五彩瓷器鉴别。
从对作品《雅韵》意境的分析可知形意相生、情景交融是釉下五彩写意花鸟瓷画意境主要特点，当代釉下五彩写意花鸟瓷画应在传统基础上营造符合时代精神的现代意境。
釉下五彩花鸟瓷画由于当代复兴以来，由单一的工笔风格逐渐步入到工笔与写意并盛阶段，而写意风格显然更代表釉下五彩花鸟瓷画的发展方向。意境是釉下五彩花鸟瓷画的核心审美特质，本文试从作品《雅韵》切入谈一谈釉下五彩写意花鸟瓷画的意境。
一、釉下五彩写意花鸟瓷画《雅韵》赏析
传统釉下五彩花鸟瓷画采取的是勾线分水的工笔技法，写意技法直到上世纪末才开始得到普遍运用。这件花鸟瓷盘《雅韵》即是当代釉下五彩写意花鸟瓷画的典型作品。
该作品以池塘为景，水低石平、游鱼嬉戏，石苔浮萍烘托中，水气淋漓、墨色华滋，给人一种浓浓的夏日感觉。朵朵水仙集簇，亭亭玉立，迎风绽放，白玉般的花蕊秀逸动人，如闻清香四溢，沁人心脾。而在岩上花旁，一只水鹬正悠然觅食，眼神直盯池中游弋的小鱼，全神聚注中，清新宁静的画面顿觉鲜活。此图虽画面构图简洁，但相互呼应，动静结合，以高度概括的手法描绘出迷人的夏塘小景，匠心独具、巧妙布置，笔法古拙、色泽雅致，文人手笔毕现。
作品融入了作者醇厚的对大自然生命的感悟和情趣，融情于景，既富有生活气息，又融书、画、印的文人修养为一炉，在似于不似之间走出了一条新的花鸟写意之路，谱写出釉下五彩写意花鸟瓷画工写兼备、彩墨相宜的艺术境界新篇章。
二、釉下五彩写意花鸟瓷画的意境
意境是中国写意花鸟画的审美标准，也同样适用于釉下五彩写意花鸟瓷画当中，釉下五彩写意花鸟瓷画对于自然物象的处理妙在似与不似之间，一方面应物象形，尊重客观物象的真实性，另一方面则对形进行主观化的意象处理，使形意融合相生，力求以简洁的画面景象表现尽量多的意趣感情，情景交融间给人以空灵、洁净的感受，营造一种野逸自然的意境。
首先，釉下五彩写意花鸟瓷画在色彩处理上采取独特形式，尽情抒发创作者情感与真趣，以营造一种想象意境。如在作品《雅韵》中，用色颇为大胆，山石、鸟羽以墨色表现，而鸟头部以朱红点缀，红与墨色产生强烈的撞色对比，水仙叶片鲜亮的绿色则从整体上打破了暗色为主的色调，相互映衬下突出了釉下五彩的特质肌理美感，体现出在用色上的意象处理方式。
其次，釉下五彩写意花鸟瓷画在笔墨处理上注重苍劲而拙朴，笔简意到，意在形外。如作品《雅韵》中的笔墨，笔法抑扬顿挫，充满节奏，墨色与极具韵致的线条相结合，在浓淡干湿的巧施中体现出醇厚的意蕴。而在强烈而明快的用线用料中，又别有一番单纯简朴的民间装饰之美。
最后，釉下五彩写意花鸟瓷画在构图章法的处理上，注重将数种物象以巧妙的方式组合在一起，无论是主体之物象还是衬托之背景，都被置于同等地位，以小观大，折射大千世界。如作品《雅韵》中，鸟、石、花、鱼巧妙地错落布陈于一体，而左上部却大量留白，给观者以深远的想象空间。每一物象均带有创作者自我的精神观照，意与象达到完美结合。
三、釉下五彩写意花鸟瓷画意境的现代性思考
釉下五彩写意花鸟瓷画是工艺技巧与意境神韵的完美统一，是釉下五彩花鸟瓷画现代变革的产物。釉下五彩花鸟瓷画在清末萌生后即逐渐失传，在当代得到复兴后长期保持工笔为主的传统风格，而釉下五彩花鸟写意风格的出现则将釉下五彩花鸟画由对物象客观具象的描绘提升到抽象层面，从而表现出与传统工笔风格所完全不同的方法与观念。
进入新世纪以后，釉下五彩写意花鸟瓷画达到其发展的鼎盛，釉下五彩花鸟艺术家创作出一大批具有写意精神和深远意境的优秀作品。不过，仅仅达到这一点显然是不够的，如何在新世纪实现其现代性表达，反映出鲜活的时代精神是当前釉下五彩写意花鸟瓷画需要深入思考和解决的重要课题。
釉下五彩写意花鸟瓷画的现代性必须建立在深厚的传统中国写意花鸟画的基础之上，割裂了与传统写意花鸟画的血脉而模仿西方抽象画形式显然是不可取的，既丧失了自身的文化认知基础，也无法获得本土认同，从而陷入到文化身份迷惘的尴尬境地。
釉下五彩写意花鸟瓷画意境要实现现代化，只能是在不脱离传统的基础上进行创新，既不复制传统，也不西方化，而是走自身的发展道路，创造出既具有釉下五彩特色的，又符合现代民众审美观的新的艺术意境。因此，釉下五彩写意花鸟瓷画家要坚守自身文化立场和艺术精神，以自我深入体验和感悟来表现与时代相契合的意境。
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釉下五彩工艺又有新突破
釉下五彩以其优美清新的艺术风格，精致巧妙的工艺技法，丰富多样的花色品种而驰名中外，享誉世界。现在釉下五彩工艺新突破——彩色人像作品也已经试验成功。
我们常见的釉下五彩瓷器多是些杯、碗、盘、碟、瓶，花色图案也各不相同。釉下五彩瓷像烧制技艺有一道难题，一直以来都无法攻破，就是将彩色人像永久保留在醴陵釉下五彩瓷的瓷胎上。
如今，这一难题已被醴陵刘建超先生攻克。7月7日，醴陵非遗保护中心专家组作出结论，刘建超烧制的《沧桑岁月》釉下五彩人物彩色瓷像，是釉下五彩瓷像烧制技艺的一项重要突破。
刘建超今年55岁，早年在醴陵国营摄影社从事专业摄影，对人像摄影和扩影颇有研究。近年来，随着数码摄影技术的发展，传统的胶片摄影受到冷落。刘建超开始琢磨利用醴陵独有的釉下五彩瓷烧制技术，将人像转移到性质更加稳定、便于永久保存的瓷胎上。
因釉下五彩使用矿物盐作为基础发色剂，而不同颜爸的发色剂有着不同的熔点，很难再同一烧成温度下做到每种颜色都发色充分，釉下五彩瓷人物瓷像一直只有黑白作品。
从2005年起，经6年的摸索和实验，刘建超终于准确掌握每种颜料的最佳发色温度。他的最新作品《沧桑岁月》，借鉴了釉下五彩瓷三烧制和现代印刷技术，按照烧成温度倒序进行彩绘和烧成。一张完整的人像瓷板经过八次以上彩绘和入炉烧制，最后罩上面釉定型。
醴陵非遗保护中心专家组组长姚武飞介绍，《沧桑岁月》这一作品，每种颜色都能发色充分、准确表达人物神态，又保存釉下五彩瓷相面平整、晶莹剔透的基本特征，成为新一代彩色全息人像作品。
“陶瓷界的笔墨意境”—花鸟陶瓷画
陶瓷是一种“颜值和实力兼具”的器物，不仅有着各种优美的曲线器形，瓷胎上的各种绘画造型也是充满了艺术性和创造力。下面给大家介绍的是陶瓷艺术界的花鸟画。
