曾派古玩商人郭世五到景德镇监制“洪宪瓷”。据《景德镇史稿》、《古玩旧文》等著作介绍，郭世五到景德镇担任陶务总监督后，曾邀集清朝御窑厂各方面的高手，选择景德镇市内的湖北会馆作为绘瓷工场。由著名陶瓷家鄢儒珍负责烧制，烧制了一批高级瓷器——粉彩和珐琅彩。珐琅彩是由清宫廷造办处的画师自炼或西洋的珐琅料，按指定的样稿在烧成的白瓷上作画，再入炉烘烤而成。珐琅彩又名瓷胎画珐琅，始烧于清康熙。珐琅彩料主要成分是硼酸盐和硅酸盐的混合物，在不透明的白色易熔的珐琅料中，加入适量金属氧化物色素即成。
龙纹花瓶
洪宪瓷以粉彩和珐琅彩为主，其中珐琅彩是以前清宫造办处引进的西洋珐琅料，在白瓷上作画后入炉烧制而成，后又加入了适量色素，因此不同于其他瓷器，这是洪宪瓷比较引人注目的一个特征。
早期仿洪宪瓷的特征为：胎白釉净，无橘皮纹，彩色明艳丰满，人物脸部有阴阳块面，花卉用没骨法画就，器物成对，画面左右对称，这些虽为托古所仿，但仍为当时的上乘之作。后期的劣质仿冒，釉色有红有蓝，与精美的洪宪瓷差别甚远。
《海公子》：影像与陶瓷的完美结合
瓷做的鬼片《海公子》
《海公子》为当代陶瓷创作提供了新思路。用影像方式呈现陶瓷雕塑，所有造型、纹理、光泽，甚至是瓷器的呼吸感都能在1080p的画面中充分展示。
海公子的舌头探入张生的鼻孔，所到之处内脏躁动，鲜血沿着清亮的躯体滑落，瓷器破裂的声音回荡在整个小岛……
若是有展览分级制度，“海公子——耿雪个展”怕是要被列入限制级。在零艺术中心的展览现场也确实有这样的提示：儿童需在成人陪同下入场。
“情色、暴力、唯美、神经质”，“后背发凉”，“有种病态的美”……艺术家耿雪的新作品《海公子》收到太多类似评价。被《海公子》的阴郁气质吸引，参观者站在大屏幕前欲拒还迎，女人们用手遮住眼睛，却忍不住透过指缝小心地瞄上几眼。在中央美术学院美术馆里，《海公子》是一个独立的世界。
《海公子》是蒲松龄《聊斋志异》中的一个故事。张生泛舟独游小岛，艳遇妩媚娼妓，温存之际蟒蛇出现，重伤张生。耿雪用青花瓷将故事视觉化，创作了张生、美女、蟒蛇，以及小岛上的一花一草。而后以电影短片的形式讲述整个故事，青花瓷的阴冷气质与《海公子》相得益彰，耿雪在展现作品和电影叙事间找到了精确的平衡点。
《海公子》飘渺又神秘的气质刚好贴合瓷的质感。
2014年对耿雪很重要。今年，她第二次从中央美术学院毕业(研究生)，毕业作品《海公子》广受关注，举办了个展“海公子——耿雪个展”。
“《海公子》帮我冲破了艺术表达的瓶颈，对我个人来说，它是我整个创作线索中的一个重要的作品。”耿雪说。
将影像与陶瓷艺术相结合，这个想法是从去年夏天开始酝酿的。当时，耿雪正在德国卡尔斯鲁厄艺术设计学院交流学习。卡尔斯鲁厄以设计和多媒体专业著称，耿雪正是从那里开始了自己的影像创作实验。
“在那边拍了一些东西，回来后还是想继续拍一些和自己相关的。”耿雪的本科专业是雕塑，从大学时起，陶瓷就是她最主要的创作材料，“要是能把瓷和电影这两种东西结合就好了，之前似乎也没人深入完整地做过。”
在耿雪看来，各领域细分如此精密的今天，独立的艺术形式很难找到突破口，而艺术形式之间的嫁接却是发掘新艺术语言的契机。这也与她一直以来不断“跨专业”的背景有关，从绘画到雕塑，再到研究生阶段的版画和影像。
