唯美瓷砖。
陶瓷在中国有着悠久的历史，尤其是在瓷都景德镇这片得天独厚的土壤上，积聚着民间传统工艺与现代艺术思潮的碰撞。张闻冰作为学院派的代表性教授之一，既立足于传统的陶瓷工艺，又将现代的艺术思潮与多样化装饰手法相结合，走出了一条属于自己的陶瓷艺术之路。从流畅而又具有立体装饰的刻线工艺到具有窑变魅力的流动色釉，从厚拙的陶质化妆土装饰到龟裂班驳的肌理，再到每一笔独具匠心的装饰性陶瓷绘画。陶瓷材质的魅力与独到的工艺性成为了张闻冰陶瓷艺术中“有意味“的装饰。他用丰富的综合性装饰语言将其陶瓷艺术推进了一个纯净而又唯美的空间。
张闻冰与景德镇结缘于1985年，那年，他考入陶院美术系，在四年的大学时光中，他沉醉于朱光潜、宗白华、李泽厚等美学大家的作品与理论研究之中，喜爱唯美作品的他对“美在意象”有了更深刻的理解和解读。1989年，他有幸成为中国陶艺界一代宗师施于人老师的硕士研究生，主攻陶瓷美术设计，施于人老师借传统手法，凭创新意念，为陶瓷美术推陈出新注入丰富的内蕴和鲜活的艺趣，他的那种法古求新的创新精神、探索精神对张闻冰的影响至深。在泥与火的锤炼中，他不断对色泥、剔釉、釉的裂变等“釉法”进行摸索与研究，醉心于对各种肌理的制造……
1992年，张闻冰被分配到轻工业陶瓷研究所，有幸与王锡良、张松茂、戴荣华等大师一起工作。在这样良好的艺术氛围中，年轻的张闻冰与各怀绝技的大师们一起挥毫泼墨、快意笔耕，不仅使他技法提升，更好的把握釉色、工艺等，同时也对其境界的提升有着潜移默化的影响。出身于学院的张闻冰，其扎实的功底、善于学习的能力和法古求新的精神也得到老一辈艺术家的肯定。1998年，积累了许多实践经验的张闻冰应召回到母校执教，在教学之余还广泛地开展陶瓷艺术的创作实践。
张闻冰早年深受日本绘画与日本陶瓷器皿装饰的影响，他的艺术创作中会流露出日本美术的纯净、唯美、与诗意般的空灵，日本绘画中的内敛与含蓄也是张闻冰所追求的意境所在。他作品的唯美与空灵又是建立在中国国画艺术中的“心象”之意，在一个微妙的世界中，寻找一片净土，因此张闻冰的陶瓷艺术作品没有张扬鼓瑟，只有含蓄内敛；没有纷杂无章与不知所云，只有纯美秩序与超现实的诗化之境。
张闻冰的陶瓷艺术立足于学院派的思考，对亚光色调的追求与富有韵律的风格化刻线处理，把陶瓷装饰艺术推向极致的，也正是张闻冰所追求的艺术意味。他用陶瓷刻线的工艺与釉上彩的综合装饰，表述了陶瓷艺术的另外一层语境，他的作品并非现代陶艺中所追求的泥性张扬，也没有停留在传统陶瓷绘画的方式，而是表现一种唯美的带有古典诗意的装饰性绘画。“刻线”作为一门传统的陶瓷装饰工艺，也是陶瓷艺术特殊的工艺语言，它可以给予陶瓷作品以飞动流畅的装饰生命，也是作为一种回归陶瓷语境的工艺美感。刻线能使远观的陶瓷器物得以触摸，是人文心灵与陶瓷器物生命的对话，刻线使泥土复活，生成陶瓷材质自身的语言，是内在的、鲜活的装饰艺术。张闻冰重新赋予了刻线以新的工艺生命，他的作品可以用手去感触，感触唯美灵动的装饰画面，极致的装饰带给作品的是诗意的画境与丰富的内涵，他展现给观赏者的不是单一而平面的画面，而是一幅可以用心去感悟的艺术世界。他的作品《郁金香》、《马蹄莲》、《荷塘》系列等带有古典诗意语境的作品，无一不是用刻线的装饰，刻线带给画面的是鲜活的层次，它将观赏者的手拉近，将心推到理想化的美感世界，体悟一种神游的愉悦。
在张闻冰地作品中，我们可以看到许多以花为题材的作品，张闻冰把他的生命意味与人生哲学转移到了花朵的身上，花蕊赋予了另外一层生命化的含义，在它的作品身上，时间可以凝固，现实可以转为梦境。荷花、牡丹、虞美人、绣球等祥瑞花卉，这些题材在中国绘画史上不胜枚举，但他将这些自然界的花朵人格化、风格化、意向化。他用装饰性绘画的语言将自然与现世的事物，变成为了超现实、唯美主义与浪漫的诗化境界。张闻冰说，花朵是美丽的代言词，它们有着积极向上、自由奔放的品性特征，象征着生命的延伸，花卉题材也非常适合陶瓷装饰，因为陶瓷是圆的，花朵的花蕾、花瓣、花粉可以自由组合，使陶瓷的每一面都呈现出美，使陶瓷装饰与造型达到完美的统一，充分体现陶瓷最原生态的美。装饰是一种文化与精神的传达，张闻冰一直立足在传统的技艺与中国文化的美学观念，将他的唯美与浪漫主义风格、超现实的诗意画面进行到底。