神韵瓷砖。
最近几年釉画艺术成为人们关注的热点，更多的人希望了解釉画艺术，亲近釉画艺术。但是，其他画种在世界艺术的顶端地位和釉画在中国的边缘化地位，落差巨大，这种落差也为釉画艺术在中国的未来蕴藏着巨大的潜力。釉画集其他画种优点于一身，必将复归它本身应有的地位和价值。釉画艺术不仅属于艺术市场，更属于社会文化，大众审美和学术研究。
釉画是用青花料，粉彩料，五彩料，颜色釉在瓷胎或瓷器上自由绘画，有独立绘画语言的绘画方式，是陶瓷装饰的一种。釉画是借助陶瓷载体经过釉上釉下釉中及其他工艺的一种绘画。其主体是瓷胎、青花料、五彩料、粉彩料、颜色釉、沙子、玻璃、玉石、釉、高低温烧制构成。是泥与火的艺术。
釉画的发展可以追溯到4500-5000年前，龙山文化就出现了黑陶挂釉，到西汉的铅釉陶器，第一次穿上了大红大绿的新衣，是釉画发展史上的一次革命，东汉晚期真正的陶瓷出现了，是釉画发展史上里程碑，到了唐代有了挂色釉的唐三彩，宋的影青，元代的青花，清的五彩，粉彩，珐琅彩，清末民初的浅绛彩，浅绛彩的出现，釉画得到了空前发展。清末民初时，文人墨客聚集瓷都景德镇的珠山绘画瓷器，他们是那个时代釉画绘画的杰出代表。新中国成立后，釉画得到了空前的发展，国有瓷厂的美研室，到轻工业部、省市陶研所。当代的大师，院校教授，艺术家成为创作的主题。
釉画是陶瓷工艺完成的绘画方式，具有视觉艺术造型审美的艺术科学价值，具有深厚的文化底蕴。有很强的绘画感和表现力，表现手法非常丰富，如吹、滴、泼、喷等手法，笔者的《东方神韵·层林尽染》基本上采用了喷，泼，洒等技法表现树干，枯枝，艾草丛和树叶，画面中，近景的深秋枫树，高高耸立，橙红一片，远景的高树苍润幽远，整个瓷板呈深红基调，片片红叶起舞在晚风中，整幅作品色彩丰富浓艳，光彩夺目，景物自然逼真，看不出人为的痕迹，乌金釉造树干的厚重，红釉妆扮的枫叶似火，真可谓秋天树林神姿仙态，作品层次感强，色彩丰富，变幻无穷，宛如一首歌颂深秋动人的歌。釉画的材料性能稳定，工艺精良，技术含量高。又如笔者的《东方神韵·唐韵》系列，采用滴、洒、泼等技法，塑造了数位身姿动人的仕女，使深宫女人相互倾诉？抑或是离别时执手相看眼泪互诉衷情？作品晕色自然流畅，达到了形似神更斯的艺术境界，留给观赏者想象的空间。
釉画的创作是一门综合艺术，是集传统工艺技术与当代绘画思想理念于一体的新型绘画。釉画的表现形势几乎囊括了所有的艺术门类，釉画既能表现油画色彩丰富，立体质感强的视觉效果；又能表现中国水墨画的墨韵、产生似象非象的物像特征，这种特征效果使人诱发丰富的遐想；还能表现漆画之美，美在朦胧，美在神秘；釉画在塑造和晕染不亚于色粉画，釉画的卓越表现在不久的将来会在全国美展上占有重要的位置。
釉画是追求自由绘画语境的形式，用陶瓷材质为媒介出发，借用抽象的语言，以不同方式揭发出深层次的精神诉求。与传统绘画单一媒介不同的多媒介试验探索，打破了旧有画种的界限，激励出创造的灵感，形成新鲜的审美情趣，成为中国艺术生态的新的增长点。如笔者的《东方神韵·云山》颜色艳丽朦胧，色彩变幻无方，大气淋漓，气势恢宏，追求本真。蕴含着多义性、模糊性和朦胧性，追求一种哲理、诗情或神韵，往往给观者用心去感受，探索和领悟。经常是只可意会不可言传。
釉画的颜色釉能表现抽象画 的本质，抽象是宇宙的本质，也是人类认识世界的一种方式，在人的感悟里，抽象文化是生命文化，是人的生命天性和本质，是直接服务人的生命方式，通过视觉的形势审美，传递快感和美感，完成生命的视觉和精神享受。经过1300度的过滤后的产物本真，基于这种理念，又受到道家和佛家思想的影响，笔者创作《东方神韵·禅》采用唐代泼墨的方式泼釉，由流动釉泼出观音的型，用不流动的釉作背景，绘制而成。在变幻的白云之间有一若隐若现的观音。做到了道法自然，大象无形。受到德国伯特？海灵格《现象学》的启发，笔者创作了《奈何桥》，画面灰和白为主色，白的抽象的人体，和灰的人体及幽蓝的头部，来表现宇宙的阴阳。生和死，爱与恨；虚幻和真实，文明与荒昧。是宇宙阴阳滋生万象，还是阴阳博弈的……，我只是一个观者！釉画的载体是陶瓷，它具有永久性。他的工艺材质比其他画种更稳定，有独立的艺术语言。釉画在景德镇经过一千年的发展已形成了完整的产业链。从瓷土，瓷胎成型，釉料，绘画，烧制，包装，物流，出版，画廊，院校等研究机构一应俱全。釉画已成为收藏界的新宠，在文化大繁荣大发展的时代得到了空前的发展，北京、上海、广州、深圳艺博会的展示，本土华艺拍卖公司的崛起，还有嘉德、保利、万隆、匡时、香港的佳士得等知名拍卖行的加入，更推动了釉画的发展，釉画是当代艺术品新宠，她卓尔不凡艺术气质，内在蕴藏巨大的潜能，必将问鼎世界艺术的宝座。
朱振洪 1973年生，山东沂南人，自由艺术家。从事陶瓷研究十余载，现居景德镇从事高温色釉研究与创作。作品色彩变幻丰富，率性挥洒而不失色彩造性法度，一任自然。追求本真，朴拙雄浑的艺术气息。
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钧瓷神韵
禹州钧瓷，作为五大名窑之一，以其独特的自然窑变艺术有别于其他瓷种，古往今来，钧瓷在不同的年代发挥着不同的用途，如今禹州钧瓷更以多彩多姿的形态、以不同的形式绽放着五彩斑斓的光彩，或已飞入寻常百姓家或成为国礼走向世界。
