中式瓷砖。
古代瓷器中的青花瓷，是釉下彩的一种，这也是人们广为收藏的一个种类。在明代青花瓷器的发展达到一个艺术高峰，这个时期的官窑瓷器逐渐形成了宫廷化的艺术风格，而民窑瓷器则体现出的是人们喜闻乐见的民间风格。
这种珐琅彩的瓷瓶十分罕见。珐琅彩是康熙年间由法国传教士传入中国的一种颜料，康熙年间开始实验在中国瓷器上使用，但是不很成功。雍正年间，雍正皇帝对珐琅彩瓷器的烧制并不十分重视，到了乾隆年间，清朝国力鼎盛，乾隆皇帝喜爱西方文化，珐琅彩瓷器的烧制也取得了巨大进步，但是烧造数量依然不多，所以今天成为瓷器收藏中的极品。
人们把青花瓷比作瓷器舞台的青衣，素雅高洁、蓝色纯净。这是一种用钴料在瓷胎上作画，盖上透明釉，在高温下一次烧成的釉下彩瓷器。蓝色的花纹与洁白的胎体交相映衬，宛若一幅传统的水墨画。
清代景泰蓝梅瓶
清代是景泰蓝工艺发展的又一高峰期。尤其是乾隆年间（1736～1796），景泰蓝工艺得到了空前的发展。景泰蓝制品种类繁多，器物的应用范围要比以往更为扩大，工艺比明代有所提高，胎体较薄，掐丝细薄均匀，技艺更是丝流畅婉。彩釉也比明代要鲜艳润泽，并且无砂眼，虽镀金较薄，但金色很漂亮。清代景泰蓝不及明代的纹饰生动，但花纹图案也是繁复多样，鲜艳夺目。清代的中国景泰蓝工艺品已经闻名天下，景泰蓝制品大量出口国外，成为海外贵族家庭中的摆饰品。
青花瓷是我国的国瓷，又称白地青花瓷，是中国瓷器的主流品种之一。它是用含氧化钴的钴矿为原料，在陶瓷坯体上描绘纹饰，再罩上一层透明釉，经高温还原焰一次烧成。它耐酸耐磨，色彩经久不退，亮泽而深邃，素有“永不凋谢的青花”之称。
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瓷塑的造型之美
瓷塑是瓷器家族中相对小众的一个品类，也是造型艺术的最佳见证。与普通瓷器通过胎、釉、彩绘的装饰来达到艺术美不同，瓷塑是以丰富的造型设计来展示外观美——匠人经过充分的事前构思，用瓷泥捏制、雕刻做成胎坯，再上釉烧制。而且，瓷塑多为纯艺术性的作品，以陈设欣赏、供人把玩为主，增添人们的生活情趣，故在设计上具有更多的美学元素，有着极强的艺术感染力，在当今的艺术品市场上，也更能吸引收藏者的眼球。
古人很早就发现烧制瓷器的高岭土，有很好的黏结度和可塑性，并有一定的承受力，故在制作日用瓷器时，会有意识地添加一些审美元素作为装饰，构成不同的视觉效果，演示人与器物的崭新关系。到了唐宋时期，瓷器工艺有了长足的发展，时人也对精神生活有了更高的追求，瓷塑遂被分离出来，成为专用于观赏审美的艺术品。如瓷塑的唐代骏马、骆驼、瓜果、人物、亭台楼阁，其属性已经从实用性转为了艺术性，是被作为陈设品供人观赏，愉悦身心，勾起怡乐的兴致，成为雅致生活的点缀。
