新濠瓷砖。
其实从用料和工艺上讲，新粉彩就是粉彩，因为它们的用料和工艺是完全一样的。那么，新粉彩一名是从何而来的呢？
这就要从瓷画的表现形式谈起了，区别粉彩和新粉彩即是从瓷画的表现形式上来做文章的。民国仿前朝的传统题材粉彩瓷画称之为粉彩，一般以工笔居多，多称之为匠作题材，历代的官窑粉彩瓷器均是这种题材。而具有文人画意的，根据传统文人纸绢画表现形式，兼工带写或写意的粉彩瓷画，叫新粉彩，特别是那种集诗书画印为一体的文人画意瓷画，更是新粉彩的代表。WWw.TAocI52.com
具体说来，民国传统画意的粉彩表现形式是继康熙晚期以来就有的，在民国没有创新，所以在民国还是称其为粉彩。而新粉彩是继承了晚清浅绛彩瓷画表现形式，与历朝文人纸绢画的表现形式有机融合，创作到瓷器上。这种粉彩的表现形式在清末民初之前是没有的，在当时是一种崭新的新生事物。然而它的用料及工艺是和粉彩一模一样的，所以称其为新粉彩。新粉彩是汪晓棠、潘匋宇等在浅绛彩的基础上确立的，并由景德镇著名的“珠山八友”将其推向成熟与高峰。打一个最为简单的比方来看，同样一个画师，用同一份粉彩彩料，分别画一件传统仿古画意的瓷器和一件文人画意瓷器，那么，前者是粉彩，后者就是新粉彩了。
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粉彩艺术之二：粉彩成品的检验
粉彩绘制技法和成品的检验
粉彩的基本技法按传统的习惯分为二大类：即画粉彩和填粉彩，细分可分画人物、画山水、画翎毛、画走兽、画花卉和画图案，填亦如此。现扼要分述如下：
（一）画粉彩步骤
（1）起稿：（俗称：“打图）一般起稿都是直接在瓷器上进行，只有这样才能更好地结合器型。先用淡墨打草稿。
（2）制图：（俗称：“做图”）将瓷上打好的淡墨稿子，用浓墨仔细勾描一遍，然后将弄潮了的毛旁纸将已勾好的墨稿从瓷面上拓印下来，这样瓷上的图样便过渡到了纸上（注意纸千万不能太湿，太湿容易使墨渗开，而使图稿纸纹样模糊不清）。第一张原图稿就这样制出来了。
（3）拍图把从瓷面上揭下来的纹样拓印在毛边上叫“图纸”凉干后，再在图纸上按上面的纹样用浓墨重描一镒，然后再打湿，将湿漉漉的图纸用吸水纸吸出多余的水，将图纸变潮了便可扑在白瓷上用手掌轻轻拍打，揭开图纸，一个清清楚楚的纹样稿便印到了雪白的瓷面上了。上面的花纹与原图一模一样。景德镇的配对瓷的批量生产瓷之所以能画成一模一样，就是用这方法。
（4）勾线：拍好了图样的瓷器仅仅是在瓷器上有了稿子。象中国画一样，有了稿子还必须落墨，而陶瓷上不是落墨而是“画料”这种料叫珠明料（或者叫生料，所谓生料浇不熟也，即烧后，仍可擦掉，要不掉必须用粉彩颜料复盖）由于画粉彩的料用油调成的，这就要求熟悉油料性能，即料与油的配比问题，油少了太干太涩画不出线来。油多了流得太快，画出来的线又粗极易渗开而将画面弄臓，这就要在学习实践细心体验。
画线的笔，也是陶瓷专用的，它是野兔子毛加细竹竿制成，同时，笔头和笔杆要比一般常用毛笔细长得多，其原理是笔头细长，能多贮颜料，同时还可控制颜料缓缓地、均匀地流向笔锋，以便于作画。而笔杆长，就会造成上重下轻，向下压力作用，不仅使线条画得有力，同时一旦笔锋没有颜料而画不出线的时候，就可用握笔的手指往返摆动使笔杆的下部敲打在无名指甲上，发出嗒嗒的乡声（俗称嗒笔）由于笔头受到震动，而使料缓缓流向笔锋，这样线又画出来了。
粉彩线多用中锋、工艺性强，要求线条笔笔圆润、细密、流畅均匀干净，概括起来粉彩线应具有：
①淡：是与古彩线相对而言，如古彩线要求浓黑，粉彩则是深灰色，由于古彩是单线平涂的 风格，所以不管物体的质感如何，仅在线的顿挫上变化，而料色无深浅变化，则粉彩不同，除有线条变化外，料色也有变化，如白色的花朵，浅色的服装，多用浅色的线，而绿色的叶子和深色的服装则用深色的线。
②细：粉彩多用细线，除石头树干而外，它极少用古彩，经常使用的粗黑线。
③匀：粉彩线条多以匀净取胜，形式上不象古彩线描顿性多变，但它匀而不刻板。
④柔：是指粉彩的线条柔和，不似古彩线条那样挺健遒劲。它要柔而不软、不弱、要柔中见挺、见刚。
⑤俏：意思是粉彩的线条勾的巧妙变化，在淡细匀柔之中，其笔线的起、收、顿、转都较含蓄，不锋芒外露。
（5）彩料：粉彩勾完线后，也如画中国画样。要用浓谈干湿不同的墨染，染出不同的层次来。陶瓷上是用两支笔：一支上料笔，一支不上料，将上上去的料按阴阳向背的方向慢慢渲染开来，通常陶瓷叫这种方法是“彩”。“彩”和渲染是区别的：彩是直接在瓷面上进行的，而渲染必须是在填过颜色的上面（通常是玻璃白）进行的。彩料的工具是用软硬适中的鸡狼毫，而渲染用柔软的尖细羊毫。
（二）填粉彩步骤
粉彩画好后，要待油料干了，才可以上色，因为，上粉彩的颜色一般都是用水调成的，油不干，线条就会浮起脱落。
（1）楷图：将画好的粉彩瓷器的线条上用洁净的棉球蘸上柴竃的锅底灰（俗称锅烟子、锅灰）其意义有两个：一是擦掉瓷上的污迹灰鹿，二是增加线条的厚度和油脂，以便水颜料容易填入线条的空档内把线条空出来。而有阴阳向背关系的彩料是不用擦锅灰的，因为它无须空出线条来，而只要直接罩上透明色即成。这裹的难点是：一、无论是透明的粉彩颜料还是不透明的是难以区别的。二、没有烧之前的粉彩颜料的色相也是不好辨认的。务须上课时，认真听教员讲解。
（2）上色：一般程序是：先填水颜色，再用油渲染。
①作霸：将擂钵中擂好的颜料（要能成形状）装入碟中的1/3处，并用食指捺一小槽子。其余2/3处注入清水，以保持颜料湿润，便于随时使用。
②作标：将羊毫填笔蘸清水在槽中作“6”字形的转运，目的是将水与色调匀，这将是能否填好粉彩颜色至关重要的一环。所谓作标又称标水是指颜色和水撑觉拌的程度合适，不稀、不腻 来得心应手即为准确，才能完成粉彩填厚、填平的要求。
③填色：将做好的标水的颜色笔，按照画面的要求一笔挨着一笔压过去填 平。在画面上虚过去的部分还要用两种以上的颜色接色，象画油画水粉中的云雾一样要用白粉接过去，而不能象国画以空当白。这在操作中再详细讲解和演示。
④渲染：在填了玻璃白的底色上进行各类颜色的渲染，这将是填粉彩又一道难关，不过好在玻璃白是水质，干后再用油渲染不会将白颜色溶化开来，否则操作更不容易。渲染的目的使物象具有阴阳向背关系具有质感。
⑤结果：结果是陶瓷术语，实际上就是渲染完之后作最的收拾，比如花卉点花芯、人物服饰花纹，鸟羽的斑纹等需要进一步刻划加工。
⑥写字烧炉：将制作好的粉彩作品，根据题材内容题上相吻合的诗词和落款盖章。同时，可检验有无庇漏、色臓等毛病，这样一件粉彩半成品便可入炉烤花了。
三、成品粉彩的检验
通过700~750℃的电烧花炉烧过后，主要看胭脂红的呈色是否鲜艳柔和，如果偏橙色说明炉温不够，俗称“嫩火”。如果偏蓝紫色说明炉温过高，俗称“老火”。还有透明色玻璃体明亮且成色纯正说明合格。如果颜色发木（不亮）说明欠火。
粉彩艺术资料之三：粉彩的工具材料
粉彩的工具材料
粉彩的工具材料主要分为二大类：一、画和填粉彩的笔类。二、颜料类（包括调色用的油类）其性质与纸画不同。现分述如下：
（一）笔类