而每一件钧瓷作品都要经过七十二道工序，才能完成，才能真正地称之为钧瓷，才能真正成为一件美轮美奂的艺术品，呈现给世人，带给我们美得享受，钧瓷之美皆在于此……
凤山钧窑-张建钊作品：碟式洗（钧瓷煤烧）
钧瓷之美，美在型。
每件钧瓷作品都是经过艺术家们，从无限的构思中产生灵感而被刻画出来的，有的是为了实用，有的则是纯粹的观赏，不管如何，每件都是奇思妙想的产物，一件件的钧瓷作品，有的造型端庄，有的造型奇特，有的古朴大方……不管那种造型，都会带给你一种感觉，一种震撼，威武端庄、婷婷玉立……仿佛给你一种似曾相识的感觉。
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钧瓷之美，美在变。
钧瓷分为两次烧成，一次素烧，一次釉烧，而釉烧就是钧瓷窑变的关键，随着火候的变化，经过高温还原气氛，钧瓷的釉色也随之发生着变化，而这种窑变是人为控制不住，改变不了的，钧瓷窑变的魅力就在这个环节，自古钧瓷窑无双，入窑一色，出窑万彩，也就是说这个环节。
李朝斐炉钧：梅瓶（传统炉钧）
钧瓷之美，美在釉。
型为骨，釉为魂，一件精美的钧瓷艺术品一定要有一件绝世无双的色彩，如今钧瓷的釉色有很多，红为最、紫为贵、天青月白最娇贵，釉具七彩，千变万化。但万变不离其宗，钧瓷的釉色最初是使用铜的氧化物作为着色剂，在还原焰中演变成铜红釉，继而衍生出万紫千红的色彩。
钧瓷之美，美在意。
每一件钧瓷的构思，艺人们都会赋予它美好的寓意，有的是传统文化的继承，有的是为一件盛世所构思，不管如何，当一件精美绝伦的钧瓷作品呈现在你的眼前时，其实人们已经赋予了她生命，使她不在单单是一件钧瓷作品，而是能带给人们美好的愿望、美好的寓意，她的构思她的遐想，都像一个天仙一般娓娓道来。
晋家钧窑：莲花尊
钧瓷之美，美在人。
每一个钧瓷艺人都会把他精心设计烧制的作品当做自己的恋人……当做自己至亲至爱的人，因为他们相信，靠着他们的执着，他们的坚守，他们会创作出更多更好更美的钧瓷精品，正因为有着这么一批一批爱钧懂钧恋钧的人，大美钧瓷才得益重放光彩，因为有这么一批一批前赴后继为钧瓷奉献一生的钧瓷艺人，神州大地才会有五彩斑斓的钧瓷大方光彩。
钧瓷之美，美在你，因为有你而更精彩……
釉下五彩瓷人物画的融合与创新
在陶瓷的发展史上，釉下五彩瓷不仅是我国陶瓷史上的一个伟大的发明创造，而且以其独特的表现形式与装饰手法，展现着清新淡雅的艺术风格。而釉下五彩中人物画创作的探索和实现经过了一段漫长的岁月，它的创作和发展离不开我国人物画，它时刻体现着中国画的风格和特点，同时也使得陶瓷绘画更加精彩。除了釉下五彩瓷自身精湛的技术、突出的特点以及绘画广泛题材和丰富内容外，更多的是陶瓷工作者能够很好地掌握和运用陶瓷绘画的习性以及大胆的创新。正因为有了这些努力，才使得我国的陶瓷作品更加美丽动人，更加耀眼夺目，所以对釉下五彩瓷的探讨和研究很有必要也很有价值。
要研究釉下五彩瓷中人物画，首先得了解一下釉下五彩瓷的历史以及它与我国人物画的关系。釉下五彩瓷发展经过了一段很漫长的时间，可谓源远流长。而所谓的釉下五彩瓷，按古代陶瓷辞典解释为色泽浓艳、色彩繁多、五彩缤纷者。但真正的釉下五彩瓷，是清末宣统年间由湖南醴陵窑创烧成功的新式瓷器，它是将多种着色剂绘画在瓷胎上再罩一层透明釉，入窑一次高温烧成。它是一个伟大的发明创造，它的问世也受到了许多国内外人士的欢迎。而且在1907-1912年间，曾两次参加过世界博览会，均获得一等金牌奖章。釉下五彩瓷的装饰纹样繁多，有人物、动物、植物、花卉、云气山水和图案画等，但人物这一装饰纹样备受人们的追捧。究其原因，可以从我国人物画的发展来说。
釉下五彩瓷中人物画是作为陶瓷上的一种装饰纹样，与我国的人物绘画艺术有着莫大的关联，它在国画的基础上融合与创新，不仅展示我国人物画的风格和特点，而且也使陶瓷绘画更精彩。我国人物画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。我国国画它有着自己独特的特征，主要表现在构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。它的构图或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好地表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，我国国画就不一定是固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。它在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。我们中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了国画的表现力，体现着我们中国画的风格和特色。