瓷塑的成型方式有捏塑、范制、雕刻几种。捏塑是最常见的工艺形式，工匠以瓷土为载体，以搓、揉、捏、剔、拼接等手法，做成各种艺术造型，上釉后或直接素胎进窑烧制。其特点是构图简净饱满，线条清晰流畅，从作品的设计布局、制作工艺以及反映出的文化内涵，都是制作者的文化积累、艺术审美力、灵感起点的展现。形态各异的瓷塑艺术品，实际上闪烁着制作者洞察世事的智慧。
范制是依照设计的规格、形状先做好模具，烧干成型，再把泥坯贴在模具上，获得想要的纹饰及造型，然后将泥坯烧制成瓷。其特点是巧形巧工、变化多端，而且可以大批量制作。雕刻是在半成品的泥坯上，进行二次深化加工，多种技法同时施行，为表现的题材服务，力使细节更为鲜明生动，动静的微妙变化都被表现得淋漓尽致。其特点是作品的创意性强，很少会有重复，基本上每件都是独一无二的孤品，具有很强的增值潜力。
瓷塑的造型题材很广泛，既有传统特色，又有时代气息。如佛道神仙、十二生肖、历史人物、静物山水，都携有中国传统文化的瑰丽意象，是对历史文化的一种延续和传承。而上世纪50年代及文革时期的瓷塑作品，则有着不少的创新题材，如杨子荣、白毛女、雷锋，带有很鲜明的时代特征。而且，并不惟传世的瓷塑作品才具有收藏与投资的价值，近现代的瓷塑作品，很多也是出自美术大师之手，加之真实性高、赝品少、容易辨别真伪，在藏品市场上也有着不错的交易名声。越过文化的时钟，瓷塑艺术与历史、现代都实现了完美的融合。
哥窑之美
宋代五大名窑中，哥窑的身世最为扑朔迷离。其窑址迄今尚未得到准确认定。根据文献记载，大约有两个线索：一个说法是，宋代的章氏兄弟在龙泉窑烧制青瓷，哥哥章生一创烧了哥窑；另一个说法是，南宋修内司官窑附近，民间窑场烧制了哥窑。
1964年北京故宫博物院特请上海硅酸盐研究所对所提供的宋哥窑实物标本进行化验，结果证明其化学成分、纹片颜色和形式皆与龙泉青瓷有所不同。研究者因而推断，宋哥窑似应出自南宋修内司官窑，只是因当时的官窑对民间保密，弃窑时又作了处理，故其窑址迄今未能发现。2011年9月，龙泉市召开了龙泉溪口窑黑胎青瓷研讨会，根据近年来溪口窑的挖掘整理情况，初步判断龙泉溪口窑黑胎青瓷可能就是明清文献中所述的哥窑。 哥窑的特征有三： 1. 金丝铁线开片。哥窑釉层有网状开片，或重叠如冰裂，或细密如鱼子纹，俗称百圾碎；黑色大开片与红、黄色小开片交织重叠，形成金丝铁线的视觉效果。 2. 聚沫攒珠般的釉中气泡。哥窑釉水肥厚，釉中气泡密布，如珠隐现，含蓄内敛。 3. 紫口铁足。哥窑胎体中含铁量较高，胎体为较厚的釉层相裹，口沿釉薄处隐现深紫色，底足露胎处呈深褐色，俗称紫口铁足。目前所见宋代哥窑瓷器，以传世品居多。这些传世品哥窑大部分集中收藏于两岸故宫、上海博物馆、英国大威德基金会等著名博物馆中。
哥窑八方贯耳扁瓶
哥窑胆式瓶
哥窑青釉贯耳瓶
哥窑青釉弦纹瓶
哥窑青釉鱼耳炉
哥窑青釉海棠式花盆
哥窑青釉葵瓣口盘
哥窑八方碗