他的作品中陶土的运用将陶瓷装饰推向了一层新的意味；点金的技法又将他的装饰神秘化；风格化的刻线，从魏晋陶瓷艺术中吸取的营养，又将平面画的陶瓷画面赋予了立体的形质与生动的内涵；花卉题材的装饰意味，又把作品的意义提升到生命化的诗意与浪漫。张闻冰站在中国陶瓷历史上，是陶瓷装饰艺术的捍卫者。其艺术的观念，是有意味的装饰与诗化的艺术境界。月的空灵、蝶的飘逸、花的闭合与人的呻吟，人与花间同在，或逸或淫、或正或邪、或情或痴，在他的艺术表现中，变成了警幻的仙境，或者是镜花园里的天地，这种创新的世俗审美和艺术欣赏价值的提高带给观者的是涌动的春潮，也是一种欢喜的生命力量。张闻冰择取自然中最完美的瞬间定格成永恒，追求清新、协调、唯美的效果，饱满圆润的花叶，华丽典雅的色彩，不带有点滴瑕疵，美得纯粹而宁静，这又是超然于生活的，是心之向往。
在二十余年的艺术探索中，张闻冰的作品历经了由装饰、装饰性绘画、绘画及多种艺术形式互相融合，集之大成达到造型、装饰和材质的完美统一。他凭借的是一份对艺术的执着，相信在今后的艺术道路上，他仍会始终保持一份坚守，坚持对美的追求，对诗意般纯美艺术的不懈追求，始终坚持创作的自由。
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中国陶瓷艺术源于自然
中国最早的出口应该就是陶瓷，宋代和明代中国通过瓷器打开了中国海上世界贸易的出口，欧洲贵族最喜欢中国的瓷器，认为中国瓷器是最美的艺术瑰宝，在欧洲中国的瓷器是身份的象征，可以说是价值连城。
宋代是中国陶瓷的第一个高峰期，汝、官、哥、钧、定五大名窑蓬勃发展。元青花瓷开辟了由素瓷向彩瓷过度的新时代，是中国陶瓷史上的一朵奇葩；清康、雍、乾三代是中国陶瓷的鼎盛时期，开创了中国陶瓷发展史上的第二个高峰。在传统笔墨的基础上，尊重自然，依照自己的审美感觉，把最基本、最琐碎的生活体验和情感加以诗化，实现安详闲适的情感需求，是每一位喜欢中国陶瓷的人所向往的。
1.陶瓷是人类文明的重要标志
作为陶瓷产业的发源地,我国享有“瓷国”的美誉。景德镇更是举世闻名的瓷都，瓷器工艺达到了登峰造极的高度，世人评价“白如玉、薄如纸、声如磬、明如镜”。
景德镇不仅是中国的瓷都，也是世界的瓷都。中国的英文单词“ CHINA ”的英文发音源自景德镇的历史名称“昌南”。18世纪前，欧洲还不会制造瓷器。所以当时的中国瓷器，尤其是昌南镇制造的精美瓷器在欧洲广受欢迎，皇家贵族以得到一件昌南镇的瓷器为荣。从此，瓷器和中国作为同一个名词在欧洲流传开来。宋代元年，宋真宗把当时的昌南镇改成景德镇。从此，景德镇成为全世界烧制历史最长、规模最大、工艺最精湛的世界级瓷都。
陶瓷的起源是人类文明的重要标志，也是人类第一次利用自然、按照自己的意愿创造出来的一种崭新的东西。我们的先辈在一千多年前就已经懂得了陶瓷的制作技术。从陶器可以看出，我们的祖先是按照“对苍天厚土的敬畏和丰收的渴望”来进行创作。马家沟窑文化最先发现于甘肃临洮县马家沟村，它最大的特征就是彩陶非常发达。
2.瓷器源于自然又高于自然的美
宋代是中国陶瓷的第一个高峰期，汝、官、哥、钧、定五大名窑蓬勃发展。无论在种类、样式还是烧造工艺等方面，均处于巅峰地位。宋瓷以收敛、温厚、宁静、含蓄等素色瓷作为表现形式，强调内心的感受。宋瓷之美，美在不可名状之浪漫。相对于西洋画派的写实，中国人的审美追求更多的是一种意境的表达。宋人追求一种源于自然又高于自然的美，正如老子所言：道法自然。也就在这个时候中国大统的儒家思想从“克己复礼为仁”提升到宋人对“天理”的追求。
汝瓷的来历有一段如诗般的故事，传说因为宋徽宗赵佶做了个梦，醒来后即命工匠烧造这种天青色的瓷器。另一种说法是徽宗崇尚道教，道教依靠“青词”与上天交流，青词又叫绿章，这些华美的文字一般都写在青藤纸上，道教尤爱这种青绿色，所以汝窑在宋徽宗这里的要求就是天青色。“雨过天晴云破处，者般颜色作将来”。宋瓷雨过天晴后的颜色是宋人强调天空清静的一种意境。
中国陶瓷史中，“官窑”和“官瓷”是两个完全不同的概念。官窑是一个相对广义的概念，指历代由朝廷专设的瓷窑。两宋官窑简要的说可以分为三个时期：北宋官窑-旧官、南宋修内司官窑和南宋郊坛下官窑。可惜的是，我们现在还没找到北宋汴京的官窑遗址。