（1）勾线笔：为兔毛背部之硬毛制成，笔头如枣核状（技法中已有说明此处不再赘述）分为料半：细；单料：特细；双料：粗等三种。
（2）彩笔：为鸡毛与狼毛混合，其性软硬兼之与一般中、小楷无别。
（3）填色笔：为羊毫类笔，造型与画笔相同，按粗、细、特细分为大、中、小三种型号。
（4）洗染油笔：也为羊毫类笔，笔头特小，用于渲染只有大小二种型号。
（5）扒笔：系用竹筷和钢针制成又叫竹针笔和钢针笔用于修改画线中的错误和刮划、花卉的白茎或人物的白胡须之用。
（6）擂钵：擂锤、擂颜料用。
（7）料盘：俗称料碟，装颜料用。
（二）颜色类
（1）画料：
①艳黑：画黑色的鸟和人物之髪须，不能用粉彩粉料复盖。
②西赤：画红色的鸟和红色的花、人物脸手、红色的衣纹、家具；也不能复盖粉彩颜料。
③珠明料：画所有线条、石、树草点等。必须复盖粉彩颜料方能固定在瓷器上。
（2）油类：
①乳油香：一种粘性树脂油，将粉状颜料调合成料，性粘。
②樟脑油：一种挥发性油，将粘性的料，稀释后便于流畅作画，性散。
③煤油：无色透明无粘性，当作水用，好处是：利用水油不相溶的特点，在水性颜色上渲染不会将下面的颜色翻（泛）起来。
（3）填色：主要分为三大类：①不透明色、②透明色、③净色。
①不透明色：为乳浊状颜色，填在线条上会给朦住。
a:玻璃白多用来打底洗染和配色；如人物服装、花卉的花朵等。
b:翡翠：一种类似国画的石青，作图案地色和双勾叶草点等填色用；
c:松绿：类似国画的石绿色，用途同上；
d:宫粉：为一种粉红色，用途同上；
e:锡黄(粉黄)讄一种粉黄色，用途同上
②透明色：复盖在画面上不会朦住画面，相反更透明、显亮。
a:雪白：为一种透明无色的极易与朦底的玻璃白混淆须特别注意，用途主要是配色和接色；
b:大绿：一种透骨的翠绿色或深绿色，用作单钩树叶，石头罩色；
c:苦绿：透明的草绿色或浅绿色作用同上。
d:赭石：一种透明的赭色作树干、石头(接色)兽皮等着色。
e:古紫：一种透明的紫灰色用于罩填老树干；如老梅树、老松树。
f:地皮绿：淡草绿色，用于草坪色，由苦绿加雪白配制。
g：水绿：用于青山绿水罩色，由大纱与雪白合成。
③净色：所谓净色比较娇嫩不便与他色混合。多用于渲染。
a:洋红：胭脂色，可有深浅不同的色阶，方法是加适量玻璃白；
b:广翠：一种蓝色，可用于象国画花青打底色，也用于洗染；
c:净大绿：半透明的淡翠绿色，用于玻璃白上洗染淡绿色；
d:净苦绿：为半透明的淡草绿色，用途同上。
e:净黄：半透明的淡黄色，用途同上。
f:茄花：一种粉紫色，由洋红与广翠合成，加进玻璃白可分为不同深浅的色阶，用于花朵和服装的渲染。
灰釉的定义及中国历代高温釉都是灰釉的原因
（一）什么叫“灰釉”？
配方中采用较多量草水灰或釉灰的高温釉都称为“灰釉”。中国古代的高温釉，包括商代的草木灰釉、商周以后的石灰釉以及南宋以后的石灰——碱釉都属于“灰釉”。
（二）为什么中国历代高温釉都是灰釉？
高温釉的种类很多，常见的有石灰釉、石灰——碱釉、长石釉以及盐釉等。中国历代高温釉，除了个别例外、基本上都是灰釉。造成这种现象的主要原因有以下几点：（1）尽管中国不缺长石矿，但其资源分布不像草木灰那样每个窑场都有，而且长石矿硬度较高，必须碾碎后才能用，没有草木灰那样方便（2）盐釉是欧洲于12一14世纪发明的，主要用于炻器。中国古代没有这种釉（3）中国古代最早发明的釉是草木灰釉，后来经过改进，又演变成石灰釉和石灰——碱釉，这些釉具有取材方便、工艺简单以及价廉物美等许多优点，所以它们在发明后就被全国各地窑场普遍采用，后来就世世代代地相传下来了。
现代粉彩瓷的发展
“粉彩”又叫“软彩”，是釉上彩的一个品种，出现在十七世纪中叶的清康熙年间，为景德镇的四大名瓷之一，素有“东方艺术明珠”的美称。现代以景德镇工艺美术师为首的瓷艺家们在继承前人的基础上对粉彩进行了各自的创新，令现代粉彩呈现出群芳争艳的局面。
由于釉上彩绘的丰富，使得粉彩极为富有立体感与层次感，它是在烧好的素器釉面上进行彩绘，再入窑经600℃~900℃温度烘烤而成。我国传统的釉上彩，是到了清代康熙五十二年(1713年)，官窑匠师在珐琅彩的启发和影响下，引进了铜胎珐琅不透明的白色彩料，在工艺上又借鉴了珐琅彩的多色阶的配制技法，才创造出了“粉彩”这一釉上彩新品种。
现代粉彩在继承前人传统的基础上出现了竞芳斗妍的局面。在装饰上，线条仍被重视，并在此基础上结合时代特色，出现了一些新的工艺技法；从形式来看，粉彩艺术家结合“珠山八友”的瓷上绘画，吸收国画的形式，有图案构图，也有图案与绘画结合起来表现的。
如今，粉彩瓷工艺涌现了一批以中国工艺美术大师、中国陶瓷艺术大师等为首的优秀工作者。第一批被命名为“中国工艺美术大师”之一的王锡良擅长粉彩人物花鸟，在传承“珠山八友”王大凡的“落地粉彩”工艺上，不断摸索。“落地粉彩”即在彩画人物花鸟时，不用玻璃白打底。而直接将色料平涂于瓷胎，再罩雪白、水绿。而在“雪景大王”余文襄、雪景名家余世文等人将粉彩雪景带进了粉彩新领域后，现代粉彩名家张松茂将粉彩雪景艺术升华到更高的层次。同时，中国工艺美术大师徐亚凤、中国陶瓷艺术大师刘平继承了“珠山八友”刘雨岑首创的粉彩经典之作“水点桃花”技艺。“水点桃花”是粉彩瓷绘上的一种创新画法,能凸显国画的写意风格。借鉴了中国画的写意没骨形式，先用玻璃白水点花瓣，画出花形(不用勾勒花头轮廓线)，再用水调彩料，在玻璃白上进行第二次点染。
……
千年的窑火传烧不灭，现代粉彩也在不断创新，向前发展，相信于瓷艺界，现代粉彩瓷群芳争艳的场景将会愈演愈烈、美不胜收。
论粉彩的填色工艺论粉彩的填色工艺
粉彩是从五彩(古彩)的基础上吸收了珐琅工艺和中国工笔重彩技法发展而来的，至今已有两三百年的历史。清康熙时代，五彩的玻璃白，正如国画中的用粉同时又应用西洋红、锡黄、广翠等色料，于是就出现了最早粉彩面貌，基本上仍保留古彩的特点，期间以平填粉黄、宫粉、淡翠等色，使色彩增加变化的粉彩出现，叫做“雍正彩”其效果已有五彩的刚劲浓艳的风格。而渐趋柔和绚丽：同时降低了烧成温度，因此又叫做“软彩”以后经过继续发展，丰富和提高了各种表现手法，逐渐形成了粉彩的风貌。至乾隆时期，制作精益求精，在技术和艺术的表现达到了高度成就，出品极为精美。有名的“古月轩”瓷器就是那时的特有产品。以后这种粉彩装饰虽被保留下来，但到解放前一直没有显著的提高和发展，所以人们一提到粉彩就要以雍乾水平作为标准。
粉彩的工艺效果，以秀丽雅致见长，这是与洁白精美的瓷质分不开的，它们相互衬托，相映增辉，在画面上，多以细腻的笔法进行装饰但也竭力避免不必要的繁琐细节，以达到清韵优美，具有装饰性的绘画风格。
在工艺技术上，粉彩的描绘与着色技巧是比较复杂细致的。一般有画、彩、填、洗、扒、吹等技法。“画”主要用油料描绘形象轮廓线条：“彩”是用油料彩出画面浓淡深浅的色彩；“填”是用大苦绿，雪白，玻璃白等水颜料填色：“扒”是用针笔扒出丝纹；“吹”是用特别的吹管吹色以达到某种特殊的深浅效果。普遍是用吹桃子及各种色彩地皮，并扒出长纹。由于粉彩所用色料，都是由矿物质配成，很不容易掌握它们的特性，所以填色时往往有一定困难，必须经过相当时间的煅练，才能掌握色料的油性、水性并达到使用上的熟练程度。粉彩色料的配制，具有传统特色，烧成后在瓷面上有一定厚度，光泽透亮，能经久使用不磨损，常适用于各种艺术瓷的装饰。
