中国成语。
百件“中国好手艺”亮相中国美术馆
由中国艺术研究院主办的第二届“中国好手艺展”3日亮相中国美术馆，组委会从来自全国的优秀手工艺作品中，精选出一百件（套）“好手艺”与观众见面。据悉，展览将持续至8月11日，观众可凭身份证免费参观。
展览中，刺绣作品《苏州新梦——园林组画之月光松影》吸引了不少观众的目光。绣品长235厘米、宽135厘米，以苏绣传统技法表现现代题材；作品以针代笔，通过多种针法组合，勾勒出光影的美妙瞬间，展现了苏绣艺术的独特魅力，令前来观展的观众纷纷称赞不已。
记者了解到，参展的百件“好手艺”从作者自荐、实地征集、专家推荐的2000余件优秀手工艺作品中脱颖而出，除了刺绣作品，还包括金属工艺、陶瓷、雕刻、漆艺、剪纸等众多工艺门类。“希望通过展览，让越来越多的专家和观众看到我们的作品，提出宝贵意见和建议。”参展者史小明说。
中国艺术研究院工艺美术研究所所长邱春林介绍，展览以“材美、工巧、器韵、时宜”四要素作为甄选和评判“好手艺”的标准。所谓材美，是指珍惜材料、巧用材料；所谓工巧，是指工艺独具匠心，能恰到好处地服务于实用功能和审美意图；所谓器韵，是指作品整体完美、宛若天成；所谓时宜，指作品形制新颖、时代感强。
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陶瓷浅析：八大珍品亮相美国弗利尔美术馆
八大珍品亮相美国弗利尔美术馆
八大山人画作
近日，美国史密森尼弗利尔美术馆举办了一场名为“解谜：八大山人的艺术（1626-1705）”的展览，展出了其馆藏的43幅八大山人珍贵书画，为10多年来首次公开展出，这也是2016年弗利尔美术馆闭馆整修前最后一次展出馆藏的中国名作。据悉，此次展览将持续至2016年1月3日。
在此次大展中，最受瞩目的作品莫过于八大山人作于1684年的《黄庭内经》册页，据介绍，这是目前已知的最早署名“八大山人”的画作。此外，作于1665年的《荷花图》也是非常罕见的早期册页，当时八大山人还是一名僧人，但这幅画别致的布局预示了他之后作品风格与题材的转变。八大山人在1760年代出家为僧期间的画作，17世纪末巅峰时期作品以及18世纪初人生最后阶段称为修道隐士后的后期作品在此次展览中亮相。
弗利尔美术馆中国书画部负责人史蒂芬·阿利表示：“弗利尔美术馆拥有最丰富的、最多元的，可以说是中国本土以外最具代表性的八大山人艺术收藏，八大山人作品的神秘特质将观者一次又一次地带回他的作品，人们试图参透绘画和书法中一些模糊的面貌，相信定有解开谜题的钥匙，以为或许在不经意间就能得到谜底。当然，没有人真正找得到答案——八大山人是如此特立独行的艺术家——然而探索总是有价值的，因为每一次仔细地审视总会带来新的乐趣和发现。”
“八大山人”是明末清初画家朱耷的字号，堪称中国画一代宗师，是明代皇室的后裔，明亡后削发为僧，后改信道教。八大山人擅长书画，花鸟以水墨写意为主，传奇的一生留下许多悬而未决的问题，他的书画作品以其大胆的风格特质、独特的经营布局与深刻内涵而闻名。
弗利尔美术馆位于美国华盛顿，收藏的中国古代文物多达3万余件，其中中国古代书画收藏超过1200幅，数量为全美国博物馆之最。该馆藏品因为创办人遗嘱规定不能外借而无缘和中国观众见面。弗利尔美术馆的创始人查尔斯·朗·弗利尔在19世纪美国工业大发展时期成就了自己的财富，1900年，弗利尔在46岁之年退休，把人生余下的20年岁月都用来进行艺术收藏。他多次到亚洲旅行，购买了很多艺术品，并立志创立一个顶级的中国和亚洲的艺术品收藏体系。尤其醉心于中国和日本的古代艺术品。1919年，弗利尔在纽约病故，1923年，以他的名字命名的美国第一个专业的亚洲艺术博物馆终于竣工，弗利尔身后留下的一笔不菲的基金成为之后几十年丰富馆藏的基础。
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美国藏有古中国绘画最多
美国波士顿美术馆藏有中国古代绘画众多，包括：《五百罗汉图》这套鸿篇巨制画作中的12件——周季常（南宋）所作《受胡输赆》、《云中示现》、《施财贫者》等作品以及林庭珪所作的《施饭饿鬼》等作品，还有传（北宋）宋徽宗《摹张萱捣练图》，还有《北齐校书图》、《古帝王图》、《文姬归汉图》、（传北宋）范宽《雪山楼阁图》、（南宋）陈容《九龙图》等。
弗利尔美术馆购入的名作有郭熙《溪山秋霁图》和（南宋）无款《洛神赋图》卷等，馆里收藏有不少名画，如南宋阎次于《山店图（松磴精庐图）》方页、龚开《中山出游图》卷、元人邹复雷《春消息图》卷等。