陶瓷花鸟画大规模发展起来是在唐代长沙窑时期，并随着陶瓷装饰材料的发展而发展，经久不衰，直至当代。唐代长沙窑以高温褐绿彩花鸟画为主，风格写意。至宋代时，北方的磁州窑兴起，磁州窑最负盛名的是白地黑彩写意花卉生动传神，不逊文人画家手笔。它的特点是将中国画的技法大量运用于陶瓷绘画，形成了白瓷黑花的独特风格，取得了强烈的对比效果元代时景德镇青花瓷出现，其明快美观的艺术效果使其很快成为中国彩绘的主流，其中花鸟画题材占据多数。明清时期之后，出现了更多的陶瓷花鸟画品种，在陶瓷花鸟画艺术创作中，工笔、写意以及工写兼备等各类风格百花齐放。
中国历代画家关注现实，体悟自然，经过长期艰辛的探索，在生活中不断提取创作素材。五代黄鉴、黄居采笔下花鸟形象勾勒精细，形象逼真而富有真实的美感;五代徐熙、徐崇嗣开创的“落墨花”、“没骨花”花鸟画，给人以清淡高雅的美感;至宋代崔白、赵昌又更提倡以造化为师，写生之风盛极一时。苏轼、文同等文人墨客以梅、兰、竹、菊等为创作题材，为“文人画”的发展奠定了基础，成为元、明、清文人画发展的先导，一直影响到今天明代以青藤、白阳为代表的水墨淋漓、笔意奔放的写意花鸟画，独具笔情墨趣;清代任伯年以生动活泼的笔意、鲜活明丽的赋色描绘出一幅幅令人喜爱的花鸟画。
实际上在每个朝代和每个时期，陶瓷花鸟画都在发展和创新，都在适应这个时代的需要。不可否认，时代对陶瓷花鸟画的影响是巨大的，而当下的陶瓷花鸟画发展方向是不以人的意志为转移的。随着时代步伐的前行，挣脱以往较为统一的发展方向，呈现丰富多彩的面貌、向着多元空间发展是一个不争的事实，也是陶瓷花鸟画从传统向现代转型过程中所产生的必然现象。
陶瓷的美是多样而丰富的，陶瓷文化也在不断的发展演进。陶瓷工艺的发展也融入了绘画等多种艺术技艺，是一种综合性的艺术作品。
五彩瓷器之青花 釉下青花和釉上五彩相结合
·青花五彩
五彩瓷器，产生于北宋晚期，产地，只留下汉语拼音hong,jiang.的实据线索。在对汝窑进行改进时，成功地在卵白色汝窑上创烧了五彩。五彩瓷器基本色调以红 、黄、绿、蓝、紫五色彩料为主，按照花纹图案的需要施于瓷器釉上，再二次入炉经过700——800摄氏度的高温二次锫烧而成，其特点是以釉上彩的装饰方法。它的存世器物珍稀。
·青花五彩
青花
青花五彩的称谓，应该从其彩绘工艺的方法进行判定。“五彩”是针对以红、黄、绿、紫和青花等五种主要色彩而言，如果以这五种颜色分别在瓷坯和瓷胎上画彩，就是我们前章所述的釉上五彩。而青花五彩是釉下青花和釉上彩相结合，其工艺与斗彩异曲同工。那么何为“青花五彩”，何为“斗彩”，区别主要是在青花的使用方面。斗彩是采用青花料勾勒纹样的轮廓线，烧成后再在轮廓线内填釉上彩，青花在斗彩中所占位置很重要。青花五彩不用青花勾线，青花只作一种颜料来点缀图案，如有勾线也是极少的。五彩只是将青花料作一种颜色来用，青花起辅助作用。因此青花使用的量就是判断两种不同工艺的标准。
中国陶瓷工艺制作涉及范围很广，技法各异，明代彩瓷品种很多，长久以来，文献只以“五彩”统称，到乾隆年间《南窑笔记》才提出“五彩”、“斗彩”、“填彩”等新说。因此，鉴赏时要注意器物以哪种工艺为主的特点，根据具体情况分析判断。
·青花五彩
青花五彩瓷是宣德窑所开创的釉下青花和釉上五彩相结合的彩瓷，是一种独具特色的陶瓷。明代文献记载：“本朝窑器用白地青花间装五色为今古之冠，如宣品最贵。”青花五彩的特征是以白中泛青的瓷胎，配以一定的青花，再以丰富的釉上彩来装饰图案，具有玉质般感觉的瓷器显得非常精美。景德镇考古研究所收藏的明宣德款青花五彩鸳鸯莲池纹盘，充分展示了青花五彩的工艺特点，装饰纹样采用了青花色彩平涂、青花勾线填彩几种手法，是典型的早期青花五彩器。青花五彩器 自明宣德创烧开始，一直延续到清代，历经了二百多年，烧造了许多精美佳作。明嘉靖、万历是青花五彩发展最盛的时期，开创了彩瓷制作的新局面。嘉靖青花五彩多为官窑生产，由于青花色料改用回青料或加石青，所以色调表现为蓝中泛紫，十分浓艳，有鲜明的时代特征。同时矾红彩料的大量制作和使用，也使五彩更加显得色彩亮丽，带有枣皮红色的矾红与蓝中泛紫的青花料，搭配起来很协调，具有新颖的风格。这种色调，持续了嘉靖、隆庆、万历三朝。
万历青花五彩的制作数量很大，质量很高，在明代达到了一个新的高峰，并有其明显的特征。一是器物形制大，追求造型高大奇巧的特点。二是装饰华丽，绘瓷所使用的青花不仅作局部色彩点缀，而且还和红彩、绿彩共同当作主色调用。同时还将镂空工艺和彩绘结合。装饰内容广泛，常用的装饰纹样达几十种之多，最常见的是龙凤纹，还有蟠螭纹、花鸟纹等。
·青花五彩
明代天启年的青花五彩也有其特征。在造型和装饰方面有两种类型，一类是具有传统风格的，一类是具有日本风格的。这类具有日本风格的青花五彩瓷器是在何种背景下生产的，尚无定论，通常说法有二：一是中国工匠按照日本订货要求生产的，二是日本的陶瓷艺术家在中国学习时所制。清康熙时青花五彩，显著的成就是对青花的运用。由于康熙中晚期青花成就显著，对青花五彩亦产生影响。
康熙青花五彩，早期作品胎体较为厚重，瓷质坚硬;中晚期则变得胎体轻薄，装饰纹样绘制精细，色彩明快艳丽;所用青料青翠明亮，彩绘工艺上运用了“分水皴”的技法，使得画面效果更加鲜亮。尽管康熙朝釉上五彩发展极快，并发明了釉上蓝彩，产生很大的影响，但并没有影响青花五彩的继续发展。清代青花五彩保持着独有的特色，一直烧造至晚清。
谈粉彩花鸟陶瓷画的独特语言
景德镇立镇千年，千年制瓷，由于其独特的地理位置和资源，一直是全世界热爱陶瓷人们的向往之地。这里的人们绝大多数都从事着与陶瓷相关的工作，是名副其实的“瓷都”。
一直以来，笔者主要攻克的是釉上粉彩瓷画。所谓釉上粉彩，就是一种釉上彩瓷种类。粉彩作为釉上彩瓷中的代表瓷种之一，又名软彩，深受大众喜爱。粉彩瓷是在珐琅彩的基础上发展起来的一个新瓷种，一跃成为清宫新贵，一段时间内超越青花瓷的地位，成为瓷界霸主。粉彩瓷运用玻璃白将颜料乳化，使颜色变得粉润温软，以此得名粉彩瓷。粉彩始创于康熙，极盛于雍正，乾隆粉彩中的一部分继承了雍正时期在肥润的白釉上绘疏朗艳丽纹饰的特点，在此基础上又有发展。粉彩代代相传至今。
手绘荷鹭情长粉彩花瓶
在釉上粉彩的众多题材中，我最喜欢的是花鸟题材。陶瓷画实际上是基于国画上的，技法风格都是相似，都是有着大众喜闻乐见的文化，又有着高风逸远的个人节气。
基本也是有着写意、工笔以及兼工带写之分。