哥窑瓷器体现出宋人那种喜好不事雕琢、追求清丽秀挺的审美风格。宋瓷本身非常讲究轻松灵动的美感，这是古人的尚玉精神在瓷器制作上的反映。哥窑瓷器的釉色以月色、粉青、大绿最为流行。常见器物有炉、瓶、碗、盘、洗、罐等，均为宫廷用瓷式样。哥窑瓷的外观光洁莹澈，釉内虽多有气泡，却如珍珠般隐现，神奇而美妙。行内将这种工艺现象称为“聚沫攒珠”。哥窑瓷器的纹片也是多种多样，就纹道而论，有鳝鱼纹、黑蓝纹、浅黄纹、鱼子纹；如果从纹形的角度看，就有纲形纹、梅花纹、细碎纹、大小格纹、冰裂纹等，它们还有一个统一的名称，为“百极碎”。
哥窑碗
哥窑葵花洗
哥窑五足洗
哥窑葵口盘
哥窑葵口盘
哥窑葵口碗
国宝级美瓷，诠释中国制造瓷器之美
中国古代的瓷匠有着精雕细琢、精益求精的精神，他们倾注了毕生的精力，不仅仅追求精湛的技艺，还有着奉献精神与济世情怀，创造了令西方高山仰止的古代科技文明。
元代青花鬼谷下山图罐
（元代青花瓷器，主体纹饰为“鬼谷子下山图”，描述了孙膑的师傅鬼谷子在齐国使节苏代的再三请求下，答应下山搭救被燕国陷阵的齐国名将孙膑和独孤陈的故事。该器物于2005年7月12日伦敦佳士得举行的“中国陶瓷、工艺精品及外销工艺品”拍卖会上，以1400万英镑拍出，加佣金后以1568.8万英镑，折合人民币2.3亿，创下了当时中国艺术品在世界上的最高拍卖纪录。）
成化斗彩三秋杯
（这是一只轻灵秀巧的斗彩瓷杯，在洁白细腻、薄如蝉翼的胎体上绘了两只蝴蝶在山石花草中翩跹起舞。值得注意的是，其中一只蝴蝶的翅膀上所施的紫色彩釉色浓而无光，然而这恰恰是明成化斗彩所固有的特征，这也是后世仿品无法仿效之处，这种紫彩就是所谓的“姹紫”或“差紫”。该杯由著名的陶瓷收藏家、鉴定家——孙瀛州先生于1956年捐献给了故宫博物院。）
中国是瓷器的故乡，中国所制造的精美瓷器，为全世界人民所喜爱，瓷器与中国在英文中同为一词，充分说明中国瓷器的精美绝伦完全可以作为中国的代表，精湛的技艺更是体现了古代中国的匠人精神。
明万历五彩荷塘鸳鸯图蒜头瓶
（蒜头瓶是万历朝的经典品种，因口部造型似蒜头而得名，瓶式古雅，秦汉时期已流行。通常尺寸较大，有五彩、青花两种装饰，题材包括龙凤纹、鸳鸯荷塘纹、鱼藻纹等。两岸故宫、上海博物馆均有此品种收藏，其中尤以绘龙凤纹者相对较少。2005年香港苏富比拍卖会上，此件明万历五彩荷塘鸳鸯图蒜头瓶以428.24万元成交。）
明 彩釉大罐
瓷器是中国古代文明的象征，也是中华民族的文化瑰宝，被誉为是“瓷器之国”。不妨通过下面这些国宝级美瓷，领会中国制造的“工匠精神”！
清乾隆 蓝釉描金大罐
清乾隆 青花缠枝花卉纹双耳六方瓶
清雍正 黄地珐琅彩梅花纹碗
清乾隆 粉彩百鹿尊
清乾隆御制黄釉青花跃龙捧寿纹六方瓶
清乾隆粉彩八仙过海六方瓶
清乾隆胭脂红地粉彩缠枝花卉纹尊
五彩加金花碟纹攒盘
清乾隆 粉彩八吉祥盖碗
清乾隆 粉彩百寿纹表
清乾隆粉彩缠枝花卉纹大碗
清乾隆粉彩蕃莲纹花觚
清乾隆粉彩缠枝花卉纹大碗
清乾隆粉彩福寿纹双耳瓶
清乾隆 粉彩果蝠纹葫芦瓶
清乾隆粉彩花果大碗
清乾隆粉彩描金《福寿》蕃莲纹葫芦瓶
清乾隆 粉彩竹石花鸟灯笼瓶
清乾隆黄地青花花果纹盘
清乾隆炉均釉唇口瓶
清乾隆窑变釉卷口六棱瓶