陶瓷上的人物画，也是国画艺术的一种，只是它限制了作画的范围和大小，仅在陶瓷器皿上，这不仅是一种创新，更是一大进步。不同器型的陶瓷上作画，需要更加精湛的技术和更多的耐心。要在陶瓷上作画，首先要有很好的绘画功底，而在我国绘画大师也不少，古代我们暂且不说，说说现当代的吧。他们对绘画的贡献，对陶瓷作品的贡献也是很大的。如画家王凤年，他是山东济南人，擅长中国画。1937年毕业于北平嘉华美术学院中国画系。历任济南南华学院艺术系教授、济南市工艺美术研究所画师、山东省工艺美术研究所工艺美术师。代表作品有《李清照南渡图》、《抄检大观园》、《李清照》等。他们对我国的绘画技术都做出过很大的贡献，也更好地展现了我国国画的风格和特色，也使得陶瓷绘画更加精彩，这些精彩主要表现在它的特点上。
釉下五彩在画家和陶瓷技艺者的共同努力下，形成了突出的特色。釉下五彩瓷瓷化强度高，釉面玻璃化程度强，保护纹饰不被外界磨损、防止和减少彩料中铅的毒害，是一种比较理想的彩绘瓷器。主要特征有：第一，无毒、耐酸、耐碱、耐磨损，永不褪色，所以说釉下彩瓷是一种理想的日用瓷器。而它的这一特点是烧造工艺和颜料性能两个因素所决定的。其次，纹样五彩缤纷，艳而不俗，淡而有神，色彩变化丰富。随着不同的客观要求和纹饰、造型的需要、它既可以清雅明快、也可以古朴深沉；它可绘制色彩斑斓的纹样，又能表现各种效果；既淡雅，又瑰丽；淡妆浓抹，无不相宜。最后就是表面平滑光亮、晶莹润泽、清雅明快，具有饱满的水份感，亮晶晶、水灵灵，能给人一种美感享受。正因为釉下五彩瓷有这样一些特点，所以说它的出现是一个伟大的发明创作，而发展到现在，它在各类陶瓷产品中也占据了重要的的地位。突出特点的形成，少不了绘画者和陶瓷技艺者的努力，但随着社会和技术的进步，要把釉下五彩中的人物画发展得更好，需要更多地融合与创新。
要创造出不仅外观美，而且还很有内在价值的陶瓷作品，需要我们创作者做到以下几点。首先，绘画者要积累更多更丰富的知识。因为广泛题材和丰富内容是创作人物画的优势所在。所以要寻找更多的题材和更丰富内容，这样才会有更多的灵感，创作出更精美的作品。其次，要协调好陶瓷绘画与陶瓷器型的关系。在进行陶瓷人物绘画时要注意器型的选择、掌握和应用以及画与器型面积的比例搭配等等。而这一点也是画好陶瓷釉下人物画创作的关键所在。最后就是创新，也是陶瓷人物绘画的重中之重。
随科技的进步，我们可以看到越来越多仿冒产品，很难有特色突出的。所以要独树一帜，创新是必不可少的，而这一点也是陶瓷作品获得更好更高价值的关键所在。要有创新就要有好奇心、追求创新的欲望、求异的观念以及冒险精神。只有具备了以上几点要求，陶瓷技艺者才能够创作出新颖独特的、价值不菲的陶瓷作品。
陶瓷的美，在于新旧技艺的融合与创新。釉下五彩中的人物画要靠我们陶瓷技艺者不断吸取我国国画的精妙手法，还要不断地进行创新和发展。做到了融合与创新，才能更好地展示我国人物画的风格和特点，才能使得陶瓷绘画更精彩，使得陶瓷作品更受人们的喜爱。
我和釉上彩工笔山水画有个约会
在我很小的时候，爸爸妈妈就给我灌输瓷器制作的理念。我从小就很不喜欢父母给我安排自己所走的路，而且平时一个人经常在家呆着研究釉上彩工笔山水瓷，觉得很没意思，所以我很喜欢带着自己的画具出去写生，特别是去小村落，因为我感觉自己置身于大自然当中，呼吸着新鲜空气，心情是格外好。
但是我家离最近的那个村落也有二十多里路，路途虽然有点远，但是想着能自己一个人享受着大自然清新的空气，无论多辛苦，我也会坚持下去。我喜欢带着自己的画具画山画水，置身于大自然中，感觉特别有灵感，仿佛自己所画出的山水活灵活现，在自己所绘画的山水中，我仿佛会看见山的飘渺和水的灵动，这让我更加喜欢绘画，也更加喜欢出外写生。我征求了父母的意见，可想而知，他们的一致意见就是利用瓷器展现我的创作理念。虽然我极不情愿走父母安排的路，但是这次觉得我父母的方法可以试一试，从此，我与釉上工笔山水瓷画结下了不解之缘。
1、我对釉上彩工笔山水情有独钟
经过一段时间对釉上彩工笔山水的学习研究，我感觉自己成长了不少，在这段时间里，我废寝忘食，起早贪黑，只要一有时间，我就充分利用起来，目的只有一个：我希望创作属于自己完美的作品。
这段时间我经历了很多，有过失败的心灰意冷，也有过成功的满足感。我不断告诉自己：一份耕耘，才会有一份收获。但是无论我花费了多少精力，翻阅多少书籍，我始终还是失败了，我开始变得意志消沉，不愿意再拿起画笔，我自认为自己是一个很孤傲的人，我有着自己的骄傲，但是现在的我变得已经经受不了任何的挫折，我把自己关在房间里，整整一个星期都没有出门，我不断的反问自己：为什么我不能画出自己满意的作品呢？我也在不断的自责当中。父母看在眼里，疼在心里。最终，父母终于看不过去了，经过商量之后，父母不惜花钱花精力去寻找大师，希望能为我解惑，最终，功夫不负有心人，他们找到了陶瓷研究协会的会长，那天，会长跟我聊了很长时间，他说：年轻人，有冲劲，是件好事，但是你并不是一个孤立的群体，你家人看到你这样。会难过、会伤心，所以你得为他们考虑考虑，明白吗？另外，我已经看过你画的一些山水画，我觉得你的工笔山水的功底已经很好了，至于为什么不能创作出令自己满意的作品，关键在于你没有用心去体会，你太在乎成功了，而忽略了自己内心对美的真正感受。
那天之后，我开始在反思自己的行为，觉得自己是多么的不孝，给父母带来了这么多麻烦不说，还让他们为我担心。而且会长说的很对，我太计较得失。我现在需要做的是忘记工笔山水，重新回归大自然。