确定了创作形式，耿雪开始构思剧本。“先是自己画剧本，整体风格偏意向，更意识流。”创作之初，耿雪对故事没有清晰的把控，在反复的讨论、揣摩和实验后思路才慢慢清晰：“毕竟不是一个纯粹的影像实验，还是需要情节支撑，所以选了《海公子》这个故事。”
在《聊斋志异》中，《海公子》并不是最耳熟能详的。之所以选择它，是因为“要在创作中保持分寸，故事太强太熟悉会吃掉陶瓷和雕塑语言。”《海公子》是个完整的故事，却又不那么讲究逻辑，其中飘渺又神秘的气质刚好贴合瓷的质感。
耿雪在景德镇有个工作室，她在那里花了半年时间制作拍摄《海公子》所需的人物和场景道具。作品沿袭了她一贯的创作风格，小巧而干净，唯美却不甜腻。
“制作过程中就在尝试布光，尝试拍摄，希望找到一种方式，能够更好地呈现陶瓷的质感和神韵。”2013年12月底，耿雪回到北京，在十几个朋友的帮助下，开始集中拍摄《海公子》。“尽量按电影的品质去拍，定格动画每秒12帧，白天拍摄，晚上倒片子修图。”绝大部分拍摄是在耿雪北京工作室的地下室完成的，一小部分画面需要海水，他们就搭了个水池，“实景”拍摄。
整个作品花费10万元左右，耿雪都是自掏腰包。为了节约开支，欠了很多人情债，找了一群朋友帮忙，还被迫从一个只会用相机自动档的技术盲成长为会拍摄、会布光、会剪辑的独立电影创作者。
耿雪迷恋中国传统文化，尤其是那种“有点小扭曲，精致到病态的文化”。
夏彦国是耿雪“海公子”个展的策展人，也是她的同学和多年好友。在此之前，夏彦国一直有个心愿，或者说有个承诺，那就是为耿雪策划一个展览。
“说来不可思议，我在作品还没完成时，就和夏彦国说，今年我有个作品，会很好，希望做一个个展。更不可思议的是，他就这么答应了。”耿雪有过不少做展览的机会，但她一直拒绝，直到《海公子》出现，她才觉得自己准备好了。
“《海公子》解决了我的作品呈现问题。”耿雪的陶瓷雕塑都是小件，容易淹没在大空间和大型装置作品中，“这也是我不太喜欢参加各种群展的原因。”
不仅是耿雪的个人作品呈现问题，《海公子》也为当代陶瓷创作提供了新思路。用影像方式呈现陶瓷雕塑，所有造型、纹理、光泽，甚至是瓷器的呼吸感都能在1080p的画面中充分展示。在特写镜头下，小作品被放大了，却又不是单纯的放大，在气质相契合的故事情节和背景音乐的衬托下，作者把对瓷的理解表达得更生动、准确。
大学以来，耿雪一直坚持以瓷作为创作材料。她的本科毕业作品《韩熙载夜宴图的一种表述》就曾引起关注，是当年最优秀的毕业作品之一。离开校园后，耿雪并没有积极融入国内的艺术圈和名利场，她不断申请驻地艺术家项目，先后在日本、韩国、英国、德国等地游走，按自己的节奏创作和生活。
“耿雪对自己的定位特别清晰，她清楚自己要做什么样的艺术家。”夏彦国说。
这一点，在她对创作材料的选择上就可见一斑。大学三年级第一次接触瓷器，耿雪就与这种从大地上生长出的材料一见钟情。“它经过高温，表面寒凉，这种冷冷的质感是我喜欢的。”就像从作品中看到的那样，耿雪迷恋中国传统文化，尤其是那种“有点小扭曲，精致到病态的文化”。