粉彩的烧成温度比新彩要高，比古彩略低，大约在700℃左右，颜料以洋红最难掌握，温度偏高或偏低都影响色面，所以一般都以洋红的呈色作为标准。
粉彩瓷的生产，是一项非常细致的工作。它的任何一个环节都非常重要，不能忽视任何一个环节，包括白胎、器形、釉面、以及画面工艺的好坏，填色的优劣，书法及款项的考察、还有更重要的一点就是炉火烧成温度都将是制作每一件精美的陶瓷艺术品不可缺少的步骤。
在粉彩瓷的填色中，要想很好地掌握，必须经过长期的练习与工作，才能使手法与颜色达到很好的结合效果。在粉彩的填色中，打玻白是一项重要技法，它直接影响到彩绘画面的质量与效果。
在使用时必须注意：
1、所用的玻白要擂的极细，经过大钵擂细的玻白，用时还要在小碟子上用小擂锤再加工擂细。
2、料要用的新鲜，最好现用现擂。在碟子上的料搁久了就会变残，料会失去粘附性。
填色时必须注意：
1、标要作好，玻白的标不能作得和水颜色一样浓，蘸料白碟边一撇时，只要料水能较快流下即可。
2、笔上蘸色的多少要看所填面积大小而定，最好能一次填完，若面积较大要多蘸些色，填到后面要随时把笔抖动，使笔上所含的料一次全部用完。有时遇到面积大的须接填时，最好把接头避到画面狭窄或不重要的地方，以免出现接线，影响整个画面。
3、在填人物画面之前，必须揩图，揩图是用锅灰或铅粉。用铅粉揩图没有锅灰揩图便于填色。用锅灰揩图的好处是：易挡住颜色，因锅烟内含有油质，颜色不易粘靠，不会使线条模糊；用铅粉揩不易掌握，但用铅粉措所画的人物背景山水，石头等则能使所填的“死”颜色不易缩色。不任用哪种方法揩图，部应注意天气变化。晴天，瓷面上的线条干燥，呵口气再揩图线条可保持不脱，雨天，线条易受潮揩图就不能呵气，如果粗心大意，就会揩去笔痕，或使线条断节。总之宜干不宜湿。
打好玻白后，就需洗染，在填好玻白上洗染，能使所画的人物衣纹或是花卉达到含粉而着色有深浅变化的感觉。一般用来洗的颜色有洋红、净黄、净苦绿、净大绿、茄紫、广翠、薄蓝等色，而以洋红最多。洗染有油洗和水洗两种，各有不同的手法和特点。油洗比较容易掌握，色调均细工整，能使多数画面得到统一，特别是用于大量生产时，大多采用此法。水洗法速度较快，效果生动而有韵味，但不易掌握，所以尚未大量推广。
此分述如下：
(甲)油洗法是最普遍的一种洗法，在洗色时需用两枝笔，一枝洗油笔，专供洗染用，一枝颜色笔，供填色所用，其注意：
1、洗色时用颜色笔打料，要再三打匀，如有粗料污点，要随时用笔尖挑掉。料性要老嫩适宜，太老太嫩都会影响洗色。打好料后，便可以开始洗染，先从深处落笔，如大朵牡丹，应先从瓣根开始；荷花的瓣则从瓣尖落笔，由深至浅，带出一些厚薄浓淡来，到更浅的部分则用洗染笔来洗。洗笔要保持干净柔润，随时蘸取嫩油，笔上不能太干或太湿，运笔要一笔接着一笔，徐徐的洗出，不能随处乱洗，并且要随时把不干净的污点色料用洗笔尖挑到纸上擦去，这样才能使色面匀称，深浅适当。
2、洗笔上决不能沾上樟脑油，如沾上樟脑油洗时会把料线洗掉而无法补救，并且，也不要随意蘸别的油，以免洗坏。
3、油和水合洗要先洗水颜色，干后再用油洗，否则就无法烧成。
4、颜色笔和油笔用完后要套好，以防止落灰影响下次洗染。
(乙)水沈法操作简便、速度快、效果好，但是大量复制时，很难达到统一，过去一般只限于洗净颜色，因这种色彩浅而薄，不至对画面影响太大，手续又方便。
粉彩布景的填色大致有三种方法，这三种方法常常结合起来运用，除此之外，有时也填翠，松绿等不透明色，甚至也有填玻白洗色作斑的，现将通常用的三种方法分述如下：
1、没骨打底填色法：有些画面不用双勾表现而是用料彩出深浅明暗，再勾出筋脉，这样在填色下笔时就要掌握外形轮廓的准确。如，一根嫩枝，干上只用深色彩出阴暗的一些拆纹阴影，填色时再填成符合对象形体要求的形态。在填时需掌握外形，还适当掌握色彩的厚薄要求平匀而自然，这种画法所表现出来的画意有如国画没骨法效果。
2、双勾打翠底填色法：在双勾画法上常不彩料底，这样枝叶的深浅老嫩就靠打底色来衬托。常用的底色有广翠、净黄、洋红等，一般是枝叶深处打翠底，叶尖可打净黄，干后可用大绿苦绿一次填罩上，嫩枝叶打洋红底，凡打洋红的地方，填色时要注意不能把太厚的绿色盖在上面，以免烧成后呈色带灰。
3、接色填色法：画面上要把叶子或枝叶接出色彩变化，就要采用接色法，在彩绘上从深色到浅色，并不是以颜色的厚薄来表现，而是用无色透明的雪白接填来表现的，至于颜色本身厚薄，则仍保持一致，如填一片叶尖带枯色的叶子，就得先填苦绿，到叶尖处需用赭色接填，如一枝干老柄是黄褐色嫩枝是浅绿色，就应先填赭石到嫩枝部分，再接填水绿。这样就能使颜色自然转化不至于生硬。其操作方法是：首先要把接填的两种颜色，同时用填笔作标，添好料，当第一种颜色填到适当位置，再拿第二种颜色接填，要一次接成，决不能等到填完了第一种色再拿第二种色来作标，添料接填同时各色填笔要分开，不能合用；其次，两色接填处应把颜色带勾带平，这样就不会造成生硬刻板的感觉。接色法不仅用在填花卉枝叶上，在填各色鸟的羽毛、以及填地皮时也都可以用到。运用接色法能使色彩变化丰富，使画面生动自然的效果。
梁晓新：收藏的艺术
正观堂主人梁晓新
北宋绿釉棘刺纹高足陶杯高7.5厘米正观堂藏
编者按：5月28日，芷兰雅集艺术月谈第二十二讲邀请梁晓新先生主讲“收藏与投资的艺术”。梁晓新先生1995年毕业于伦敦大学亚非学院和苏富比学院，攻读中国艺术史；1996－2003年在北京担任私人艺术品鉴藏顾问；2004－2005年担任苏富比艺术学院中国首席代表；2007年成立正观堂中国古代艺术品鉴藏与投资顾问公司；2011年成立正观艺术投资管理公司。专业和专长主要是中国陶瓷和佛教艺术。
站在历史的高度来看，人类在远古创造的文明文化，大部分已经淹没在时间的长河里，通过语言、音乐、文字传承下来的历史，不免有很大的人为因素的错漏差异；而一部分物质文明文化，却可以通过遗留下来的古代艺术品传承下来，艺术品本身就是最真实的历史实证。文化历史永远是个大谜团，而一件件艺术品就是这个大拼图的碎片，它是一个时代、一种文化、一个社会、一宗历史事件的缩影和结晶，它所蕴含的信息是最真实、最丰富的，是无价的。所以收藏古代艺术品，就是收藏和传承历史。
站在个人的高度来看，古代艺术品是古代社会、人文、科技、物质的综合结晶品。比如一件官窑瓷器，汇集了冶炼、雕塑、物理、化学、书法、绘画、建筑、社会流行文化、宫廷审美趣味等等因素，每一种因素都值得去探索和学习，从而发现美和价值。这个收藏的过程，就是一个自我发现、自我提高、自我培养、自我熏陶的历程，为每一个真心喜欢艺术品收藏的人带来思想上和心灵上的新视野和享受。此外，它还能带来丰厚的经济利益回报。
中国的历史是连绵不断的，无数的战乱、厮杀、灾难、侵略都是痛苦的，但是遗留给我们后人的实物却是一件件最美好、最美妙的礼物，所以收藏古董艺术品的人是有缘的、幸运的，是高尚的、高雅的，是幸福的。
艺术品的分类
