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王小晖是我的同乡好友，我很喜欢她的为人，对她的画就不敢妄加评论了，因为我是一介画盲。朋友聚会时，小晖送我她的画册和画作，说实话，我压根就看不出一点儿名堂。
春节前，去了王小晖的画室，一进门儿就被一幅画震惊了！画面上是三个年轻漂亮的女战士，潇潇洒洒地从晨雾中走来，她们那么洒脱、优雅、知性和时尚。整齐飞舞的短发，飘逸的军服，飒爽的军帽给出了一个宏大开阔的时代背景，在这样的背景下，我们的女战士展示的不是惯常思维下的战争场面，而是年轻生命的青春勃发。她们的脸上有理想的洋溢，眼神里有诗意的憧憬，她们的围巾和腰带也像时装模特的饰品，极有品位和格调，就连一个女战士戴着裂痕的眼镜不经意中也透出女性特有的俏皮和曼妙。
她们是谁？有这样的女战士吗？
当年，这幅命题为《霜晨》的作品参加全国美展时获得了荣誉也有些争议。有专家说，这是战争中的女性？战争是诗歌吗？这样的女战士能打鬼子吗？我说，鬼子见了她们就得趴下，这还用打吗？
就在初春的那个阳光灿烂的上午，品读这幅画，心里充满了激情和想象：关于战争，关于女人，关于艺术，关于我们的生命。
围绕这幅画我们聊天，聊到前苏联文学，聊到了战争中的女性。第二次世界大战西方战场上，苏联人民为世界和平贡献出他们的战士，也贡献出他们的战争文学：《这里的黎明静悄悄》《第四十一》《最后的炮轰》等，这些著名的文学作品伴随着我们走过了生命的春华和秋实，深刻影响了我们的人生价值观。
艺术，往往是作者最诚实的自传。
记得当年在一个小城文化馆，一听说来了征兵的，就激动得跟着人家跑，就是当不上兵也愿意听听当兵的故事。王小晖，居然也和我有着同样的心结。大学毕业后热血沸腾地报名参军，是老师苦口婆心才把她留在了大学里任教。几十年来，她收藏着关于军旅题材的全部光碟和影像。军人，作为革命最核心的细胞已经深深地融进我们的生命憧憬里。
军人是战争的载体，热爱军人不等于热爱战争。但热爱军人却离不开战争，至少离不开对战争的理解。对战争中人的理解和描述构成了一个庞大的艺术命题，对战争中女性的理解和描述便是这个命题的一部分。
战争是什么？战争中的女性是什么？在斯薇特兰娜的纪实文学《战争让女人走开》里有这样的叙述：在一次执行任务的路途中，一个战士采了一束漂亮的紫罗兰挑在枪刺上，因此受到指挥官三次处罚还是藏在口袋里舍不得扔掉；一位战士夜间抢着站岗不为别的，就是为了听听黎明前的鸟叫……还有那些野战医院的女护士们每天给受伤的小战士包扎伤口，把他们抱在怀里的一刹那，女战士们的灵魂顿时升华为母亲……轰炸、死亡、苦难并不是战争的全部。如果说，战争以军事行动使男人难以忘怀的话，女人则是用她们先天的母性和美丽体验和承受战争。女人的美丽和魅力有时候比炮火更为强大！《珍珠港》让我们记住的是一段刻骨铭心的爱情故事，而不是战争的残酷，《飘》让郝思嘉风靡全球……我们经历了八年抗日战争和三年解放战争，对于革命和战争的理解早已跨越了时代。
当年，《霜晨》在中国美术馆展出的时候，有几位老军人看到这幅画激动得泪流满面，一定要见作者，她们拥抱王小晖，拉着她的手在画前留影。在济南的展出也频频出现这样的情景。或许，她们拥抱的不是王小晖，而是拥抱自己曾经的青春和浪漫，《霜晨》让她们和她们的青春浪漫获得了一次重逢！《霜晨》就这样在专家们的争议中得到了读者的高度认同。