“日本的文化很细腻，有个朋友告诉我，他们有个词汇，专门用来描述‘光线透过叶子洒在地上的光斑’，那种美感和想象空间很吸引我。我们的传统文化里是有这种东西的，以前，我们有精致的古汉语诗词，我们玩砚台，玩瓷器，到了极致时都有些病态，我觉得这种病态是情感和审美敏感到了一种极致，而出现了难以言说的特别高级的东西。”耿雪说。
所以，她始终在自己的作品中寻找新的语言来表达这种难以言说的东西。在《上河图》中，表面热闹祥和的古代城市街景中暗设了断桥、挂满人头的树和贩卖人头的手推车。“我在那个作品里藏了很多血腥暴力的东西，是一种焦虑感。但由于太精细，很多人没能发现，还觉得作品挺漂亮。”
《海公子》恰恰解决了这个问题。它让耿雪作品中那种混杂着敏感与焦虑、唯美与阴暗、个人情感与文化追溯的复杂性找到了与受众沟通的途径。“之前的作品一直包着，现在终于敞开了。”耿雪说。
《海公子》还没有剪辑完成时，2分40秒的宣传短片已经被耿雪挂在了网上，并在几天内得到几万的点击量。同时，这个宣传片还参加了在今日美术馆举办的“st.art就地出发——中国当代陶瓷艺术国际大展”，在展览上备受关注。
策展人子贺常驻景德镇，专注于研究中国陶瓷的现代性课题。尽管近年来一批中国当代艺术名家跑去景德镇建工作室，但他们的加入并未给陶瓷当代艺术找到新的表达方式。“整个陶瓷艺术还停留在陶瓷器物装饰以及实物艺术的范畴，现代陶艺仅仅是现代主义美学的一个材料补充，它并不是主体。”
他希望通过“就地出发”这个展览探讨陶瓷与当代艺术的关系，将陶瓷艺术从西方语境、工艺品和实物状态中解放出来。而耿雪的作品符合他的诉求：“她有东方魔幻主义的东西，她没有在用影像做观念，也不是在用陶瓷做观念，她的尝试不是西方美学系统可以阐述的，这正是《海公子》的价值所在。”
陶瓷印花技术创新发展的历程
我国陶瓷喷墨打印技术的发展脉络相对比较清晰，它是我国陶瓷行业快速发展的真实记录。首先，由最原始的简单单色陶瓷丝网印花→多色陶瓷丝网印花→精细陶瓷丝网印花→辊筒陶瓷印花→陶瓷喷墨印花，这是陶瓷印花技术不断创新发展的历程。
印花陶瓷茶杯
2 传统印花与新型喷墨印花的发展现状
2.1 陶瓷丝网印花技术
陶瓷印花最早主要采用平面丝网印花技术，也叫孔版印刷，它与平印、凸印、凹印合称为四大印刷方式。在上世纪70年代，丝网印刷技术主要在意大利、西班牙等西方国家广泛应用。改革开放之后，佛山部分陶瓷企业通过引进、消化、吸收、创新的发展模式，使丝网印花技术在我国陶瓷行业得以迅速发展和普及，并成为世界上花网印花产量最大，品种最丰富和功能最齐全的国家。
（1）陶瓷丝网印花中所使用的基本设备
在陶瓷丝网印花中所使用的基本设备有：拉网机、清洗台、干燥机、晒版机（曝光机）、冲洗台、修整台等。
（2）陶瓷丝网的制作流程
1） 设计制作好底片（原稿）；
2） 绷网，即把丝网按一定的张力粘结在网框上；
3） 清洗空丝网及干燥，即把绷好的丝网正反双面及网框清洗干净，并干燥；
4） 涂布感光胶，即将调和好的感光胶均匀多次涂布在丝网上；
5） 曝光（晒版），感光胶膜因见光会发生化学反应，胶膜间的分子结构起交联硬化的变化，由可溶性变成不溶性，清水显影后，形成阻墨层和通透网孔的图案部分，即印油就可以通过网孔形成印刷图案；
6） 显影，即将经曝光发生光学反应的胶膜冲洗干净，形成图像的网孔彻底通透；