首先说说工笔花鸟画，工笔花鸟画多以中锋用笔的鉄线描、高古游丝描进行结构塑造，表现方法工整细致，先勾后染，设色艳丽，富有装饰性。在对花鸟描绘的过程中，通过白描造型、勾勒填彩，再采用分染、罩染、统染、点染、接染、撞水、碰色等技法描绘对象，产生栩栩如生、精致动人的视觉效果。工笔花鸟“始于唐代，成熟于五代，鼎盛于两宋”，特别是两宋时期，由于帝王宋徽宗的提倡与参与，工笔花鸟画盛极一时，成就了“宣和画院”的辉煌时期。“黄家富贵”的黄荃就是工笔花鸟画家的卓越代表，其作品多描绘宫廷中的异卉珍禽，丰满，画花浓丽工致，勾勒精细，几乎不见笔迹，谓之“写生”。后人把他与江南徐熙并称“黄徐”宋初花鸟画的两大流派。
再来说说写意花鸟。写意花鸟中又分为大写意与小写意，小写意的特点是真实、生动。是花鸟中一种比较普遍的画法。而大写意在中国画中是一种比较难掌握的画法，需要有很好的基本功，在表现对象的时候，带有很强的主观性，造型大胆、夸张。它的特点是，具有很强的抒情性、创造性、趣味性，给人一种潇洒、气派、落落大方的艺术感受。总的说来写意画讲究的是“意”，重视形似而不拘泥于形似，追求“不似之似”与“似与不似之间”，强调的是作者的个性发挥。明清两代是中国写意画真正确立和大发展的时期。明代沈周的花鸟画强调笔精墨妙，擅用水墨淡色。继而有陈白阳在其水墨写意基础上以生宣纸作画，使水墨韵味产生了前所未有的艺术效果。明末清初出现了像八大山人这样的大写意家，八大山人是中国绘画史上的重要画家，他无论在笔墨、造型、章法，还是在画中立意，画外寄情等方面都是别出心裁的革新者。八大山人以他奇古的笔墨画出的“伤心鸟”、“瞪眼鱼”传达了他孤高、愤懑的情怀。他的《荷花小鸟》、《孔雀牡丹竹石图》可以说是体现他艺术观的代表作。近现代写意花鸟的代表人物就是大名鼎鼎的齐白石先生了，他早年曾为木工，后以卖画为生，五十七岁后定居北京。其笔墨雄浑滋润，色彩浓艳明快，造型简练生动，意境淳厚朴实，所作鱼虾虫蟹，天趣横生。“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺？”这是齐白石先生的经典语录。他主张艺术“妙在似与不似之间”，衰年变法，形成独特的大写意国画风格。齐白石先生既能极工，又能极简，分别地在两个极端上有所创造，而最终又不肯拘泥于任何一个极端的艺术家所选择的造型尺度和审美的中界点。
在画花鸟画时，不论是写意还是工笔，都要十分重视写生的重要性。写生是基础，首先要做到的就是要观察。那么观察什么，怎么观察呢？就花卉来说，要了解花的枯荣及霜晴雨露中的情态，从花朵叶与枝干等各部位简述其结构与生态。 一般花朵包括花瓣、花蕊、花托花萼梗等几部份。花瓣有单瓣与重瓣之分，花形有离瓣合瓣之别，牡丹蔷薇花等是离瓣的重瓣，梨花木棉花等是离瓣的单瓣，牵牛花百合花等是合瓣的单瓣，大部份的花卉都具有单瓣与重瓣的不同品种。譬如桃花芙蓉花水仙、木槿梅花等。花蕊有长短多寡的区别，雌雄同株的花，大蕊小蕊都在一起。雌雄异株者仅有小蕊，或仅有大蕊，有的花蕊较明显，有的较隐密，都需仔细的观察。禽鸟在中国画中又称为“翎毛”，可区分为水禽与山禽两大类，依其生活习性，又可分为涉禽、游禽、猛禽、攀禽、鸣禽、雉禽等类。此外要明白禽鸟的雌雄，禽与兽绝大部份都是雄的较美。少数雌雄的羽毛一样，但是雌鸟总比雄鸟略小，雌鸟的右翼及右尾翼在上，雄鸟的左翼及左尾羽在上。鸟类的喜、怒、哀、惊表现在翼、尾及姿态上，都有不同。
在陶瓷上画画又是大有不同，陶瓷的光滑以及釉料的料性都使在陶瓷上作画难度大大增加。并且陶瓷由于还要入窑烧制，在烧制过程中极易出现诸多问题，因此价值也是水涨船高。在将来，作为陶瓷艺术的传承人，我也会努力创作出更加好的作品，向前辈们致敬。
陶瓷釉下五彩的综合装饰
釉下五彩综合装饰系釉下五彩与其他装饰类型的综合运用，其在当代呈现出繁荣发展的局面，风格多样、类型丰富，在形式、意象和工艺等各方面均具有独特的审美特色，成为当代陶瓷艺术园地的一朵奇葩。
一、釉下五彩综合装饰类型与运用
釉下五彩综合装饰大致可以分为三种类型：一类是釉下五彩与其他彩绘形式的结合。其他彩绘形式主要有青花陶瓷、粉彩陶瓷、新彩陶瓷。其特色是设色注重釉下五彩与其他彩绘形式不同的线条与色彩表现，讲究构图，具有浓烈的装饰意味，各彩绘之间错落分布，相互协调，主次分明。其搭配形式非常丰富，二者之间可以是工笔与工笔的搭配，也可以是工写兼备，还可以均为写意表现，不同的风格结合能够产生迥异的艺术效果。
第二类是釉下五彩与颜色釉装饰的结合。色釉具有很强的视觉冲击力，与雅致沉着的釉下五彩形成鲜明对比，产生强烈反差。颜色釉通常具有变幻莫测的色彩与随机出现的肌理，很具有泼彩效果，因而釉下五彩宜采用传统工笔技法，从而达到工写兼备、相得益彰的效果。
第三类为釉下五彩与雕刻装饰的结合。雕刻装饰是在陶瓷坯体上以雕塑和刻划的方式进行装饰，釉下五彩与雕刻装饰的结合能最大限度地展示陶瓷器物的工艺之美，并具有多层次的美感。
釉下五彩陶瓷瓶
无论是何种类型的釉下五彩综合装饰，都要以体现釉下五彩独特的工艺美和艺术美为目的，因而在其运用中必须要注意：
首先，釉下五彩综合装饰中的釉下五彩或作为主导，或作为辅助，要主次分明，而无论主次都必须要充分展示釉下五彩之美，可有可无则失去了釉下五彩综合装饰之意味。其次，注重釉下五彩与其他装饰形式的工艺性差别。其他装饰形式在工艺上与釉下五彩有着非常显著的区别，因而在创作前必须认真考虑二者的工艺差别，避免因工艺操作的失误而导致作品的失败。最后，广泛地采用陶瓷装饰的新工艺与新技法表现。陶瓷工艺与技法日新月异，因而釉下五彩绘合装饰的创作者必须关注当代陶瓷艺术发展动向，不断加强学习，也使作品紧跟时代步伐。
二、釉下五彩综合装饰的审美特征
釉下五彩综合装饰通过其独特的艺术表现与运用，充分展现着其独具的艺术与工艺之美，成为陶瓷装饰园地中的一朵奇葩。首先，在形式语言上，釉下五彩综合装饰具有强烈的形式美感。釉下五彩本身具有多彩的艺术表现，特别是当代釉下五彩的色彩相当丰富。其他装饰形式亦各具特色，两者之间形成统一的作品气势，形成一种艺术震撼力，产生强烈的审美感受。
其次，釉下五彩综合装饰具有浓郁的意象之美。一方面，这种意象之美通过写意的表现来取得。当代釉下五彩写意技法已颇为风行，而色釉、写意青花等的结合运用，其意象之美表现地淋漓尽致；另一方面，即使是工笔表现亦同样具有意象性，通过将情感充分注入色彩与线条来加以实现。釉下五彩综合装饰的意象之美寓于形式而高于形式，充分将作品的生活之美、自然之美呈现出来，形成一种浑然天成的美感。