清乾隆 酱地描金凸雕灵桃瓶
清乾隆 蓝釉描金龙花口瓶
清道光红彩绳纹状元红酒坛
清康熙 釉里红团花锯齿纹摇铃尊
清乾隆 茶叶末釉描金蝙蝠纹带葫芦瓶
清乾隆 粉彩九老图灯笼瓶
清乾隆 黄地绿彩八吉祥五蝠捧寿图折沿盘
清乾隆 松石绿地粉彩花卉龙把多壶
陶瓷艺术之美
从陶瓷艺术的审美需求中我们可以了解到一个时代的文化内涵和一个国家的民族精神。
中国陶瓷艺术是世界艺术史上最精彩的篇章之一。它与中国古代的科学技术以及各种文学艺术形式紧密关系、互为影响、共同繁荣，成功地造就了中国古代文明的辉煌。唐代唐三彩，色彩绚烂，艺术高超；宋代五大名瓷，晶莹滋润，空前绝后；明清青花瓷，色泽鲜透，巧夺天工。还有千峰翠色的青瓷，深蕴文化内涵和艺术价值的宜兴紫砂……这些无不是每个收藏家都梦寐以求的稀世珍品。作为一种以立体造型为基础的综合性艺术，陶瓷制作原本出自人类的日常生活需要。然而，随着科技工艺的发展和人类审美意识的增强，它又从单纯的日常需要中升华出来，形成独立的艺术门类，最后达到集雕塑、绘画、书法和工艺等多门成就于一身的境地。
景德镇周惠胜大师手绘青花瓷花瓶
陶瓷的艺术美与其他造型艺术一样，来源于自然美和生活美，来源于客观物质世界，具有特定的社会历史基础。然而，它又不是原始的自然形态的美，而是经过艺术家的主观加工，其中渗透了艺术家的美学观点和美学思想以及艺术独创性。因此，它比自然美、生活美更集中、更典型。
陶瓷艺术美是通过具体形象来展示自己的风姿神韵，而这种艺术形象具有一定的审美价值，它可引起人的美感，使人得到美的享受，它是人对社会生活的审美判断的集中表现，是艺术家审美意识的物化。
和谐是构成陶瓷形式美的重要原则之一。和谐体现在具有美感的陶瓷器物的造型、装饰、色彩、肌理中。和谐并不是要求在某一件陶瓷造型上，或是多件组合的成套陶瓷造型上，都单纯地表现相同性和一致性，而是由于相互对立的、矛盾着的或有差别的因素，经过设计达到一种新的结合，从而达到互动、互成的美学目标。
陶瓷艺术之美在于器型、纹饰、釉色。由于其表现手段是立体的、綜合的，因而也就是多观点、多层次和形式异常丰富的。在那厚薄、卷舒、冷暖、莹润之间，不仅展示了历代制瓷工匠们的高超艺术，也饱含着人类对美的艺术追求，反映出不同时代、不同地域、不同阶层人们在文化传统、审美趣味、艺术风格等各个方面的差异与变化。
总之，宋人所体现出的是优雅秀美的艺术风格，追求轻松灵动的美感。从造型到纹饰，抒情而写意，图案流动率意，富于韵律。釉色多为单色釉，但其色泽恬美自然，柔和纯净，是古人尚玉，在瓷器制作上的反映。宋瓷之美，虽未唐代之恢宏气势，但优美高雅则过之，清丽潇洒而不失挺秀，是不饰粉黛，洗去铅华的自然之美。
元人在瓷器上表现出厚重和简洁，造型概括洗练，挺拔舒畅。绘制在青花瓷上的图案，笔意纵横，酣畅淋漓，人物精美，气宇昂轩，无论龙凤麒麟，花草走兽，皆神采飞扬，极具气势，去掉了宋人的飘逸优雅而代之以浑厚质朴，饱满结实的艺术效果。