如何开始收藏艺术品？做一个适合自己条件与要求的收藏规划是非常重要的。也许大部分玩古玩收藏的朋友在收藏或投资的开始时候，并没有认真考虑过这个问题。
每一件艺术品都有它独特的价值，认识这些价值的区别，再按照个人的品位追求、经济实力和收藏目的，基本上就可以给自己设定一个收藏的方向与框架。很多盲目的、没有理性、没有价值的收藏，往往就是因为对艺术品本身的性质和价值缺乏明确的认识所致。
一件艺术品的真正的价值是怎么来的？根据我的经验，一件艺术品最终的价值是由五个部分或五个因素组成。每一件艺术品的身上都能找到这五种因素，只是比例不同，有时候也会因为地域不同而产生差别。这些千差万别，形成了每一件艺术品的独特的属性与综合价值。很多人可能只是看到了某一种或者是某两种价值，但是看不到整体，因而造成了鉴定或者是判断上的错误。
第一是文物价值，以适合专业考古和文物研究的作品最为显著，如新石器时代的彩陶器。
第二是历史价值，以某些特定的、特殊的历史重要人物或事件所产生的作品最为显著。很多年前曾拍卖的天安门城楼的红灯笼就是一个典型的例子。
第三是人文价值，以经过名人名家制作过、收藏过、鉴赏过的作品最为显著，如名人信札。
第四是艺术价值。凡是富有美学表现性和艺术创造性的作品都具备艺术价值，不仅包括老的作品，某些优秀的新进艺术家的油画也同样具有很高的艺术价值。
第五是经济价值，这是根据制作原材料的稀缺性和珍贵性、制作工艺过程的复杂性和难度、经济市场的认可度、流通稀缺性与被需求的程度而综合体现出来的市场价值。最近在拍卖市场上非常火爆的犀角雕刻就属于这一类。
这五个因素综合起来才是一件真正的艺术品或者古玩。每一个人看到的价值都不一样，那就应该根据自己收藏投资的最终目的来判断一件作品到底适不适合收藏或投资。不一定老的东西就值钱，也不是说新的东西就一定不值钱，最近拍卖市场里面被很多拍卖公司重新挖掘出来的景德镇大师新做的作品，都受到了市场的认可和追捧，这就说明了一件艺术品其内在的艺术性是非常多面性的，有价值的艺术内涵有待于大家去挖掘。
每个人应该根据自己的收藏初衷、目的、想要达到的收藏效果，来综合衡量和判断一件作品是不是适合收藏：仅仅是为了个人的业余兴趣爱好？还是针对专业的研究探索？或者是为了投资获利？但是无论如何，我觉得最好还是要有一个明确的主题，持之以恒，形成自己的系列。这种主题式的收藏不但能够带来深层的文化知识的了解，将来在面对市场的时候，也更容易受到关注和包装。现在拍卖公司都非常流行做主题式的专场拍卖，这种手法和趋势将来会成为市场的一种主流形式。
收藏和投资的基本准则和标准
收藏或者投资艺术品，有一套基本的准则。这套准则应该是从历代收藏家身上以及拍卖市场上总结得来的，它代表了这个圈子和行业里的基本共识和要求。根据我的经验，评论或者鉴定一件艺术品，有一个核心和四个要点。
一个核心是指美和艺术性。既然是收藏艺术品，那么艺术应该先行。先不论新老年份，这件作品美不美，有没有艺术性，就是首先要考虑的核心要素。如果一件艺术品直观上不具备打动你的艺术魅力和感染力，唤醒不了你对它的感觉，那么对你来说，它就是个陌生人，你也就不会重视它，不会主动再去研究它。在此同时，对美和艺术性的认识、涵养有多少，也决定了每个人对同一件作品有不同的看法。这是来自每个人对美和对艺术的天生的感悟力，以及后天经过学习和熏陶得来的经验。行里有所谓的“捡漏”一说，实际上，“小漏”说的是价钱上的差异，而“大漏”则是这种天生的领悟力上的差异。因此，从这个角度来看，并不是每一个人都适合收藏，适合做古玩古董这一行。就像唱歌一样，没有先天的乐感，后天再如何努力，始终都已经输在起跑线上了。因此，玩古董收藏的人，首先是具有良好的、高于普通人一等的艺术天赋。
除了艺术和美的核心以外，还需要以另外四个硬件标准去衡量一件古物是否值得收藏或投资，即“真”“精”“新”和“名”。
“真”是指真伪，这是选择的首要条件；“精”是指作品的艺术性在同类里是不是最高的；“新”就是指作品的品相好坏；“名”就是指作品的传承递藏背景是否明朗。传承记录最近越来越受到收藏界的重视，连带过去的拍卖图录和出版物都被抢购一空，说明了大家对传承的尊重，也就是对作品过去的历史、对前辈收藏家的尊重和认同。另外有一个因素是因为做假和做伪的手段越来越高明、复杂，有一个良好可靠的收藏传承，至少在某种程度上能给我们带来一份安心和踏实。
在确认了核心之后，这四个要点就是加减分的过程，这件作品该不该买？能不能收藏？多少钱能收藏？最后就能得出一个基本的价值与价钱的概念。所以，对一件古代艺术品的鉴定，光是鉴定它的年份和真伪，仅仅是入门级的工作和技术；而剩下的其他几个要点，才是全面认识它的价值的手段，这就要求鉴定和收藏者本人具备丰富的学问知识、艺术涵养与市场经验。我们可以看到，世界上著名的收藏大家，他们很多本身是显赫的企业家和富甲一方的商人，但同时也是艺术品位超群脱俗，具有专业般的学问知识，在收藏领域也几乎都是专家级人物，所以这些收藏家的藏品也是拍卖市场里最受追捧的。文博系统的某些专家不懂市场情况，而古玩市场里的一些商家对买卖的东西一知半解，都说明了收藏古代艺术品的难度，它要求一个成功的收藏者必须同时具备专业和市场两个完全不同领域的见识。拍卖市场只能提供一些最流行的东西，提供一些价钱上的指引，也不能全面地反映一件古玩真正的内涵，只有靠自己不断地学习，才是一个正确的路子。
作为投资工具的艺术品
古代艺术品不单可以收藏和研究，它的一些特征和条件也同时使它成为了投资工具。西方很早就把中国古代艺术品当做一种投资工具来看待、操作，我国拍卖行业起步比较晚，真正开始运作是在2000年左右大量海外文物开始回流的时候。随后的国内艺术品拍卖市场几乎是以翻倍的速度高速膨胀，在如此短时间之内有了这么巨大的增长，很自然会让很多人经验不足的玩家和收藏家，乃至投资者们感到迷茫。
从18世纪开始，精美的中国艺术品开始大量流入西方国家。外销外贸、火烧圆明园、清末民初大量的流失、“文革”时期的破坏、改革开放头二十年的流失，造成了国内几乎已经没有东西幸存下来的局面。一直到2000年开始，由于国内经济增长和财富累积，流散国外的艺术品才陆续开始回流。
西方对于中国古代艺术品的研究和收藏从18世纪开始至今，已经相当成熟完备，所以中国古代艺术品在西方的流通认知度等同硬货币。中国古代艺术品是通行全球的，分布在全世界各个角落的中国人以及中国艺术品爱好者、收藏家们，以及遍布全球重要城市的苏富比和佳士得拍卖公司，使中国古代艺术品有了一个全球的标准化的流通市场。这一点非常重要。
中国古代艺术品收藏历史源远流长，是非常稀缺的、无法再生的珍贵文化资源，这就决定了它永远是财富阶级追求的对象。
除了一批先富起来的成功商人财富阶层以外，经济发展，物质生活的发达，也催生了庞大的中产阶级以及对他们对文化与精神生活的回归与追求，又进一步扩大了对古代艺术品的认识和需求。