最后，釉下五彩综合装饰还具有强烈的工艺之美。釉下五彩综合装饰无论是创作还是烧造，在工艺难度上都要明显高于其他普通装饰类型，是多种装饰工艺的结合，将釉下、釉上、色釉和雕刻等多种工艺融汇一体，相互之间既有明显的工艺差异，又互相融合，从而在材料、质感、发色等各方面都尽展其特有的工艺美感。
釉下五彩综合装饰的形式之美、意象之美与工艺之美是相互融合在一起的，切不可片面地追求某类风格、技法与工艺的运用，都必须考虑到作品的整体效果。因此，在探寻釉下五彩综合装饰的发展之路时，必须随时注意工艺技术与艺术的融合，寻找新的发展契机。
当代釉下五彩综合装饰随着工艺的不断进步和新风格、新理念、新技法的不断创新运用，其发展已呈现出日益丰富多样的繁荣趋势。在审美观念发生急剧变化的当代，釉下五彩综合装饰与时俱进，从而也使其在整个陶瓷装饰领域的地位不断发生变化，正逐渐成为当代陶瓷艺术的主流装饰形式之一，也推动釉下五彩本身步入一个全新的发展时期。
浅谈釉上花鸟瓷画
自小喜爱画画的我如愿成为了一名陶瓷美术工作者，在瓷器上画画已成为我的日常生活。认为陶瓷是一门神奇而又独特的艺术，是泥与火的交融，是工艺与画作的交融。中国人早在约公元前8000～2000年就发明了陶器，陶瓷原料是地球原有的大量资源黏土经过淬取而成。陶瓷材料大多是氧化物、氮化物、硼化物和碳化物等。常见的陶瓷材料有粘土、氧化铝、高岭土等。陶瓷材料硬度较高，除了在食器、装饰的使用上，在科学、技术的发展中亦扮演重要角色。
在距今14000年前，于万年仙人洞首次发现的从旧石器时代向新石器时代过渡的人类活动文化遗迹，其出土的栽培稻和陶器，距今一万年以前，是现今已知世界上年代最早的栽培稻遗存和原始陶器之一。在原始社会，文字尚未完善成熟。图案形象直观性强，在当时具有标志性、装饰性等性能，所以对彩陶图案的研究也会给古文字研究提供佐证。中国自古是一个多民族聚居的国家，在原始时期，氏族部落更为繁杂，在特定的生产条件下形成了独特审美需求的文化特征，它们各自代表氏族文化的标志性形象，也产生着不可低估的精神凝聚力量。而随着氏族文化的盛衰变化，陶器装饰也出现了不同内容的形式。
黑格尔认为最早的艺术就是象征艺术，并且他认为这就是东方艺术的特征。在中国传统文化中，从《周易》开始，古人就已经按照自然来关照人和事，开启了我国绘画以象征为手段的先河。《易传》云：“八卦成列，相在其中矣。”说明了“观物取相”是汉文化的思维方式，也与儒家“兴起人意，能移精神”的补益功能相契合。中西绘画有着巨大的差异，首先我要说的是对于不同的绘画，我们要用不同的审美角度去观察，去体会，不能单一地说什么是好的，什么是不好的。中西方有着不同的历史文化背景，构成了中西方绘画思想等各方面的差异，但是归根结底，对于美学的追求，人文精神的体现等，都是相似的，西画以其真实厚重的画面感，给我们以视觉上强烈的色彩享受，中国画以其古韵内涵的特色，让我们置身其中才能感受它的博大与气韵。西方人崇尚开拓进取，故重客观探索，重对景写生，还原真实存在。这种静态固定观物作画，形成焦点透视，出现近大远小的物理性透视空间，无论是真景写生还是画家创作某种想象和虚构的题材，观者总能给自己找到一个固定的位置，使人产生身临其境，如观真景的感觉。由于西方画家固定观察物，发现物象在固定光源影响下呈现出的那种相对稳定的明暗色彩变化关系，故西方画家重明暗法和自然光色塑造形象，以求立体感，正如米开朗基罗所说：“最好的绘画应该像雕刻”。观西方风景画有真景实境之感，观者可走进画面；再观中国山水画，有如人与山水合一之感，观者有身在画中，可游可居之感。
我最擅长的题材是花鸟，花鸟画在中国画中是三大科的一个大科。在原始社会的中国，人们对于花鸟的认识是处于一个“超自然力”的理念之上，在狩猎场面中，图腾表现中及体现神权意识所出现的花鸟图像都是鲜明的一种巫思行为。其中鸟的图像与当时巫思的鸟占活动有着很大关系，原始先民们根据鸟的自然习性和生物特性理解鸟禽类给人们带来的信息，进而“知天事，迈人命。”将鸟视为人与天之间的吉祥使者。中国花鸟画就是在这种环境下发展起来，成为一种观念先行的图式艺术。史书记载，魏晋南北朝时期已有不少独立的花鸟画作品，如顾恺之的《凫雁水鸟图》，可以说明这一时期的花鸟画已经有了一定的规模。虽然现在看不到这些原作，但是通过其他人物画的背景可以了解到当时的花鸟画已具有相当高的水平，又如顾恺之《洛神赋图》中的飞鸟等。到六朝时期，已出现不少独立形态的花鸟绘画作品，其中如顾恺之的《凫雀图》、史道硕的《鹅图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等。到了唐代，花鸟画业已独立成科，著录中计有花鸟画家八十多人。如薛稷画鹤，曹霸韩干画马，韦偃画牛，李泓画虎，卢弁画猫，张旻画鸡，齐旻画犬，李逖画昆虫，张立画竹等等，已能注意到动物的体态结构，形式技法上也比较完善。五代是中国花鸟画发展史上的重要时期，以徐熙、黄筌为代表的两大流派，确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型，“黄筌富贵，徐熙野逸”。清代石涛、恽寿平、朱耷（八大山人）和扬州八怪等都在花鸟画发展史上占有重要地位，特别是八大山人以其独特的绘画语言，表现内心的忧伤与家国丧失之痛，其笔墨与造型均独树一帜。
国画花鸟画以其美好吉祥的深刻寓意，以其精美绝伦或是高洁淡雅的画面，以其画面所吐露出的芬香，和谐气质，让现代高压快节奏生活的人们得到了前所未有的宁静与祥和，抛开一些生活碎片，净化内心与心灵，彻底融入到花鸟画的美好意境中，徐徐升华，慢慢沉淀。国画花鸟所给予人的，是近在咫尺的与自然的交流，它是喧嚣的尘世中可能保有的一份健康与活力，它会从精神上给予人们启发和满足，令人取得由静观万物而获无穷乐趣。礼数之外的闲暇，半分小园中的惬意，你可以做最本色的自己，无论你在参禅悟道，还是礼佛洗心，花鸟画都会是最超然的境界。然而，在西方，他们实际上是没有花鸟这一门分科的，他们的花鸟处于他们的风景画和静物画中。中国花鸟画与西方静物画既存在着某些相同的思想，更多的是体现着同一时期东西方体现在不同人生观、价值观、世界观的差异化精神内涵。就根本意义而言，无论中国的花鸟画还是西方的静物画，它们都不是为描绘对象而描绘对象的“绘形”之作，而是借助对客观对象的描绘表达人的精神、情感，表现人的审美理想和审美趣味，是真、善、美的寓托，在这方面中西是没有区别的。