中国陶瓷艺术的历程，经过了漫长的岁月，每个时代都有自己的工艺手段和艺术追求，反映出各自时代的工艺水准和艺术品味。“秋毛冬骨，夏阴春英”，每个时代，瓷器艺人都留下了他们心血的结晶，是留给我们的丰厚文化遗产。
陶瓷艺术，直至整个工艺美术里的诸多美感都是通过形式美显现出来的，主要凭借视觉上的形式美如线条美、质地美、结构美等一一传递给受众。
视觉美就名词的角度而言，是最容易让人望文生义的汉语词汇之一。通俗所说的“悦目”都可类为视觉美。陶瓷艺术中流畅的线条，朴拙的造型，峰回路转的一个镂空，都能让人悦目赏心，视觉美是陶瓷艺术审美中的第一个层面。它经由视线带来内心的冲动和情感的满足。视觉美是陶瓷艺术的特殊目的，抛却了这种形式上的美，陶瓷艺术可以提供知识、宣扬一种道德、服务于某种实际目的，这个时候，陶瓷还是陶瓷，但是却已经不是艺术了。所以，形式上的视觉美是陶瓷艺术不可剥离的一层肌肤。一个好的陶瓷艺术作品首先要带来视觉上的愉悦，要具备视觉美。
在陶瓷艺术领域里，对视觉美的反抗是隐忍的。因为陶瓷艺术不同于绘画、文学以及其他的艺术作品，它与壶与茶融汇得难解难分。最显然的反抗就是雕塑——陶瓷雕塑。另辟蹊径的艺术家使出浑身解数对常规的陶瓷视觉形式作了反抗，即或如此，由于受到陶瓷材质的影响，比之当代西方国家的雕塑，仍有蚍蜉与大树之落，更毋庸说雕塑盛行的古希腊。这种热烈的对传统陶瓷艺术形式的反抗，隐约透露出急躁，而且显得步履蹒跚。与康德的认识相同的是另外一种对陶瓷艺术视觉美的完善。那就是另创同旧的形式一样明确的一种新形式。这就要谈到绞泥。它在陶瓷三元色的基础上，进行反复实验，调制出青、灰、黄、红、紫五种不同的颜色，使陶瓷的语言瞬间丰富，视觉美也因此达到一个全新的高度。约定俗成的视觉表达存在缺憾，全盘推翻太冲动，安于现状太被动，创造“绞泥”的过程，是对陶瓷艺术视觉美进行探索的过程，这种让人眼前一亮的视觉美表现背后隐藏着艺术家温厚热情的思考。由此我们可以看到，陶瓷艺术的视觉美，与艺术家的艺术本性息息相关。艺术思想是自由奔放的，视觉美才有望丰腴斑斓。对陶瓷艺术家而言，陶瓷艺术是通向思想自由的必经之路，视觉美是艺术本性的外露。
陶瓷花瓶艺术品-室内装饰花瓶
陶瓷艺术的视觉美其实并不被视觉囿限。素器洗练，线条与造型之美首当其冲，但真正动人的还是意象。比如吕尧臣的《伏羲》，视觉上象形阴阳之合，细读却觉包孕宇宙，有天地之合的气象。
陶瓷艺术家在创作的时候，视觉美背后隐藏着很多欲言又止的情绪，这种情绪不自觉在线条和造型中流露。陶瓷艺术的视觉美感，是艺术家内心情感涌动的某种表情，或哭或笑，圆不一式，方非一相，都是艺术本性的倾诉。好的陶瓷艺术作品在视觉美上能够引起共鸣，作者将生命与情感存在于作品中，谁都不能视而不见。因此，视觉美不只是一种客观的美，或者说它其实是一种主观的美。