大都会艺术博物馆的中国古画藏品有很多都来自同一名收藏家——王季迁（1907—2003）。他转让给大都会博物馆的作品阵营惊人，包括传董源《溪岸图》轴、李公麟《孝经图》卷、陆广《丹台春晓图》轴、罗稚川《古木寒鸦图》轴、赵原《晴川送客图》轴等。大都会还有白人收藏家顾洛阜的大批旧藏。
美国藏有中国古书画精品比较著名的还有普林斯顿大学艺术博物馆、克利夫兰艺术博物馆以及纳尔逊—阿特金斯艺术博物馆。文/闻信
经典文章：中国家具发展史
中国家具发展史
中国家具是中国文化的重要组成部分，历史悠久，在其漫长的历史过程中，创造出了灿烂辉煌的文化。中国家具是中华民族的文化遗产，是全世界的共同财富。人们的生活方式决定家具发展方向。魏、晋时代人们习惯席地而坐，因此家具多为低矮型。到唐朝人们的生活方式发生变革，人们开始坐高，双足悬起，中国垂足家具才逐渐兴起，唐朝，经五代十国至宋代垂足家具才定型，垂足家具完全取代席地家具，制作工艺也基本成熟。到了明清时期，中国家具达到鼎盛时期，真正将中国家具推向艺术顶峰。优良的材质，纯熟的工艺，这些都是明以前的家具所无法比拟的。
中国家具，它们包括很广，但通常指“桌椅板凳”之类。古人是席地而坐，室内以床为主，地面铺席；再后来出现屏、几、案等家具，床既是卧具也是坐具，在此基础上又延生出榻等。到商、周、秦、汉、魏各时期，没有太多变化，有凳、桌出现，但不是主流；直到汉代，胡床进入中原地带，到南北朝时期，高型坐具陆续出现，垂足而坐开始流行。憩居形式到了唐代仍然是两种形式并行，高的桌、椅、凳等已被人所使用，但席地而坐仍然是很多人的日常习惯。中国家具在唐宋两代有了根本的发展,对以后明清家具的形成起了至关重要的影响,为什么在唐宋家具发展会这样高速那?这是有原因的。
唐至五代，士大夫和名门望族们以追求豪华奢侈的生活为时尚，五代时期家具以发展的初步完善，以有直背靠背椅、条案、屏风、床、榻、墩等家具。为中国历史家具的最完美阶段打下了基础。从10世纪中晚期开始，宋王朝经济高速发展、城市繁荣富有。宋时高座家具已相当普遍，高案、高桌、高几也相应出现，垂足而坐已成为固定的姿势，中国历史上的起居生活变革由坐姿而定。城镇生活的繁荣使高档宅院、园林大量兴建，打造家具以布置房间成为必然，这给家具业的蓬勃发展提供了良好的社会环境。
唐代家具，宋代家具，为明清家具的发展奠定了基础 宋代， 是中国家具史中空前发展的时期， 也是家具空前普及的时期。宋代家具品种有床、榻、桌、案、凳、 箱、 柜、衣架、巾架、盆架、等。还出现了专用家具、 琴桌、棋桌 等。家具形式也多种多样。 仅桌子一项已有正方、长方、长条、圆桌、半圆桌，还有炕桌、炕案；凳子有方、长方、 等形式；椅子有靠背椅、扶手椅、圈椅、交椅等。 宋代还发明了燕几，当时的士宦大家为装饰屋宇，竟相仿造，燕几由7件组成，有一定的比例规格。它的特点是可以随意组合， 可聚可散，可长可短，纵横离合。符合了上层社会使用的要求。 宋代家具在制作上也不有少变化。开始使用束腰、马蹄、蚂蚱腿、云兴足、莲花托等各种装饰形式； 同时使用了牙板、罗锅枨、矮佬、霸王枨、托泥、茶钟脚、收分等各式结构部件。 宋代， 我国已基本完成起居方式的转变，供垂足坐的高形家具占绝对主导地位。 在宫延里， 统治阶级不惜工本制作了一批高级家具。 河北巨鹿出土的宋代桌子和椅子，就是较为完美的代表作品，体现出宋代家具艺术的发展水平。所以，"没有宋代家具事业的繁荣和发展，就不会出现完美、 精湛的明式家具。明式家具是在宋代家具发展的基础上发展起来的。 明手工艺的繁荣，对家具的发展起了推动作用 明代，手工业的艺人较前代有所增多，技艺也非常高超。 明代江南地区手工艺技术较前代大大提高了 ,并且出现了专业的家具设计制造的行业组织。 明代，总结各种工艺技术经验的专门书籍逐渐增多。 木器家具方面的专著当推《鲁班经匠家镜》一书。此书为明代北京提督工部御匠司司正午荣汇编， 分建筑和家具两部分，其中对家具作了详尽的分类。如：椅凳类、桌案类、床榻类、橱柜类、台架类、 屏座类等。每一类中又分别叙述不同形式。如床榻类中有大床、禅床、凉床、 藤床等；桌案类有一字桌、案桌、折桌、圆桌、琴桌、棋桌、方桌等。其他如选材，卯榫结构，家具尺寸， 装饰花纹及线脚等都作了详尽的规定和记述。 《鲁班经匠家镜》一书是建筑的营造法式和家具制造的经验总结。它的问世，对明代家具的发展和形成起了重大的推动作用。 有关家具方面的书籍还有明代文震享所编的《长物志》。 书中对各类家具一一作了具体分析和研究，对家具的用材、制作、式样分别给予优劣雅俗的评价。 明代高濂编著的《遵生八笺》还把家具制作和养生学结合起来，提出独到的见解。 这些书籍的出现指导了家具形式的设计和制作生产工艺的提高，并丰富了家具制作的理论。