在陶瓷上作画，与在纸上或者是在绢上是有很大区别的。我一般画的是釉上花鸟，那么，什么又是釉上呢？首先，陶瓷就烧成分成釉上、釉下和釉中。釉上彩陶瓷又称“炉彩”。所谓釉上彩，就是先烧成白釉瓷，或者烧成单色釉瓷，也可以烧出多色彩瓷，在这样的陶瓷上进行彩绘后，再入窑经600～900℃烘烤而成。我国古代陶瓷器釉彩的发展，是从无釉到有釉，又由单色釉到多色釉，然后再由釉下彩到釉上彩，并逐步发展成釉下与釉上合绘的五彩、斗彩。
一般来说，我画的都是釉上粉彩。粉彩瓷是珐琅彩之外，清宫廷又一创烧的彩瓷。粉彩作品无论人物、山水、花卉、鸟虫都显得质感强，明暗清晰，层次分明。采用的画法既有严整工细刻画微妙的工笔画，又有渗入淋漓挥洒，简洁洗练的写意画，还有夸张变形的装饰画风。甚至把版画、油画以及水彩画等姐妹艺术都加以融汇运用，精微处，丝毫不爽；豪放处，生动活泼。粉彩的绘制，一般要经过打图、升图、做图、拍图、画线、彩料、填色、洗染等工序。其中从打图到拍图，是一个用墨线起稿，进行创作构思，如绘瓷决定装饰内容与形象构图的阶段。正式绘制时的定稿叫“升图”，把描过浓墨的图样从瓷器上拍印下来叫“做图”。接着把印有墨线的图纸转拍到要正式绘制的瓷胎上去即“拍图”，这样就可进行绘瓷。粉彩是雍正彩瓷中最著名的品种之一，彩料比康熙朝的要精细，色彩柔和，皴染层次多。大多数在白地上、少量在色地上绘纹饰。以花蝶图为最多，牡丹、月季、海棠、四季花也极为普遍。
从古到今，尽管世界各民族对美的鉴赏千差万别，但是，却都能以某种方式获得对美的享受。美来自于生活，制瓷者正是从表现生活的角度，有寓意地间接地表现了人的思想和感情，或直接描绘了现实生活的风俗和风貌。
陶瓷：釉下五彩瓷的独特魅力
釉下五彩是湖南省醴陵市首创于清末的传统名瓷。醴陵为湖南省县级市，醴陵地处湖南省东部。那里有著名的醴陵世界陶瓷艺术城，又称“中国瓷谷”。由醴陵市人民政府与华泽集团共同投资建设，总投资27亿元，2014年全面竣工。艺术城以陶瓷器皿作为建筑外观，由意大利阿克雅事务所设计，集中展示醴陵陶瓷文化深厚的历史底蕴和产业时代新成就，为具有国际影响力的高品质陶瓷产业园。项目结合展览、住宿、绿化和生产等功能，建成陶瓷艺术创作中心、陶瓷艺术体验中心、陶瓷博物馆、五彩广场、李铎艺术馆、图兰朵酒店和大型雕塑广场等主体工程。
首创于清代的釉下五彩瓷如同流星，一闪而逝，但其窑火釉光的瑰丽奇迹，则照亮了中国制瓷历史的天空。好比春日的樱花，花期短促，而灿烂炽烈，让人惊叹生命最炫最美的迸放。对釉下五彩影响大的就是文俊铎了，光绪三十年冬，文俊铎同科举人熊希龄赴日考察教育与实业。次年4月来醴，遂陪同赴东乡沩山、王仙等粗瓷产区和县城考察瓷业。他看到了醴陵进一步发展瓷业生产的有利条件：消费市场广阔，瓷土资源丰富，劳动力价格低廉。随即提出了“立学堂、设公司”等主张，得到了湖南官府的大力支持。当年，湖南官立瓷业学堂在醴陵正式开办，次年，湖南瓷业制造公司在醴陵成立，熊希龄任公司总经理，文俊铎任学堂监督。公司聘请日本技师和景德镇技术工人，引进了当时日本最先进的生产工艺和设备，开启了醴陵由粗瓷生产到细瓷开发的新纪元。釉下五彩是在青花和釉里红的基础上发展起来的，湖南瓷业制造公司的绘画名师和瓷业学堂陶画班的毕业生，经过反复研制，采用自制釉下色料，运用国画双勾分水填色和“三烧制”法，生产出令人耳目一新的釉下五彩瓷器。釉下五彩瓷器瓷质细腻，画工精美，清新雅丽，别具一格，釉层下五彩缤纷，呈现出栩栩如生的画面，具有较高的艺术价值和使用价值。釉下五彩瓷在经历了短短的一、二十年发展期后，二十年代末，受多次战争影响，生产开始下滑，醴陵百余家瓷厂停产，最早生产釉下五彩瓷的湖南瓷业制造公司也于1930年倒闭，釉下五彩瓷生产中断。改革开放的早期1979至1986年间，醴陵瓷业又迎来新的发展机遇，醴陵瓷器产品共有45种荣获国家和省部级奖励。
值得一提的是釉下五彩的毛瓷碗，是毛泽东专用瓷碗，是在毛泽东81岁生日时订制，一共有十套。1974年湖南省委特别委托湖南醴陵群力瓷厂为毛泽东81岁生日特别定制的一批生活用瓷，其中包括春夏秋冬及蓝菊边五个碗，其瓷质晶莹如玉，壁厚不足毫米，品相精美，受到国内外收藏家的追捧。毛瓷碗以720万底价起拍，最终以800万人民币成交，成为2013年湘绣湘瓷艺术精品拍卖会价格最高的拍品。
那么，釉下五彩瓷又是怎么制作的呢？我来简单和大家说说。
1、选泥。选的是高岭土，高岭土是一种非金属矿产，是一种以高岭石族粘土矿物为主的粘土和粘土岩。其矿物成分主要由高岭石、埃洛石、水云母、伊利石、蒙脱石以及石英、长石等矿物组成。用其烧制出的瓷器，强度高，色泽明亮，且无有害物质。
2、做坯。把泥放在做坯的模具里，通过机器自动成型，当然啦，也可以自己手工拉坯。
3、修坯。把其边角料修整好，使其精制、工整。
4、风干。让湿润的泥坯通过自然风吹干，这样才能更好地把釉吸进去。
5、精洗。精洗是把风干后的泥坯表面的灰尘洗掉，避免烧制之后瓷器上出现“小气泡”。
6、素烧。通过近900℃的温度进行素烧，把泥土里面的水分彻底烘干。
7、上底釉。这一步的作用是保证泥土里面的矿物质不流失。
8、进行第二次素烧。第二次素烧后的泥坯还没成瓷，但是具有一定的强度，可以在上面进行绘画。
9、画坯。先用铅笔在素烧后的泥坯上画好模型，再用毛笔以墨勾线。
10、分水。分水是釉下五彩的精华之处，通过毛笔把不同的颜色填在开始画好的泥坯模型上面，让泥坯把颜色吸入其中，这样烧制好的瓷器，其图案仿佛天然生长在瓷器之中，与瓷器融为一体。让人感觉看得见，摸不着。
11、再次风干。第二次风干，让颜色和泥胎更加完美地融合。
12、喷釉。在画好的泥坯上再喷上一层薄薄的釉，这样不仅可以隔离颜色里含有的化学物质，还可以保证瓷器永不退色、无铅毒、环保。喷釉工艺还可以让烧制好的瓷器表面色泽明亮、光滑，像镜子一样。
13、煅烧。最后一次煅烧是在1380℃的高温下烧制，这样烧制出来的瓷器耐酸碱、耐腐蚀、耐高温。