不知是谁曾经说过，革命是青春的仪式。
法国革命为什么选择五月？因为五月是法国最美丽的季节。浩浩荡荡的学生队伍里有同学、兄妹，也有许多情侣。甚至，当她们游行的时候还专门为自己精心挑选了时尚的服装，因此，我们穿越地球，可以听到法国街头上的诗歌，我们穿越历史可以听到“五四”时期的呐喊……
我和王小晖是同龄人，经历过“文革”和上山下乡，我们曾经问过自己，我们真正拥有过自己的青春吗？有过疯狂、浪漫、不顾一切的青春年华吗？时代剥夺了我们青春的选择，但人生旅途上还有许多机会可以生长出生命的精彩。
王小晖年轻时是个大女人，少些小情调。从她的创作题材中可以看到其生命的大格局，思想的大情怀。比如，她的《霜晨》《摇篮》《共剪西窗》等作品都将艺术的视野置于时代的大背景下，辽阔地展示出独到的思想性和现代意识，由此获得了很大成功，她的作品多次获得国家级美展大奖，许多作品被海外美术机构收藏。大女人，大格局，大情怀成就了王小晖的事业，使她成为齐鲁画坛的领军人物，又当选为山东女画家协会的主席。
王小晖中年时是个“小女人”。在着眼重大社会题材的同时，她的绘画小品则更多地展示出女性的小情小调，小雅小趣，信手拈来，典典雅雅，漫而不浪。由此可以感觉到一个艺术家生命的细腻和圆润。
一天晚上和王小晖聊天，还没迈进她的家门儿，就听到一阵汪汪狗叫，天哪，一脚迈进门儿，就有两只连我这狗迷也叫不出名堂的说狗不像狗、说猫不像猫、说羊不像羊的宠物们扑上来，其中，有一条黄色小狗，和我特别亲热，她说，这条小黄太敏感，它一直觉得我对另一只更宠爱，见了你就示好撒娇啦。天哪！那天晚上，在一声声狗叫里，在和小狗狗们的嬉闹中，我们居然还聊得热火朝天，聊得最多的还是她的《霜晨》，这应该算她的代表作吧，她曾经专门写过一篇文章解读这幅作品，叫做《风霜交织的浪漫》，有了它，才有了我和王小晖的思想重逢，我们和共同的时代重逢。
王小（晓）晖，女。山东艺术学院教授，硕士生导师，中国美术家协会会员，中国女画家协会副秘书长，中国工笔画学会理事，山东省女书画家协会主席，山东省政协委员。
作品获全国工笔画大展银奖、铜奖、优秀奖。全国中国画三百家铜奖。世界女艺术家艺术作品展（美国）优秀奖，并被世界银行收藏。全国第六届、八届、九届、十届、十一届美术作品展优秀奖。“微观与精致”——首届全国工笔重彩小幅作品展银奖。2010 年《问剑》获山东省政府第三届“泰山文艺奖”一等奖。2001 年中国美术家协会授予“中国重彩画学术奖”。2010 年获齐鲁精英人物风云榜——十大齐鲁精英奖。
多幅作品被国内外美术馆、博物馆、画廊等机构及个人收藏。《远海》《匆匆》两幅作品被中国美术馆收藏。
编辑推荐
陶瓷装饰艺术
陶瓷装饰艺术是中国工艺美术范畴中的重要组成部分，是造型与装饰相结合的载体，通过巧妙的绘画设计，新颖的装饰手法来产生完美的艺术形象，从中给人以诗情画意般的情趣。从彩陶文化到汉代瓷器装饰，采用绘画、刻划等技法，以弦纹，水波纹、几何图形。唐宋时期开始，采用彩绘颜料在瓷器上进行装饰。景德镇陶瓷，从现在发现的古瓷资料中已有定论的是五代时期的青瓷，以釉色为主要装饰，宋代出现了大量的刻、划、印、雕花装饰；元代青花瓷是景德镇陶瓷彩绘装饰的起源时期，历经明、清、近代，到现代陶瓷装饰，经过了漫长的历史发展阶段，千百年来，陶瓷艺人和陶瓷艺术家从装饰艺术实践中，创造出多姿多彩的装饰技巧，各种奇妙的表现手法如雨后春笋般层出不穷。