所以，仅仅是资源稀缺性与全球流通性两点，就使中国古代艺术品成为了可以投资的工具。与股票、地产等商业金融投资工具相比，艺术品更具备了独特的人文与艺术内涵。这两点可被挖掘的内涵与潜在价值是无穷无尽的，但是需要非常专业的人来操作才能成功，专业的鉴定功夫、老到的市场经验、精密的投资分析，缺一不可。所以真正的中国古代艺术品投资要求极高，非常专业，一般人无法做到，而这也是艺术品市场至今仍然不能发展壮大起来的原因。因为找不到既有艺术眼光，又懂鉴定，又懂市场，同时还懂得金融操作的通才，这个市场一直没有被打开，但是这是迟早的问题。从去年下半年开始，市场就传闻已经有信托公司和银行，还有一些资深的古董行家联手搞了私募性的资金，尝试性地推出了市场，我觉得这种方式一定会形成一个大的趋势，将来高端艺术品的市场会成为资本和金融家们争夺的一个地盘，肯定会带动艺术品市场整体往上，但是还需要一段时间。
在国外，艺术品投资已经相当成熟了，有专门为艺术投资配套的银行、保险。我国这方面的各种服务设施现在都没有到位，市场有待于开发，可以借鉴海外市场的某些经验，很多拍卖公司已经在积极向这个方向靠拢。
相对书画类的投资，器物类的要求与门槛更高，难度和专业性更大，但反过来这种难度抑制了门槛低、投机重、泡沫大的情况发生。现在，高端的艺术品，尤其是瓷器，资源越来越枯竭。从刚刚结束的北京2011年春拍可以看出，精品的比例、数量一届不如一届，整体的拍卖数量规模虽然继续在扩大，但是精品的质量却在下降。这是一个非常明显的信号，就是说，拍卖公司征集精品越来越困难，而一旦买到了精品的收藏家也大多不愿意短期内拿出来卖，以至市场上能够流通的精品买少见少。
反过来，香港的苏富比和佳士得两个老牌拍卖公司走的是另外一个路线，他们追求的不是拍卖会的规模、数量、成交额，而是单件艺术品的成交额。他们立志要把高端的市场做到极致。他们只服务最高端的收藏人群，高昂的佣金比例和苛刻的拍品选择，都是因为他们的这种的市场策略。大陆拍卖市场目前走的是一种大规模、上数量的策略，和香港是完全两个路子，双方都不担心会被对方取代。但现在有一个趋势，一些实力较强的公司已经加大了对高端资源的掠夺，想方设法征集高端的拍品，市场争夺的白热化阶段到来了。这是好事，因为市面上出现越来越多的精品。来自上个世纪的一些很伟大的收藏家都忍不住市场的诱惑，逐渐释出了一部分甚至全部的珍藏，让现在的收藏爱好者和收藏家们终于有机会看到了很多百年不遇的稀世奇珍。对于有能力或者有实力的买家来说，这是很好的时机。我从1995年开始在这一行工作，从来没有像现在这样，在一年之内能看到这么多高端的精品，即使买不上，有机会去看一看也是非常值得的。
艺术品投资的误区
由于我们对收藏古玩和对艺术品投资在认识上的一些误区，让我们犯了很多不该犯的错误。
首先说说变现的难度。现在大家都说卖古玩挣钱，买古董挣钱，可是实实在在地说，古玩变现是非常困难的。现在看到市场这么繁荣，成交量这么高，完全是因为这个领域以前是空白的，现在大量资金涌入市场，投机气氛浓厚，不经过成长的环节，直接就是收获。实际上，古玩变现之难在国外市场上非常明确。按照苏富比和佳士得以前的做法，如果今年在他们的拍卖会上买了一件东西，除非这件东西很特殊，他们认为可以提前一两年、两三年拿出来再拍，否则至少要等五年到八年之后，才接受你送回来再拍，这是一个市场的周转期、循环期，而且再一次送拍的估价最多在五年、八年的价钱上加百分之二三十。但现在北京的拍卖市场是另一种情况，春季在纽约拍下的，秋季放在北京再拍就赚钱了，周转期大幅缩短，连带着苏富比和佳士得为了抢货源也把循环的年份缩短了，前年买的，今年就可以拿回来再拍，这完全是国内市场刺激下带来的正面影响。
古代艺术品作为投资工具，首先要清楚认识到它的风险。一个是真伪，一个是变现能力。真伪是唯一一个绝对的风险，买假了，肯定血本无归；买的是真的，那就仅仅是价钱上涨得快慢高低的问题而已。但是不要忘记，艺术品并不是生活的必需品，所以要让一件艺术品进入市场变现，是一件有难度、讲经验和选时机的事情。首先的前提就是投资的作品是不是主流交易市场也就是拍卖市场所接受认可的东西。举例来说，买了上古彩陶器、唐代的陶俑、明代空白期的青花瓷、清代的外销瓷，甚至是最近火热的海捞瓷，都是真东西，甚至在过去的市场里非常值钱，但是放在现在的拍卖市场里不行，或者是目前阶段不行，如果期望升值或者高回报，那就要谨慎考虑了。比如在上世纪70年代，唐三彩非常稀罕，一匹三彩马可以卖到上百万元，现在还卖不到当年的十分之一。因为现在主流市场不承认它。
再如宋代的瓷器，不论是造型、技术还是艺术性、审美上都是非常高超的，但是主流市场就是不接受，必须面对这个现实。比如刚刚在伦敦苏富比举办的宋瓷专场，拍品质量极高，而且稀缺，可以说件件都是精品，可惜市场成交落花流水，虽然有一两件特别突出的，成交价极高，可是剩下70%的东西都可以说达不到原来的要求，说明主流市场不接受。因此，如果是为了变现，为了投资，寻求回报的话，就要认真考虑一下手里的东西是不是主流市场所承认的。
另一个误区是混淆了价值与价钱的概念，很多人把两者等同看待了。实际上，价钱是由拍卖市场制造出来的一个暂时性、地区性的价格标签，是一件商品化的外衣；而价值则是这件作品通过历史与传承而形成的一个认可和共识，更真实，更可靠。比如一件瓷器，在上海、北京和在香港卖的价钱肯定会有三个不同的价钱，价值是三个地方都承认的，但价钱有人为、地理、区位因素，是可变的、暂时的。如果把眼光更多地放在价钱上，而忽略它的价值，就很容易被市场假象所迷惑，因为价钱是可以被操控、被运作的，但是价值不会。比如一枚唐代的铜镜拍卖到了4千多万元，我觉得这个价钱有一点超乎我的想象。如果我也想跟着买铜镜，到了这个水位我就要考虑它的价值和价钱是对称的吗？想想一件商周的铜鼎才卖多少钱！我们看到范增的画卖得比文征明还贵，也是价值和价钱不对称的例子，因为不论是艺术价值还是历史地位，前者都不能跟文征明相比。但是很多人还没有完全分辨出哪些东西真的有价值，哪些东西仅仅是价值的假象而已，而拍卖公司也会制造这种假象，带动市场的热度。
目前，拍卖会仍然是主流艺术品交易买卖的唯一正式渠道，国内的拍卖会也日益成熟完善，与艺术品市场和收藏群体一起成长。可以说，初期的混乱是一个必经的阶段，将来肯定会越来越好。所以我们收藏或投资艺术品，将来要想变现，最终还是要通过拍卖会来实现，也就是说，这件作品最后必须要面对主流市场，接受主流市场的运作。所以，在投资收藏之初，就应该意识到这一点。
古代艺术品的收藏，对于我们个人来说，是一件宜情养性、陶冶精神的高雅活动，并可以在适当的条件下投资而获得丰厚的利益回报，但是收藏也讲究一个正确的规划、一份热爱和坚持，以及不断的学习与领悟。认识艺术品收藏的本质、真正的艺术内涵和价值，如此，收藏与投资才可以成功成熟，立于不败。
提问环节
提问：现在艺术品市场的亿元拍品越来越多：2010年11月14日，英国班布里奇拍卖的清乾隆洋彩玲珑瓶创下5。5亿元的纪录；2011年3月22日，纽约苏富比拍卖的“类属民国”霁蓝描金开光粉彩花卉纹双耳瓶以1。18亿元成交；2011年5月22日，齐白石《松柏高立图·篆书四言联》在中国嘉德以4。255亿元成交。您能分析一下买家的状况和未来的趋势吗？