釉下五彩有釉下手绘和釉下贴花，那么怎么分辨他们呢？最简单的办法是，二个同样的瓷器放在一起，看是不是完全一样，如果完全一样，没有任何细微的区别那可能是贴花的，因为那是电脑制版。只是要手绘的，画得再怎么相同也会有不同的。还可以看看是否有网纹，电脑制作的贴花纸都会有网纹的，手绘的没网纹。釉下贴花的色彩也没那么丰富，目前釉下贴花主要是能表现黑色、褐色，主要表现的形式是图案形的，很难表现人物的画面。还有专业的办法是，用您的艺术细胞去看，釉下手绘的花纹看上去流畅、细腻、色彩生动、水份饱满、立体感强；釉下贴花的看上去死板些、平面些，简单的办法是您可以去找手绘花纹的暇疵，釉下五彩手绘分水的工艺都有收水点，如果分水时阴阳掌握不好，收水时间和方位掌握不好，就会出现有收水点落在花面上，感觉没画好一样。无暇不成瓷，有个收水点暇疪也正好可以分辨醴陵釉下五彩瓷是否手绘。
景德镇把釉下五彩和釉中彩统称为窑彩，意思是颜色是在窑内发色出来的，也就是说是经过高温烧之后，颜色才出来。从制作工艺和烧成过程中彩釉层次变化来看，釉中彩并不是单一方法制作烧成的，而是由两种方式形成的，因此也应分为两个小类。一种釉中彩可以称之为“制作性釉中彩”。这种釉中彩是在彩瓷烧制前的制作中就按照由外到内“釉——彩——釉——胎”的釉、彩层次关系进行施釉和绘彩，器物烧成后仍然保持由外到内“釉——彩——釉——胎”的釉彩层次关系。这是传统工艺釉中彩技术，清代康熙“豇豆红”的施釉方法即是先上底釉，再施色料，再施面釉然后烧制，这一品种当为“制作性釉中彩”的杰作。
另一种釉中彩可称之为“烧成性釉中彩”。这种釉中彩就是釉上彩绘，烧制中彩料沉入釉中所形成的釉中彩。这种釉中彩的晕散效果更加显著，制作“瓷上国画”十分理想，多为现代陶艺家创作艺术陈设品所应用。可是现在叫法也区分开来了，不然不知道会有多少当代人会搞乱。这与我在上文提到的釉下五彩的制作方法还是很像的。还有人会把釉上五彩和釉下五彩弄混，其实很简单，釉上五彩是用各种彩料在已经烧成的瓷器釉面上绘制各种纹饰，然后二次入窑，低温固化彩料而成，表面略有凸出的。釉下五彩属于釉下瓷，表面平整光滑，是高温烧成，安全无毒。
我画釉下五彩，喜欢运用乡情的主题，因为乡土是一个人一生的情结。年岁愈久，情至深处愈浓。如果说人的生命是一条河流，关于乡土的记忆则是散布于河畔的熟悉风景，我们可能从每一处似曾相识的场景里，都会生出一种深深的归属感，我讲述的不仅是一种生命体验，传达的更是一种普及于人内心的淳朴情感。
陶瓷山水画的写意与意境
在中国画界或者说在陶瓷三大画种行当里，人们一般称人物画为传神，翎毛（花鸟）画为写实，山水画为写意。因为各自表现的对象不同，人物画重神态，花鸟画重情趣，山水画重意境。在构图上，人物与翎毛画以近景特写、折技手法居多，即便有背景，主景一般也是放在近景的位置上。相对而言，山水画由于境广景深，空间范围大，有平远、高远、深远三种透视景区，主景不一定是放在近景上。而中、高、远、深之景不可能如近景之物，看得较为清晰，用肉眼看只是大致一些形象。并且，不同的天气、季节、昼夜、晨昏还有不同的差异，写其意也势在必然。因此，中国山水画乃至陶瓷山水画作者往往需要采取一些意象的方法即写意的手法，而这个意象并不是凭空想象的，还须通过自然、含蓄、精练的笔墨形象，更加真实生动，更加典型概括地表达景象的本质特征。如山水画大师黄宾虹在其山水画中，画中国南方山石、林木、溪流，运用许多看似杂乱、不规则的多种点线面的笔触和浓、重、厚、密等墨色，其实极其形象地表现了江南丘陵山区郁郁葱葱，草木华滋及不同空间和气象的自然景观。当然，三大画种里面都有工笔、兼工带写、写意等画法，但行话里归纳的各自典型的特点，尤其山水画的特点，还是具有经典性和象征性。
松风水涧山水陶瓷装饰盘
中国山水画及陶瓷山水画的写意性，是作者想通过借景抒情，托物寄兴，表达一种意趣，一种意境，这是写意的出发点，也是终点。它的写意性应包括从工笔、兼工带写至写意的多种画法，而多种画法都是为表达意境而相应采取的不同形式和方法。而写意的画法，顾名思义，它更接近于写意，它具有不同程度的随机、随意和发挥性，但山水画不管是哪种画法，它的最大属性即关键之点是，是否强调写意、突出意境，这恐怕是共同的也是唯一的目标。意境之所以如此重要，是因为作品中有了意境，才能打动观众、征服观众，才能引起读者的共鸣，发挥想象的空间，得到精神的享受和感染。
一件寓含意境的陶瓷山水画艺术品，自然不仅反映了作者创作之后呈现出来的视觉效果，而也一直体现了贯穿于作者整个创作之前的积淀和创作过程中的始末。意境是一个抽象的概念，但也是一个真正的实体，更是一个整体，它是由画前的意象到画后每个具体的笔墨、色彩、形象结构显现出来的。因此，意境的创造，大概应从作者源于生活、阅历、品格、学养、情感、认识经意匠经营形成立意开始，也就是说创造意境需要立意，立意又需要依赖和建立在以上诸多元素基础之上。
立意是中华民族绘画的优秀文化传统，也是中国绘画艺术的精神内涵。陶瓷山水画深受中国山水画审美理念和画法的影响，自然对追求意境的宗旨和作画的程序，也是一脉相承的。只不过，陶瓷山水画随材质和某些工具及工艺的不同而不同。唐代大诗人，大画家王维在他的《山水论》开篇就提到“凡画山水，意在笔先”。把立意放在动手画山水的前面，由客观到主观、从感性到理性，“外师造化，中得心源”。把对自然生活的观察、认识、感受，通过进一步选材、剪裁、提炼、酝酿加工，融情于景，由情至意，全方位地确定自己的创作意图、创作手法以及章法结构、笔墨处理等，在胸中或在画面上勾画总的大致的图稿即把立意转化成胸中或画面的大势气象。所谓“立意为象，置陈布势”是也。
在从事陶瓷山水画的实践经历中，我感到“意在笔先，立意为象”是总的法则，但在实施山水画创作的具体过程中，也不是绝对一成不变的，可能往往有时有两个过程即两个时间段：一个是动笔之前的总体构图和规划，一个是动笔之后构图的进一步调整和变化，前者是按动笔之前总的意图循序渐进或激流涌进，后者也可能在总的意图下由画面某些笔墨形象或某些突发的灵感触动，引发一些更符合作者意愿的画境，峰回路转，临时改变初衷，顺意成章。著名山水画家陆俨少曾谈到：“即先有个大章法，在此范围内，逐段生发，每每从一笔生发出一个章法，甚至改变原先的意图，变换或修改大章法。”并且还说到：“在创作中间，临时触动思路，忽得异想，不同以往。”这说明作者在追求山水画的意境的过程中，为了获得最佳境界或效果，有时可能要突破成法，从成法到无法，正如清代山水大家石涛曾说：“至人无法，非无法也，无法而乃为至法。”