随着人类社会的发展，陶瓷装饰也在不断提高，以丰富的内涵，多种风格的表现手法，呈现出新的艺术形式和内容，在民族艺术发展的进程中，陶瓷艺术作为其中的一种形式，体现了人们对真、善、美的崇高追求，反映了人类审美观念的变化，展现了丰富多彩的生活。
艺术表现手法，在陶瓷装饰上的发挥显示出艺术家的艺术个性、文化修养，也显示出时代艺术的特色，景德镇陶瓷文化，以其丰富的内涵，悠久的历史，给人们以审美情趣和生活需求的满足。博大精深的陶瓷文化艺术，经过千百年的不断发展，成为一门高深的学问，从事陶瓷艺术装饰的创作者们首先就要了解陶瓷文化史，懂得陶瓷装饰的来龙去脉，掌握装饰构图的基本法则，如果只停留在能画好瓷器的阶段上是不够的，不了解陶瓷装饰的内涵、手法、技巧，绘画表现就很难达到较高的水平，也产生不了艺术个性，只能是依样画葫芦。
粉彩婴戏图笔筒
陶瓷装饰的艺术魅力，就在于不仅能以新颖美观的装饰，给人以愉悦的感受，而且能够通过观赏者的欣赏联想进入人的心灵，产生出作者与观众在心弦上的共鸣，艺术作品可以超越时空，跨过国界。不同时代，语言不通的人们，可以在艺术作品前有心灵上的默契。有的作品只能意会，难以言传，唯有具备艺术修养的人，才能看懂其中之意境。像明清时期的青花、粉彩婴戏图，在创作时也有自己的思想，古代婴戏图以“麒麟送子”、“加官进爵”、“青云直上”等画面，展示出人们期望生活幸福美好的心境，迎合购买者对前程似锦，改变命运的盼望之情。粉彩婴戏图，构图严谨，色彩绚丽，装饰精细，人物形象呈现出白白胖胖的福相，反映出当时的达官贵人，崇尚多子多福，富贵满堂的世俗观念。而现代陶瓷装饰中，艺术家的作品在装饰方面很少用边饰，借鉴国画、油画、水粉、水彩画的绘画构图形式，直接把主题物象装饰在陶瓷造型上，使作品潇洒大方，很具时代感。画面釉色颜料的组合，枯涩、清润的线条韵律鸣奏出无声的乐章。以荷花为例，古今中外的艺术家，画出过无数力作，“齐白石的墨荷、莫奈的睡莲、徐渭的泼荷、八大山人的怪莲”有的浓墨淡彩、有的如梦幻中的意韵、有的任意挥洒、有的幽意深远，展现出不拘一格、妙趣各异的风格。
陶瓷装饰就是利用造型的各个部位，进行协调的美化，和谐地把造型与画面装饰融为一体。并不是所有的装饰绘画都美，如果装饰形式、纹饰与器型不协调，一味以荒诞、古怪、散乱的色彩在陶瓷器型上涂划，不仅产生不了装饰特色，反而会破坏原有的材质、器型美。陶瓷装饰艺术就是讲究美的表现形式，科学、合理地装饰布局，通过艺术装饰来衬托材质美，给人以美的享受。
陶瓷装饰，分为图案装饰和纹样装饰两种基本形式。图案装饰以规整、概括、对称、对比等构成要素来美化陶瓷；纹样装饰则包括写意、抽象、变形夸张等多种装饰形式。不论是图案还是纹饰，都有其装饰规律和表现形式，两者和谐地融为一体，展现了装饰图案和纹饰的创作手法，线条、细点、块面、图形等都是从现实生活中得到的。陶瓷装饰图案，是人们在长期的实践中，对周围各种事物经常接触、认识，经过形象思维和抽象思维而逐步描绘、创作出来的。大自然中就有多种多样的形态，太阳、月亮的圆、缺，火焰的光茫，山的形状，水的波纹，鸟的飞翔等等，都给人留下深刻的印象。