从那天以后，我又带着自己的画具步行20多里路来到了我久违的小村落，看着眼前的一切，是那么的熟悉，我闭上眼睛，开始享受着大自然给我的一切，呼吸着大自然最清新的空气，我感觉到前所未有的放松。睁开眼睛时，我仿佛感觉自己来到了一个仙境，我很快把这种感觉用自己的画笔记录下来。当作品完成时，一种前所未有的满足感涌上心头。
在釉上彩中，我最喜欢的莫过于粉彩，粉彩瓷又叫软彩瓷，景德镇窑四大传统名瓷之一，是以粉彩为主要装饰手法的瓷器品种。粉彩是在瓷胎上经过低温烧制而形成的一种瓷器，粉彩需要配合很好的工笔，这样烧制出来的瓷器才称得上完美。虽然我的工笔画很好，可是粉彩的描绘，着色技法是十分复杂细致的，一般而言，它需要彩、填、洗、扒、吹、点等技法，所用的工具更是复杂多变。不同的细节，需要用不同的画笔，这对我初学者而言，是极为困难的。
但是功夫不负有心人，在经过一段时间的深入学习之后，我深深地爱上了釉上彩工笔山水，我甚至觉得他就是我的另一半，我的生命中不能没有他。
2、我对釉上彩工笔山水未来的创作理念
虽然在很多行家的眼中，我在釉上彩工笔山水这一块，已经算是行业中的佼佼者，但是我自身却觉得在这一领域中，似乎还缺少一些东西，当我制作完成一件作品的时候，我总是会对着自己的作品发呆，并且一呆就好几个小时。
我虽然创作了不少作品，但是都只是纯粹的山水作品，似乎缺少了一些元素，难道釉上工笔山水的对象就仅仅只能是山水吗？这未免太单调无趣。
作为一名陶瓷工艺研究者，我认为釉上工笔的山水应该不仅仅只是局限于单纯的山水，可以添加一些其他元素，这才能使釉上彩工笔山水呈现更加深远的发展。
我对自己未来的作品，会向以下几个发展趋势前进：
（1）、在自己的作品中，加入人物，以衬托山水如梦幻般的美丽；
（2）、我会适当加入虚拟的山水，使山水的造型富于想象力，构造出焕然一新的釉上工笔山水。
（3）、我觉得光有山水，而没有生物，似乎缺少一点活力，可以适当加入一些动物，烘托山水的磅礴气势之美。
3、结束语
我从一开始的不喜欢釉上工笔山水，到后来一步步的熟悉，再到后来的专研，最后演变成生活中必不可少的组成部分。
这一路走来，我父母给了我很大的支持，我想没有他们就没有现在的我，我很感谢他们对我的一再包容，我曾经让他们伤心，让他们担忧，让他们心痛，但是以后的我只会成为他们的骄傲。
对于我以后釉上彩工笔山水的创作之路，我想我会朝着自己的目标不断奋进，虽然我还有很多不足，但是我会尽自己最大的努力，力争做到更好。争取使釉上工笔山水瓷成为全国，乃至全世界畅销的瓷器之一。
瓷胎画珐琅细彩绘瓷器 施釉极细釉色极白极为讲究
·珐琅彩
珐琅彩是我国陶瓷装饰艺术中一朵奇葩，在中国陶瓷发展史上占有重要地位，是极为名贵的御用器。瓷胎画珐琅，是国外传入的一种装饰技法，后人称“古月轩”，国外称“蔷薇彩”。是专为清代宫廷御用而特制的一种精细彩绘瓷器，部分产品也用于犒赏功臣。
·珐琅彩
珐琅彩瓷器大器稀少，小件多，绝大多数是盘、碗、 杯、瓶、盒、壶，其中碗、盘最多，只是每一品种都有不同的变化。另外还有一个品种是宜兴紫砂陶胎外绘珐琅料彩，这也是难得一见的。
珐琅彩瓷器在胎质的制作方面是非常讲究的。胎壁极薄，均匀规整，结合紧密。在如此的胎质上又施釉极细，釉色极白，釉表光泽没有桔皮釉、浪荡釉，更没有棕眼的现象，确可用“白璧无瑕”来赞誉。珐琅彩瓷的特点是瓷质细润，彩料凝重，色泽鲜艳靓丽，画工精致。制作珐琅彩瓷极度费工，乾隆以后就销声匿迹了。
·珐琅彩
珐琅彩瓷的绘画是其精华所在。珐琅彩瓷 的胎、彩和造型终究逃不过同时期其他彩瓷的影子，而绘画却有他独特酌一面。珐琅彩的绘画大多出自宫廷御用纸绢画的画稿。据记载，从康熙到乾隆画供奉纸画的名画家众多，这些名画家的画稿被画工精心地描绘于珐琅彩瓷器上，形神兼备，各具不同的风采。珐琅彩绘的发展有各自的时代特点。康熙时候的珐琅彩绘大都仿照铜胎画珐琅时的色彩图案。
·珐琅彩
珐琅彩瓷的制作技艺奇绝，时代特色鲜明，传世极少，至为珍罕，备受世界收藏界推崇。
东方韵味 透着智慧的陶瓷饰品
现代都市生活忙碌而紧张，一个温暖的家能带给每个人最放松的休闲时光。可是如何才能让家变得温暖舒适呢?只要掌握一些小技巧，就能轻松打造宜人家居。生活家小编为您准备了从房屋装修到家居布置等一系列的时尚资讯，帮您拥有轻松舒适的生活。
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陶瓷饰品
在饰品日渐成为个性重要组成部分的当代，不可否认我们仍然需要“一颗永流传”的珠宝饰品，但我们也同样需要那些能够彰显民族和个性特点的饰品。这实际上也是陶瓷饰品最近几年开始在国内流行的深层原因。家居环境是由多种元素共同组建而成的，一草一木，一桌一椅，乃至于小小的饰品，都是渗透着设计者和居住者生活体验的精华和缩影。
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陶瓷饰品
陶瓷的文化性的特殊之处，不仅在于它反映广泛的社会生活、大自然、文化、习俗、哲学、观念，而且在于它所反映的方式。它是一种立体的民族文化载体，或者说是一种静止的民族文化舞蹈。这是由陶瓷的特性决定的。一件件作品，无论题材如何，风格如何，都像一个个音符，在跳动着，在弹奏着，合成陶瓷文化的旋律。这些旋律，有的激越，有的深沉，有的热情，有的理智，有的色彩缤纷，有的本色自然，构成一部无与伦比的摄人心魄的中国陶瓷文化大型交响乐曲!