陶瓷山水画注重立意，追求意境，一般总是和诗意紧密联系的。宋张舜民说：“诗是无形画，画是无形诗”。一幅瓷画山水佳作，它最成功的地方就是意境，而意境最显著的特点就是诗的境界。诚如山水画大师李可染所说：“意境是艺术的灵魂，是客观事物精萃部分的集中加上人的思想感情的陶铸，经高度艺术加工达到情景交融，借景抒情从而表现出来的艺术境界；诗的境界就是意境”。自唐代以王维为先声的中国文人画的兴起，山水画尤讲究诗情画意，唐诗、宋词的繁荣也直接滋润、渗透着山水画界，画重诗意，不但成为时尚，也真正成为山水画的精神内涵和品味的标准。追根溯源，中国幅员辽阔，绚丽多姿的自然风光，加上悠久厚重，灿烂辉煌的历史文化经典，的确给山水画者开阔眼界，畅达胸臆，陶冶情操，起到了直接感受和潜移默化的双重作用，是山水画者探寻诗的意境，取之不尽，用之不竭的艺术源泉。陶瓷山水画也颇受中国文人画的影响，画中求诗境，以意写之，甚而为使画面更有意趣和意境，融诗书画印为一体，也早已成为陶瓷绘画及陶瓷山水画的优秀文化传统，特别是近代即民国时期以及现代的陶瓷山水画，无论是近似国画画幅形式的瓷板类，还是瓶、缸、坛、罐、碗、壶类等，凡是涉及山水瓷画的画面上，无不题诗题句。有作者自题诗句，也有录名人诗句，与山水画意相契合，或借名人诗句为题材而作画。我记得早在上世纪八十年代初，曾看到中国工艺美术大师王锡良和陶瓷山水画家陈耀星在同一年，同一个时季，分别画了王维诗句：“明月松间照，清泉石上流”为题材的中大型陶瓷山水壁画，不知是巧合，还是彼此呼应，堪称是现代陶瓷史上不见经传的姊妹篇。通常还看到用唐人诗句为陶瓷山水画面而题的，如“荆溪白石出，天寒红叶稀”、“江流天地外，山色看无中”、“远上寒山石径斜，白云生处有人家”。还有用更短小的诗句为题的，如“空谷鸣泉、崇山飞瀑、山谷清音、松亭观瀑、云壑奔流”等，多至以律诗、绝句，少至以简句为山水瓷画题款，可谓丰富多彩、举不胜举，这种以追求意境为宗旨，诗与画的融合，从内涵到形式的和谐的统一，使中国画及陶瓷山水画独具艺术魅力和表现力。然而，具体看一幅陶瓷山水画作品有无题诗题句，当然不能证明一件作品的优劣，但一幅陶瓷山水画佳作在一合适的地点和空间，题上相应的诗句和精良的书法及印章，可谓是锦上添花，相得益彰，回味无穷。
对于意境的营造，需要意匠经营至立意，同时还尤需要诗的情怀。唐代大诗人白居易说：“感人心者，莫先乎情”《与元九书》、罗丹在他的艺术论中也曾说到“艺术就是感情。”凡有过画画经历的人都可以体会到这一点，往往在好有兴致，感情比较充沛的状态时间下，作品的效果与意境可能与平常迥然不同。“登山则情满于山，观海则意溢于海。”感情愈丰富，感情愈真挚，作品的艺术感染力也可能非同以往。
当然，要想使陶瓷山水画作品有意境，的确非同易事。前面已提起过，是需要作画者由生活阅历、品格学养、认识情感等诸多综合因素的积累才能达到的。宋朝大诗人陆游曾说：“如果欲学诗，功夫在诗外。”明朝书画大家、中国文人画派的倡导者董其昌也有一句名言：“行万里路，读万卷书”。对于陶瓷山水画而言，意境是其灵魂和核心，也是从艺者艺术生涯中毕其心力不断追求的目标。
釉下五彩瓷人物画的融合与创新
在陶瓷的发展史上，釉下五彩瓷不仅是我国陶瓷史上的一个伟大的发明创造，而且以其独特的表现形式与装饰手法，展现着清新淡雅的艺术风格。而釉下五彩中人物画创作的探索和实现经过了一段漫长的岁月，它的创作和发展离不开我国人物画，它时刻体现着中国画的风格和特点，同时也使得陶瓷绘画更加精彩。除了釉下五彩瓷自身精湛的技术、突出的特点以及绘画广泛题材和丰富内容外，更多的是陶瓷工作者能够很好地掌握和运用陶瓷绘画的习性以及大胆的创新。正因为有了这些努力，才使得我国的陶瓷作品更加美丽动人，更加耀眼夺目，所以对釉下五彩瓷的探讨和研究很有必要也很有价值。
要研究釉下五彩瓷中人物画，首先得了解一下釉下五彩瓷的历史以及它与我国人物画的关系。釉下五彩瓷发展经过了一段很漫长的时间，可谓源远流长。而所谓的釉下五彩瓷，按古代陶瓷辞典解释为色泽浓艳、色彩繁多、五彩缤纷者。但真正的釉下五彩瓷，是清末宣统年间由湖南醴陵窑创烧成功的新式瓷器，它是将多种着色剂绘画在瓷胎上再罩一层透明釉，入窑一次高温烧成。它是一个伟大的发明创造，它的问世也受到了许多国内外人士的欢迎。而且在1907-1912年间，曾两次参加过世界博览会，均获得一等金牌奖章。釉下五彩瓷的装饰纹样繁多，有人物、动物、植物、花卉、云气山水和图案画等，但人物这一装饰纹样备受人们的追捧。究其原因，可以从我国人物画的发展来说。
釉下五彩瓷中人物画是作为陶瓷上的一种装饰纹样，与我国的人物绘画艺术有着莫大的关联，它在国画的基础上融合与创新，不仅展示我国人物画的风格和特点，而且也使陶瓷绘画更精彩。我国人物画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。我国国画它有着自己独特的特征，主要表现在构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。它的构图或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好地表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，我国国画就不一定是固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。它在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。我们中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了国画的表现力，体现着我们中国画的风格和特色。