人们就把这些头脑中的印象变成图形，在陶瓷、木材、金属等载体上表现出来，成为美妙的图案、纹饰。陶瓷装饰在漫长的发展、形成过程中，经过陶瓷艺人和陶瓷艺术家的艺术实践，不断提高了对美的形态的认识，从摹仿到写实，再由具象到意象、抽象的变化过程中，人们掌握了美的构成形成规律，发现了在装饰构图中的多种手法。用变形、概括、均衡、协调等手法装饰陶瓷，已成为人们常用的形式，变形是把物象的形态加以改变，用放大、缩小、扭曲、夸张等方式来组成图案，集中体现了物象的形态特征。概括是对自然界的物象进行提炼，成为适合器型的装饰图样，产生出简洁、明快之感。均衡有对称的美感，协调中包括均衡、对称、和谐、整齐，体现了特定形式的法则。追求丰富的构图形式、稳定均衡的画面感，是陶瓷装饰图案的主要特点，给人以丰满、舒畅、充实的印象。
景德镇陶瓷艺术文化，是世代陶瓷艺人的智慧结晶，是博大精深的知识积累。我们新世纪的陶瓷艺术工作者，既要继承优秀的传统陶瓷装饰技艺，又要将其发扬光大，才能创造出具有民族特色的，同时也是具有世界性的陶瓷艺术作品。
典雅之风 家居陶瓷摆放小技巧
家居装饰中，陶瓷工艺品的种类繁多，因此在摆放陶瓷工艺品时，要注意将陶瓷工艺品放在合适的位置，只有摆放得当，才能获得最好的装饰效果。但是如果对陶瓷装饰品摆放技巧不是很了解的话，就会显得不伦不类，那么如何摆放陶瓷装饰品呢？
家居陶瓷摆放
陶瓷装饰品一：卧室摆放
卧室是比较私人的地方，因此要完全按主人的爱好而定夺，但还是应确定一个主题较好，追求现代感的可摆设景德镇当代风格的艺术瓶，如山水图案、花鸟和江南水乡、各种人物图案甚至是抽象派图纹的以及在瓷胎上采用浮雕、刀刻后烧制出来的器物，瓶型以冬瓜形、球形以及异形瓶等均可，总体构思应体现赏心悦目、亲切舒适，给人一种“温馨之家”的享受。
喜欢历史陶瓷艺术品的可陈设几件高度分别在20、30厘米左右的仿宋钧窑瓷器，器型如鹅颈瓶、玉壶春、观音瓶和仿宋哥窑瓷器，如花觚、炮耳瓶等器型或仿康熙珐琅彩的罐、瓶等。
书房陶瓷摆放
陶瓷装饰品二：书房摆放
书房是体现主人品位的地方，在创意和布置上都应体现一个“雅”的原则。这需要考虑如下几点：
第一，选择一套既实用又具观赏性的陶瓷文房用具是必须的，如笔筒、笔架等；
第二，陈设几件大小适中仿古器型的瓷器或其他器物，如代表寓意“福禄”的葫芦瓶、良渚文化的玉琮式瓶、仿象牙雕的八仙瓷人、仿明清祭红釉色的如意瓶等，喜欢书画的主人还可多摆设一个青花或粉彩大缸，以方便随手放置一些画轴、书法手卷等物品。
客厅陶瓷摆放
陶瓷装饰品三：客厅摆放
客厅是“家”的中心，是接待亲朋好友、也是主人起居、娱乐、休息、休闲的主要地方，它最适宜摆放一对大器形的瓷瓶，当然要依客厅面积来选择，瓶的高度一般应选1.5米上下的。
首先可以选择青花云龙纹瓶或吉祥色彩浓郁的玉堂富贵、吉庆有余等图案的当代粉彩大瓶，其中，粉彩瓶给人一种雍容华贵之感和富丽堂皇的格调，青花瓶给人一种古雅的气息和历史文化的厚重氛围。然后再摆放一两个高度在40厘米左右，器型如鹿头樽、大罐、象耳瓶等，以达到与大瓶相映生辉的陈设效果。这样的陈设陶瓷艺术品会使得大客厅更显气派恢弘、小客厅凸现灵动雅韵，通过所陈设的陶瓷艺术品也彰显着主人的情趣、个性和文化素养。