传世的哥窑作品不足百件，非常珍贵。目前，哥窑的窑口还没有被发现。在历史上，哥窑也有非常有意思的传说：哥哥章生一和弟弟章生二各开一窑，哥哥窑烧出的瓷器非常好卖，弟弟心生嫉妒，在他出窑的时候泼了一点水。瓷器本身是一个高温的烧造工艺，遇水就开裂了。这本来是一个缺陷，但在中国文人雅士眼里，这样一种缺陷美反倒成了别具一格的自然美。弟弟的窑就是著名的龙泉窑，龙泉青瓷基本上是不开裂的。
钧窑是宋徽宗年间继汝窑之后建立的第二座官窑。位于河南禹州（时称钧州），故名钧窑，以县城内的八卦洞窑和钧台窑最有名。钧瓷的釉色为一绝，千变万化，红、蓝、青、白、紫交相融汇，灿若云霞，宋代诗人曾以“夕阳紫翠忽成岚”赞美之。钧窑瓷最大的特征是釉层比较厚，釉料自然流淌填补裂纹，出窑后形成有规则的流动线条，非常像蚯蚓在泥土中爬行的痕迹，故称之为“蚯蚓走泥纹”。“入窑一色，出窑万彩”，窑变是钧窑的魅力所在。
3.风韵与精致相融的时代
有人说，如果可以穿越回到古时候的某个年代去生活，很多人会选择宋代。因为宋代物质富足、艺术繁荣、社会生活丰富多彩。宋代的风韵与精致，使得温酒成为当时上流人士的时尚。这是一个北宋湖田窑的青白釉温碗和注子，注壶是用来装酒的。不过，温酒到了宋代已全然没有了三国时期“青梅煮酒论英雄”的英雄豪气了。宋人特别追求心灵安逸的清雅自饮，然后浅斟低唱，用词和着酒，大玩风花雪月。
元代瓷器富丽雄浑、画风豪放，绘画层次繁多，与中华民族传统的审美情趣大相径庭。元青花瓷开辟了由素瓷向彩瓷过渡的新时代，是中国陶瓷史上的一朵奇葩，是世界上最重要的青花器之一，也是世界上最著名的瓷瓶。
4.深邃无边的明永宣青花
明代永宣两朝的30余年里烧造的青花瓷，在青花瓷烧造史上堪称稀世珍品。其异域风格的造型、浓重明艳的呈色、超凡脱俗的纹饰，被后人赞誉为“发旷古之未有，开一代之奇葩”。永宣青花瓷代表了中国青花瓷制作的最高水平，它既不同于元青花瓷的热烈奔放，又有别于明中晚期青花的典雅稚拙，更不同于清前期青花的明艳华美，它所体现的审美层次崇高而神圣，具有深邃无边的艺术底蕴。
5. 中国陶瓷的鼎盛时期清康、雍、乾
雍、乾三代是中国陶瓷的鼎盛时期，开创了中国陶瓷发展史上的第二个高峰。康熙时期不仅恢复了明代永乐、宣德朝以来所有精品的特色，还创烧了很多新品种，并烧制出色泽鲜明翠硕、浓淡相间、层次分明的青花。郎窑还恢复了失传200多年的高温铜红釉，郎窑红、缸豆红独步天下。天兰、洒兰、豆青、娇黄、仿定、孔雀绿、紫金釉等都是成功之作，另外康熙时期创烧的珐琅彩瓷也闻名于世。康熙年间的郎窑绿又叫苍蝇绿，很难听但是很形象。也是清代瓷器的典型代表。
6.陶瓷带来的诗意生活
雍正是中国历史上最勤勉的一个皇帝，也是中国历史上最有艺术水准的皇帝。他强调的审美情趣是从外到内的一致，讲究的是一种收敛、不张扬的风格。也正是这个审美标准把中国陶瓷带到一个巅峰的状态。
陶瓷的出现意味着人类对水火土的征服，也是人类利用自身的智慧来改造我们周围物质事件的一个结果。陶瓷生产和应用不仅让人类的生活精致化，也拓展了人类实用的领域和技术的智能。一件造型优美、趣味高雅的陶瓷作品不光光是一个时代的科技成果，也记录着历史过往的点点滴滴。陶瓷艺术以方寸之地集绘画、诗文、书法、雕塑于一体，将古今中外、整体与局部、科学与美学融为一体，产生了超越器件本身的审美和文化价值，正所谓“使形下之器启示形上之道”，这便是中国陶瓷的魅力所在。
中国人向来把“玉”作为美的理想，儒家认为玉有“仁、义、智、勇、洁”的品质。“君子比德于玉”，中国人期望一切工艺的美、艺术的美，乃至人格的美，都趋向玉的美：内部有光彩，是含蓄的光彩，这正是宋瓷、清三代瓷器，也是中国陶瓷所追求的艺术理想和工艺境界。
“闻”瓷
鉴定陶瓷一般来说还是凭经验，用目测、靠手摸。对陶瓷的真假及其质地属性的测定方法带有主观性，随意性，以此来判断，走眼不可避免。
鉴定确实有一定的难度，特别是面对从未见过，文献上也未记载的奇异品种。但这不意味着陶瓷不可知。无论什么样高精尖、难以识别的陶瓷，最终将会被人们破解、认识，从而辨其真伪。
众所周知，医生诊病离不了“望、闻、问、切”。我觉得鉴定陶瓷除了运用“望”和“问”这两种手段以外，还应当运用“闻”这种手段。我这里所说的“闻”有别于医生诊病之“闻”，是用鼻子直接在陶瓷上闻，站它上面有无气味，如果能闻到一种气味，那就要特别注意。