7） 修整，对完工的丝网印版作全面检查，修补。
从以上情况我们可以了解到，陶瓷丝网印花技术具有制版简单、快速、操作灵活方便，效率高，利于机械化生产，便于不同产量的生产印花转换。但是，陶瓷丝网印花技术由于许多是采用半自动的人工操作，在制作陶瓷丝网的过程中，因为需要多个环节人工操作，容易出现误差，比如说，涂布感光胶的次数或厚薄，或者冲洗网版的通透度等，都会在制造的过程中影响了丝网的使用周期与质量。另外，由于是采用平面印刷，首先不测印刷到产品的边缘，影响了产品的美观；其次，在生产过程中容易出现色差；最致命的是不能对瓷砖的凹凸面进行印刷。因此，很难体现陶瓷产品表面的多元化及立体层次的效果。
2.2 陶瓷辊筒印花技术
早期，陶瓷辊筒印花技术是在平面丝网印花的基础上开发出来的，它把平面丝网的间歇印花转变为连续印花。据悉在上世纪中期，意大利西法尔公司就发明了辊筒印花技术，并大量被使用。随后在世界多个国家及地区申请了专利，并在1999年也获得了中国专利并授权。我国从90年代末期引进的辊筒印花技术基本上是后期升级的胶辊印花技术。
胶辊制作的原理是设计师将设计好的图案文件，交给专业的雕刻公司，雕刻公司将图案文件输入计算机，由计算机控制的激光器，一边根据图形数据不断变换发射激光束的强度或步长，在印花胶筒层上雕刻出相应的微孔，形成印刷图案。
辊筒印花由于采用柔性印刷技术，其突破在于可以实现瓷砖表面的凹凸印刷，从而使得砖的表面层次更加丰富，图案纹理清晰、细致、色彩鲜艳，效果逼真，完全可以与天然石材相媲美。在生产中实现全自动控制、生产量大、对位精准、使用寿命长，极大地提升了产品的品质和生产效率。但由于辊筒印花设备成本和使用的成本较高，辊筒制作周期偏长，以及国产核心技术也没有完全成熟掌握等因素，影响了它在陶瓷企业中的推广使用，所以很快就被喷墨印花所取代。
2.3 新型陶瓷喷墨印花技术
陶瓷喷墨打印技术是一种无制版、无接触、无压力的印花复制技术，它将电子图像直接成像在陶瓷介质表面，省略了传统陶瓷印花的多项工艺流程，从而突破了传统印花技术的局限。早在2000年，在意大利每年一届的陶瓷展览会上，用这种技术生产的展示产品，其工艺及喷印效果已经到了非常完美的地步。期间意大利及西班牙有关企业也解决了喷墨头的技术瓶颈，并在欧洲得以迅速发展。由于欧洲对这种技术进行封锁，直到2008年，该技术才得以在全球陶瓷行业中普及。
2.3.1陶瓷喷墨印花技术的原理
陶瓷喷墨印花的基本原理是将小墨滴从直径数10 μm的喷头喷出，以每秒数千滴的速度沉积在载体上。一般可分为连续性喷墨打印和间歇式喷墨打印两种工作原理。技术系统主要由：输送系统、供墨系统、喷头系统、显示控制系统、清洗系统等构成，其核心部件是喷头。另外，墨水及供墨系统也有极高的技术含量。
2.3.2陶瓷喷墨印花技术的优点
（1） 由于陶瓷喷墨印花打印像素可达到360 dpi以上，使产品更细腻、逼真，仿真度达到100%，这是目前其它陶瓷印花设备所不能具备的优势。
（2） 传统的丝网印花及辊筒印花，都必须在事前准备底片、网版、胶辊、雕刻及各种材料，而采用喷墨印花，只需将设计好的图像输入电脑，在极短的时间内即可进入小批量、多花色的试验状态或生产状态，更加适应当今瓷砖装饰时个性化的设计要求，节约生产成本。