陶瓷艺术品
对于不同的房间可以摆放不同的陶瓷工艺品，例如在起居室、客厅，可摆放一些高雅、严肃的艺术品，在卧室，则可选择像玩具、绘画等较为轻松活泼的艺术品。对于儿童房间，就要摆一些活泼可爱，颜色亮丽的陶瓷工艺品了。
站在艺术的高度创作陶瓷艺术
陶瓷艺术是造型、装饰、材质、工艺等多元素构成的一个整体，是艺术与科学技术的结晶。陶瓷艺术大师通过巧夺天工的艺术创造和科学合理的精心设计，使瓷器具有物质和精神双文化特征，深受古今中外收藏爱好者的青睐。
纵观中国瓷器艺术的发展，千百年来不断在创新中前行，留下了难以数计的传世佳作。可以说创新是发展的唯一出路，而创新的基础来自于瓷器大师对国学、历史、艺术以及自然等各方面的修养与学识。遗憾的是，现在许多陶瓷大师一味模仿，追求暂时的利益价值，缺乏艺术上的创新精神，成为困扰当今瓷器艺术发展的藩篱。
李砚祖教授作为一位学者型陶瓷艺术家，在多年的陶瓷艺术研究中深刻认识到这一点。因此他的瓷器艺术作品基本上都是创作型的，他追求每件作品都不一样并将自己的思想情感融入到作品中，使作品有了生命与灵性。
提到瓷器艺术，历史上曾出现了不少瓷艺大师，如清代陶瓷艺术家唐英、民国初期的珠山八友等。到了当代，我们不得不提到一位德高望重的学院派陶瓷艺术大师李砚祖教授。李砚祖系清华大学美术学院美术学教授，博士研究生导师，江西省政府特聘“井冈学者”，景德镇陶瓷学院终身教授，硕士生导师。他从事美术、装饰艺术及艺术设计的历史及理论、陶瓷艺术、中国画学的研究与教学工作多年。
深厚的理论基础和实践经验使他在创作中积累、凝练，在积累中迸发出一种全新的艺术光芒，在凝练中闪烁出唯美艺术光辉。2012年，李砚祖教授作品展在广州举行，其六十件个人陶瓷作品，在短短几天内便被慕名而来的收藏者定购一空，让许多晚来一步的收藏者不禁“望洋兴叹”，后悔未能先人一步而与大师瓷失之交臂。
他以一个学者的思考对陶瓷艺术创作、陶瓷艺术理论和陶瓷艺术教育有着独特的认识和感悟。作为一位学者型瓷器艺术家，他站在艺术的高度，去理解、去思考、去创作中国的瓷器艺术，进而使中国当代陶瓷艺术走进了一个崭新的历史起点，成为当今为数不多的真正能够代表中国瓷器艺术创作的领军人物，影响着当代瓷器发展的方向。
从陶瓷艺术创作来讲，对工艺技术的掌握并不是太难，关键就是怎么能形成自己的语言，怎样将自己的思想融入到作品中，赋予作品灵魂。李砚祖教授的作品融入了他多年来对艺术的思考，追求新意又不脱离生活，继承传统又不拘泥于老套，他以一种独特的艺术语言，在泥与火中演绎出精灵般的瓷器之美。其作品无论从构图还是画工，都显示出精巧与精细，自然与和谐一气呵成，给人予格调高雅、气势豪迈、品格超逸、工艺精湛、形式多样、不拘一格等唯美的艺术享受，这是其他“工匠性”瓷艺大师所不能及的，也是目前国内陶瓷艺术界所罕见的，具有极高的艺术价值和珍藏价值。
陶瓷技术促进艺术陶瓷发展
在陶瓷产业不断进步发展的标志中，艺术品的创作最有代表特色。体现在艺术品创作的实践中，可以让艺术品在每一个步骤加工与设计的过程中，都得到最美的诠释，让设计得以精确的体现，是最重要的内容与形式。尤其是艺术品实际的设计与成型的过程中，可以达到完美的效果，最后的关键性步骤，对于技术的依赖极其重要，陶瓷技术进步，与陶瓷机械的发展同步起着关键性的作用。