有的气味可以显示鉴定对象之真假。比如具有土腥味的陶瓷一般都真，像唐三彩之类；相反不具土腥味，只具土香味的陶器一般都假，像仿唐三彩之类的假出土陶器。又比如具有硫酸、高锰酸钾等酸味或胶水、烟熏、化学药水等等气味的陶瓷一般都假。我见过不少用高锰酸钾染红的假钧窑器，只要拿在手上，用鼻一闻，真假便知。
发出古香味的陶瓷一般都较真，但真闻出这种古香味非一般人亦非一日之功可以闻出来，要相当功夫道行、相当的嗅觉方能实现。这种方法看似荒诞神秘，实则客观存在，不可忽视。必须区分的是这种古香不是人为造作的土香，而是悠悠岁月散发出来的自然香。
总之，鉴定陶瓷除了“望”、“问”以外，还要“闻”方可“切”，还要通过其他方法综合判断，方可得出结论。当然，鉴定陶瓷时“闻”只是一种手段，但不是惟一手段，对那些无气味的陶瓷，则另当别论，不在此列。
当然，“闻”也包括听觉，用手或用物体敲击陶瓷，听其发出的声音，根据声音来辨别其真伪。古陶大多声音沙哑，仿品则清脆响亮。有些古瓷因瓷化程度高，胎骨坚硬密实，叩之会发出金属声，例如古吉州窑产品；赝品则相反，声音发“冷”、清脆不带沙哑。
鉴定陶瓷也要“闻”，“闻”中有学问。
瓷器冰裂纹的种类
瓷器冰裂纹也叫瓷器的开片儿，是瓷器釉的伸缩程度超出其弹性区间极限时才产生釉层断裂、位移，直至内部应力平衡，因而形成宏观的冰裂纹效应。产生这种现象没有固定的时刻，由于与二者膨胀系数有直接关系，所以在瓷器出窑时温差变化最大，效应最明显，另外在日常的因为其他外因导致温差变化大，以及玻璃釉老化、内部应力无法维持平衡状态时也会发生类似现象，所以没有一定时间局限。瓷器冰裂纹以龙泉哥窑开片的冰裂纹为代表。
瓷器冰裂纹有冰裂纹、蟹爪纹、百圾碎、鱼子纹、流水纹等。冰裂纹在哥窰各纹片中排名首位，素有「哥窰品格，纹取冰裂为上」的美誉。其纹片如冰碰裂，裂缝深粗，有的裂片如鱼鳞，层层迭迭，又称之为「鱼鳞片」。明代《格古要论》中有这样的描述：“哥窑纹取冰裂、鳝血为上，梅花片墨纹次之。细碎纹，纹之下也。” 其特征可归纳为：黑胎厚釉，紫口铁足，釉面开大小纹片。遗憾的是，宋哥窑的窑址，至今还没有被人们发现，我们只有从传世作品上去解读哥窑的历史。哥釉瓷的重要特征是釉面开片，这是发生在釉面上的一种自然开裂现象。开裂原本是瓷器烧制中的缺陷，后来人们掌握了开裂的规律，有意识地让它产生开片，从而产生了一种独特的美感。宋代哥釉瓷釉质莹润，通体釉面被粗深或者细浅的两种纹线交织切割，术语叫作“冰裂纹”，俗称“金丝铁线”。哥窑瓷土脉微紫，质薄，有油灰色、米色、粉青色三种瓷釉彩，表面满裂纹。
钧瓷的自然窑变
钧瓷的自然窑变
钧瓷的自然窑变是指在烧制过程中所产生的不能人为控制的釉面色彩、色斑、纹路、釉画、肌理等特殊艺术效果。它的形成与钧窑独特的本土原料、配釉、施釉、烧成等工艺有密切的关系。特别是最先引入氧化铜的氧化物作为主要呈色元素巧妙筛选配比、精细加工，分层施釉，加上多次氧化还原、高温、急冷却等复杂的烧造，使钧瓷 釉面产生了神奇的窑变现象。钧瓷的自然窑变现象具体表现在五彩斑斓的色彩，如脂似玉的质地，自然玄妙的纹路、色斑、色线，或聚或散，或急或缓。
双龙活环瓶最为神奇的是釉画，意象丰富，鬼斧神工，奇妙无比，具有极高的审美价值，增强了艺术的感染力，使钧瓷升华到具有纯粹审美价值的艺术品高度。钧瓷不以雕刻、绘画装饰来美化，而以造型端庄，胎坚致密，窑变自然，色彩纷呈来展现出钧瓷的自然窑变。钧窑有“入窑一色，出窑万彩”的窑变打破了中国唐代以来高温瓷单一釉色格局，开启了陶瓷史上彩釉瓷的先河，瑰丽、丰富、神奇、灵动的美，形成了博大精深的钧瓷文化。“唐钧”以造型丰满，窑变斑彩，黑里泛蓝，色调明快为特征；而宋钧则庄重典雅，全施满釉，窑变奇特，万紫千红来表现；金元仿钧，虽继承了宋钧传统工艺，烧制出一批富有时代特色的精品，但多施半釉，窑变瑰斑，明显人为做作，呈现阴云密布之景象。胎体粗松，釉色多以天蓝或月白为特征。现代仿钧，虽也很成功，但改用电烧或天然气烧，色釉不及宋钧之深沉，内涵之丰富，浮光耀眼，色调单一。特别注浆成型，更缺乏宋钧之神韵。
大雅红官窑 唯美中国风
从“中国红”的风靡，到“龙年瓷”的面世，国家用瓷第一品牌红官窑一直醉心于将经典的中国文化元素，借助现代工艺，融入陶瓷艺术设计，并创造出了一系列经典艺术名瓷。而龙年瓷作为红官窑“十二生肖瓷”的开篇之作，以龙为主题装饰，融汇了釉下五彩、青花、描金、中国红、帝王黄、御蓝等经典工艺，恢弘尊贵、祥和喜庆，实为当代陶瓷艺术的创新杰作。