陶瓷上的人物画，也是国画艺术的一种，只是它限制了作画的范围和大小，仅在陶瓷器皿上，这不仅是一种创新，更是一大进步。不同器型的陶瓷上作画，需要更加精湛的技术和更多的耐心。要在陶瓷上作画，首先要有很好的绘画功底，而在我国绘画大师也不少，古代我们暂且不说，说说现当代的吧。他们对绘画的贡献，对陶瓷作品的贡献也是很大的。如画家王凤年，他是山东济南人，擅长中国画。1937年毕业于北平嘉华美术学院中国画系。历任济南南华学院艺术系教授、济南市工艺美术研究所画师、山东省工艺美术研究所工艺美术师。代表作品有《李清照南渡图》、《抄检大观园》、《李清照》等。他们对我国的绘画技术都做出过很大的贡献，也更好地展现了我国国画的风格和特色，也使得陶瓷绘画更加精彩，这些精彩主要表现在它的特点上。
釉下五彩在画家和陶瓷技艺者的共同努力下，形成了突出的特色。釉下五彩瓷瓷化强度高，釉面玻璃化程度强，保护纹饰不被外界磨损、防止和减少彩料中铅的毒害，是一种比较理想的彩绘瓷器。主要特征有：第一，无毒、耐酸、耐碱、耐磨损，永不褪色，所以说釉下彩瓷是一种理想的日用瓷器。而它的这一特点是烧造工艺和颜料性能两个因素所决定的。其次，纹样五彩缤纷，艳而不俗，淡而有神，色彩变化丰富。随着不同的客观要求和纹饰、造型的需要、它既可以清雅明快、也可以古朴深沉；它可绘制色彩斑斓的纹样，又能表现各种效果；既淡雅，又瑰丽；淡妆浓抹，无不相宜。最后就是表面平滑光亮、晶莹润泽、清雅明快，具有饱满的水份感，亮晶晶、水灵灵，能给人一种美感享受。正因为釉下五彩瓷有这样一些特点，所以说它的出现是一个伟大的发明创作，而发展到现在，它在各类陶瓷产品中也占据了重要的的地位。突出特点的形成，少不了绘画者和陶瓷技艺者的努力，但随着社会和技术的进步，要把釉下五彩中的人物画发展得更好，需要更多地融合与创新。
要创造出不仅外观美，而且还很有内在价值的陶瓷作品，需要我们创作者做到以下几点。首先，绘画者要积累更多更丰富的知识。因为广泛题材和丰富内容是创作人物画的优势所在。所以要寻找更多的题材和更丰富内容，这样才会有更多的灵感，创作出更精美的作品。其次，要协调好陶瓷绘画与陶瓷器型的关系。在进行陶瓷人物绘画时要注意器型的选择、掌握和应用以及画与器型面积的比例搭配等等。而这一点也是画好陶瓷釉下人物画创作的关键所在。最后就是创新，也是陶瓷人物绘画的重中之重。
随科技的进步，我们可以看到越来越多仿冒产品，很难有特色突出的。所以要独树一帜，创新是必不可少的，而这一点也是陶瓷作品获得更好更高价值的关键所在。要有创新就要有好奇心、追求创新的欲望、求异的观念以及冒险精神。只有具备了以上几点要求，陶瓷技艺者才能够创作出新颖独特的、价值不菲的陶瓷作品。
陶瓷的美，在于新旧技艺的融合与创新。釉下五彩中的人物画要靠我们陶瓷技艺者不断吸取我国国画的精妙手法，还要不断地进行创新和发展。做到了融合与创新，才能更好地展示我国人物画的风格和特点，才能使得陶瓷绘画更精彩，使得陶瓷作品更受人们的喜爱。
釉上彩工笔花鸟光与彩的结合
陶瓷的历史源远流长，经过一段漫长时间的发展，它的装饰手法和艺术特色都取得了很大的进步。釉上彩工笔花鸟，是光与彩的完美结合。而它能够达到这种结合，来源于它精湛的制作技艺。釉上彩是上釉后入窑烧成的瓷器再彩绘，又经炉火烘烧而成的彩瓷。彩色纹饰呈现在瓷器表面釉的上面，它的特点在装饰上由简单龙凤彩瓷瓶到复杂、彩色由一种到多种，不但色彩鲜艳光亮，同时装饰艺术性更强。
釉上彩工笔花鸟的技法源于我国工笔花鸟画。我国工笔花鸟画是一门具有悠久历史和丰富技法的画科。工笔花鸟画历史可谓源远流长，远至新石器时期的陶器上，商、周的青铜器上，战国的帛画上都可以追溯到它的来龙去脉。它所表现的对象一般是大自然中的树木、花草、禽鸟、走兽、虫鱼等等，概括起来说工笔花鸟画始于唐代，成熟于五代，鼎盛于两宋时期。它的技法的进步，应用到陶瓷作品中，无不为陶瓷作品增添了新的光辉和魅力。
要讲到陶瓷的装饰手法，釉上彩工笔花鸟，首先就得提到我国工笔花鸟画的历史了。我国工笔花鸟画有着优秀的现实主义传统，以及丰富多彩的风格流派。花鸟画发展到唐代，由于政治稳定，经济繁荣，文化艺术空前活跃，诗歌、书法都出现了一代高峰使花鸟画继山水之后也逐渐独立起来，成为专门的一种画科。伴随着人们审美观念的发展，花鸟画逐渐转变画风。从北宋中期开始一股水墨写意而以枯木，竹石，梅兰为题材的文人画涌起，后又加菊花合称“四君子”用笔劲健，俊雅文秀，以属文人画笔墨淡墨一路。开后世墨兰法门，注重书法结合。工笔花鸟画各种流派无论意境、构图、勾染都有极高的艺术成就。发展至今受到新观念、新思潮及外来文化的影响推动了绘画的变革，使花鸟画家们在艺术思考表现方面有着很大的变化与发展，超越了传统，走向了新现代。花鸟的精神内涵、审美取向、技法特点正起着巨大变化。艺术在不断发展，中国绘画艺术将走向更高的艺术舞台。这些技法和思想的进步都为我国陶瓷装饰起着巨大的推动作用，使陶瓷的外衣越来越美，越来越动人。
其次，要知道釉上彩工笔花鸟的精湛技法，就得从我国工笔花鸟画的技法说起。我国工笔花鸟画是国画中的一朵奇葩，它在世界画坛上也是具有自己的独特风格的。花鸟画的表现题材非常广，它以大自然的花和鸟为主要题材。不论在画面内容与绘画形式上都有自己鲜明特色，即造型严谨，重视对象的自然生长规律。但是它的技法却妙不可言，在陶瓷作品上的应用可谓惟妙惟肖，为陶瓷作品增色不少。首先骨法用笔，白描勾线时要求所画对象准确，符合物理，物性。张彦远曾说过：“象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔。”对同一条线的感觉，它的从前和以后就有很大的不同，这就好像懂得了书法之后再来画或再来欣赏国画一样，这就是书画同源。可见用笔是花鸟画最重要的了。第二是色彩讲究，染色时注重花鸟自身的固有色以及制作工整细腻等等。当然我国历代花鸟画家也创造出许多杰出的花鸟画作品和多样的表现手法。如“折枝”花鸟画就是古代艺术家创造的一种独特艺术形式。这独特的艺术形式是把大自然中那最美丽，最诱人，最要长久观赏的一枝，从大自然的怀抱中抽离出来，给予特殊的审美关照，充分的精神投射，聚焦式的描绘，这种艺术样式具有简洁之美，典型之美，空灵之美。
俗话说：“人靠衣装，佛靠金装”，确实说的很对。釉上彩工笔花鸟就犹如陶瓷的美容师，它精心装饰着千变万化的陶瓷器型，不仅给我们美的享受，而且还给我们的生活增添了绚丽的光彩。它是光与彩的结合，也是精湛技法的完美配合，使得我国陶瓷作品尽显其光辉，吸引着许许多多陶瓷爱好者的眼球。