梁晓新：非常明显，能出到这样一个价钱，基本上已经脱离了收藏的范围，纯粹是投资行为了。而且，这个投资行为背后牵扯的资金和投资的意图也非常明显，因为像《松柏高立图·篆书四言联》这样一幅画，确实在画家本人的创作史上是属于顶尖的作品，买一张等于买了一百张，但是价钱出到这样一个位置上，我们就不应该从收藏的角度来看了。
如果从投资的角度、金融的角度来考虑这种行为，我觉得一点都不出奇，因为资金量到了，高端的市场已经基本上脱离了正常的收藏范围，进入了一个资本市场。资本市场在推，推不到这个位置上，对投资者没有任何吸引力。区区几百亿的全球全年中国艺术品拍卖总额，在金融、期货行业看来，盘子太小了，能创造多大的利益呢？所以他们提不起精神进入这个行当。只不过最近国内的投资渠道被堵塞了，房地产、股票投资都受到了严格的控制，我觉得进入艺术品市场是唯一正确的选择。这个市场现在还处于初级阶段，投资肯定获利丰厚。花4。255亿元买一张齐白石的巨制，本身就像王府井的地皮一样，是最好的，最中心的，不可复制的，再转手一次，肯定升值，只要开价一定有人接，因为没有第二件。高端的艺术品市场确实是在朝着这个方向发展。所以资本已经脱离了，已经和收藏没有任何关系，走的是另外一条路子。
提问：您如何看待基于“权益拆分”模式的艺术品“股票”的发行？
梁晓新：完全不可行。“权益拆分”模式是将一个资产包分成若干份，投资者可以通过认购拆分的份数，来获得该物品的部分所有权和部分收益。这只是偷取股票金融交易的形式，本身对古玩没有任何认识，一幅画分成几百份来认证，而且认领这一份还可以传给第二个人，很荒唐，但是因为市场的击鼓传花的过程太吸引人了，它创造的利润太大了。很多地方都在复制这个模式，这并不是一种健康的现象。我觉得这是聪明的商人想了聪明的方法，钻了市场的漏洞，利用人们在认识上的盲区和急于获利的心态才形成的，但是只是披了一件交易的外衣而已，不可能长远。
提问：您认为目前佛像的价值和价格对等吗？将来佛像投资的方向在哪里？
梁晓新：我觉得现在佛像市场还处于一个初步的阶段，市场的价格还明显偏低。因为从大的方面来看，我国是一个佛教的国家，几千年的文化被佛教渗透，有广泛的群众基础和收藏的群体，决定了佛像收藏具有非常强大、深厚、悠久的群众基础。但是另一方面，从东汉末年至今，千年下来，佛像制作的年份很长，数量、种类、规模庞大，只有找到了其中真正有艺术性的精品，才有价值。目前我们对佛像的研究，尤其对佛像艺术性的研究，才刚刚开始，所以佛像的市场也处于刚刚开发的状态。
有一阵子永乐的官佛卖得非常火，价格动辄几百万、上千万元，但这个价格不能代表整体的佛像市场，而只能代表这一门类。因为这个门类在用料、制作工艺和流通的数量上都已经形成了共识，贵得有道理。但是这并不代表其他卖的便宜的佛像就没有价值，而只是没有开发、研究出来而已。
对于佛像，我的原则是美和艺术性是第一位的。有一些在尼泊尔新做的佛像，照样能卖几十万、上百万元，就是因为以美和艺术性取胜。但是一件好的古代的艺术品，既有艺术内涵，还有历史内涵，肯定会比这些新的佛像要卖得好。只是我们对这个门类的理解和认识还处在一个非常低的状态。
现在，已经有一些先行一步的收藏家已经开始关注早期的佛像，比如在藏传佛像系统里开始往印度、帕拉、尼泊尔的方向发展。这些早期的佛像在根源性和艺术性上都比后期佛像更加重要，更加明显。但对早期佛像的深入研究主要是在欧洲，高古的佛像都在瑞士、德国、意大利，欧洲的一些收藏家手中，基本没有释放出来。国内跟风就是因为英国收藏家在香港苏富比做了一个永乐和宣德宫廷佛像的专场，高价拍出，一下子轰动了，价钱一下子上来了。但是现在这个热潮已经过去了，永乐和宣德的宫廷造像的价格已经回落了一部分，但是明显可以看到，人们对早期的富有艺术性的佛像更加关注，价钱涨得更快。
佛像市场还有一块完全没有被开发过，就是宋代以前的汉传佛像，包括唐代和南北朝时期的佛像。这个时期的佛像以金铜造像和石头为主，目前还没有真正进入主流市场，因为这一类作品的存世数量太小了，大量比较优秀的作品在抗日战争初期就已经被日本人抢走了，现在日本人手里有大量唐代和唐代以前的造像，被他们奉为国宝，不会轻易拿出来卖，很少流到国际、国内的拍卖市场，所以我们几乎看不到。最近这三年偶尔有一两樽流出来，一看就是日本包装，流到美国、欧洲的拍卖市场，全部被英国古董商艾斯肯纳齐收走了。
提问：文物艺术品投资的趋势愈演愈烈，会给行业发展、艺术品市场的购买者的结构带来什么影响？
梁晓新：这个问题非常现实，也非常有意义。从艺术品的本质来看，真正明白艺术品的人其实很有限，古往今来，中西方世界都是如此。虽然现在号称全民玩收藏，但是真正能获利的只是很少数。如果没有艺术天赋，没有感悟能力，那就永远在这个门外徘徊，可以逛一逛市场，参加一些小拍，但是真正的古董是买不到的，他也不会去买。所以艺术品收藏或者投资都是属于非常小众的活动，跟财力有一定关系，但是没有绝对关系，是关乎到每一个人对艺术品的认识。而且，我在这么多年的经历中深有感觉，每一件真正有价值的古玩冥冥之中都有自己的命运，有它自己的生命，它会去找到合适的主人。
有人问我是否反对造假。我不反对造假，也不反对赝品。市场有需要，赝品才会产生，没有需要自然就消失了。反过来说，如果你有眼光，假的就是假的，真的就是真的；假的越来越多，你的真品就越来越值钱。所以对真正有眼光的人来说，赝品不是威胁，只是对刚入行的人，或者眼光不好的人有影响。
提问：现在文房四宝，特别是宣纸涨得很离谱，您怎么看？
梁晓新：我个人觉得这是一个非常典型的操作或者是炒作的例子，本身的价值和价格不对称。当价钱被过度地抛高或者是夸张的时候就是泡沫。
提问：以往明清瓷器收藏多追求康熙、雍正、乾隆这“清三代”的作品，今年中国嘉德春拍推出了开创业界先河的道光御瓷“慎德明道——五台山人藏瓷”专拍，58件(套)拍品创出了1。59亿元和100%成交率的成绩，一件青花缠枝莲纹粉彩十八罗汉图扁方瓶居然卖了3105万元。
梁晓新：现在的热点已经不是“清三代”了，而是“清五代”，以后还将是“清全代”。这次道光瓷专拍的藏家是一个山西太原的商人，早期开始收藏时，有人建议他收藏道光瓷器，因为数量多而且便宜。累积到今天已经有了相当规模，现在拿出来卖也是看中了市场行情非常好。十多年前买的时候非常便宜，普遍就是一两万元，现在涨到上百万元。这个满堂红的拍卖结果也说明，收藏必须确定一个主题，形成系列，而且会越来越细化、深化。以前那种什么都有的杂乱式的收藏，可能将来不被市场承认。
但是从我个人来讲，花3105万元为什么不去买一个康熙或者是雍正的瓶子呢？艺术成就和艺术价值可能会更好一些。我觉得这是个人口味和追求的问题。
乾隆时期的粉彩瓷
清乾隆粉彩开光人物茶壶
粉彩是乾隆朝瓷器中所占此重较大的品种之一，在雍正瓷的基础上又有新的突破。乾隆粉彩中的一部分继承了雍正时期在肥润的白釉上绘疏朗艳丽纹饰的特点，如常见的折枝花卉盘、碗、花瓶、面盆、人物笔筒和大件器物鹿头尊等。鹿头尊是乾隆时常见品种。其口直，口以下渐大，垂腹收底，圈足。尊的上半部饰两个镂雕的夔凤耳、蟠螭耳或鹿头耳，因器型像倒过来的牛头或鹿头而得名。鹿头尊多在白底上绘青山绿水、树木，山水间及丛林里有很多头梅花鹿或奔跑或立，或回首或低头，颜色鲜亮，层次清晰，布局疏密有致。这类瓷也有叫百鹿尊的。乾隆朝的这一品种流传下来的已经很少了，大多是光绪朝仿的，层次不清，颜色暗谈。