艺术品创作本身是一个相对漫长的过程，特别是在艺术品的生产与设计实践中，从雏形到成品，有一个系统而又复杂的程序，而每一个过程中都凝聚着艺术之美，也都需要陶瓷技术的保证，有了技术的支持，设计才更有亮点和特色，有了技术的促进，才能让艺术之美展示得更加极致，陶瓷技术领域的发展与进步，就是这样的有实际意义，也是现代陶瓷生产实际和艺术品创作，都以技术领先为前提的根本原因。艺术品的最终成型与完美展示，是在陶瓷技术的保障与支持下达到了最高结果，而陶瓷技术的进步与实践的发展又有着十分密切的关系。从整体的陶瓷技术进步来看，每一次突破性技术进步成果，都给艺术品的生产带来一次较大的革新，而从最终成型与艺术品制作达到完美的这个决定性过程来看，对陶瓷技术的依赖性就更强，让设计成为可能，其实就是这样简单，技术是保证。
富艺术感染力的艺术陶瓷
富有艺术感染力的艺术陶瓷作为一种新型的装修建材,近几年在国内外市场上发展迅猛。它适于美化环境,用处较广,深受消费者喜爱。
当代艺术陶瓷砖重要是以实用和艺术相融合的手段制成,并作为建筑表体内外墙面的壹套“嫁衣裳”,不但达到了消费者对装饰品件的实用性能的要求,并且满足了消费者审美心理感触,包含造型、颜色、质量感觉肌理等。它既可装饰在书斋墙面上,用玻璃架板作为书柜,在灯光的照射下,构成一幅美丽的图纹;也可直接铺设粘贴于起居室中与音视家私相呼应的墙面上,墙面下面置一壁炉或家纺 沙发 等。并且,此种艺术陶瓷砖装饰于墙面上,可大大增多墙面面装饰的使用期限,决不会出现壁纸、涂料因运用年久而出现的霉点污染。
艺术陶瓷砖所体现出的画面健康清新,大都涌现的是祖国大江南北的风情文化,如“黄山群峰”、“西湖美景”、“南国椰林”、“农村田野”、“人物”、“书法”和“动物”等,栩栩如生,让人神往,美不胜收。专业人士认为,艺术陶瓷很有发展前景,其生命力不但取决现有的制造和实际使用性能,宏观上讨论的空间太大,把纯艺术文化渗透到当代家庭装饰中,把我们国家古老的文化精品展现于大家的实际生活中,意义太大。因而,不但要求它的质量感觉可以满足大家物质和精神生活日益升华发展的需求,并且它的适用范围要进一步扩大,快速改观仅限于厕所、灶间间的墙面上的小块铺设粘贴的局限,让艺术陶瓷成为家居装饰文化的一个亮点。
春季沙龙的艺术陶瓷
杨志洪
本人对当代艺术陶瓷有种偏爱，最初是因为对古陶瓷的自卑而引发的，因为古陶瓷的价格不菲，而自己囊中羞涩；因为古陶瓷的厚重与沉淀，而自己浅薄无知；因为古陶瓷假货猖獗，而自己良莠难辨，不想上当又不想坑人……因此在敲打键盘时，力求回避，实在无法回避，也是蜻蜓点水，泛泛而谈，绝对不涉及具体。
这次上海春季沙龙开幕，有大量的当代艺术陶瓷展出，据说效果不错。其中上海景通艺术品公司就有五六十件大师作品参展。对景通公司比较熟悉，它是在上海滩上做当代艺术陶瓷比较早的，老总原先就是个景德镇人，曾经是当代大师张松茂的弟子，因此在景德镇拥有较深厚的人脉，也就是能够收到诸多大师的力作或新作，与张松茂、周国桢、解强等大师都有签约。
这次春季沙龙展出的艺术陶瓷中，有不少大师力作。如被誉为中国艺术陶瓷雕塑第一人的周国桢教授，他的《站起来的雄狮》，非常具有震撼力。虽然不是新作，本人在坊间曾看到过多次，但此番参展的雄狮显然个头大了很多，据说周教授为了将《站起来的雄狮》做得更大，更显威猛，花尽了心血，他前后一共做了四个，结果只成功了一个。有时候艺术品的价值往往就在于大小，小一号成功了，大一号就未必。