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陶瓷饰品
作为中华民族文化之一的陶瓷文化，在民族母体中孕育、成长与发展，它以活生生的凝聚着创作者情感、带着泥土的芬芳、留存着创作者心手相应的意气的艺术形象，表现着民族文化，叙述着一个个动听的故事，展现着广阔的社会生活画卷，记录着芸芸众生的悲欢离合，描述着民族的心理、精神和性格的发展与变化，伴随着民族的喜与悲而前行。
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陶瓷饰品
陶瓷是我们这个善于创造并深赋美感的民族曾经所独有的。它有火的剧烈，水的优雅，土的敦厚。中国人把那个看似普通的泥土，在水与火的灵动下，在中国人心灵与精神的升华中，成就出这种美丽的器皿。
陶瓷，它是温润的玉，它是晶莹的冰，它是山水之间的青翠。红墙之下，它与丝竹做伴，屹立于古典案台上，等待你品鉴久远的味道。
陶瓷绘画是画思想
陶瓷绘画，从表面上看，画的都是自然物象，其实，它表现的是作者的思想。从远古时期的陶器到当代的陶瓷艺术作品，无不蕴含着丰富的思想。
我们都知道，古陶器上有一类装饰纹饰是有着极高的史料价值的，就是在陶器上记录人类生活、愿望的图画。如半坡遗址出土的古陶器——《人面鱼纹彩陶盆》。盆的内壁以黑彩绘制了两组对称的人面鱼纹：人面圆形，额头左半部涂成黑色，右半部呈黑色半弧形，眼睛细长，鼻梁挺直，神态安祥；嘴的两边衔着两条鱼（鱼头与人嘴外廓重合），耳朵以相对的两条小鱼表示，头顶的发髻似鱼鳍状。原始社会的人们为什么要在陶盆上画人面鱼纹呢？原因有二：一、记录现实生活。南方的原始人多选择临水而居，渔猎是他们的主要生产方式之一。鱼既是保障人类生存的主要资源之一，又是人类闲暇时观赏游戏的对象，人类对其最为熟悉。把日常生活中最熟悉的景象装饰在自己的日用器上是件很自然的事。二、图腾崇拜。原始人的寿命都很短，与大自然博弈的能力很弱，人类在与鱼的接触过程中，认识到鱼的生命力和繁殖能力都很强，所以，以猎渔为生的原始人因为鱼的旺盛生命力对鱼形成了图腾崇拜，乞求生命的永恒和子孙繁衍，以及氏族的兴旺。
《人面鱼纹彩陶盆》上的纹饰，既记录了现实生活，又寄托了族人的思想，还美化了用具，这是原始人的智慧。
瓷器，在景德镇窑，最早以绘画的形式进行装饰的品种是青花瓷。青花瓷上的纹饰丰富多样，且有着极其丰富的思想寓意，不胜枚举。如使用最广的最普通的由藤蔓、卷草为基础提炼而成的缠枝纹，就含有“生生不息”、“万代绵长”的思想愿望。
个性思想鲜明的瓷画，是清末民初兴起的瓷上文人画。瓷上文人画，从表面看，画的都是生活里最常见的景象，但实质上表达的都是画作者的思想和情感。比如汪野亭以“古寺辰钟响入云，客帆风正喜潮平。林泉到处皆名胜，山水之间有妙人”为主题，在瓷瓶上创作了通景山水瓷画《林泉到处皆名胜》。画里有巍峨壮观的崇山峻岭，有苍劲茂盛的树木，有帆影点点的大江，有山里、林间、水畔的人家。从表面上看画的是江南的美丽山川，但实质上表达的是他对祖国大好河山的热爱和对人与自然和谐生活的赞美。我们来看画里的几处情节：其一、在山重水复的宁静山林里、水潭上，鸟儿自由飞翔；其二、在广阔的大江上，船儿或扬帆远航，或摆渡过江，或拴泊在屋前的岸边；其三、在来往村庄的桥两岸，一头是收工之后扛着船桨急急往家赶的父亲，一头是希望见到父亲，早早就站在桥头大树下等待的儿子。有动有静，动静间将自然生灵的美，将人类生活的安宁，将人与自然的和谐表达得淋漓尽致。
我们都知道，是瓷上文人画推动了景德镇瓷画从工艺品升华成了艺术品。法国小说家奥诺雷？德？巴尔扎克说：“思想是艺术的结晶。”这些瓷上文人画之所以能成为艺术品，之所以有力量，之所以能憾动人，不只是它们有“形”之美，有“术”之精，更在于它们富有能激发他人产生情感共鸣的思想。
我从事瓷画创作多年，主攻青花山水，亦绘花鸟。选择画青花，是因为在坯体上绘画能找到在纸绢上绘画的感觉，能很好地呈现水墨国画的韵味。
初涉陶瓷绘画的时候，特别注重技法的表现和物象之美的刻画，每每与他人交谈的时候，得到的评价都是：“你的作品画得很细腻，可见是下了功夫的。”我知道这种评价后面的潜台词是什么，是“你的作品只是工艺品，而不是艺术品，没有打动我。”
让我的作品有所突破的，是我在研究国画大师徐悲鸿先生的美术思想时看到的一句话。徐悲鸿先生在《中国画改良论》一文中说：“凡美之所以感动人心者，决不能离乎人之意想，意深者动深人，意浅者动浅人。”也就是说，能打动他人之心的作品，不是靠所描绘的物象之美，而是靠画家的“意想”之深。这句话让我恍然大悟，我找到了自己的作品为何不能打动他人的原因——我只注重了“形”和“术”，而没有注重“意”、“情”和“思想”。总而言之，就是我只是在绘画，而不是在创作，因为我没有将自己的思想、情感注入作品之中。可想而知，一幅没有思想的作品，怎能打动他人？怎能成为一件好的艺术品？