明式家具的产生和发展， 主要的地域范围在以苏州为中心的江南地区，这一地区的明式家具持续着鲜明独特的风格。 到清代前期，明式硬木家具在全国很多地方都有生产，但从产品不难看出只有苏州地区的风格特点和工艺技术最具底蕴。 这种风格鲜明的江南家具，得到广泛喜爱， 人们把苏式家具看成是明式家具的正宗，也称它为“苏式家具”。中国家具经过不断地变化、演进和发展， 到了明代，进入了完备、成熟期，形成了独特的风格，被称“明式家具”。而明式家具中夹杂着文人化的意趣， 文人已参与了家具的设计，这又是前朝后代的家具所无法拥有的。 明代的家具遗留至今的精品为数不少，从而可以让我们直观地了解明式家具的发展进程。明式家具的品种式样丰富多彩。 家具艺术也和其他艺术一样，在明代初期至中期也有很大的发展。 流传至今的大批家具珍品记录了手工艺人的勤劳智慧和光辉业绩。
清初之时，家具上的创新不多，还保持着明代家具的样式,清代中叶以后，清式家具的风格逐渐明朗起来， 家具也出现了新的特征，与全国的明式家具相互影响，又有不同于明式家具的独到之处，总体尺寸要比明式家具宽大， 形成稳定、浑厚的气势。而样式也十分丰富,例如新兴的太师椅就有多种式样， 靠背、扶手、束腰、牙条等新形式，更是层出不穷。装饰上求多、 求满，常运用描金、彩绘等手法，显出光华富丽、金碧辉煌的效果。清代家具以雍、乾为鼎盛时期， 这一时期的家具品种多，式样广，工艺水平高，最富有“清式”风格。 在装饰上，这一时期力求华丽，并注意与其它各种工艺品相结合，使用了金、银、玉石、珊瑚、象牙、珐瑯器、百宝镶嵌等不同质材，追求金碧璀璨、富丽 堂皇，遗憾的是，这一时期的家具，有的由于过分追求奢侈，显得繁琐累赘。
经典文章：中国青铜器发展史
中国青铜器发展史
青铜是人类历史上的一项伟大发明，是世界冶金铸造史上最早的合金。红铜加入锡、铅，成为一种新的合金，这种合金历经几千年的化学反应，其表面出现一层青灰色的锈，所以今人谓之"青铜"，而古人则将这种合金称之为"金"，文献中所讲"赐金"、"受金"多少，即指青铜。 青铜器则是以青铜为材料，采用一种非常特殊的工艺（今人称之为青铜铸造工艺）制作出来的器物，它是古代灿烂文明的载体之一。 青铜时代（BronzeAge）是由丹麦考古学家G·J·汤姆森首先提出来的人类物质进化史上的分期概念。世界上所有的古老文明都经历了石器时代、铜石并用时代、青铜时代和铁器时代。中国的先民在青铜时代（距今约4000年至2200年）创造了独步世界的青铜文化。 从出土和传世的大量青铜器可见，古老的块范铸造技术在远古的中国已经发展到了登峰造极的地步，青铜器在中国先民的生活和精神体系中占据着举足轻重的地位。可以这样说，古代青铜器与青铜工艺的演化，不仅是中国人的物质进化史，更是中国人的精神进化史。 青铜材料的稀有和青铜铸造工艺的先进性，使得它与陶器、木器和石器等沉沦于日常物用的器具，走上了截然不同的发展道路。青铜鼎、簋、尊、盘、爵等作为食具、酒具、盛水器等实用功能与作为礼器在先民精神生活中标出的意义是互为表里、融贯一致的。可以说，没有古代青铜器，就不可能有商、周以来文质彬彬的贵族等级体制和先秦时代特色独具的权力表达系统。古代文明体制的核心，即所谓的"礼、乐、征伐自天子出"、"国之大事，在祀与戎"，无不与青铜文化有着千丝万缕的联系。 青铜容器在古代常常被用作礼器。商周社会以严格反映等级制度的规章仪式，即所谓"礼"来维护政治、经济权力，而祭祀则是沟通人、神，使人间秩序神圣化的中心环节。青铜器在祭器中占据了很大份额，是贵族宗室内部族长和作为天下"共主"的天子主持祭祀必备的礼器。此外，青铜器的制作和赠与也与商、周时代贵族间婚媾、宴享、朝拜、会盟和铭功颂德等礼制活动紧密相关。 作为古代礼治社会政治、经济权力的象征，王、侯所制造的鼎、簋也被视为国家权力合法性的来源。传说大禹"收九牧之金，铸九鼎，铸鼎于荆山下，各象九州物"是一匡诸侯、统治中原的夏王朝立国的标志。而"夏后氏失之，殷人受之；殷人失之，周人受之。"则是表明每一次王朝的代兴，"九鼎"便随之易手。春秋时，楚庄公向周定王的使者"问鼎之大小、轻重"，使得"问鼎"一词成为觊觎国家权力或泛指试图取得权威支配性的经典说法。置立于王室或宗庙内青铜礼器的转移，实质上是权力与财富的再分配所带来的政权转移，"九鼎"作为中央政权的象征，谁占有了"九鼎"，谁就握有全国最高的政治权力。同时，各级贵族在使用礼器的种类、数量上都有严格的规定，种类和数量的多寡直接代表了贵族等级的高低。所谓"钟鸣鼎食"，即是表示了家族人丁兴旺、仆役众多的庞大场面，成为贵族显示自己身份之高贵的标志。