乾隆朝除了白地绘份彩外，还有色地粉彩或色地开光中绘粉彩等陶瓷品种。乾隆朝粉彩的创新品种是在黄、绿、红、粉、蓝等色地上用极细的工具轧出缠枝忍冬或缠枝蔓草等延绵不断的纹饰，且多和开光一起使用，人称轧道开光。这一工艺的出现，将粉彩推上了更加富丽繁缛的顶峰，一直延续到民国。另外，乾隆朝还有部分在粉彩瓷器的内壁及底足内施绿彩，俗称"绿里绿底"，一直流行到清末、民国。乾隆时的"绿里绿底"极浅淡，迎光侧看釉面有极细小的皱纹，像微风吹过平静的湖面而形成的细波。绿彩附着在白釉上非常紧密，几乎没有爆釉现象。乾隆朝粉彩的常见纹饰有山水、婴戏、九桃、瓜蝶、百鹿、花鸟、仕女、百花 (亦称 "百花不露地") 、八仙、云蝠、福寿、缠枝花、皮球花、花蝶等。除了常见的器型以外，新颖造型还有贲巴壶、交泰瓶、转颈瓶。款识有青花、红彩、金彩等种类。
粉彩艺术资料之一：粉彩艺术介绍
在海潮的陶瓷艺术珍品中，具有色彩丰富、粉润柔和、晶莹明亮，五彩缤纷，美观雅致的粉彩瓷又独树一帜，引人瞩目，成为景德镇四大名瓷之一。
粉彩瓷装饰非常广泛，它既适用于高级陶瓷工艺品，也适用于一般日用瓷，既有实用价值又有欣赏价值。据不完全统计，有数百个品种，逾千个花面，大过巨人，小不盈指。从天上飞的到地上跑的，有抽象的也有巨象的万事万物，技术之精真乃巧夺天工。当代的大文豪郭沫若先生，曾赋诗称颂道：“贵逾珍宝明逾镜，书比荆关字比苏”。这就是最好的佐证。
(一)粉彩的特点
1、风格突出
（1）色彩鲜丽而持重；粉润柔和而淡雅。
（2）书工细腻而精湛，栩栩如生而俊雅。
（3）立体感强，不仅手感立体，而且表现的对象也立体、逼真。
（4）分类明确，根据不同的表现手法可分为四大类：
①普通粉彩：以“万寿无疆”人们喜闻乐见的吉祥图案为主要装饰，由于纹样简单，线条也基本上可以印子来印，用色也不多，渲染也很少。
②中级粉彩：以山水、人物、花鸟和图案为主要装饰，以手画为主，兼以印代画一部份，色彩较普通粉彩丰富而淡雅，渲染也多于普通粉彩。
③重工粉彩：画面较中级粉彩复杂，加进了走兽、瓜蝶、草虫和吊灯洋莲图案之类；构图远比中级饱满丰富。画工精细，色彩以及渲染都较多，图案致密，并加用黄金等高档颜料，技术要求高，只有高级技工才能制作。
④特艺粉彩：即特种工艺，不仅技术要求更高，艺术修养也高，有的虽看上去寥寥数笔，其乃是绝活，非一般高级技工能达到。有的甚至是孤品。
2、形式多样
粉彩的装饰形式十分丰富多彩，是其它任何一种彩瓷无法比拟的，概括起来有如下几种：
（1）通景装饰：如中国画的长卷形式，上下、左右均可随意伸长，在器型上可以自由穿插转成一圈，常见的有山水、人物、花鸟、走兽、鱼藻和图案画等。
（2）开光装饰。在器物上用各种几何或象形形状圈出一块范围，使其装饰部位比其它中位更为突出醒目，开光内一般都绘有人物、山水、花鸟和走兽之类，而开光以外部分辅以各种图案。这种装饰任何一部位都有内容，给人感觉丰富、充实和活跃。
（3）满地装饰是传统的一种样式，它包括各种地色的万花，花朵大小穿插、布满全体。
（4）散点装饰：这种装饰在粉彩中为数不少，特别是在一些异形器皿上，它能不受器型弧度的限制，随意点缀各个部位，散点装饰，看上去虽无一定的格式，但放中有收，散而不乱、活泼自由，却有一定的规律。
（二）粉彩的发展梗概
我国的陶瓷装饰在元明之前，主要运用在坯体上刻、划、印花的表现手法，也就是说主要为釉下装饰。釉上彩绘，据史籍记载，从元代就开始了（或更早）但以整个时代来说，瓷上彩绘作为主要装饰手法，还是明清的事，但至少可以说元代是明清陶瓷以彩绘为主的先声了，而明代白瓷胎釉质的提高，为发展彩绘装饰创造了条件，青花和青花斗彩及釉上五彩正是在以白瓷的成就上而发展起来的。
据有关文记载，粉彩始于康熙时期至今已有三百多年历史。粉彩是古彩（即康熙彩或康熙五彩）的基础上，受珐琅彩制作工艺的影响而创作的一种釉上彩的新品种，初创时，彩绘方法与古彩很想似，多沿用古彩的彩绘方法，仅在红色的染色中运用了珐琅彩中才能见到的胭脂红，光彩较足。白花朵和枝干有粉质感，但淡绿和翠绿色仍是采用古彩中的平填法。
至雍正时期，无论在造型、胎釉和彩绘方面都有了空前的发展，粉彩工艺也日趋走向工致秀丽，柔和淡雅，逐步形成了自己特有的装饰风格。
由于粉彩的颜料里掺入了“粉质”产生了一种柔和感而且粉彩的烧成温度比古彩低（一般为700℃而古彩为800℃左右）画面烧出来后尤其在色彩感觉上比古彩要显得柔软，所以粉彩又有“软彩”之称。
粉彩所用的颜料种类远较古彩为多，以金为呈色剂的胭脂红，在康熙时的珐琅彩中已经出现，到雍正的粉彩中已大量使用，这种红色调也有多种变化，淡如蔷薇，深如胭脂，古彩所用红色仅限矾红一种，总共享色也不过只六~七种，而粉彩多达数十种。
雍正粉彩瓷器上的纹样，有花鸟、人物故事和山水，但由于要充分运用胭脂红和黄色、白色、浅绿色的渲染的有利条件，故以花卉为主，特别是官窑器，在白胜霜雪的瓷面上，数朵绮丽彩花妸娜多姿，其中尤以胭脂红色的牡丹甚为绝艳。
雍正粉彩不仅有白地彩绘，而且还有各种色地彩绘的，如有珊瑚红地、淡绿地、黄地、紫红地和黑地等。
至乾隆时期，在技术上和艺术的表现上达到了更高的成就，制作精益求精，出品极为精美，但图纹有渐趋繁缛的倾向。
综观康、雍、干三朝的各期特点是：康熙的刚建；雍正的雅致；乾隆的华缛。但人们一提起粉彩总要以雍正和乾隆的不平作为标准。
无论是雍正粉彩不是乾隆粉彩在艺术表现风格上更多地吸收了中国画的章法、设色等传统技法，生动地体现了自然界的形象，过去（直至现在）从事粉彩瓷绘的高级艺人大都喜爱且擅长中国画，并模仿国画起稿。同时还有一些外地画家来到景德镇从事粉彩作业，他们以瓷代纸，因而出现了一批绘画艺术很高的作品。
他们有向历代画家学习代代相传的传统：例如山水远学宋代的范宽、郭熙、马远、夏圭，近及清代的四五及袁江袁耀叔侄。而人物远及吴道子、李公麟、近及黄慎、改奇、费晓楼、钱慧安，吴有如以及明清版画、年画，近代月份牌画无不涉及。然花鸟受黄筌、崔白、恽南田，尤以任伯年和宫廷画家郎世宁影响最深。初学芥子园的也不少，但随着印刷术的发展，现行各类画谱画册五彩斑烂层出不穷。它不仅继承了中国画的优良传统，同时还吸收了西画的优秀表现方法。陶瓷大学的创办大力提倡素描与写生，取他人之长，补已之短，大大开阔了粉彩的艺术境界。为繁荣和提高粉彩的技艺充满了无限的生机。
粉彩瓷的升值不容置疑
不久前的一则新闻吸引了海内外众多收藏家的注意，在香港佳士得举办的“戴萍英基金会收藏”专场拍卖会上，一件乾隆御制粉红地彩轧道蝴蝶瓶成可拍卖会的焦点。这件蝴蝶瓶釉地为粉红色，瓶身上精心绘制了24只大小不一、姿态各异、栩栩如生的蝴蝶，制作工艺可谓精雕细琢，独具匠心。蝴蝶瓶最终以4700万港币落槌，这一价格创下了乾隆粉彩拍卖的又一个记录，仅次于中国嘉得2006年以5280万元人民币成交的乾隆粉彩开光八仙过海图盘口瓶。