【红官窑·金龙献瑞龙头瓶；工艺：釉下五彩、描金、青花、瓷雕】
瓷质晶莹洁白如玉
红官窑龙年瓷瓷胚，采用极品高岭土制造。瓷质晶莹剔透，洁白如玉；瓷面光滑莹亮，银光如镜；瓷胎轻薄如纸，光亮通透；瓷声清脆悦耳，有钟磬音，艺术价值极高。
【红官窑·高白玉瓷瓷坯；洁白如玉，洁净无瑕】
富丽辉煌永葆价值
红官窑产品的描金工艺，始创于唐代；采用进口纯金材质，纯手工打造，并使用阳金——将纯金液化后加入化学溶剂，在800℃恒温下烧制，釉表的黄金纯度高达99.9%以上，极大地提升了红官窑产品整体价值。
中国青花明净素雅
红官窑龙年瓷青花工艺，发源于唐宋；与红官窑釉下彩技艺一脉同源，白底青花，明净素雅，饱含中国传统艺术的诗情画意。
【红官窑·双龙戏珠观音瓶；工艺：釉下五彩、描金、青花】
千窑一宝中国红瓷
红官窑龙年中国红瓷，为醴陵原创；其原材料贵比黄金，由于烧制难度极大，古人曾用“十窑九不成”，“千窑难得一宝”来形容其珍贵。
【红官窑·龙梅迎春滴水瓶；工艺：釉下五彩、中国红、描金】
帝王之色尊贵御黄
红官窑龙年黄釉瓷，源于明清宫廷用瓷，严禁民间使用；帝王黄瓷在1450度的高温下四次进炉烧成，工艺复杂，一窑成器者甚少。帝王黄瓷质如凝脂、典雅尊贵，象征王者的权威尊贵。
温润典雅珍稀御蓝
红官窑龙年御蓝瓷，源于元代皇家御用瓷；红官窑御蓝瓷采用进口昂贵钴料制釉，历经多次施釉与多次复烧，因常有缩釉、裂釉、流釉、变色等，烧制难度极高，所以，成品异常名贵。
【红官窑·龙腾盛世玉壶春瓶；工艺：御蓝、贴花】
古而下，历代官窑名瓷辈出。而作为国家用瓷第一品牌红官窑“十二生肖瓷”的开山之作，龙年瓷由红官窑陶瓷艺术大师领衔，历经近百道工序、纯手工打造，具有弥足珍贵的艺术收藏价值。而极高的烧制难度、复杂的工序流程，又使得成品产量有限，件件珍稀，鼎成中国陶瓷艺术的极致臻品。
康熙瓷器“冰梅纹”的缘起
清末民初许之衡在《饮流斋说瓷》“说瓶罐第七”中谈到过一种“梅花罐”。其文曰：“梅花罐，周身绘冰纹，藏梅花片片。制始康熙，历代均有之。形不甚大，在当时亦粗料耳。然此等物料已非后世所有，故迩来声价，亦颇腾跃五都。”
今天对清代瓷器有一定了解的爱好者都知道，这种“梅花罐”上的纹样叫“冰梅纹”。“冰梅纹”不光出现在瓶罐上，也出现在盘碗上，存世量相当大。它的基本样式有两种：一种是蓝地白花（图1）；一种是白地蓝花（图2）。表现手法是：通过地子上一道道纵横交错的线条，模仿冰面出现的裂缝；再在冰裂纹上画梅花花朵，也有兼梅花画枝干的。
爱好者未必知道的是：这种纹样为何会在康熙年间大量涌现？它寄托着人们怎样的情感？
关于“冰梅纹”的产生，今人有一种猜测认为它是受宋代官窑冰裂纹的影响。这有一定的道理。因为冰裂纹也是瓷器装饰的一种，受它影响并非没有可能。不过要说康熙“冰梅纹”直接模仿宋代官窑冰裂纹，似乎依据不足。参考一些史料，我认为“冰梅纹”更多的应该是借鉴明代园林建筑工艺的产物。
晚明园林建筑大师计成在《园冶》一书中多次提到冰裂纹样在园林建设中的应用。如卷一介绍“风窗”（即窗户上的木条护格）制式时，例举一种“冰裂式”：“冰裂惟风窗之最宜者，其文致减雅，信画如意，可以上疏下密之妙。”大意是：冰裂式最适合做风窗的图案，纹样简洁雅致，可以随心信手绘制，构图以上疏下密为妙。
《园冶》卷三说“墙垣”样式时，提到有一种“乱石墙”：“是乱石皆可砌，惟黄石者佳。大小相间，宜杂假山之间，乱青石版用油灰抿缝，斯名冰裂也。”可见，用乱石砌墙，用油灰抿缝，也是一种冰裂样式。
冰裂样式还可以用来做地面。同样在《园冶》卷三，记载“铺地”的样式时，说到一种“冰裂地”：“乱青版石，斗冰裂纹，宜于山堂、水坡、台端、亭际，见前风窗式、意随人活，砌法似无拘格，破方砖磨铺犹佳。”
从上述例子可知，“冰裂纹”在明代园林建筑工艺中有相当广泛的应用，而计成则是将它总结出书的第一人。计成的《园冶》于崇祯七年（1634）由阮大铖作序并出资刻版印刷，后因阮大铖名声不好，此书在国内几乎失传近三百年。