正如著名学者张光直先生所言："青铜便是政治和权力"。 古代青铜器常自铭为"宝尊"、"宝鼎"，这表明青铜器一直是被视为尊贵的宝物，汉代即将青铜器的出土视为"祥瑞"之兆。据《汉书·武帝纪》记载，汉武帝"因得鼎汾水之上"，竟将年号改为"元鼎"。从汉武帝把铜鼎奉为神物这一历史性事件算起，中国人收藏青铜器的历史已长达二千余年。 北宋以来，文人雅士对青铜器的研究、搜集和玩赏渐成风气，一门新的学问，即所谓的"金石学"从此开始成形，著名词人李清照的丈夫赵明诚即是宋代有名的金石学家。中国人对青铜器的研究偏重于考古、历史、古文字等多门学科的著录与考证，而西方及日本等国收藏和研究中国古代青铜器则侧重于形制、纹饰等美学价值方面，有关专家及其著述均有极高的水准。 青铜器知识 青铜器的名称和形制中国古代青铜器的特点中国古代青铜器铸造技术青铜器主要纹饰青铜器鉴赏 青铜器的名称和形制 商代青铜器名目比较复杂，战国时代和汉代又有一些特殊的形制，但古代青铜器仍形成一定的体系。古代青铜器的造型体系，在中国工艺美术发展中，一直受到极大的重视。我们现在介绍的青铜器造型，是沿用目前常用的传统的体系。 青铜器可分为：一、日用器：①炊煮器，②食器，③酒器，④盥洗器，⑤其他。二、乐器。三、兵器。 炊煮器中摱就是煮肉的锅，三条腿可以直接支在火堆上。撠獢的用途相同，但形式不同，昂的三条腿成囊形，中间是空的，称为摽钭銛，因此鬲中的液体和火焰直接接触的面积较大。鬲的形式在古代有悠久的传统，在考古学上是把它当作商周文化前身的标志，一般都是三足，器身是圆形的；但也有时是四足，器身是方形的。容量大小不同的鼎有时按照三、五、七、九的数目成组的应用，按照大小分别置入牛、羊、猪、鱼等不同的肉食。鼎在古代被认为是青铜器的最可尊贵的代表，它可以象征国家的统治权。 食器中，摱箶和摂（或作擉）是最普通的。豆是一种高足的盘子。殷是圆形、有把手、圈足的盆子。此外，还有摵厰（长方形，敞口，有足的盘子，往往上下两半扣在一起） 酒器在商代很发达，可以分为四种类型： 甲、三足器（或四足）：爵、角、斝、盉。 乙、圈足敞口器：觚、觯、尊。 丙、圈足敛口器：罍、卤、壶（战国以后钟和钫代替了壶）。 丁、彝、勺、觥，及鸟兽形器。 有些酒器的用途不明。可知三足的摼魯、摂袛是温酒用的。摫B斒堑骶疲ň萍铀┯玫摹罍敚ň铺常卣敗壶敗彝敚际侵频钠骶摺勺斒亲镁朴玫摹Ｒ桓鰯戸龜或擌和一个爵或摂袛，往往组成一对。从古书（《礼记》和《仪礼》）中可知古人饮酒有隆重的仪式。这些复杂的酒器充分表现了古代贵族的奢侈而繁缛的生活方式 盥洗器有贮水的撽硵和摷鴶，承水的撆虜和注水的撛褦 其它尚有置肉于其上以切割的撡迶和插肉用的撠皵。摻麛是小台，席地而坐的时候，食器酒器可以放在上面 青铜制的乐器中最贵重的是撝訑。钟悬挂方式有两种：直悬或侧悬，因而钟上的钮的形状不同。钟和石制的磐同为古代重要的打击乐器。单独一个钟，称为撎刂訑，或若干个大小不同的钟按音阶高低组成，称为摫嘀訑。一种执在手中敲打的乐器叫擃蹟，商代的怔往往是大中小三个一套。擃鞌是装上活动的舌，执在手中摇的。摿鍞是悬挂在固定的地方（如马身上或车上）因震动而作响的 青铜兵器中的擄紨、撁瑪、摳陻都是装了长柄使用的。戈有时在上端更加了矛，运用方式较多，可以刺，可以啄，可以击。撈輸就是斧，商代极华丽的装饰着的撈輸很多，摻飻是砍刀。撓鲾是小刀子，在商代后期已作得很精美。另外，在北方鄂尔多斯青铜器（内蒙古河套一带发现的，相当于汉代）中也有很多。斀是春秋以后在南方流行起来的一种兵器 青铜器中特别丰富的是车饰和马饰。种类繁多，更适宜于作专门的研究 青铜器的制作主要的是为了日常使用，但也常用来殉葬。现在保存下来的青铜器，几乎都是从古代坟墓中得到的。从殉葬的情况也可以推测日常使用的情况，譬如在古代，往往一件炊煮器、一件食器、一件贮酒器构成一组，就代表了一个人多方面的生活需要。所以古墓中发现成套的器皿对于研究古代生活很有帮助。古代制作铜器是隆重的事情，例如：祭祀、赏赐、战争、征伐、嫁女等等。但也有些青铜器制作时是以装饰为目的的，例如特别华丽的一些兵器 总之，青铜器在古代贵族生活中有重要地位，也集中地表现了工艺匠师的造型创造能力。青铜器丰富的造型是适应生活需要的智慧创造。作为工艺形象，青铜器的造型和装|>>>>|【精】自强不息—叶浅予自选速写作品研究展在中国国家画院美术馆展出
自强不息—叶浅予自选速写作品研究展在中国国家画院美术馆展出
展出时间
2020年7月30日—2020年8月31日
展览地点
中国国家画院美术馆（北京市海淀区西三环北路54号）
展览主办