在传世的乾隆御制瓷中，此花瓶为孤品，未见其他相同器物。瓶身修长，造型典雅高贵。瓶卷口内收，细长头，圆折肩，腹部下敛，圈足。口饰金彩，口沿外壁雨道描金弦纹中饰花卉纹。瓶内施松石绿釉。外壁粉色轧道为地。肩部描金弦纹下饰凸起如意云头纹一周，牡丹，牵牛，雏菊，罂粟，山茶等花卉散落器体，多彩的蝴蝶翩翩纷飞于折枝花卉之间，姿态各异，群蝶或逐花而飞，或两两相对，或相交耳语，或采蜜花间，生机盎然，别有一番天然意趣。足墙绘一周莲瓣挂磬垂璎络纹。底足松石绿地，矾红彩书《大清乾隆年制》篆书款。其图案绘制异常精美，粉釉底子暗刻花纹，用各色珐琅彩绘姿态各异、栩栩如生的蝴蝶，可谓精雕细琢，匠心独运。
天朝奇葩粉彩瓷
粉彩瓷与青花瓷、颜色釉瓷和玲珑瓷并称四大名瓷，“粉彩”是瓷器釉上彩装饰手法的一种，又名“软彩”。粉彩工艺创于清康熙时期，由于当时经济繁荣，使景德镇制瓷手工业得以发展，工艺不断创新。制瓷工艺越来越讲究文化底蕴，生活中对瓷器的需求和兴趣也越来越讲究艺术情趣，清代康熙五十二年，官窑匠师在珐琅彩的启发和影响下，引进了铜胎珐琅不透明的白色彩料“玻璃白”，在工艺上又借鉴了珐琅彩的多色调的配制技法，创造出了“粉彩”釉上彩新品种。因为“玻璃白”具有乳浊效果，画出的图案可发挥渲染技法的特性，呈现一种粉润的感觉，因此被称为“粉彩”或“软彩”。
在粉彩没有发明之前，我国彩瓷都是单线平涂，所作花卉缺乏立体感。自从发明了玻璃白以后，在瓷器上面绘画时，先在所需要的纹饰部分施一层玻璃白，如同纸上粉本一样，然后再在粉上渲染各色颜料。因此使画面具有粉质感，立体感也很强，所绘图像表现力强，融会中国工笔重彩的构图与技法，画面浓淡相间，阴阳衬托，形象生动，线条工细流畅，色彩清丽粉润，而且色彩柔和、细腻、雅致，不论山水景物、人物故事、花卉鸟兽、草木虫鱼以及静物图案均可入画，极富诗情画意。
粉彩瓷器在近几年的国内外拍卖场上，主要以清康熙、雍正、乾隆三朝的官窑瓷器备受推崇，每每推出，总能诞生令人咂舌的天价。比如，2000年香港苏富比春拍，一件清乾隆粉彩花蝶如意耳葫芦尊以3304.5万港元成交；2002年香港苏富比春拍中，一件清雍正粉彩蝠桃纹橄榄瓶以4150万港元成交；中国嘉德2006年春拍中，一件清乾隆粉彩开光八仙过海盘口瓶以5280万元成交；接着在香港佳士得秋拍中，一只清乾隆御制珐琅彩杏林春燕图碗，以1.5亿多港元的高价成交，引起轰动。
粉彩瓷器创烧于康熙一朝，雍正朝发展成熟，乾隆朝达到鼎盛。再加上雍正在位只有短短的13年，因此，雍正粉彩存世稀少，十分难得。乾隆粉彩虽然与雍正粉彩相比缺少了些文气，但富贵艳丽，符合盛世情怀，一经推出，也是众人瞩目。
稀有精品百鹿尊
在2008年秋季北京歌德上拍的一件清乾隆粉彩百鹿矾红描金双螭耳尊以1255万元人民币成交，此价格创出了当年北京秋拍瓷器类单品的最高成交记录。这件百鹿尊出自名门收藏，历经1996年纽约苏富比、1999年香港苏富比两次拍卖，曾著录于《香港苏富比三十周年》精品集。这件百鹿尊是乾隆皇帝十分喜爱的一件瓷器，多年来一直被当做稀世粉彩瓷器珍藏。此类型的百鹿尊仅北京故宫博物院、上海博物馆和景德镇博物馆中略有珍藏，海外藏品则更加稀少，像北京歌德上拍的这件拍品一样流传有序，并且品相完美的就更加罕见，具有很高的收藏价值。
北京歌德秋拍上的这件百鹿尊瓷器，圆口，鼓腹，圈足，造型硕大端庄。肩部饰捏塑矾红描金双螭耳。器身通景以粉彩绘山水园苑百鹿图，百鹿纹饰明代即已出现，但此图粉本或出自清初宫廷画家沈铨之《百鹿百鹤图》，寓意福禄万代，福寿长春。全图施彩丰富，图中山石、树叶多以绿彩绘就，彩头艳丽；百鹿、树干枝多用赭色、墨彩勾皴点染。绘工精雅细腻，布局疏密有致。装饰效果富丽华典，雍容典雅却又清新悦目，充分体现了乾隆官窑精品的时代风貌和技法水平。
百鹿尊因形状似牛首、鹿头又被俗称为“牛头尊”、“鹿头尊”，是闻名于世的乾隆御窑粉彩名品，是宫中重要的陈设器皿。在乾隆早期的宫廷御制品中，百鹿尊是最华美的装饰瓷的一种。百鹿尊深得乾隆皇帝的喜爱，究其原因主要是：百鹿尊的主题纹饰具有吉祥的含义，“百鹿”与“百禄”同音，这种瓷器可以看做是皇廷特殊等级和身份的象征；器身图案描绘的是一幅理想化的帝王狩猎场景。此外，瓷器本身的纹饰也特别精美，将广阔的山水浓缩于梨形器上，百鹿尊狭窄的肩颈处，远处的山峰的描绘为我们呈现了一幅放大的透视山水画。
19世纪三四十年代，百鹿尊的设计开始兴盛起来。图案与乾隆时期的图案高度一致。当时，御制瓷的制作标准开始下降，百鹿尊在同时期的瓷器中是制作工艺最好的。百鹿尊耳部用浮雕，细节处加上矾红和镀金凸显效果，代替了原来的淡绿和蓝色釉。在多年后，百鹿尊的故事仍然在延续。19世纪末，即清光绪年间，这种器形更加兴盛。民国时期制作的同类瓷器有的带仿乾隆款，有的则带光绪款。但山石风格怪异，颜色过渡不自然，所绘的鹿也不再有18世纪的自然神韵了。
清中期的粉彩瓷，其做工细腻、粉润柔和、色彩丰富，被誉为“东方艺术珍宝”，其价位也是一直居高不下。到了民国时期，粉彩瓷采用传统的粉彩画法，并多以宋、元、明、清及近代名画为题材。作品在造型、线条、光线、色彩等方面都吸取了近代画之长。因民国距今不足百年，其粉彩瓷器传世量较多，所以价位不是很高，非常适合大众收藏者的口味。在近几年的一些拍卖会上，民国的粉彩瓷器已越来越受到藏家们的青睐。
民国粉彩瓷已得到众多收藏者的认可。虽然民国时期烧制的粉彩瓷器大都制作粗糙，绘制精美者很少。这时期的作品比不上明清瓷更具文物价值，但其中一些绘制精美、做工精细的粉彩瓷器还是有很高的收藏价值和升值潜力的。在今后的几年内，民国粉彩瓷的价格还将稳步攀升，其中的精品之作，升值空间更是不可限量。
尽管经验表明，任何一类艺术品都不可能保持持久上升的势态，在达到一定的市场价位后，出现调整或停滞是必然的，然而，物以稀为贵，当一件稀世珍宝出现的时候，相信这种期待只会有增无减。
TIPS：粉彩瓷辨伪
近来，关于粉彩瓷画的赝品充斥着收藏市场，因此在鉴别上需特别注意以下问题：
首先，看一件瓷画作品与看纸、绢、中国画一样，看的规律是：“一字、二画、三印章”。对作伪画瓷的高手来说，“仿画容易，仿字难”，字是最难仿的，字不对，作品很难看真。其实，画也是难仿到位的。一件名家之作，其功力是不言而喻的。每件作品都能感受到画家的灵气。而仿品与伪作，无论是字或画都是有形而无神，或是连形都相差万里，其真伪叫人一目了然。
其次，看瓷器的制作工艺与瓷画原料。瓷器的制作工艺是有很强的时代特征。民国时期的瓷胎较坚硬，器物胎体的轻重一般较为适中，釉面比较肥润，表面光泽温和，而新仿的瓷器因图厚利，不免处处偷工减料，胎体比较轻薄，釉薄无肥润感，釉面光泽刺眼，成一种死硬的光感，缺乏温润的气质。正因如此，伪作者往往在器表用化学药物浸蚀，用细砂纸擦弄或用颜料涂抹，这种种手法，只要细心观察，亦不难发现。
绘瓷原料使仿者与原作亦有本质的区别。民国时很多绘瓷原料是矿物料，研磨精细，烧出后颜色鲜艳、厚重，层次感强、光泽度好，手触细腻嫩滑。而现在仿品所用绘瓷原料多用化学配制料或代用品，粗劣不堪，烧出后粗糙无光泽，无鲜艳可言。色调平淡，没有精神。
总之，作伪者或临摹、或拼凑、或生造，千方百计将赝品打扮成“原作”，但只要细心揣摩，仔细分析，多看、多比，总不难找到其蛛丝马迹的。