明末清初另一位知名作家李渔，在其所著的《闲情偶寄》中也曾大谈“冰裂纹”。如在谈窗户、墙壁、屏轴等样式时，都提到冰裂纹的用法。举个例子，卷四“书房壁”就谈到怎样用冰裂纹来装饰书房的墙壁：“糊壁用纸，……先以酱色纸一层，糊壁作底，后用豆绿云母笺，随手裂作零星小块，或方或扁，或短或长，或三角或四五角，但勿使圆，随手贴于酱色纸上，每缝一条，必露出酱色纸一线，务令大小错杂，斜正参差，则贴成之后，满房皆冰裂碎纹，有如哥窑美器。其块之大者，亦可题诗作画，置于零星小块之间，有如铭钟勒卣，盘上作铭，无一不成韵事。”
李渔对冰裂纹之美极其推崇，认为它是变废为宝、变俗为雅的一条捷径。鉴于李渔在清初戏曲文坛上名声显赫，他的著述应该会让冰裂纹在社会上产生很大的影响。
不过，李渔心目中的冰裂纹似乎是一种纯粹审美的产物，与梅花没什么关系。将冰裂纹与梅花搭配引入瓷器装饰，这个创意可能更多的还是受园林建筑铺地工艺的影响。《园冶》卷四“铺地”中曾说：“破方砖可留大用，绕梅花磨斗，冰裂纷纭。”意思是：庭院铺地时，破方砖可留作大用，绕梅树磨制拼接铺成冰裂纹的地面，使梅花似乎绽放在冰天雪地之中。这种铺地工艺或许可以看作是冰梅图创意的最早起源。
从康熙瓷器上早期冰梅纹的实物图案（图1、图2）看，冰块之间的缝隙并不是简单地划一条线，而是缝中还有更细碎的小线条，表明它们更像是筑墙、铺地中产生的缝隙。这个细节也可以佐证，瓷器冰梅纹是受园林工艺影响的产物。在中国传统文化中，梅花傲冰雪是做人有傲骨的象征。明亡后，中国处于满人统治之下，大批汉人有的降清，有的入仕，有的消沉。在这样的氛围中，汉人内心其实对傲骨仍有着深深的向往。正是这种向往，成了康熙民窑瓷器引进冰梅纹潜在的集体意识。梅花是傲骨的象征，冰裂纹是严酷环境的象征，这样的象征意义大家心照不宣。
从康熙直至清亡，冰梅纹样在瓷器上不断涌现，绵延不绝。这表明，独立不羁、孤芳自赏的傲骨精神，在中国人的心灵深处其实一直存在着！
康熙冰梅罐子
三年来，一是手头拮据，二是赝品充斥，三是兴趣倾注读书买书，再没碰过青花瓷，偶尔走过古玩店，橱窗里那一件件青花瓷，总让我心往神驰，驻足半天，欲伸手，可那吓死人的标价又让我后退三步。
昨天，在金古斋与几个朋友小聚，把玩铜镜，赏析青花。有一件康熙冰梅罐子映入眼帘，它藏在博古架一角，灯影处，偶露半个颜面，却也足令我心动。《陶雅》说，“世界之瓷，以吾华为最；吾华之瓷，以康雍为最。”这一时期的青花瓷器色彩鲜明青翠、浓淡相宜、层次分明，因此被赞誉为“青花五彩”。这件青花，恰有如许特点，我拿在手里，揉抚一遍，我的心已先许了它。然后找瑕疵，想编派一番，杀杀价。
店主一眼就看透了我，说不用找了，除了少盖子，一丁点儿的残缺也没有，别老想着占便宜，便宜无好货，也别打算捡漏儿，来这里的哪个不是火眼金睛？福田居士一直是我敬重且信任的朋友，遂征求他的意见，问他这个价格拿是否合适。他言道，东西绝对没问题，康熙本朝，高大约16厘米，底径10厘米，口约7厘米，器件虽略小了些，但是比较精致，发色又好，价格也不算太高。我们一边说着，好几个人也围上来看。
福田居士拿在手里让我看：“你看胎质，细腻，标准的糯米胎。”釉胎结合处，一圈淡淡的火石红，似从胎骨渗出。他又递到我手，说：“掂掂，上手沉重，压手吧？说明瓷质非常好，康熙时期经济发达呀，瓷土精纯。当然肯定也不如今天的致密，你看，这么厚重，依然有透光感。”旁边高兄也说：“这件青花发色亮丽，梅朵冰底相对清晰，流动感强，经过几百年时光流逝，罐子釉面使用痕迹明显，并且贼光褪尽，已经莹润如玉了，典型的康熙时期东西。”
冰梅纹，又称冰裂梅花纹，创制于清康熙朝，以青花料浓淡晕染，仿宋官窑冰裂片纹为地，其间勾画白色梅花，画朵梅或枝梅，蓝白相映，颇具文人画风韵。这一件画朵梅，我数了一下，大小梅花，单朵的，簇堆的，总共80余朵，五层，排列均匀。画得也细致，仅花也要画五百余笔，画好梅花，再以青花晕染，应该十分繁琐，然而并无草率之感，且器型规整，小中见大，适宜在手中把玩。
店主说：“这东西，别人放在这里代卖，说实话，我加了200元。舍不得卖呀，这东西若能留在朋友手里才好，你拿，行！”
朋友一致建议我买下，说“肥水不流外人田”。虽觉得价格高，我还是抱在了怀里。
冰梅题材的青花瓷器，我还有一件，说是光绪仿康熙，有冲，梅花的树干枝杈画得苍劲，遗憾的是釉色暗淡，远不如康熙本朝的好看。
张荣：清代鼻烟壶的鉴赏
鼻烟壶的历史很短，清代一朝才出现。这和满族人喜好鼻烟有关。