《站起来的雄狮》用近于写实的艺术手法，把雄狮的威武形态拿捏得栩栩如生，苏醒的雄狮如同中华民族，仰天长啸，威风凛凛。《初出茅庐》形象生动，捕捉了小公鸡出世不久，那种初生鸡仔傲视一切的神态，令人忍俊不禁。《母子羊》是用两只一大一小的山羊，悠闲之中，表达舔犊之情。周国桢对当代雕塑语言驾轻就熟，无论具象抽象、或者两者之间，都能大胆创新，游刃有余，展示其中国当代陶瓷雕塑一代宗师的风采。
解强是景德镇艺术陶瓷的中年才俊，他的利用窑变艺术可谓独具匠心，信手拈来。在他的诸多展品中，有一幅瓷板画《山高水长》一改了解强的擅长窑变艺术之风格，他大胆尝试当代中外绘画艺术的新元素，一改传统瓷板画浓妆艳抹的技法，在淡妆素衣上下功夫；并且抛弃了昔用黑料勾线的习惯，大胆尝试用熟褐色，浅浅勾勒出山川烟岚树石的轮廓，营造桃花源里人家的诗情画意，再略施淡青、粉红，层层渲染，明暗交错，借重光影，讲究透视，既呈现出崇山峻岭的气势磅礴、奔腾不息江水之浩荡，同时又展现桃花盛开、天人合一之秀美。而那种壮美激昂之中，又显得沉静优雅。这种剧烈的碰撞产生的美感令人回味无穷。
白磊的《秋雁梅瓶》，是景德镇当代传统艺术的精品，其窑变艺术达到难以置信的地步，色彩斑斓，结构独特，作者将土与火的完美创造，进行艺术再加工，画上灿烂梅花，几只秋雁穿梭而过，感受天人合一的乐趣。
陶瓷釉上彩艺术
陶瓷作为中华传统文化的重要组成部分，拥有着丰富的观赏性和实用性，受到不同阶层人们的喜爱。陶瓷的发展离不开“釉”，而釉彩的发展，是从无釉到有釉，又由单色釉到多色釉，然后再由釉下彩到釉上彩，并逐步发展成釉下与釉上综合彩绘的五彩、斗彩。
在陶瓷彩绘艺术的密林中，主要分为釉上与釉下这两类。釉上彩，就是指先在素坯上上一层色釉进行烧制（一般施上玻璃白），再在上面进行彩绘，二次入窑进行烧制；釉下彩的不同之处就是直接在素坯上进行色釉绘制，再罩以透明色釉一次性高温烧制而成。釉上彩包含了新彩瓷、粉彩瓷、五彩瓷、珐琅彩、色地描金瓷等等种类的艺术瓷。釉下彩也包含着极具代表性的青花、釉里红、颜色釉等艺术瓷类。当然还有釉上彩与釉下彩相结合的艺术瓷，比如青花斗彩。釉上彩具有色彩鲜明、技法多样、适合陶艺家们的各种创作，所以一般作为装饰瓷以及艺术瓷出现，釉上彩可以说是从金代萌芽，金代定窑的釉上红彩和磁州窑系统的釉上加彩，就是釉上彩的原始阶段，为后期景德镇五彩瓷器的推出起到了启迪作用。
釉上加彩是陶瓷的主要装饰技法之一，它是用各种彩料在已经烧成的瓷器釉面上绘制各种纹饰，然后二次入窑，低温固化彩料而成，通常包括彩绘瓷、彩饰瓷、青花加彩瓷、五彩瓷、粉彩瓷、色地描金瓷及珐琅彩等。
釉上加彩是陶瓷的主要装饰技法之一，它是用各种彩料在已经烧成的瓷器釉面上绘制各种纹饰，然后二次入窑，低温固化彩料而成，通常包括彩绘瓷、彩饰瓷、青花加彩瓷、五彩瓷、粉彩瓷、色地描金瓷及珐琅彩等。
釉上彩始于宋磁州窑，从传统的低温色釉瓷基础上发展而来，最初其被称为“宋红绿彩”。因为彩料施于釉面之上，所以极易被磨损，且容易受酸碱等的腐蚀。
釉上彩瓷中最为出名要数珐琅彩瓷了，其是将景泰蓝在铜胎上的制作工艺搬至瓷胎上形成的，是御用瓷器中国最珍贵的，其收藏价值很高。