陶瓷艺术与雕塑艺术一样，所表达和表现的视觉美起初都是静止的具象的。在这一点上它们永不能和文学家、诗人相比，他们所表达的美是流动的，而且不可取证。陶瓷艺术家要将内心奔涌的情感按捺下去，以冷静的双手捏塑出一件作品，无论处在怎样的激情里面。杰出的陶瓷艺术作品通常都具备一种主要的特征，那就是冷静和冲动同在。前者是视觉上的，后者也是视觉上的，只是后者最终占据心灵。这个时候，陶瓷艺术家以平和的心态展示一个伟大的沉静的灵魂，尽管处在一切激情之中。就如伦勃朗的油画，在直接的视觉美与艺术本性之间，艺术本性终于昭然若揭，可见其被醒目地烙于受众脑海。
陶瓷美术是工艺美术的一种，工艺手法和技巧是它的重要属性。因此，弄清楚各个门类的工艺过程、特点、各个门类特有的技艺及其重要意义，这是欣赏陶瓷艺术不同于欣赏其他艺术门类的地方。
零距离欣赏“原始瓷”品味文物之美
本报讯戴着白手套，拿着放大镜和小电筒，零距离欣赏“国宝”之美。昨天下午，由柯桥区文化发展中心主办的第一场“文化有约——零距离赏宝活动”在柯桥区越国文化博物馆举行，10多位绍兴文物爱好者有了一个与珍贵的馆藏文物亲密接触的机会。
作为社会历史沉淀的见证者，博物馆通过文物的收藏、陈列、展示和研究，为社会发展提供知识、文化和智力支持，成为人们拓展视野、满足审美、培养意趣的重要场所。但在大多数情况下，参观者只能隔着玻璃来欣赏，或者说，很多馆藏文物被锁在库房之中，并不能与公众见面。而这种小型鉴赏沙龙的形式，不仅能让广大文物爱好者非常感性地认识到文物的历史价值，还能获得如何赏析其艺术特点、怎样判别文物时代、鉴别真伪等基本常识。
记者在现场看到，亮相这场活动的十件原始瓷，几乎每一件都是精品。它们堪称是绍兴地区出土的原始青瓷的缩影，也代表着柯桥区越国文化博物馆众多馆藏原始瓷的风韵。该馆长、文物研究员周燕儿告诉记者，这样的零距离赏宝活动今后还将继续举行，下一期沙龙的主题将是越窑青瓷。
残缺之美“冰裂纹”
美学原理有一个残缺之美的重要法则。残缺之美在艺术上表现为结构或内容的不完整，却能给人奇异美感和无穷意蕴。
市面上通常冰裂玻璃有夹胶，灌浆，打胶这3种制作方式。其中打胶方法效果最差，几乎没人用。夹胶最好，灌浆次之。夹胶和灌浆的在价格上约差40元/平方。
常见冰裂玻璃的规格为4+4+4，5+5+5，8+5+8。就是有三层玻璃组合而成的。4+4+4就是12厘的，夹胶230元/平方，灌浆的200元/平方；5+5+5就是15厘的，夹胶280元/平方，灌浆的240元/平方。如果前后两面玻璃还要钢化的，另加钢化的钱。
“冰裂纹”大小一般为5＋5＋5，共15mm，中间为钢化玻璃，钢化玻璃击碎后碎片的大小取决于玻璃钢化的用时以及强度，玻璃钢化的时间越长或者强度越大，击碎后碎片的大小就越小，反之玻璃钢化的时间越短或者强度越低，击碎后碎片的大小就越大，订做“冰裂纹”的玻璃时应注意这点。
陶瓷色釉涅槃之美
景德镇陶瓷名扬四海，尤其是经过窑火煅烧过的釉色，像烈日的火焰，像皎洁的月光，像清澈的泉水，而色釉的窑变更是千变万化，似乎可把人带入仙境，时而是高山瀑布，时而是雾中峻岭，时而又像一望无际的沙洲……