关于鼻烟壶的来源，在学术研究领域三个说法：万历说、顺治说和康熙说。
有人认为万历年间就已经有鼻烟壶了，这有一定的道理。万历时期，意大利的传教士利玛窦来到中国传教，给万历皇帝带了很多西洋的礼物，其中就有鼻烟。鼻烟盛放在瓷或玻璃的容器中。澳门历史博物馆有一个小展览，陈列了很多明晚期的小玻璃瓶和瓷器瓶子。有人认为那就是中国最早的鼻烟壶的诞生。实际上是用当时的小药瓶来装的。
“顺治说”是因为原来的北京文物商店收藏了几件顺治款的龙纹的铜鼻烟壶，有“顺治三年”“顺治五年”“顺治六年”款，所以有人认为顺治时期就已经有鼻烟壶了。实际上我们看过之后，认为它是民国仿制的，和顺治没有任何关系。在各类文物当中，都没有带顺治官款的文物，即使是带款最多的瓷器也没有。
经过多年的研究，结合档案文献和实物，我们认为，清代鼻烟壶应该是从康熙年间出现的。现在传世最早的实物就是康熙年款的铜胎画珐琅鼻烟壶。据统计，在世界范围内，带康熙款的鼻烟壶可能不超过20个，十分珍贵。
鼻烟壶有一个非常重要的特点，就是它把清代能够涉及到的材质几乎都用到了，集清代各种材质、各种制作工艺于一身。它的材质不是单一的，制作工艺也不是单一的，采用的装饰方法也不是单一的。所以鼻烟壶是一类很独特的文物。
在整个清代，鼻烟壶的制作从康熙到宣统一直没有中断，这是众多文物中唯一的一类，为我们的研究和学习提供了非常便利的条件。
鼻烟壶的公私收藏和研究
鼻烟壶的产生是因为满人的生活习惯。据清宫造办处的档案记载，造办处的各个作坊都曾大量制作鼻烟壶。清代鼻烟壶的制作量很大，所以今天能够看到的也很多。嘉庆四年(1799年)和珅倒台抄家的时候发现他竟有两千多件鼻烟壶。除了和生活习惯有关，鼻烟壶的多少、材质的好坏、装饰图案的好坏，也是当时人的身份和地位的象征。现在北京故宫博物院收藏的鼻烟壶的数量和珅差不多，也是两千多件。另一个藏量比较大的是台北故宫，但是没有专门展览，只是在它的固定展览中有几件。
私人收藏方面，鼻烟壶大藏家并不在中国，而是在欧美。鼻烟壶虽然很小，但是极具传播中国传统文化的功能。在欧美，特别是美国，很多人都非常喜欢鼻烟壶，收藏的品位也很高，对鼻烟壶有很深的研究。西方人对鼻烟壶情有独钟，甚至1964年就在美国成立了庞大的鼻烟壶组织——“国际中国鼻烟壶协会”。全世界重要的鼻烟壶专著及收藏，大部分都在国外。美国奥克兰博物馆有一个展览，专门展出中国的鼻烟壶，600件藏品全部来自一位老太太的收藏。除了美国以外，一些香港鼻烟壶藏家的水平也很高。
去年5月和11月，香港邦瀚斯(Bonhams，一译“宝龙”)举办了两场玛丽及庄智博(MARY 一类是铜镀金，在铜作做;还有一类是竹的。
我们对玻璃鼻烟壶进行了一个简单的分类，包括单色玻璃、套玻璃、画珐琅玻璃、搅玻璃、金星玻璃、搅玻璃等。
单色玻璃鼻烟壶
单色玻璃鼻烟壶的数量是最大的。玻璃有一个特点是色彩比陶瓷多，特别是单色远远超过了陶瓷，很多颜色是陶瓷烧出不来的。从档案记载看，雍正时期和乾隆时期，玻璃颜色已经达到了将近40种，但我们今天能看到的只有将近20种。其中豇豆红色玻璃和瓷器中的豇豆红釉很相似，它的配方至今还没有攻克。金星玻璃在雍正的档案中有记载，但实物只在乾隆一朝有。
套玻璃鼻烟壶
套玻璃是清代独创的工艺，是指用两色以上的玻璃制作器物。分为两种：一种是满套，在玻璃胎上满套与胎色不同的另一色玻璃，再用琢玉的方法在外套的玻璃上雕琢花纹;一种是将所需各色玻璃棒烧熔，直接在器表黏贴花纹。以满套为多。
据文献记载，从康熙朝就有套玻璃鼻烟壶，但是最早的实物只看到了乾隆时期的，康熙跟雍正时期的实物均不见。乾隆朝的套玻璃鼻烟壶，没有大尺寸的，高度都是四五厘米左右，很精致。乾隆时期有一种套粉色玻璃鼻烟壶，粉色是乾隆朝特有的颜色。
清代的官造套玻璃鼻烟壶，大部分都是椭圆形的足，而且一定是实心的平面的实足，因为只有这样才能刻款。而且玻璃器的款识和其他文物不一样，它的字迹非常潦草，而且大部分是阴刻楷书款，只有少数是料款(仅在画珐琅玻璃上)，更少数的是篆书款。篆书款应该是在玉作刻的，其他款则是在玻璃厂刻。
官造的套玻璃鼻烟壶的基本规律是单色套单色，比如白套红、白套蓝、白套绿、红套蓝、红套黄等等。套多种颜色的基本上是民间的东西，但也不排除极少数套多色的也是官造的。对于民间造的鼻烟壶的研究现在还没有突破，因为没有可资对比的参照物，一件都没有。