粉彩瓷是在康熙五彩瓷的基础上发展而来，是在烧造完成的白瓷胎上，用笔勾勒出图案纹饰的轮廓，然后使用含有砷的玻璃白进行打底，然后再给图案轮廓上色 ， 用干净的笔将颜色洗开，最后进窑烧造产出的瓷器。因为瓷胎在上色之前先涂了一层玻璃白作打底，而玻璃白中含有砷，具有乳浊效果，玻璃白又是不透明的 ，各色颜色与玻璃白的融合之后形成了粉化作用，其因此得名。
釉上彩绘瓷历史久远。北齐武平六年（公元575年）范粹墓就曾出土相当精美的白彩绿彩器，在许多晋青器上也能看到赫彩点饰。真正成熟的以绘制纹饰而著称的釉上彩器始见于唐代长沙窑。其后宋代磁州窑又将这一工艺技术发扬光大，创作出许多不朽的矿世杰作。金至元代磁州窑红绿彩开创了明代五彩瓷的先河，到了明中、晚期的成化、嘉靖、万历时期，五彩瓷的制作达到了极高水准。但是真正精细且又具有美感的彩器仍要数清代康、雍、乾三朝的五彩及粉彩器了。而在这其中无论是以制作工艺的精巧细致而论，还是以作品的绘画技艺来评判，都应是雍正粉彩器略胜一筹。珐琅彩器名重一时，缕创天价，也是稀世之珍。
釉上五彩，粉彩是釉上彩。釉上釉下混合彩是先烧成釉下彩 （即在瓷胎上直接绘画图案，罩透明釉高温一次烧成，主要是青花） ，然后再在适当的部位涂绘釉上彩，入炉低温二次烧成。青花矾红彩，斗彩、青花五彩都属于釉上釉下混合彩。最终形成青花类；色釉瓷类；彩瓷类三大系列。彩料品种多，色调丰富，纹样稍凸出，操作较釉下彩简便。但画面光亮度较差，长久使用后易磨损变色；受酸性食物侵蚀会溶出铅、镉等毒性元素。主要品种有五彩、粉彩、新彩、珐琅彩、墨彩、描金等。
我国古代陶瓷器釉彩的发展，是从无釉到有釉，又由单色釉到多色釉，然后再由釉下彩到釉上彩，并逐步发展成釉下与釉上合绘的五彩、斗彩。
彩瓷一般分为釉下彩和釉上彩两大类，在胎坯上先画好图案，上釉后入窑烧成的彩瓷叫釉下彩；只是上釉后入窑烧成的瓷器再彩绘，又经炉火烘烧而成的彩瓷，叫釉上彩。元代著名的青花瓷器就是釉下彩的一种。
明代精致白釉的烧制成功，以铜为呈色剂的单色釉瓷器的烧制成功，使明代的瓷器丰富多彩。明代瓷器加釉方法的多样化，标志着中国制瓷技术的不断提高。
明成化年间创烧出在釉下青花轮廓线内添加釉上彩的“斗彩”，嘉靖、万历年间烧制成的不用青花勾边而直接用多种彩色描绘的五彩，都是著名的珍品。清代的瓷器，是在明代取得卓越成就的基础上进一步发展起来的，制瓷技术达到了辉煌的境界。康熙时的素三彩、五彩，雍正、乾隆时的粉彩、珐琅彩都是闻名中外的精品。
明代在釉下青花轮廓线内添加釉上彩而烧成的一种瓷器，由于釉下彩青花与釉上彩绘争奇斗艳，故名“斗彩”。
清代仿铜胎画珐琅效果的一种瓷器。珐琅彩又称“料彩”。
在当代，釉上彩中出现最频繁的就是新彩了。新彩由于颜料最开始来源于西洋，因此又曾被称作为“洋彩”，从欧洲进口的这种色料因为含有不同的金属元素的氧化物，在窯中的高温气氛下，会产生物理、化学的一系列反应，出产瓷器颜色与使用的颜料颜色基本一样，因此大受追捧。最早这种颜料从光绪时期传入我国，解放后，经过一系列的革新和研究，现在我国不仅能自己生产各种颜料而且在表现技法上，吸收我国传统绘画的画法，形成了我国独有的“新彩瓷”。也是由于这种画法的兴起，使得“瓷上肖像画”进入大众视线。