（3） 采用无接触、无压力印花，可以在凹凸多元的瓷砖表面上，随心所欲的喷印图案效果，降低破损率。
（4） 可以快速更新设定生产模式及更多的设计图案，极大地丰富了产品的花色品种，并提高了生产效率。
（5） 采用精确的控制系统，保证了高精度使用，创造了低碳环保、节约减排的生产循环体系。
2.3.3陶瓷喷墨印花的缺点
（1） 设备一次性投入较大。
（2） 墨水价格偏高，色彩还原还不够丰富。
（3） 喷墨印花所使用的喷头价格比较贵。
（4） 关键核心技术与设备被英国和日本垄断。
3 总结
陶瓷印花技术，经历了三次重大技术革新。丝网是一种平面印刷，辊筒印花的突破在于实现凹凸面的印刷。而喷墨印花可以印刷出与之前两种技术所无法达到的高度，它完全将世界上一切具像的元素完美复制展现出来。
在陶瓷生产行业中，如果能够把丝网印花、辊筒印花与喷墨印花三种方式相结合，不但可以节省生产时间、生产成本、提高效率，而且还会大大提高产品的质量。随着我国陶瓷装备技术的不断创新，并且各自发挥其优势，取长补短，相信在不久的将来，陶瓷行业将会出现第四次印刷技术革新。
瓷艺与画意的完美融合
当代陶瓷创作者将 “陶瓷艺术”与“国画艺术”的完美融合，造就了新时期的精品力作。力争借上海 “世博会”之窗口，献给热情追捧于陶瓷艺术的中外嘉宾。
2010年7月9日，嘉定区安亭镇黄渡许家村，画家——陈军(陈步兵)，在上海 “世博会”乌克兰国家馆内，代表“申窑”展出了他的瓷画作品。还将他的2件精品分别赠送给了乌克兰驻沪领事和乌克兰国家馆馆长。乌克兰客人品赏了陈军的作品后，由衷地敬佩，赞叹中国传统陶瓷艺术的风采。
陈军的瓷画作品，出手不凡，很有特色。他擅长山水画创作，善于学习西洋画技巧，刻意地在陶瓷作品中糅进中国画的神韵，西洋画的色泽。讲究立意，注重装饰，追求静水流深的艺术效果。用笔繁简有度，设色清雅丰润，构图灵巧超脱。
我欣赏了他最近烧制的一件陶艺笔筒，把玩在手，颇感小巧玲珑，晶莹剔透，清旷雅致，浑然天成。画上三二人物，几笔溪边修竹，或名士，或仕女，犹抱琵琶，饮酒赏月。整件作品，灵秀中透出几分宁静，古朴中横生了一些妙趣，真乃是一件化腐朽为神奇的传世之作。
陈军告诉我，要成就一件陶瓷艺术作品，它的造型胚胎好比是骨，它的色泽图画好比是肉，骨肉相连，完美融合，经过熊熊窑火的烧制考验，才可孕育出千态百姿的艺术佳作。更使创作者激动的是窑变所产生的不确定性，有时会出现遗憾，有时会出现精彩。所以那种亲自临窑的感受，那种望眼欲穿的焦虑，那种佳作出窑的狂喜，此种况味，不啻为“十月怀胎，一朝分娩”的感叹。
因此，一件陶瓷器物的烧造完成，便被赋予了神秘的灵性，无一不被浸渗着创造者们的智慧结晶。
完美诠释景德镇古彩传奇
“古彩”唯一一个没有在景德镇之外的 地方落地生根的瓷种，五种色彩，成就三百年的传奇瓷器，一支画笔，再现五千年的经典故事，他用55年传承了千百年的手工技艺，他的每一副作品都受到收藏家的追捧。
景德镇有一种瓷器完全没有受过舶来品元素的影响，它诞生数百年来，一直恪守传统。