中国国家画院
展览承办
中国国家画院美术馆
展览协办
中国国家画院理论研究所
《中国美术报》社
中国国家画院信息中心
7月30日，“自强不息——叶浅予自选速写作品研究展”在中国国家画院美术馆开展。此次展览是中国国家画院整合本院学术力量，深入研究藏品，提升展览学术含量的年度重要展览之一，也是“中国国家画院典藏研究系列”展览的开篇之作。该展览已列入“2020年全国美术馆馆藏精品展出季”活动项目。
“我从漫画创作转到国画创作方面来了。速写是这二者之间的桥梁。”
“我之从漫画转向国画，也是在大千作品的引导之下成熟起来的……学到了不少手上功夫，比如用笔用墨之法，层层着色之法，重复勾线之法，衬底浣染之法，在心领神会之后，用到自己的人物造型中去，获得不少益处。”
“中国画的减笔写意一派如梁楷、徐渭、朱耷（八大山人）几位大师所造的简炼形象，十分近于速写，早已为中国的欣赏者所接受。将速写作为一种绘画体裁或表现手法，是有所继承的。”
——叶浅予
叶浅予（1907-1995）是我国著名漫画家、国画家、美术教育家。叶浅予早年致力于漫画艺术，为我国漫画艺术的先驱者。20世纪40年代后，以其深厚速写功力融入国画，开创了中国人物画新境界。叶浅予长期担任中央美术学院国画系主任，创立了“传统、生活、创造”三位一体及“临摹、写生、创作”三结合的中国画现代教学体系，对现代中国画发展影响深远。
叶浅予毕生从事速写艺术，本不离身、手不停笔。从上个世纪 30 年代到90年代 ,速写伴随了其艺术生涯始终，留下了大量速写作品，是他“自强不息”艺术精神的感人写照和极其宝贵的艺术遗产。
展览现场
叶浅予曾任中国国家画院的前身——中国画研究院副院长，对画院的建设和发展做出过重要贡献。他为人正义刚直，生性淡泊豁达，将其一生的重要创作和收藏都化私为公，分别捐赠国家相关机构和家乡。或许是“中国画研究院”负有研究职责之原因，叶浅予捐赠给中国国家画院的作品，尤其是速写作品最成体系，盖由叶浅予亲自精心选出，并按年代先后和题材分类整理，基本涵盖了其艺术创作的完整时间跨度和全部题材类型，这也是展览以“自选”为题的原因。
展览现场
本次展览作品系捐赠后首次展出，展品从叶浅予自选的700余件速写作品中遴选出 380件作品，以“各地采风”“戏曲人物”“舞蹈形象”“体育运动”“动物世界”“植物花木”六个单元分类，全面展示了叶浅予速写作品的魅力。
展览同时展出院藏国画20件，目的在于以作品揭示叶浅予从漫画创作转向国画创作，速写作为二者之间桥梁的逻辑关系。
展览现场
值得一提的是，展览还单独辟出以“自强不息”为主题的一个篇章，展出了从1947年起到1992年止，叶浅予所画的80册速写本。自20世纪30年代起，叶浅予即速写本不离身，展出的速写本仅仅是他所有速写本中的一部分，但几乎涵盖叶浅予一生的创作足迹，见证了他异常勤奋和“自强不息”的艺术道路。这批速写本学术价值还在于，其准确标注了速写的时间、地点、内容，对整理叶老诸多未署创作年代的作品提供了非常准确的判断标尺。
展览现场
据悉，展览将展至8月31日。
展览现场
众家谈
黄苗子：
叶浅予的国画革新
叶浅予的用色，主要是为了显出墨的光彩，色的作用只是用来烘托墨。这本来是明代的徐青藤、陈白阳，清代的扬州八怪以至赵（之谦）、吴（昌硕）、齐（白石）等花鸟画家的传统方法，叶浅予只不过是第一个把这种风格运用到人物画的创作中去罢了。叶浅予的用墨十分讲究，这也是他近20年来从齐白石、黄宾虹等花鸟、山水画的方法，借鉴到人物画中来的技法。叶浅予对于传统技法不是盲目继承，而是有选择、有目的地去借鉴的，是“古为今用”的。上世纪50年代以后，山水花鸟画有很多杰出的作家，他们有崭新的面貌和鲜明的时代精神。人物画方面，从徐悲鸿开始，就尝试着以中国传统的技法和工具，表现现代人物和现代生活。叶浅予是进行这种尝试的老画家之一，他的舞蹈作品是被公认为成功的。正如张仃在1963年读了叶浅予的人物画后写的，叶浅予的各种尝试，“在当时，对于国画的推陈出新，有它的重要意义。”这就是叶浅予在我国国画革新方面的贡献。
（选摘自黄苗子所作《裁得彩练当空舞——我所了解的叶浅予》）
周韶华：叶浅予的“情态结构”
叶先生对“情态结构”的创造，完全是心灵韵律的需要，是以抽象的运动线条为骨架的空间构造。它是以人的风采、气度、情愫、神韵为艺术表现中心的，是以形体的节奏美和运动结构美为基本特征的。因此，首先进入角色的是画家本人。……他完全进入了角色，有时几乎使你难于分辨出谁是画中人，谁是作画人。与其说那是画中人，不如说这是叶老在与画中人同欢乐共歌舞，情与画浑融一体了。