从此，我在研读前辈画作的时候，不再只关注技法，而是在学习技法的同时，深入研究画作蕴含的思想，弄懂前辈在表达自己的思想时，为何选择这些素材，为何采用这种构图，为何使用这种技法。我弄明白了汪野亭的山水瓷画为什么会那么有韵味、有内涵，为什么能让人百看不厌。养成了这样的好学习习惯之后，就自然而然地养成了关注生活，关注自然“情态”的好习惯，内心的情感也开始丰富起来，创作的时候，内心的思想、情感便自然而然地渗入到了笔下的物象里。
“陶瓷绘画，是画思想，不仅仅于画形象。”若想使自己的瓷画能打动人，就必须做到，画必有“意想”。笔随心运，有感而发，这是我现在进行创作的主导思想。
绚丽多彩的艺术 东方瑰宝唐三彩
·唐三彩
唐三彩全名唐代三彩釉陶器，在同一器物上，黄、绿、白或黄、绿、蓝、赭、黑等基本釉色同时交错使用，形成绚丽多彩的艺术效果。“三彩”是多彩的意思，并不专指三种颜色。
唐三彩是一种多色彩的低温釉陶器，它是以细腻的白色黏土作胎料，用含铅的氧化物作助溶剂，目的是降低釉料的熔融温度。在烧制过程中，用含铜、铁、钴等元素的金属氧化物作着色剂融于铅釉中，形成黄、绿、蓝、白、紫、褐等多种色彩的釉色，但许多器物多以黄、绿、白为主，甚至有的器物只具有上述色彩中的一种或两种，人们统称为“唐三彩”。
·唐三彩
三彩胡人牵骆驼俑(现藏故宫博物院)制作唐三彩，是先经过舂捣、淘洗等加工的白色粘土捏制成一定形状，再修整、晾干后，放入窑内经1000℃烧制，待冷却后，上釉挂彩，再入窑焙烧至800℃即可。
唐三彩始见于唐高宗时，开元年间极为盛行，器物造型多样，色彩绚丽，到天宝以后数量逐渐减少。在唐代时期作为随葬品使用，用于殉葬。新中国成立以来随着人们对唐三彩的关注增多，以及唐三彩复原工艺的发展，人们热衷于文房陈设，是馈赠亲友的良品。
·唐三彩
唐三彩不仅在唐代国内风行一时，而且畅销海外。还在印度、日本、朝鲜、伊朗、伊拉克、埃及、意大利等十多个国家发现唐三彩。
·唐三彩
唐三彩的复制和仿制工艺，在洛阳已有百年的历史，经过历代艺人们的研制，唐三彩工艺技术逐步完善，烧制水平不断提高，使"洛阳唐三彩"的工艺技巧和艺术水平达到了一定的高度。在国际市场上，唐三彩已成为极其珍贵的艺术品，曾在有80多个国家和地区参加的国际旅游会议上被评为优秀旅游产品，被誉为“东方艺术瑰宝”。唐三彩大马、骆驼等曾作为国礼，赠送给50多个国家的元首和政府首脑。
传统陶瓷山水画与现代陶瓷山水画的创作
在漫长的历史画卷中，我国陶瓷山水画的发展源远流长，始终占据首位。我国的陶瓷山水画源于晋，最早依附于人物画，但随着社会文化背景的转变与发展，逐渐独立成为传统绘画中的最重要的一支。经过长时间的洗涤和锤炼，出现了传统陶瓷山水画与现代陶瓷山水画。传统与现代，它们既有千丝万缕的联系，又有独树一帜的特色。不管是同还是异，都需要吸取精华，弃其糟粕，不断传承与发展。
一、传统与现代的千丝万缕
传统陶瓷山水画与现代陶瓷山水画的创作题材都是来源于自然山水，画的内容所表达的是作画者的心境和感情，很多时候传统与现代是一样的。很多创作观念和技法在一定程度上是相似的，比如说笔墨技巧。笔墨是表达画家主观心声的艺术语言，不管笔墨如何变化，不管是传统还是现代，它都只能随感情而生又随感情而运转，情变则发变。当然，笔墨也需要随时代的发展而变化。只有吸取传统陶瓷山水画的精华，弃其糟粕，现代陶瓷山水画才能有更好的发展前途。
二、传统与现代，创作观念的较量
传统陶瓷山水画的创作观念讲究以形写神，气韵生动；而现代陶瓷山水画强调形式、个性。传统陶瓷山水画的创作者首先推崇以形媚道，以形写道。在六朝时期，宗炳在《画山水序》中就提到“山水以形媚道”；东晋时期，顾恺之提出传神的观念，王微也在《叙画》里指出“行者融灵”，此灵既神。“以形媚道、以神写神”是陶瓷山水画发展的相对比较客观表现对象的阶段，而“外师造化，中得心源”属于客观结合阶段，最后“怡悦自我，陶冶性情”是偏重主观表现阶段，自然对象和笔墨技巧已成为抒情达意的载体。
而现代陶瓷山水画的创作观表现在为再现写实，强调形式和个性，重在表现自我。随时代的发展和思想的进步，现代陶瓷山水画的创作者更加追求创新，追求独出心裁了。与传统陶瓷山水画有一些相似之处，但随各个时期观念的转换发展它也是呈螺旋上升趋势的。
三、传统与现代，技法的较量
不管是传统陶瓷山水画，还是现代陶瓷山水画，它们涉猎的内容比较多，绘画技法也很繁复，诸如：树法、山石法、云烟法、水流法、点景法、设色法、章法等。