玻璃胎画珐琅鼻烟壶
画珐琅是非常重要的一类清代文物。人们常说“珐琅彩”，但这个称谓在档案中是没有的，而是叫做××胎珐琅、××胎画珐琅。清代有六种材料的胎用于画珐琅：金、银、铜、瓷、玻璃、宜兴，即金胎画珐琅、铜胎画珐琅、银胎画珐琅等，其中铜胎画珐琅是最早的。银胎画珐琅也叫银烧蓝。瓷胎画珐琅是现在最贵的品种，俗称瓷胎珐琅彩。宜兴胎画珐琅大部分都是康熙年间的，基本都在台北故宫，北京故宫很少。
在各种画珐琅中，工艺难度最大的是玻璃胎，但是现在市场上玻璃胎画珐琅拍不过瓷胎的，这是大家认知不充分造成的。玻璃胎画珐琅的成功率低，是因为它是二次烧成，先把玻璃烧成某种器形，再用珐琅来绘画;之后再烧，温度高了，玻璃就碎了，温度低了，珐琅颜色出不来。所以清代玻璃胎画珐琅的生产量最少，极为珍贵。北京故宫收藏的清代玻璃胎画珐琅器大约才20多件。多年前我只在香港佳士得看见过一件玻璃胎画珐琅西洋人物八方形笔筒极好，似乎拍了大约6000万港币。现在玻璃胎画珐琅鼻烟壶的价钱已经逼近一千万元了。
乾隆时期出现了一批西洋人物和西洋建筑纹样的器物，这在雍正时期是没有的。雍正五年曾下令严禁外造制器，外造可能就是指西洋的东西。虽然如此，雍正皇帝还是留下了很多幅带着西洋发套的画像。乾隆时期的西洋人物和西洋建筑纹样主要出现在玻璃、铜胎画珐琅和瓷器上，经常是和中国的传统纹样相结合，很有意思。绘制者应该有两类，一类是真正的西洋画家，像郎世宁，还有一类是宫廷培养的画家。这种西洋纹样的玻璃胎画珐琅的数量很少。
内画鼻烟壶
玻璃鼻烟壶中，和现在能够衔接上的一种是内画鼻烟壶。内画玻璃的历史很短，但是研究起来难度很大。因为中国历史上手工艺人的地位比较低，有关他们的文字记载很少。内画玻璃究竟何时出现一直是个未知数。现在研究认为内画始于嘉庆年间的甘烜文，香港中文大学文物馆收藏有一幅他的画作，风格和其传世的内画壶是一致的。内画玻璃的大发展应该是在晚清、民国时期，这和当时玻璃制造技术的发展是密切相关的。
光绪年间有名的内画高手有30多位，基本上是以北京为主，也有山东的。周乐元、马少宣、叶仲三是三位京派内画艺术大师。原来他们的作品都很便宜，现在极贵，而且大量的是在国外。三位大师各有所长。周乐元主要是内画山水，他的作品很少，但现在假的很多。马少宣内画鼻烟壶的特点是一面绘画，一面题字，富于诗情画意。据马少宣的孙子马增善所说，马少宣的有些作品是由他哥哥所画，但是也署马少宣之名。叶仲三1945年去世，他的两个儿子叶晓峰和叶蓁祺传承了他的衣钵，作品都署叶仲三的名字。
实际上，在各类鼻烟壶工艺中，我们传承得最好的就是内画鼻烟壶。河北的王习三大师是现在冀派内画鼻烟壶的代表，在河北衡水有五万人在从事内画这个职业。另外，北京有刘守本，山东有张广庆，等等。
鼻烟壶的一些鉴定要点
在造型上，年代越早，器形越小;年代越晚，器形越大、越蠢笨。口部的造型也有规律，越早壁越薄，越晚壁越厚。壶腹部位的规律是：年代早的一定是扁腹，鼓腹则年代晚。荷包形的鼻烟壶一定是乾隆时期的器形。传世的康熙瓷鼻烟壶数量很少，造型多为爆竹筒式，只有青花、釉里红两个品种。
另外，鼻烟壶的盖和小匙对于鉴定也是很重要的，以原有的壶身加一个后配的盖是作伪的手段之一，也有的是新做的小匙长度不合比例。
在纹饰方面，不同部位的画法是不一样的，比如用哪种方式开光，开光里面的纹饰怎么搭配，开光外面的纹饰怎么组合，都是有规律可循的。如果要学文物鉴定，有几个纹式是很重要的：龙纹、凤纹、云纹、螭纹和蝙蝠纹。只要掌握其中一类纹饰，再看其他文物也能有一个大致的判断。蝙蝠纹是清代特有的一类装饰，它的不同时期的特点也是鉴定器物时代的重要依据。早期的蝙蝠翅膀很尖，而且一定是打开的。雍正时期的云纹和康熙、乾隆时期的完全不一样。
在款识上，康熙朝的瓷鼻烟壶中没有带康熙年款的，足内主要是写“成化年制”四字行书仿款，也有一部分不写款。
注：张荣女士1985年毕业于天津南开大学历史系博物馆学专业，同年分配到北京故宫博物院保管部工艺组工作，主要从事古代杂项类文物的保管与研究工作。曾任故宫博物院古器物部主任，现任故宫博物院图书馆馆长。已出版《漆器型制与装饰鉴赏》《张荣谈漆器》《掌中珍玩鼻烟壶》《古代漆器》等专著，并主编《故宫鼻烟壶选粹》《故宫珍宝》《光凝秋水——清宫造办处玻璃器》《投资与鉴赏——杂项类》等。