古稀之后，不耕砚田无乐事，情之所钟，笔墨洋洋洒洒，这些等等，不仅溢于言表，成为他为人的风格，而且也深藏在他的“情态结构”底蕴中。“情态结构”已经化为他心中的一束光，总在为整体运动结构而召唤，无时不在用情态节奏统率笔墨色彩，因为他心中没有什么掩饰，用不着雕凿，有真货就不必卖假药，绝对不以媚颜去讨好于人，情真意诚，美就在其中。他就是这样在把握自己。
（选摘自周韶华所作《叶浅予艺术特征概论》）
卢沉：叶浅予的舞台速写
画舞台速写，特别是捕捉瞬息多变的舞蹈动态，这需要特殊的本领。能画好舞台速写的可以说是寥寥无几。正是在这一高难度的领域，充分显示了叶老高超的速写才能和深厚的艺术功力。叶老的舞蹈速写有两种，绝大部分是在看戏看舞时当场画的铅笔速写，用笔快速、果断、一气呵成、形神兼备。我觉得捕捉动态的速写尤其精彩。叶老善于抓住最好看的瞬间动作，寥寥数笔，笔略而意周，许多生动的舞蹈速写如《天鹅湖》《快乐的罗嗦》等，富有动态的美妙神态，令人过目难忘。这类速写最能体现叶老独特的艺术造诣。还有一些用毛笔画的舞台形象，如收编在《舞台人物》速写集里的《天鹅湖》《刘三姐》《周信芳》和《盖叫天》等，形象和画面都比较完整，有的近于绣像，如茶馆人物，这大都是为了当时报刊刊用的需要，根据铅笔速写加工整理的。这与现场速写自有不同的品味。除了仍保持速写的生动性，线条里还增加了毛笔勾勒的书法趣味。这已不是通常概念的“速写”，有较多的艺术加工成分，也可以说是速写式的创作。
（选摘自卢沉所作《叶浅予的速写艺术》）
杨力舟：叶浅予的格调精神
叶浅予先生秉性一向刚正孤傲，这也体现在他的艺术作品上。本事高强而才气充溢，然而不逞才、不使气，极其敛约。由于他对客观事物观察深刻，对古典戏曲人物和施演的京剧名家|>>>>|
“中国当代工艺美术双年展”亮相国博
“中国当代工艺美术双年展”亮相国博
中华书画网讯：中国艺术研究院携手工艺美术界社会力量推出的２０１２年“中国当代工艺美术双年展”，１７日在中国国家博物馆对外展出。
展览汇集了全国各主要产区、主要流派和主要门类的精品佳作及中国工艺美术馆的部分馆藏珍品，总计约１０００件，涉及玉雕、牙雕、石雕、木雕、陶瓷、金属工艺、漆器、刺绣、织染和传统工艺家具等。展品工艺精湛、形质兼美、品味高雅、特色鲜明，有着浓郁的时代特色、深厚的文化底蕴、生动的原创精神，展现出参展艺术家的灵心巧手与深厚积淀，以及推陈出新、继往开来的信心与力量。
据介绍，此次展览得到了参展作品所在产区的地方单位与行业协会的大力支持，诸多国家级工艺美术大师、国家级“非遗”传承人，省级工艺美术大师、省级“非遗”传承人，以及优秀的中、青年艺术家积极响应，纷纷拿出精心创作的新作，形成了大师云集、精品荟萃的盛大场景。
值得一提的是，本次展览不仅是当代工艺美术精品的集中展示，还是工艺美术界的一次学术盛会，作品展示与学术研讨、奖项评选相结合。研讨会将邀请国内工艺美术领域的知名专家与学者，围绕推动工艺美术批评、促进艺术创作的繁荣与发展等主题展开深入的讨论与交流。
展览将持续至５月６日。
经典文章：青年创客用“匠心”点亮中国青瓷小镇
青年创客用“匠心”点亮中国青瓷小镇
2月20日，一名女子走过浙江龙泉青瓷小镇的龙早古窑青瓷博物馆。
三年前，温州老板娄林峰在一周之内把自己名下的三个茶馆、一家会所和一间广告公司全部卖掉，来到浙江龙泉做起了青瓷。 “当我的手碰到瓷土的那一刹那，那种温润，让我义无反顾地爱上了她。”娄林峰说。可青瓷这个东西，看似门槛低，可要创新并不容易。“如果只是把泥巴捏成别的样子就叫创新，那人人都会。”
从2014年开始，娄林峰停止了青瓷生产，开始广交良师，诚心学艺。“就像我原来做广告一样，如果对一个方案不满意，就推倒重来。” 新华社记者张铖摄|>>>>|
经典文章：宁波博物馆昨起展出106件清代外销青花瓷精品
宁波博物馆昨起展出106件清代外销青花瓷精品
行走在“海上丝绸之路”的青花瓷
中国宁波网讯 从昨天起，宁波博物馆推出了“芙蓉出水——清代康雍时期外销青花瓷精品展”。此展106件展品都是从杭州南宋官窑博物馆引进，展期为一个月。外销青花瓷曾经通过始发于宁波的东方“海上丝绸之路”走向世界，其中包含着中外合璧的艺术。
中国的英文名字是“China”，这个名字正是来源于瓷器的英文名“china”，瓷器就是古代中国最重要的名片之一。在中国与世界的交流史上，瓷器充当了一个别具特色的“大使”角色。此次展出的外销瓷，就是那些在中国生产、专门销往国外的瓷器。考古资料表明，自唐代开始，中国瓷器便代代有外销贸易。
在历史上出口的瓷器中，以明清两朝景德镇生产的青花瓷为最大宗。当时，东南亚的菲律宾、印尼、马来西亚、越南、泰国和欧洲的葡萄牙、西班牙、荷兰、瑞典、英国等许多国家都是中国青花瓷的主要市场。