传统陶瓷山水画的技法比较封闭、保守，趋于程式化。它的技法比较集中的体现在山石的皴法上，有荷叶皴，披麻皴，解索皴，乱柴皴，牛毛皴，大、小斧劈皴，折带皴，卷云皴，雨点皴，豆瓣皴等等。可以把它概括为三大类：线皴（以披麻为主）、面皴（以斧劈为主）、点皴（以豆瓣、雨点为主）。而现代陶瓷山水画的技法比较开放、创新，因而是灵活的、多变的。现代陶瓷山水画的技法比较多，没有特别集中使用哪一种。在现代陶瓷山水画中，经常多种技法同时使用，对不同的景物应用不同的技法，这样不仅可以使画画得更好更美，而且会增加画的美感。
四、传统与现代，美的较量
传统陶瓷山水画与现代陶瓷山水画在美的较量上，可谓是各具特色，各有各的美，主要表现在外象美、诗意美和空灵美上。
外象美在传统的陶瓷山水画中，是用淡淡的水墨，勾勒出宁静悠远的画面，表现出人与自然完美统一的追求，即摆脱世俗、在大自然中彻底放松身心的遁世精神；在诗意美上，美在抒情，美在写意，美在表现。虽无题诗，也富有诗的意境。诗情与画意交融，大大加深了传统陶瓷山水画的意境。正是诗意美使得陶瓷山水画具有“韵外之致”、“境外之情”；在空灵美上，传统陶瓷山水画的最高追求，并不是繁芜复杂的世界，而是人与自然相融合、和谐共存的境界，这点与中国讲究“温柔敦厚”的传统文化是相统一的。在艺术特色上，传统陶瓷山水画也有很多不同于现代陶瓷山水画的。首先，它的奇，既强调多样性和统一性，多样性即反对平铺直叙，反对景物雷同，不讲究对称，讲究与众不同。其次，它的远，具体说就是散点透视。追求一个“远”字，可以打破了光阴和时间的限制，使画的效果达到新的境界。
传统陶瓷山水画与现代陶瓷山水画，不管你喜欢哪一种，都是可以的。它们的艺术特色，它们的技法，它们的美，虽有不同，虽有比较，但是正因为这些，才使我国陶瓷山水画发展得越来越好，越来越受人欢迎和喜欢。
东方韵青花瓷 美轮美奂醉人心
青花瓷又称白地青花瓷，中华陶瓷烧制工艺的珍品。钴料烧成后呈蓝色，具有着色力强、发色鲜艳、烧成率高、呈色稳定的特点。明清时期，还创烧了青花五彩、孔雀绿釉青花等衍生品种。
青花瓷摆件
青花瓷，始创于唐代。元代景德镇出产的青花瓷标志着其制作工艺发展日臻成熟，但真正代表青花瓷最高成就的应当是清代康熙年间官窑出产的“五彩青花”。青花瓷无论从用料、纹饰、烧制时间还是制作工艺上都极为考究，所以青花瓷在古时的使用频率是相当高的。平常人家多将青花瓷作为容器，坚硬、耐磨且不易损坏。而书香门第、官宦人家大多将青花瓷作为装饰品，是一种身份和地位的象征，可谓各取所需。
在青花瓷上，用写、刻、印等方法标明瓷器烧造年代的款识，称为纪年款。作者国古代瓷器款识，以纪年示为主，纪年款又分帝王年号的年款和以天干地支表明年号的干支款两类。明代永乐年间，在青花瓷上开始出现纪年款，篆书字体飘逸流畅，边饰莲瓣纹。
青花瓷瓷器
宣靖款端庄刚劲。成化款铁划银钩，釉面有云蒙气。嘉靖款笔画粗重，劲中藏秀。前人曾将明代纪年款归纳为：“宣德款多，成化款肥，弘治款秀，正德款恭，嘉靖款杂”五句话。清代康熙款字体工整，青花料色明丽。雍正款楷书苍劲有力，格式讲究。乾隆、嘉、道光款多为篆体，字体排列紧密，犹如一枚篆印。
明清时期是青花瓷器达到鼎盛又走向衰落的时期。明永乐、宣德时期是青花瓷器发展的一个高峰，以制作精美著称；清康熙时以“五彩青花”使青花瓷发展到了巅峰；清乾隆以后因粉彩瓷的发展而逐渐走向衰退，虽在清末（光绪）时一度中兴，最终无法延续康熙朝的盛势。总的说来，这一时期的官窑器制作严谨、精致；民窑器则随意、洒脱，画面写意性强。从明晚期开始，青花绘画逐步吸收了一些中国画绘画技法的元素。
家居装饰·青花瓷
青花瓷之所以具有越来越高的市场价值，之所以其价格成倍上涨，主要是由青花瓷本身所承载的历史文化价值、科技工艺价值和美学艺术价值所决定的。古陶瓷收藏专家周道祥先生认为，青色在古代时是人们喜欢的颜色之一，不容易使人产生视觉上的疲劳。
除此之外，青花瓷还有一系列“隐喻”之意，古时的读书人希望“青出于蓝而胜于蓝”，走上仕途后便有“青云直上”的愿望，渴望做一个人民爱戴的“青天”，甚至在卸甲归田之后，还希望能够“名垂青史”、“留取丹心照汗青”。“青”在当时士人心中的分量可见一斑。
青花瓷盘子
“素胚勾勒出青花笔锋浓转淡，瓶身描绘的牡丹一如你初妆……”青花瓷不仅成为了歌曲传唱中国风的对象，而且现在的一些服装上也印制出了青花的纹饰，尤其以青花旗袍著称。如今，我们日常用的碗筷、茶具等物品上也都不难发现青花的影子，可见“青花”在国人心中的地位和情结了。
怎样画好陶瓷山水画
陶瓷山水画也是从大自然中观察、体会、得到某种印记或感悟后，再经过提炼、概括、吸取自然景观的精髓，从而在陶瓷上创造出某种特定意境的画面。这种特有的绘画样式是中华传统文化的精髓，陶瓷山水与国画山水产生不同效果。国画山水所采用的工具材料，主要是利用传统笔墨、技法在宣纸上表现出大自然的景观。而作为陶瓷山水画，它与宣纸国画有不同的质感。它不仅注重线描、构图和写意，更讲究的是用笔和怎样使用陶瓷原料在陶瓷上流畅的挥洒自如，达到立体山水效果。下面本人结合多年的工作实践谈谈陶瓷山水画的艺术创作体会。