生活中的美景在运动中变换，可陶瓷的釉面是千年来艺人一代又一代的积累，是他们用双手、智慧、汗水甚至生命浇灌煅烧而成，且永恒不变。据说祭红就是一位美丽的少女用自己的身躯投入熊熊的窑火烧制而成。
多么神秘的故事，多么值得探索研究的事业——配釉！２０多年，从景德镇老鸭滩全市只有五座窑开始，到涨大水迁到景德镇雕塑瓷厂，我陪伴在父亲身边，他搞创作，我配釉，那时我简直着魔了，每当推窑车进窑的时候，我总会放几块“照子”以试制色釉的变化，在我的记忆中，慢慢地从一块釉果、一块长石、一块高梁（陶瓷原料）、一两氧化铁、二两氧化铜……在不断试制中揭开了色釉的神秘——原来釉就是用不同的无机矿物、泥巴、金属等，经过科学的配制、反复的高温氧化焰或还原焰煅烧而成。但配釉实在太麻烦了，不是配好了就可以烧成，因为这里还有一个特别重要的因素，那就是火的作用，什么釉用怎样的火，那是很讲究的，并不像煮饭那么简单：红釉要还原到位，青釉要氧化恰当。面对这些变化纷繁、无可捉摸的色釉，我似乎走进了一个迷宫。当我回过头来看明清古瓷的时候，更感到古人的伟大，他们把泥土和釉色变得比黄金还珍贵。景德镇传统的釉在没有烧之前，基本是土灰色，只是经过了高温还原煅烧后才使它们变成光亮夺目的色釉，在窑变过程中有它的必然规律，又有它的偶然性，窑变的效果是不能重复的，当然这里不包括氧化焰色剂釉的烧成。所以每次窑变烧成的釉都有所不同，被称作“天人合一不可多得”。
陶瓷色釉美在何处？从她的外在美而言，窑变的色釉具有一种幻化之美，能使灰扑扑的泥坯成为艳光四射的瓷器，有青白釉的光亮之美，有亚光釉的温柔之美，还有无光釉的粗犷厚实之美。从釉的内在品格而言，釉的色彩能引发人们的情感，如影青釉给人宁静的感觉，祭红釉给人热情似火的感觉，花釉则给人万紫千红、色彩跳跃的感觉……正因如此，众多的陶瓷艺术家在创作时充分运用釉的内在品格，使作品的立意和主题能够得以充分的表现，使作品不仅美，而且美得有文化含量，这种釉是很有价值的。釉的稳定持久性则是色釉特有的优势，无论是油画色彩、国画色彩、漆料的色彩都是无法与瓷釉色彩这一独特性相比的，我们从出土的千年陶瓷文物，或从海底打涝起来的百年陶瓷花瓶上就可看到，尽管在土里、海水里沉睡了成百上千年，但它们的釉色仍是保留着崭新的色彩。
二十一世纪是科技高度发展的时代，在陶瓷这个领域，釉的品种也是层出不穷。为了适应装饰的需要，现在已不限于古代的那些色釉，如五代的白釉、北宋的影青、元代的卵白釉、明代的霁蓝釉、清代的茶叶末等釉，又增加了暖色调、冷色调、综合色调，底釉、面釉等等数不胜数的现代色釉，品种真是丰富极了。
不论是什么釉，都是为艺术家的创作服务，都是从创作的内容、审美情趣的需要出发，从社会的需求出发。在运用的范围中，从观赏性的艺术瓷、实用性的日用瓷，到建筑用瓷都需要不同的色釉来装饰。陶瓷色釉已进入了许多不同的领域，在不同的空间散发着美的光彩。