本次展出的外销瓷，都是清康熙到雍正时期的作品，能品相完整地保留至今，十分难得。它们主要由瓷都景德镇生产，也有部分是福建一带的产品。
仔细观赏后不难发现，除了我国传统特色的品种之外，还有许多是根据国外消费者的需要定制的，以符合当地生活习俗和审美情趣。在中国元素的基础上，加入一些外国风格，这些瓷器向我们展示了不同文化之间的交流和影响。
有些个体的装饰纹样完全是中国题材的，比如位于器物开光中的传统山水画、花鸟图，但这些纹样一旦以单元的方式被重复排列组合于各个开光之中就有了西洋图案的味道；而一些中国的景物或人物故事又完全被置于西式的器物造型之中，显示出中西合璧的艺术魅力。
当然，更值得一提的是，那些无论从功能、造型、纹饰来看，都是纯西方样板的器物，是欧洲商人利用中国的制瓷技术，为满足其特殊消费群体而特向中国制瓷商定制的。
东南商报记者 李臻 通讯员 任楠楠
经典文章_中国四大发明之外的发明----瓷器
中国四大发明之外的发明----瓷器
瓷器为古代中国带来了巨额外汇
中国的瓷器曾经为中国赚了多少钱，实在不好统计。当欧洲人评定中国的“四大发明”时，居然没有将瓷器纳入其中，一方面说明评判的标准是欧洲人所需要的标准，另一方面也说明，培根所处的时代，欧洲人包括培根本人，对于中国还缺乏了解。他们容易只看到中国人的创造对他们的发展造成巨大改变的东西，例如火药、纸张、活字印刷、指南针四大发明，而很难看清中国人的哪些创造对于中国成为世界强国作出了重要的贡献，例如瓷器。欧洲人经过了很长时间才认识到中国的瓷器、茶叶等等最简单的日常生活用品，对于中国的意义，甚至对于改变世界的意义。我们今天完全可以说，中国古人的很多创造发明，对于中国和世界的意义，绝不亚于当今世界的电脑、互联网。 瓷器从很早以前就成为中国百姓的日常用品，虽然皇家对于瓷器的特供要求，使得官方瓷器与民间瓷器有一定的差别，但是，在中国平民百姓的家里，瓷器绝不是稀缺之物，而是极为普遍的日常生活用品。相反，瓷器传到欧洲后，很长时间都是王室和贵族专享的高级物品。在欧洲启蒙运动时期，大约相当于中国明末清初，欧洲王室和贵族都有专门收藏、陈列中国瓷器的习惯。例如俄国沙皇、奥匈帝国皇帝、法兰西国王、英国国王等等。马未都先生讲过一个例子。当时欧洲贵族宴请宾客，能用中国瓷器作餐具是一件非常体面和奢侈的事情。但是，为了防止客人中有人心生贪念，顺手牵羊，主人必须加派人手，盯着每一个瓷器，某种程度上，把其他贵族客人都当成潜在的小偷了。这是因为中国瓷器当时在欧洲非常昂贵，而且，在那时的欧洲人看来，中国瓷器的精美绝伦也是无以伦比的。与之形成对比的是，在当时的中国，瓷器早已经进入寻常百姓家，极为普遍。 那么，中国瓷器为中国人大赚全世界的钱，而且在长达千年的时间里，都没人能够超越的奥秘究竟在哪里？我认为，主要大概有以下几个方面。第一是成本低廉。瓷器的前生是陶器，陶器在世界很多地方都有生产。但是，陶器在使用性能上有一定的局限，因此，陶器一般只被当作比较低层次的用品。在高级的场合，以前人们一般不使用陶器，而使用金属器。使用金属器的习惯，欧洲人远远高于中国人，尤其是欧洲的贵族，金属器是身份和地位的象征。但是，金属器成本较高，很难广泛使用。以中国来说，也有不少青铜器的出土。大型青铜器是国家祭祀的用品，小型青铜器是当时贵族的用品。青铜器造价高昂，使用太多则不利于民生，因此，汉朝以后，青铜器渐渐退出了中国的历史舞台，其中一个重要的原因是，东汉时期，中国的瓷器在原先陶器的基础上正式形成。瓷器以低成本又不失高贵的方式，大规模地取代了金属器。中国瓷器的这个特征给今天的人们什么启示？只有低成本、低消耗的产品才能普及和长久。而在现代工业生产领域，大量高成本、高消耗的产品充斥我们的日常生活，人们甚至认为它就是现代生活的必然。事实上，现代生活中大量高成本、高消耗的产品，迟早会被淘汰。 中国瓷器的第二个特点是实用性强。拿瓷器与玻璃器相比，瓷器比玻璃更坚固，但是，瓷器即便有小的破损，也不至于像玻璃破损后那样容易伤人。而且，玻璃在冷热变化下容易破碎，但瓷器不会。因此，自从瓷器在中国出现后，玻璃器在中国的地位便退居很次要的位置。通过丝绸之路传到中国的阿拉伯玻璃器，很多也非常精美。但由于其实用性差，只能作为摆设，因此，在产品的市场竞争性上，玻璃器远远不如瓷器。对此，我们不得不对那些发明瓷器的祖先表示无比的尊敬，虽然他们都没有留下名字，然而，他们发明瓷器所依据的那些原则，在今天依然是非常有效的。 中国瓷器的第三个特征是工艺简单。