2010年，北京嘉德秋季拍卖会上，一件来自景德镇的当代古彩瓷器“春暖华清池”以179200元成交。但是这几年，即便收藏行情见长，古彩瓷器在景德镇仍然鲜有人问津。眼下，古彩艺术造诣能够得到大家公认的已经数不出六个。这就是景德镇古彩行业的现状。
经济市场催生了无数的粉彩、新彩和青花的瓷画艺人，也蚕食着一些费时、费工而且很难掌握的瓷画技艺，古彩就是其中之一。画一幅古彩作品，少则十多天，多则月余，且不一定成功。另外社会在很长时间里并不接受古彩，认为凡是不好看的、复杂的，都是古彩，于是古彩的衰败成为自然。
做古彩，寂寞、孤独也不宽裕，但方复坚持了55年。师承古彩一代宗师段茂发，他用55年完成了伟大的传承。著书立说，他使这门几乎濒临失传的技艺得以永存。而今，随着景德镇艺术瓷市场的发展，越来越多的粉彩、新彩瓷器的出现，人们的审美开始出现疲劳，古彩正在重新绽放光芒。
古彩又名“硬彩”也称“五彩”或“康熙五彩”(五彩是五色的意思)，它是在瓷胎上用生料、矾红勾线，只有矾红深浅洗色，其它均以透明色平填。古彩是我国传统的一种釉上装饰方法、也是景德镇彩绘艺术之一。
工艺近况及其发展趋势
古彩是从“大明五彩”基础上发展而来，到清初康熙时成熟而有了突出的成就 ，由于发明了釉上蓝色色料“古翠”代替了青古蓝色，它取材广范，人物、山水、花鸟、走兽、鱼藻、图案处可作为描与对象。所表现的内容多反映元明以来的戏曲故事、如三国演义、西厢记及唐宋诗意的花鸟，山水和民间吉庆寓意的题材及民间绘画影响。当今，古彩绘画在装饰手法和题材内容为丰富多变了。古彩瓷在历次世界性的博览会上，受到广泛的称赞。是景德镇陶瓷技术的优秀传统之一。就年代说，包括大明彩和康熙彩；就色彩说，有三彩、五彩和红绿彩。
古彩的艺术特点
古彩的烧成温度较高(指与釉上各类比较)，色彩坚硬耐磨永久不变，特别是矾红彩料使用年代愈长则愈红亮可爱。古彩构图严谨、形象概括夸张，笔线刚劲有力，以单线平涂红绿鲜明的色彩对比强烈明快，显示其健康，质朴的民间艺术特点。
松石绿地粉彩莲花纹撇口瓶
在2009年5月29日嘉德春拍中，一件清乾隆时期的松石绿地粉彩莲花纹撇口瓶拍出了448万元的高价。
此拍品高34.5厘米，撇口，溜肩，下渐收敛，器足外撇，器底下凹成圈足，造型周正，端庄稳重。通身以松石绿为地，粉彩画团花纹饰，轮廓描金，构图讲究，色彩华美。整件作品纹饰繁缛丰富，上下七层，加饰以各色彩料，雍容华贵，尽善尽美。圈足露胎，瓷土缜密。器底满施松石绿釉，正中“大清乾隆年制”六字金彩篆书款，字体端正，排列整齐。瓶口自下为如意云头纹，莲花纹，蕉叶纹，变形螭龙纹，变形花瓣纹，团莲花纹为主题纹饰，瓶底饰如意云头纹，主次分明，错落有致。
运用各种装饰技法来仿制其他工艺的外观效果是清代盛世瓷器的重要成就之一，如此松石绿地粉彩轮廓外加描金即是仿自掐丝珐琅，新颖别致，极具特色。对比收藏于北京故宫博物院的铜胎掐丝珐琅莲纹六方贯耳瓶，发现两者装饰风格颇为接近，可相互印证。相同工艺的数件瓷器收藏于北京故宫博物院等机构，其中亦有金款器物。
此拍品曾流传于日本，带有木盒包装，盒盖上墨书“乾隆十锦花文花瓶”，侧面亦带有墨书贴签“大清乾隆拾锦粉彩花文花瓶”，字迹工整。“十锦”或“拾锦”在日文中发音相同，是近代日本对清代粉彩满纹饰类器物的称呼。