陶瓷山水画的表现技法纷繁复杂，又特别讲究用笔和用墨。20多年前我拜师于景德镇陶瓷美术家王云泉老先生。我是按照王云泉的绘画派系进行学习和再创作，观看王老的陶瓷山水画，他画的每一幅绝妙陶瓷艺术作品都有着山势俊俏，水草苁蓉，参天大树盘根错节，渔翁心静如水，草户泥墙，好一派江南水乡，碧波荡漾遥远开阔的意境。
我起先是临摹芥子园圃的山水，先掌握一些笔墨的基本技法（树法、石法、水法等），并且选择王云泉的陶瓷山水，芥子园花圃和王老的山水体现了一种精气、神的特质。能向王老学习陶瓷山水画是我一生的荣幸。1993年跟着王云泉学习基础，学会打底色、构图，1996年我又拜师王老后裔王少泉学习粉彩用色。每天坚持12个小时，临暮师傅作品近50多件。有了临暮的基础，加上又有师傅手把手的教诲，我沉下心，经过六年刻苦耕耘，终于在2000年独立创作初见成效。2004年我在景德镇华阳单独开了画室，我的创作激情高涨，文思泉涌，我的作品只要出炉，就被国内外客商购买。辛勤的耕耘换来了收获。回忆自己的陶瓷山水创作求学过程，走的是一条艰辛的道路，也是一条求变的道路。我虽然取得了一些成绩，也掌握了粉彩山水技法，但是我还要有博采众长的胸怀。反复练习前人留下的宝贵艺术技巧，并且结合现代人的审美情趣，进行再创作，才能不断地提高自己的绘画水平。使自己的绘画达到满意的程度，使自己的作品被市场认可又有升值空间。
作为一个青年绘画者，要获得生动有价值的东西，必须走出去，到大自然中去观察、体会山水，观察自然、领悟山水，描写自然。只有通过反复地观察、体会，才能寻找真正属于自己的绘画语言。掌握构图以及构图以外的特殊意境的表达。然后又与师傅到景德镇毗邻风景区写生，把浮梁、乐平、婺源、黄山、庐山都走遍，王云泉大师说过，只有走出自己的小圈子，游走大自然的山水这才是画家创作的源泉。中国山水画创作的重要真谛就是：春融冶，夏蓊郁，秋疏薄，冬黯淡。要达到“春山淡冶而如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如妆，冬山惨淡而如睡”的意境，必须终生学习，终生写生。跟着王老写生长进很快，他以“搜尽奇峰打草稿的”的精神，在写生实践的基础上，大胆突破前人的种种规范，创作出了大量新颖独特的优秀作品，能达到“为山神造像，为山川传神”的效果。所以王老的陶瓷山水跳动着生命的源泉，经久耐看，堪称景德镇山水瑰宝，一直受到收藏家的喜爱。
陶瓷绘画也讲究意境，它是中国山水画的本质，也是陶瓷绘画的一个重要标志。山水画意境就是画家（或绘画创作者）通过酝酿构思，创作表达出来的形象化、典型化的山水景观以及它所显露出来的思想意蕴。唐代诗人、画家王维指出“凡画山水，意在笔先”。王老要求我们年轻人创作“要有诗的意境，物象要有活的精神”。实质上就是强调“意境”表达和“神似”效果。这就要求作者在深入观察自然的基础上，领悟其精神实质，不但要观察体验自然环境中的物象外形，还要通过外形去理解和表现内在本质的东西，所有艺术作品的创作都必须先立意。没有“立意”，作品就失去了灵魂。正如当代山水画家李可染先生所说“画山水最重要的问题是意境，意境是山水画的灵魂”。古人说“作画必先立意以定位，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深”，由此可见立意之重要！如何妙造意境呢？首先必须深入实践，到大自然中体会、摸索、寻找自己的绘画语言，从真山真水中滋生妙悟和灵感，才能妙造意境！也就是说在绘画动笔之前，就已经有了所绘对象的初步轮廓或形态，然后才能用笔墨对意境中的自然景象在画面上表达出来。历代山水画大师，他们无一不是通过长时间游历名山大川、进行大量写生实践之后，才创作出了许多不朽之作。老艺术家王云泉创作了陶瓷山水画《庐山十二景》就是优美独特的禅境表现。就是在庐山长期观摩写生的结果。他追求一种含蓄、悠远、纯净的境界。展现出的意境或雄武壮美、大气磅礴，气势苍郁之美。总之王老的陶瓷山水画在景德镇陶瓷艺术宝库中是一座伟岸丰碑，光彩夺目，照耀千古。
现在许多年轻人都在搞创作，描绘陶瓷画面，但是我们要使作品富有时代气息，并为大多数人所认可，就应该敢于大胆创新，即在保留本民族的传统笔墨特点以及审美价值取向的前提下，既可将本民族各画科的表现技法灵活交互使用，又可将现代元素表现技法恰当地引入到国画中来。不要死守某法某派，更不要有偏见。有地域特色的艺术既是民族的也是世界的，艺术应无国界之分。事实证明那些能够大胆更新表现技法和手段的画家，大都能在陶瓷山水画领域里创作出不朽的杰作，如当代陶瓷艺术泰斗王锡良，粉彩大王王云泉，艺术瓷厂老艺人邹国钧都是景德镇陶瓷山水画的开拓者和贡献者。他们极力主张发掘传统艺术宝藏，尽量吸收新的外来影响，结果产生了神奇的境界，寄托对祖国山河无限热爱的深情。