除了皇家需求的特供瓷器有复杂的工艺要求外，绝大多数中国瓷器的工艺都很简单。中国瓷器的普及，除了前面提到的材料成本低廉外，工艺的简单，也是造成产品价廉物美的重要因素。而且，中国历史上每一波瓷器的高峰后，都会出现工艺越来越简化的明显趋势，例如瓷器表面雕刻的简化，形状的简化，色彩的简化等等。它使得瓷器在工艺繁琐和简化之间，寻找到不同的市场需求，最大限度地满足社会上不同层次的需求。贵者如帝王，贱者如乞丐，都能手捧瓷器。 中国瓷器的第四个重要特征是突出本地性。钧窑瓷器在中国的瓷器家族中非常著名，曾经有人说，纵有家财万贯，不如钧瓷一片。钧窑瓷器的特殊性来自于它的色彩，而它的色彩则来自于瓷釉中铜的成分。这种铜的成分则来自于一种叫做孔雀石的矿石。事实上，钧窑所在的地点附近就有出产孔雀石。因此，钧窑的特殊性就在于它把本地的物产有效地结合在一起，从而形成了独一无二的产品。再比如说景德镇的瓷器能够独领风骚几百年，一个重要的原因就是景德镇附近的高岭土。今天的科学分析指出，景德镇附近的高岭土是制造瓷器最好的原材料，但是，在景德镇开始烧造瓷器之前，谁能做出这个结论？只有当景德镇的工匠们，将本地的高岭土不断通过实践后，烧造出大批精美绝伦的瓷器时，它的方法才成为了标准。几乎可以说，中国历史上每一个窑口，都是以其地方色彩的独特性而享誉世界的。这个事实在今天讲究标准化、统一化的工业生产中，仍然具有很大的启示意义。换句话说，接受ISO、申遗等别人的标准，永远只能受制于人，创造自己的标准，才是真正的主动。所谓大国心态，标志之一就是，我定的标准成为其他人接受的标准，而不是相反，一味去迎合别人的标准。当然，要做到这一点，现代中国人还需要不断地努力。 中国瓷器还有一个重要的特点就是兼收并蓄。一些人在讲古代中国的时候，总是以一种偏见，把古代中国说成是封闭的、保守的、拒绝外来文化的等形象，实际上，造成这种偏见一是基于他们所接受的某种西方理论，二是对中国历史缺乏基本了解。仅从中国瓷器的发展中，我们就可以看到，这种偏见是多么无知。中国瓷器虽然是很多普通的、默默无闻的中国人的创造发明，但是，在它的发展过程，也吸收了很多外来文化。比方说瓷器的形状。按照瓷器的加工工艺，圆形是最方便的，也是成本最低的。但是，在中国瓷器中，出现了很多异型瓷器，例如扁的、方的等造型特殊的瓷器。这些特殊形状，其实是受外来文化的影响，尤其当年中国的瓷器大量出口，为了满足出口的需要，必须适应进口国的文化习惯。因此，一般认为，中国瓷器中很多特殊造型的瓷器，其设计图纸都是外来的。再比如说中国瓷器中独树一帜的青花瓷。宋朝时期虽然有名垂千古的汝官哥钧定五种著名的瓷器，但是，那时候的瓷器以青瓷为主，追求素雅。从元代开始，白胎青花瓷成为中国瓷器的主流，而形成青花瓷的蓝色颜料并不产于中国，是从国外引进的。正是这种中外结合的青花瓷，在全世界畅销，甚至成为外国人眼里中国的标志。看到这个事实，我们还能得出中国古代从来就是封闭、保守的结论吗？ 关于中国瓷器，还可以举出很多其他特点。我认为，中国瓷器所代表的中国古人的创造，有一个最重要的特点，至今都有很强的生命力：用最低的成本，创造最大的效益。这个特点在中国古代的艺术创作中，也是一个重要的原则。有西方人曾经说，中国人太聪明了，他们用两种最简单的东西，赚了全世界无数的钱：一是树叶（茶叶），二是泥土（瓷器）。因此，也有人把中国的瓷器称为“变土为金”。事实上，中国瓷器的杰作，远远贵于黄 金。
2005年，英国拍卖了中|>>>>|
精品文章：中国美院举办三场学术展览展示多国陶艺漆艺之美
中国美院举办三场学术展览展示多国陶艺漆艺之美
中国美术学院从25日起举办三场学术展览，展示多国的陶艺漆艺之美。
这三场学术展览包括两场陶艺展和一场漆艺展，分别是“泥土之相——2018杭州国际当代陶艺双年展暨第十一届中国当代青年陶艺家作品双年展”和“髹漆之意——2018杭州国际当代漆木艺术展”，分别展出来自中国、英国、瑞士、法国、丹麦、西班牙、韩国和日本的38位陶瓷艺术家的400件作品，以及来自中国、日本、韩国、法国的31位漆木艺术家的60余件作品。
“以‘泥土之相’为主题，是基于对陶瓷艺术本体持续的观照。泥土经过窑火的熔炼，幻化为人文的化石，其背后蕴涵着人类对理想生活的追求。”对于策展主题，中国美院手工艺术学院院长周武教授解释说，“而髹漆是不断地上手涂刷和打磨，从一层层遮蔽中寻找生命的意义，在抹去重来的过程中修正思想。”
根据展览安排，第十一届中国当代青年陶艺家作品双年展还开设了“青年陶艺家工作室开放日”，杭州市有10所工作室对公众开放，让大家近距离感受陶艺手工的魅力。周武说，这也是为社会提供一次与手工艺术全面交流的机会。